ACTORES Y ACTRICES DE TODOS LOS TIEMPOS

Farrah Fawcett



Nació el 2 de febrero de 1947 en Texas (USA).

En 1968 decidió trasladarse a Los Ángeles para convertirse en modelo, su imagen de chica rubia y sexy típicamente americana, le abrió las puertas y participó en varios anuncios publicitarios, al mismo tiempo que hizo una breve colaboración en la producción francesa de Claude Lelouch "
Del amor y de la infidelidad"
(1969).

En 1970 hizo un papel secundario en la disparatada "
Myra Breckinridge"
, junto a Mae West y Raquel Welch, colaborando también en varios telefilms y en la serie detectivesca "
Harry O"
, junto a David Jassen, que permaneció dos años en antena (1974-76).

En 1973 contrajo matrimonio con el actor Lee Majors y apareció en varios episodios de su serie "
El hombre de los 6 millones de dólares"
en 1974.

En 1976 llegó su salto definitivo a la fama, siendo elegida junto a Kate Jackson y Jaclyn Smith, para protagonizar la serie policia "
Los Ángeles de Charlie"
, donde tres bellas señoritas se introducían en los lugares más inaccesibles para resolver complejos casos. Farrah interpretaba a la sexy Jill Munroe y pronto se convirtió en toda una sex symbol de los 70. Sin embargo, tras concluir la primera temporada, tomó la sorprendente decisión de abandonar la serie y fue sustituía por Cheryl Ladd, dando vida a su hermana Chris. Los fans de la serie enfurecieron y su productor, Aaron Spelling estuvo a punto de demandarla, pero al final todo se arregló cuando ella accedió a participar como actriz invitada en varios episodios de la tercera y cuarta temporada.

También probó suerte en el cine, sin destacar demasiado en el estupendo film de ciencia-ficción "
La fuga de Logan"
(1976), sus siguientes trabajos fueron un fracaso total: la comedia de acción "
Sol ardiente"
(1979) y el film futurista de Stanley Donnen "
Saturno 3"
(1980), junto a Kirk Douglas y Harvey Keitel.

Su película más conocida fue la disparatada comedia "
Los locos de Cannonball"
(1981), donde ejercía de chica-florero.

En 1982 se divorció de Lee Majors, ya que mantenía un romance con el también intérprete Ryan O'Neall. En los 80 sería un rostro habitual en telefilms populares como "
The Burning Bed"
(1984), "
Nazi Hunter: The Beate Klarsfeld Story"
(1986) "
Pobre niña rica"
(1987) o "
Small Sacrifices"
(1989), trabajos por los que recibió nominaciones a los Emmy y a los Globos de oro.

En 1992 trató de regresar a la televisión con la sitcom "
Good Sports"
, al lado de Ryan O'Neall y William Katt, pero la serie sólo se mantuvo una temporada en antena. En 1995 sorprendió a muchos cuando apareció desnuda en la revista "
Playboy"
a los 48 años, manteniendo aún su imagen sexy. Dos años más tarde rompió su relación con Ryan O'Neall.

Luego combinó trabajos cinematográficos que le reportaron críticas positivas en "
Camino al cielo"
(1997), melodrama dirigido y protagonizado por Robert Duvall y en "
Dr. T y las mujeres"
(2000), insulsa comedia romántica de Robert Altman, al lado de Richard Gere, Liv Tyler, Laura Dern y Kate Hudson. Por esta misma época hizo intervenciones como actriz invitada en series de éxito como "
Spin City"
o "
Ally McBeal"
. En 2004 protagonizó la comedia "
The Cookout"
y 2995 volvió a la pequeña pantalla con "
Chasing Farrah"
, un reality show que sigue su vida las 24 horas del día. El día 27 de agosto de 2006 se reunió junto a sus amigas y ex-compañeras Kate Jackson y Jaclyn Smith para hacer acto de presencia en la gala de los Emmys en homenaje póstumo al productor Aaron Spelling. En su tiempo libre colabora en labores humanitarias en la lucha contra el cáncer y la violencia doméstica.

Kate Capshaw

Kate Capshaw, Steven Spielberg, Jessica Capshaw y
Christopher Gavigan.

Nació el 3 de noviembre de 1953 en Texas (USA).

Estudió Educación especial en la Universidad de Missouri y durante dos años trabajó como profesora para niños discapacitados.

Posteriormente decidió trasladarse a Nueva York para encontrar su camino como modelo y actriz. Tras estudiar actuación y canto.

Entre 1976 y 1980 estuvo casada con Robert Capshaw, con quien tuvo una hija llamada Jessica Capshaw, que también es actriz.

Gracias a su elegante belleza, trabajó como modelo para la Agencia Ford y empezó a intervenir en spots publicitarios.

En 1981 debutó en la pequeña pantalla participando en la serie "
The Edge of the Night"
.

Un año después realizó su primer trabajo cinematográfico con la comedia romántica "
A Little Sex"
e intervino en el telefilm "
Missing Children: A Mother's Story"
(1982).

Su primer contacto con la popularidad llegó en 1984 al dar vida Willie Scott, la cantante del nightclub de Shangai "
Obi Wan"
y acompañante de Indiana Jones (Harrison Ford) y de Tapón (Ke Huy Quan) en la aventura de "
Indiana Jones y el templo maldito"
de Steven Spielberg. Cabe destacar su glamourosa entrada en los títulos de crédito del film donde aparecía bellísima con un vestido rojo con lentejuelas, cantando en el tema de Cole Porter "
Anything Goes"
en idioma mandarín y acampañada por un coro de bailarinas en un número con sabor a Hollywood clásico.

Sin embargo su personaje, con los constantes gritos y quejas, provocó las inevitables comparaciones entre los que echaban de menos a la más intrépida y aguerrida Marion Ravenwood (Karen Allen) de "
En busca del arca perdida"
(1981). Durante el rodaje de la película ella y Steven Spielberg comenzaron a enamorarse, aunque la pareja no se casó hasta 1991, ya que Spielberg se divorció de la actriz Amy Irving en 1989. Según palabras del propio Spielberg: "
Al final de la película, Indiana Jones se quedaba con la chica, pero en realidad fui yo el que me quedé con ella"
.

A mediados y finales de los 80 intervino en los films "
La mejor defensa, el ataque"
(1984), "
La gran huida"
(1984), "
Power"
(1986) de Sidney Lummet o "
Black Rain"
(1989) de Ridley Scott.

Coincidiendo con su boda con Spielberg, en los 90 espació sus apariciones como actriz interviniendo en films poco destacables como "
My Heroes Have Always Been Cowboys"
(1991) y participando en la serie de una temporada "
Black Tie Affair"
(1993). A mediados de la década fue secundaria en las películas "
Causa justa"
(1994), "
Un asunto de amor"
(1994) y "
Donde reside el amor"
(1995).

En 1997 protagonizó el drama "
The Locust"
, donde coincidió con su hija Jessica Capshaw. En 1998 realizó una gira teatral junto a David Arquette con la obra "
The Alasmist"
. Un año después realizó otro papel protagonista y fue productora en la comedia dramática "
Carta de amor"
. A principios del siglo XX actuó en los telefilms "
A Girl Thing"
(2001) y "
Due East"
(2002). En 2003 fue entrevistada para los extras incluidos en la edición especial en DVD de la trilogía de "
Indiana Jones"
. En los últimos años ha permanecido alejada de la interpretación y se ha dedicado a cuidar de los 5 hijos (Theo, Sasha, Sawyer, Mikaela y Destry) que ha tenido con Steven Spielberg, razón por la que únicamente la hemos podido ver acompañando a su marido en galas de premios (Oscars y Globos de oro, entre otras muchas), preestrenos cinematográficos y otros actos públicos. El más reciente ha sido el preestreno de "
Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal"
(2008), que tuvo lugar el domingo 18 de mayo de 2008 en el Festival de Cannes. Durante los años previos a la preproducción de este cuarto film, se rumoreó la posibilidad de que ella apareciese interpretando a Willie Scott, aunque cuando el proyecto ha visto finalmente la luz, es únicamente Karen Allen la que vuelve aparecer en esta película interpretando a Marion Ravenwood.

Cher



Cherlyn Sarkisian LaPierre (n. 20 de mayo de 1946) es una cantante y actriz estadounidense. Es madre de Chastity Bono y de Elijah Blue Allman. Lleva vendidos más de 200 millones de discos en todo el mundo y 75 millones con Sonny &
Cher. Ella es una de artistas que más a vendido de todos los tiempos en sus 45 años de carrera como cantante, . Ha logrado convertirse en una de las personas más influyentes del planeta del último medio siglo. Su éxito cinematográfico más notable fue en 1987 en la comedia romántica Hechizo de luna por el cual fue galardonada con un premio Oscar y en 1998 vive el punto más alto de su carrera musical con Believe, que dominó las listas mundiales a comienzos de 1999 y que ha logrado vender aproximadamente 4 millones de copias sólo en Estados Unidos, dandole un Grammy, por lo que ha sido certificado de 4× Platino discos de platino por la RIAA. Hasta el 2006, la Warner Bros anunció que Believe apróximadamente había vendido 20 millones de unidades por todo el mundo tras ocho años de éxitosa explotación comercial, haciéndo de éste su álbum más éxitoso.

Cher como es conocida mundialmente, es una cantante, actriz, directora, productora, californiana. De madre con ascendencia cherokee (tribu amerindia) y padre armenio, nace el 20 de mayo de 1946, en el estado de California (Estados Unidos). Nació en el seno de una familia armenia. Su madre, Georgia Holt, era un mujer que se casó ocho veces y que se dedicaba a la actuación y al canto. Trabajaba duramente para sacar adelante a Cher y su hermana. Cher, harta de la inestabilidad familiar, marcha a Los Ángeles con el único sueño de convertirse en actriz, idea que no alcanza a concretarse en ese momento, pero que tendría resultados posteriores sorprendentes. Tras haber trabajado como bailarina Go-Go, una mañana de 1963 conoce en una cafetería al músico y compositor Sonny Bono, del cual se enamora casi instantáneamente e inician una relación sentimental, según contaría la misma Cher.

Sonny, quien entonces trabajaba para Phil Spector (reconocido productor musical de los Beatles) en los estudios Gold Star hace que Cher participe como corista de algunas leyendas musicales de la época. Es ahí donde empieza a relacionarse con el ámbito musical. Sonny, quien estaba convencido del potencial de Cher, pide a éste grabarla en solitario. Spector, dudoso del talento de Cher, accede;
pero ante el nerviosismo de verse sola ante el micrófono del estudio musical, Cher pide a Sonny que la acompañe y es ahí cuando nace el dúo legendario Sonny &
Cher en la escena musical, que tendría resultados sorprendentes, con su álbum Look At Us (1965). Vestidos con prendas extravagantes logran situarse durante meses en las listas de popularidad Billboard y colocar el LP como uno de los primeros cinco más vendidos de ese año, con singles como I Got You Babe todo un clásico, Just You y Baby Don't Go rompiendo récords que hasta ese entonces solo sostenían The Beatles.

Sin embargo, aprovechando el éxito del dúo, Cher lanza al mercado el LP en solitario All I Really Want To Do, que también tiene gran aceptación, colocándolo en las listas de popularidad de ese mismo año;
así Cher compaginando su carrera (dúo - solitario) logra tener a tan corta edad varios números uno en las listas;
es así que desde 1965 a 1970 Sonny &
Cher logran colocar temas como "
Dream Baby"
, "
Bang Bang My Baby Shot Me Down"
,"
Living For You"
y "
The Beat Goes One"
(El Ritmo Continua).

Todo continuó hasta principios de los años 70, cuando tras haber probado la fama y la buena fortuna, parecía que la llama se comenzaba a extinguir. Fracasan dos intentos de Sonny tratando de convertir a Cher en actriz con las películas "
Good Times"
y "
Chastity"
(esta última con el mismo nombre de la hija de la pareja quien naciera en 1969: Chastity Bono Sarkisian). Resultaron unos verdaderos fiascos, con una deuda con la hacienda norteamericana por cerca de 270,000 mil dólares que ocasionó disgustos a la pareja, que para ese entonces solo se presentaba en lugares de poco renombre. Sin embargo estos disgustos sirvieron para lanzarles a la fama nuevamente, pues en 1971 firman contrato con la cadena de televisión CBS para trasmitir un show de variedades titulado The Sonny &
Cher Comedy Hour en el cual se veía a la pareja hacer comedia y actuaciones completamente en vivo con distintas celebridades invitadas.

El show resulta un éxito y se convierte en uno de los más vistos y con las más altas audiencias en la historia de la televisión norteamericana y galardonado con dos Globos de Oro, por serie de tv. Cher logra colocar un single "
Gypsys, Tramps and Thieves"
en el #1 de la lista Billboard por varias semanas consecutivas. Le sucedieron temas como "
Half-Breed"
y "
Dark Lady"
igual de exitosos.

Era tal el éxito de la serie que las peleas cómicas pronto comenzaron a tornarse en casos de la vida real;
Sonny y Cher terminan en divorcio y con tal separación termina la serie causando la sorpresa de la audiencia.

Sin embargo, CBS, convencida del talento de la cantante, pide a Cher la realización de su propio show de variedades en 1975 teniendo invitados como Elton John, Bette Midler, etc. El show es aceptado por el público, bastante familiarizado con el rostro de la cantante;
para entonces Cher, casada por segunda ocasión con el rockero Gregg Allman (con quien tiene su segundo hijo en 1976, esta vez varón, llamado Elijah Blue Allman), ocasiona el morbo de la prensa sensacionalista quien no se cansa de escribir notas amarillistas en sus páginas lo que ocasiona el final del programa en 1977.

A principios de 1979 Cher, divorciada en segunda ocasión y a cargo de dos hijos, intenta consolidar su verdadero sueño, convertirse en actriz, lo cual le costó mas trabajo pues los productores no tenían la confianza en su talento(«Me costó trabajo ser aceptada por los cantantes como una de ellos, y más me costó ser vista como actriz por los actores», en palabras de Cher). Lanza al mercado el CD "
Take Me Home"
posicionándolo en el número 5 de la lista en ese año, un tema totalmente Disco de acuerdo a las tendencias de los años 70.

No es hasta 1982 cuando su madre, Georgia Holt, quien era amiga de la esposa de Robert Altman (productor teatral) consigue una oportunidad para Cher de trabajar en la meca teatral más importante del mundo, Broadway, en la obra "
Come Back To The Five And Dime Jimmy Dean Jimmy Dean"
;
esta actuación fue el pase para poder trabajar a lado de Meryl Streep en 1982 con la película "
Silkwood"
en la cual interpretaba el papel de una mujer lesbiana, lo que atrajo más seguidores del publico gay, que hoy encabezan casi el 70% de sus fans.

Su actuación fue bien recibida por la crítica, lo que le proporcionó una nominación al Oscar en 1983 y que ganase un premio "
Golden Globe"
. En 1985 realiza "
The Mask"
("
Máscara"
) donde interpreta a una mujer cuyo hijo tiene una malformación en el rostro que le obliga a usar una máscara y es discriminado. Esta actuación sirvió para que Cher ganara un premio de mejor actriz en Festival Internacional de Cine de Cannes. El éxito de Cher en cine le ocasionó una racha de trabajo pues en 1987 realizó 3 Películas: "
The Witches of Eastwick"
("
Las brujas de Eastwick"
) junto a Susan Sarandon, Michelle Pfeiffer y Jack Nicholson;
"
Suspect"
y "
Moonstruck"
("
Hechizo de luna"
), esta última al lado de Nicolas Cage y con la que ganó el premio Oscar convirtiéndola junto a Barbra Streisand en ser las únicas mujeres premiadas con el máximo galardón a la actuación perteneciendo a un ámbito musical. Un álbum grabado en 1989, "
Heart Of Stone"
, sitúa de nuevo a Cher en el número 1 de las listas con temas como "
Heart Of Stone"
, "
Just Like Jesse James"
y "
If I Could Turn Back Time"
. Este último single uno de los más grandes éxitos de la cantante y causó controversia por su estrafalario videoclip, donde Cher se lucía entre marineros de un barco de guerra con muy poco vestuario.

En 1990 Cher a los 44 años, triunfaba una vez más en la pelicula "
Mermaids"
que fue un éxito de taquilla junto con Bob Hoskins, Winona Ryder y Christina Ricci (quien en ese entonces tenia 9 años), la película recibió muchos comentarios positivos por parte de los críticos. Cher contribuyó con dos canciones para su banda sonora. "
Baby I'm Yours"
, y el segundo single del álbum, "
The Shoop Shoop Song (It's In His Kiss)"
, que se convirtió en un éxito simultaneo, llegando al número 1 En el Reino Unido, número 3 en Alemania y en Francia, y número 5 en Australia, este tema era considerado el hit más exitoso de Cher (Hasta esa Fecha).

En 1991, Cher termina su contrato con Geffen Records lanzando el álbum Love Hurts. Esta producción tuvo un gran impacto en Europa, al igual que en el resto del mundo, particularmente en el Reino Unido en el que debutó en el número 1 y permaneció allí durante 6 semanas consecutivas. A diferencia de sus 2 discos anteriores, Love Hurts recibió menós atención en Estados Unidos, donde fue certificado "
Oro"
, en los países europeos, el disco fue certificado con multiples discos de platino. La portada europea es distinta a la versión americana donde muestran a Cher acostada con una peluca roja y las manos en la cabeza.

Aparte del éxito mundial de The Shoop Shoop Song (It's In His Kiss), el álbum también provocó otro gran éxito titulado "
Love and Understanding"
que alcanza la posición número 3 en el Reino Unido así como en Estados Unidos, que llega al Top 20. A estos sencillos le siguen "
Love Hurts"
, "
Could've Been You"
y "
Save Up All Your Tears"
, que tuvieron menor éxito, este ultimo sencillo es favorito de Cher, hasta la fecha "
Love Hurts"
ha vendido alrededor de 15 millones de copias convirtiéndose en uno de los más vendidos de toda su carrera.

En Alemania, Cher recibió el prestigioso premio ECHO en la categoría de "
Cantante Mas Exitoso Del Año"
. Semanas después Cher se embarca en el "
Love Hurts Tour"
en todo 1992, en este mismo tiempo lanza 2 videos de Fitness en VHS titulados Cherfitness: A New Attitude y Cherfitness: A Body Confidence.

En 1992, la recopilación Greatest Hits: 1965-1992 se convirtió en un gran éxito, que se mantuvo en la posición número 1 en el Reino Unido durante siete semanas consecutivas como también en otros países. El álbum, que contiene tres nuevos temas grabados: "
Oh No Not My Baby"
, "
Many Rivers to Cross"
y "
Whenever You're Near"
que también estuvieron disponibles en los Estados Unidos pero sólo como una importación.

A finales de 1992, a la edad de 46 años, Cher tuvo algo de descanso después de lo que se informó ampliamente como un caso de virus de Epstein-Barr o síndrome de fatiga crónica. Durante este tiempo Cher hizo pequeñas apariciones informales, promocionando cosmeticos de belleza para el cuidado del cabello de su amiga Lori Davis, pero que desgraciadamente tuvo un efecto negativo en su carrera, también hizo apariciones de cameo en peliculas como "
The Player"
de Robert Altman y "
Pret-a-Porter"
(1994)

En 1994, en colaboración con MTV, Cher interpreto una nueva version del clásico I Got You Babe junto con los dibujos animados Beavis and Butt-head. En el año siguiente, junto con Chrissie Hynde, Neneh Cherry and Eric Clapton, lanzan el sencillo "
Love Can Build a Bridge"
, que se apodera de las listas de el Reino Unido.

A mediados de 1995, Cher lanza un nuevo álbum titulado It's a Man's World, que en su mayoría son nuevas versiones de otras canciones, este álbum no fue lanzado en Estados Unidos hasta el verano de 1996. It's a Man's World fue un éxito moderado que logro vender alrededor de 4 millones de copias en Europa pero no corrió con la misma suerte en Norteamerica. También en 1996 Cher, junto con Demi Moore y Nancy Savoca, protagonizaron "
If These Walls Could Talk"
, un dramatico documental de HBO, que recibió una nominación al Globo de Oro y al Emmy

Cher se encontraba en Londres, Inglaterra en enero de 1998, cuando recibió una llamada de su hija Chastity, que le informa sobre la sorprendente noticia de la muerte de Sonny Bono a los 62 años en un accidente de esqui. Fotografiada en lagrimas y defraudes, Cher asiste al funeral de Bono para darle la ultima despedida a pesar de que se habían separado hace más de 24 años y vuelto a casar nuevamente. En el momento de su muerte Sonny Bono era un congresista muy popular de California, comprometido con su cuarta esposa Mary Bono. El funeral fue transmitido por CNN, En frente de millones de personas, lágrimas en los ojos y con mucha rabia, Cher elogió a el hombre que había sido la figura de un padre, amigo, socio, amante, esposo, y antagonista...

A pesar de las acusaciones de oportunismo, Cher continuo expresándose abiertamente acerca de la muerte de su difunto ex-marido.

A mediados de 1998, Sonny &
Cher recibieron una estrella en el paseo de la fama en Hollywood para la televisión, Cher apareció junto con Mary Bono, quien aceptó el premio en nombre de su difunto marido.

Después de 2 años con poco movimiento y con la muerte de Sonny Bono, Cher, a los 52 años de edad, lanza en 1998 un nuevo y novedoso disco de estudio llamado "
Believe"
.

Una brillante copilacion de musica de genero Dance, este disco fue un descomunal éxito musical y de critica, alcanzo instantáneamente el número 1 en Alemania y en todos los paises en donde fue lanzado incluidos los mercados de Estados Unidos, Reino Unido, Francia y Australia, donde fue certificado como 4x Platino en E.U y que en 2006 alcanzaba los 20 millones de copias vendidas. En 1999 se llevó un premio Grammy, el primero de Cher, no obstante el primer sencillo que lleva el mismo nombre del álbum, aplastó en las listas de 1999, la canción alcanzo el número 1 en 23 paises de todo el mundo incluyendo los Estados Unidos y el Reino Unido. Believe convirtió a Cher en la mujer más veterana en tener un éxito mundial.

También se convirtió en la producción más exitosa de Cher en más de 33 años de carrera profesional y esta misma se convirtió en la 1ª mujer en tener hits que han entrado en el Top 10 en las ultimas 4 decadas (1960s, 1970s, 1980s y 1990s). Believe se convirtió en el sencillo más vendido en Reino Unido por parte de una artista femenina permaneciendo 7 meses en el primer 1 lugar.

Believe es la tercera canción más exitosa del planeta que ha sido lanzada por una artista femenina y ha vendido más de 10 millones de unidades mundialmente. De el álbum también fueron lanzados otros sencillos individuales como "
Strong Enough"
que se convirtió en un éxito simultaneo en Europa e igualmente en Norteamerica, también "
All or Nothing"
y "
Dov'è L'Amore"
que tuvieron éxito mundial pero no en su nativa Estados Unidos.

En Diciembre de 1998, Cher lanzo su 1ª autobiografía titulada "
The First Time"
, más que una biografía, este libro colecciona los más íntimos secretos de Cher, recuerdos de su infancia y su carrera en Hollywood. En enero de 1999, realizó también una aparición especial en el "
Super Bowl XXXIII"
que se transmitió en vivo. Más adelante, aparece en uno de los especiales de television altamente valorados de Estados Unidos, el concierto de "
VH1 Divas Live 1999"
, con la participación de Tina Turner, Elton John, Chaka Khan, Faith Hill, Mary J. Blige, LeAnn Rimes, Brandy y Whitney Houston

Más tarde en 1999, Cher vuelve a la pantalla grande con una de los mejores directores del mundo, Franco Zeffirelli y una de sus grandes producciones "
Té con Musollini"
. A mediados de 1999, se embarca nuevamente en una gira titulada Do You Believe Tour???, que se recauda $ 160 millones de dolares, de este tour sale un DVD titulado "
Cher Live In Concert"
, que es nominado a un premio Emmy

El 30 de Noviembre de 1999, Cher publica una nueva recopilación titulada The Greatest Hits que instantáneamente se convierte en un éxito de ventas alcanzando el número 1 en Alemania y el número 7 en el Reino Unido, esta recopilación fue lanzada exclusivamente para el publico europeo. Más tarde llega una nueva Recopilación, este es lanzada especialmente a Norteamerica titulada "
If I Could Turn Back Time: Cher's Greatest Hits"
y por esto recibió el premio ECHO en Alemania en el año 2000 (Cher y Madonna son las únicas que han hecho esto)

En 2006, la discográfica del disco "
Believe"
, anunció que después de 8 años a la venta, el disco había alcanzado los 20.000.000 de copias vendidas por todo el mundo.

The believe Tour continuó hasta mediados del 2000 y se convirtio en la gira más exitosa, hasta la fecha, ese mismo año, recibió el World Music Award por su contribución en la música a lo largo de toda su carrera.

Despues de esto, Cher lanza el álbum titulado Not.com.mercial con ritmos de rock alternativo, casi todos los temas fueron escritos por la propia Cher entre 1993 y 1995. Más sin embargo, el álbum fue rechazado por los sellos discograficos, de hay su título (No Comercial), por esto, decidió comercializar su disco a traves de su pagina Web, ésta era la primera vez que Cher escribía la mayoria de los temas para un material discografico.

En febrero de 2002, siguiendo con el genero dance, Cher lanza la tan esperada secuela de Believe: Living Proof, que llegó a la posición número 9 del Billboard 200, una increible calidad contenía este nuevo álbum, pero lastimosamente no repitio el exito que tuvo su predecesor en 1998. Fuera de Estados Unidos, el disco recibió multiples reconocimientos en Reino Unido, Francia y Australia, y en Alemania alcanzo la posición número 13. El escaso éxito se debió a la falta de iniciativa que hubo en Estados Unidos en el momento que se lanzó el álbum.

El primer sencillo fue lanzado para Europa, titulado The Music's No Good Without You, que fue un gran exito en el viejo continente y en Australia, y se posicionó en el puesto número 1 del Top 10 de Reino Unido, Rusia y Polonia, entre otros. El álbum incluyó varias canciones re-mezcladas que se abrió camino en el Hot Dance, Maxi-Single Sales, Club Play y el Adult Contemporary charts. El álbum fue certificado de oro en Estados Unidos y Alemania y logro vender más de 12 millones de copias en todo el mundo.

Ese mismo año, Cher ganó el Dance/Club Play Artist y recibio el premio honorifico en los Billboard. En mayo de 2002, Cher aparecio por segunda vez en el especial de Divas Live, sin embargo la sede cambió, dandole el nombre del especial de "
VH1 Divas Live Las Vegas 2002"
con Shakira, Celine Dion, las Dixie Chicks, Anastacia, Cyndi Lauper, Mary J. Blige, Whitney Houston y Steve Nicks. En junio, se dieron a conocer los planes para la preparacion de la gira Living Proof: The Farewell Tour, la cual seria la ultima gira mundial de Cher, aunque ella misma prometió que lanzaría nuevos discos.

The Farewell Tour en sí es un homenaje a sus casi 40 años en el mundo del espectáculo. Se destacó el rendimiento de éxitos y video clips de la década de 1960s en adelante, destacando sus éxitos en la música, la televisión y el cine, todo en medio de los antecedentes y una compleja fase de puesta en marcha, con el respaldo de una banda, cantantes y bailarines, incluida la acrobacia aérea. Las fechas se han añadido, y la gira fue prorrogada varias veces, que abarcó prácticamente todas las principales ciudades de Estados Unidos, y Canadá (y 3 conciertos especiales en México D.F) y varios conciertos por toda Europa, así como las principales ciudades de Australia y Nueva Zelandia. Yendo más allá de su fecha de finalización original recaudando mas de 250 millones de dolares y un premio Emmy

En abril de 2003, The Very Best of Cher, un CD de recopilación de todos sus grandes éxitos que abarcan toda su carrera, fue puesto a la venta. El álbum alcanzó el número cuatro en las listas de Billboard 200. La compilación ha sido certificado doble platino y ha vendido 3,5 millones de copias en todo el mundo.

Ella encontró el éxito en la televisión, una vez más, en la primavera de 2003, con "
Cher: The Farewell Tour Live"
, un especial de NBC grabado el 7 y 8 de noviembre de 2002 en Miami, en el American Airlines Arena en lo que atrajo a 17,3 millones de televidentes, por esto, Cher gano un premio Emmy. En 2003, publica Live! The Farewell Tour una colección de canciones en vivo sacados de la gira. Tambien participo en la pelicula Stuck On You, donde interpretaba a una Cher Materialista, junto con los hermanos siameses Farrelly interpretados por Matt Damon y Greg Kinnear y con su novio de secundaria interpretado por Frankie Muniz.

Rompiendo su propia palabra, Cher anuncia que deja el retiro y vuelve a los escenarios. A mediados de 2006 firmó un contrato para reemplazar a Celine Dion en el Caesar's Palace de Las Vegas;
dicho contrato incluye 200 shows durante 3 años. En los conciertos que empezaron el 6 de mayo, se repasarán los mejores temas de toda su discografia, incluidos los años de Sonny &
Cher. Además, promete una puesta en escena impresionante, con un escenario diferente en cada canción. Después de su éxitoso inicio en el Colosseum del Caesar's Palace el 6 de mayo, se anunció que el 8 de mayo se tendrían en un programa especial del exitoso Oprah Show, de invitadas especiales al legendario dueto Cher &
Tina Turner. Ambas Divas sorprendieron al público con sus performances individuales, cerrando el programa con el memorable single Proud Mary, juntando a las leyendas una vez más, hecho que tardó décadas. El hecho de haber tenido en el mismo escenario a Oprah Winfrey, Tina Turner &
Cher, hizo del especial, el programa más visto en meses en EUA, rompiendo los propios récords del programa de Winfrey.

La Diva de Divas de 62 años de edad se presentara cuatro veces por semana. Se confirma el mes de febrero que su contrato esta avaluado en $ 180 millones de dolares (segun fuentes, De la cadena ABC ) por los tres años de show. Además, se espera que Cher presente nuevo disco a finales de 2008 La revista Forbes calcula una fortuna de mas de $ 900 millones de dolares, Conviertiendola en una de las artistas mas acaudaladas de la industria. La fortuna de Cher, facilmente sobrepasa $1 billion.

Cher se presentó el 10 de Febrero para la ceremonia Numero 50ª de los Premios Grammy, haciendo la presentación del performance de su gran amiga Tina Turner y de Beyoncé, y se anunció que ha renovado su sitio de internet http://www.cher.com/

Michael Landon



Michael Landon (31 de octubre de 1936 – 1º de julio de 1991) actor, escritor, director y productor estadounidense, quien protagonizó tres exitosas series de televisión en la cadena de NBC. Fue muy conocido por su papel como Little Joe en Bonanza (1959-1973), Charles Ingalls en Little House on the Prairie, y como Jonathan Smith en Highway to Heaven.

Landon nació con el nombre de Eugene Maurice Orowitz en la ciudad de Nueva York, más precisamente en Forest Hills, Queens. El padre de Landon, Eli Maurice Orowitz, era un actor y director de un cine de origen judío americano, mientras que su madre, Kathleen Ignatius O’Neill, era una bailarina de sangre irlandesa. Eugene fue el segundo hijo de la familia;
su hermana, Evelyn, había nacido un años antes. En 1941, cuando Orowitz tenía 4 años de edad, él y su familia se mudaron a Collingswood, New Jersey, en donde él asistió a la Collingswood High School.

Después de cambiarse el nombre, Landon se convirtió en uno de los más populares y duraderos actores de fines de la década de 1950, haciendo su primera aparición en The Mystery of Casper Hauser. Este papel le abrió la puerta a otros roles, actuando en I Was a Teenage Werewolf, Crossroads, The Rifleman, The Adventures of Jim Bowie, Wire Service, Telephone Time, General Electric Theater, The Court of Last Resort, The Tales of Wells Fargo, Johnny Risk, y muchos más.

En 1959, a la edad de 22 años, Landon tuvo su primer rol importante en la televisión haciendo el papel de Little Joe Cartwright en Bonanza, la primera serie de TV en ser trasmitida en colores. Otros actores en esa misma serie incluían a Lorne Greene, Pernell Roberts, y Dan Blocker. Debido a el buen recibimiento por parte del público de su actuación, Landon pudo dirigir y escribir algunos episodios de la serie. Finalmente, Bonanza fue cancelada en 1973 debido a los bajos niveles de audiencia que poseía en ese momento.

Un año después de que Bonanza fuera cancelada, Landon protagonizaría el piloto de otro exitoso western, Little House on the Prairie (conocido en España como La casa de la pradera, en México como Los pioneros y en el resto de América como La familia Ingalls), nuevamente para la NBC. En adición a Gilbert, dos entonces desconocidas actrices llamadas Melissa Sue Anderson (Mary Ingalls, la hija mayor de la familia Ingalls) y Karen Grassle (Carolina Ingalls, la esposa de Charles), participaron en el programa. Landon fue el productor ejecutivo, escritor y director de la serie. Little House... enfatizaba los buenos valores y la amistad, algo que le gustó al público, convirtiendo la serie en un éxito en la primera temporada.

La serie fue nominada a varios Emmy y Globos de Oro. Después de ocho años, NBC trajo de nuevo el show en 1982. El mismo año, Landon dirigió Little House: A New Beginning, siendo esta serie el "
capítulo final"
del programa, ya que éste finalizaría en la primavera siguiente.

En Highway to Heaven, Landon hacía de Jonathan Smith, un ángel guardián bajo prueba, cuyo trabajo era ayudar a la gente para poder ganar sus alas. NBC pensó que el programa no duraría mucho, pero la realidad fue muy diferente, probando ser un gran éxito para el actor. Al igual que en Little House..., aquí Landon no se desempeñaba sólo como actor, sino también como productor ejecutivo, escritor y director del show.

Landon se casó tres veces:

1º Dodie Levy-Fraser (se casaron en marzo de 1956. Se divoraciaron en diciembre de 1962) Tres hijos adoptados:

- Mark Fraser Landon, nacido el 1º de octubre de 1948
- Josh Fraser Landon, nacido el 11 de febrero de 1960
- Jason Samuel (Landon) Smith, nacido el 13 de mayo de 1961

2º Marjorie Lynn Noe (nacida Marjorie Lynn Noe, se casaron el 12 de enero de 1963. Se divorciaron en 1980) Cuatro hijos:

- Leslie Ann Landon, nacida el 11 de octubre de 1962
- Michael Landon Jr. nacido el 20 de junio de 1964
- Shawna Leigh Landon, nacida el 4 de diciembre de 1971
- Christopher Beau Landon, nacido el 27 de febrero de 1975

3º Cindy Clerico (se casaron el 14 de febrero de 1983) Dos hijos:

- Jennifer Rachel Landon, nacida el 29 de agosto de 1983
- Sean Matthew Landon, nacido el 5 de agosto de 1986

El 5 de abril de 1991, Landon fue diagnosticado con un cáncer de páncreas inoperable. Murió el 1º de julio de ese mismo año, a la edad de 54 años, en la ciudad de Malibú, California.

Geraldine Chaplin



Geraldine Leigh Chaplin (n. Santa Mónica, California, 31 de julio de 1944) actriz estadounidense, afincada en España, que posee una amplia trayectoria cinematográfica desarrollada en distintos países y reconocida internacionalmente.

Hija de uno de los más famosos actores del cine mudo, Charles Chaplin y de su última esposa, Oona O'Neill -hija del dramaturgo Eugene O'Neill-, nace en Estados Unidos en 1944.

A los ocho años emigra a la localidad suiza de Vevey. En 1961 se traslada a Inglaterra, incorporándose al Royal Ballet School de Londres. Se convierte en bailarina de gran éxito, ejerce también de modelo e incluso de payaso en el circo Medrano de París.

En 1963 hace una obra en el teatro de los Campos Elíseos en el papel de Cenicienta. Ese mismo año protagoniza su primera película, Los mil días de Ana Bolena, a la que sigue un papel destacado en Doctor Zhivago, de David Lean, cuyo rodaje empieza a justificar su arraigo en España. Su encuentro con el director Carlos Saura, a quien permanece unida profesional y sentimentalmente hasta 1979, resulta decisivo en el desarrollo de su carrera cinematográfica, rodando juntos un total de nueve películas que se inscriben en la corriente del nuevo cine español contrario a los convencionalismos de la época, destacan Peppermint Frappé (1967), Ana y los lobos (1973), Cría cuervos (1975) y Mamá cumple cien años (1979).

Hasta 1998, año de su regreso a las pantallas españolas, Geraldine Chaplin se prodiga en el cine inglés, francés, suizo y norteamericano, trabajando a las órdenes de Robert Altman, Alan Rudolph, Alain Resnais, Martin Scorsese o Daniel Schmid, entre otros.

En 2002 colabora con Pedro Almodóvar en Hable con ella, además de obtener el Premio Goya a la mejor actriz de reparto por su trabajo en En la ciudad sin límites, de Antonio Hernández, donde vuelve a coincidir con Fernando Fernán Gómez. En 2007 destaca su papel de médium en el filme de terror El Orfanato, de Juan Antonio Bayona, que le vale una segunda candidatura al Goya.

Actualmente está casada con el operador chileno Patricio Castilla, con quien tiene una hija, Oona, nacida en 1986.


Geraldine, Josephine, Oona y Charlie Chaplin en su casa de Suiza en 1955.

Bud Abbott

Abbot y Costello

William Alexander “Bud” Abbott, (n. 2 de octubre de 1897 - m. 24 de abril de 1974) actor, productor y comediante estadounidense.

William Alexander Abbott pasó sus primeros años en el Ringling Brothers Circus, donde sus padres trabajaban. De ahí le salió la vocación para actuar y empezó a trabajar.

En los años 20 junto con su hermano Harry intentó organizar una cadena de teatros que resultó un fracaso, por eso se dedicó al music hall, en que interpretaba al personaje serio en dúos cómicos.

En 1936 se asoció con Lou Costello, teniendo éxitos sobre todo en la radio. Buster Keaton llegó a decir que ellos eran actores de la radio más que de cine.

En junio de 1939 también triunfaron en Broadway, en la revista Streets of Paris, y al año siguiente pasaron al cine. Su gran éxito llevó a la productora Universal a rodar unas cuantas películas sobre las habilidades cómicas de la pareja. Se destacaron del resto de los dúos del cine y la televisión por las peculiaridades que los diferenciaron. El rol de Bud Abbot, dentro del duo constituía un personaje serio pero que evidentemente se aprovechaba del ingenuo Costello a quien utilizaba para todo provocando una sana hilaridad, toda vez que este actuando con torpeza siempre estropeaba las intenciones del primero.

El éxito que tuvieron motivó o inspiró el nacimiento de otros duos que indudablemente tomaron gran parte de las carácterísticas de estos, tal por ejemplo el conformado por Jerry Lewis y Dean Martin.

Su colaboración duraría hasta 1956 que fue cuando retomaron sus carreras artísticas por separado. En ese tiempo Abbott volvió a hacer una asociación, ahora con Candy Candido, actuando en salas de fiesta, pero la unión resultó un fracaso total, por el recuerdo que tenía el público de su anterior unión.

En 1967 fue contratado por Hanna-Barbera como doblador de su mismo personaje en una serie de dibujos animados inspirados en Abbott y Costello, después de trabajar en 156 capítulos volvió a ser olvidado.

Lou Costello

Abbott y Costello.

Lou Costello (Paterson, Nueva Jersey, 6 de marzo de 1906 - Los Angeles, California, 3 de marzo de 1959, actor cómico estadounidense, cuyo verdadero nombre era Louis Francis Cristillo.

Formó junto a Bud Abbott una de las más famosas parejas cómicas de Hollywood, y él era el alma de dicha pareja interpretando a un gordito miedoso y algo ridículo que no cesaba en ser utilizado por su contrafigura. Tuvo una enorme popularidad en Estados Unidos y también en Latinoamérica. En España, aun gozando de gran éxito, nunca alcanzó los gustos mayoritarios del público. La peculiar dupla que conformara con Bud Abbot, dio lugar a contrapartidas como la del duo protagonizado posteriormente por Jerry Lewis (Joseph Levitch) y Dean Martin.

Catherine Deneuve



Catherine Dorléac conocida artísticamente como Catherine Deneuve (París, 22 de octubre de 1943), actriz francesa.

El primer director con el que trabajó fue Roger Vadim en El vicio y la virtud, aunque su primer gran éxito vino con la película de 1963 Los paraguas de Cherburgo.

Ha trabajado con Roman Polanski, Camus, Luis Buñuel, Hugo Santiago o François Truffaut entre otros.

Catherine Deneuve es embajadora de buena voluntad de la UNESCO. Tiene de 2 hijos: Christian Vadim (nacido en 1963) con el director Roger Vadim, y Chiara Mastroianni (nacida en 1972) de la relación que la actriz mantuvo con Marcello Mastroianni durante 4 años. Catherine Deneuve sólo se ha casado una vez, con el fotógrafo británico David Bailey, matrimonio que fue de 1965 a 1972. Era hermana de la también actriz Francoise Dorleac, tristemente fallecida en accidente de coche en el año 1967. Ella fue la que puso a Catherine Deneuve con cineastas como Polanski y Buñuel. Trabajaron juntas en "
las señoritas de rochefort"
, siendo esta su ultima película

Françoise Dorléac



Françoise Dorleac, el truncado dulce porvenir. Se cumplen 41 años de la muerte de la actriz francesa, hermana de Catherine Deneuve


Con tan sólo 25 años tuvo tiempo de trabajar con cineastas del prestigio de François Truffaut o Roman Polanski y dejar películas como “La piel suave”,“Cul-de-sac” y “Las señoritas de Rochefort"
. De una belleza tal vez alejada de los rasgos clásicos de su hermana Catherine Deneuve, pero algo menos fría y distante, más sensual, su estilo representó los incipientes años 60. Quienes la conocieron la recuerdan por su talento, determinación y férreo carácter, y también por su risa continua y ansias de vivir. El 26de junio de 2008 se cumpliran 41 años de su fallecimiento en un accidente de circulación cuando se dirigía al aeropuerto de Niza, una tragedia que truncó una carrera que estaba alcanzando una notable proyección internacional. Un rostro que nunca llegó a envejecer en la pantalla, y que forma parte de la galería de inmortales del celuloide tempranamente desaparecidos.

Casi predestinada desde muy joven a convertirse en actriz, Françoise Dorleac nace en París el 21 de marzo de 1942 en el seno de una familia de tradición artística. Segunda de cuatro hermanas, sus padres Maurice Dorléac y Renée Deneuve, ambos intérpretes de teatro, la dejan intervenir sobre las tablas desde los 10 años. Una juventud rebelde y un accidentado paso por el liceo, la conducen finalmente a estudiar en el Conservatorio de Arte Dramático de París de 1957 a 1961, logrando en 1960 su primer papel de importancia encarnando a la “Gigi” de Colette en el Teatro Antoine. Al mismo tiempo debuta en 1959 en el Cine con “Les loups dans la bergerie” de Hervé Bromberger, y su imagen comienza ser conocida como modelo de Dior. Durante este periodo interviene en cintas como “Todo el oro del mundo” de René Clair y “Arsenio Lupin contra Arsenio Lupin” de Eduard Molinaro, junto a Jean Pierre Cassel, y es en uno de estos primeros trabajos, “Les portes claquent” de Michel Fermaud, donde anima a Catherine, con la que tan sólo se lleva 18 meses, a vencer sus reticencias y aparecer por primera vez en la pantalla.

Es 1964 un año decisivo que cambia el signo de su carrera. Accede a un primer plano gracias al inmenso éxito de “El hombre de Río”, brillante film de aventuras dirigido por el especialista del género Philippe de Broca, junto a Jean Paul Belmondo. Su belleza y carácter extrovertido encajan con el tono de una cinta que también marcará la trayectoria posterior de Belmondo, una serie de populares largometrajes que seguirán su estela de aventuras y humor como “Las tribulaciones de un chino en China” (1965) o “Cómo destruir al más famoso agente secreto del mundo” (1973), del propio De Broca. El segundo encuentro fundamental de aquel año tiene lugar a la vuelta del rodaje en Brasil de “El hombre de Río”: la espera François Truffaut para dar vida a su Nicole de “La piel suave”.

Françoise y Truffaut el director de “Los cuatrocientos golpes” se conocieron un año antes durante un viaje a Tel Aviv organizado por Unifrance Films. Ambos admiten más tarde que tuvieron que vencer cierta resistencia inicial, unos prejuicios que desaparecen gracias al descubrimiento mutuo, y en especial, la pasión que les une por los libros -la literatura, junto al propio Cine, la infancia y el amor son las constantes del universo del cineasta-. “La piel suave” es un proyecto que tuvo una gestación y ejecución inusualmente rápida entre de los inacabables preparativos de producción de “Fahrenheit 451”, varias veces pospuesta.

Crónica de una infidelidad a partir de un suceso leído en un periódico, considerada en su día un trabajo menor, el tiempo la ha preservado como una obra intimista, cubierta de melancolía y un latente romanticismo. Truffaut nunca se sintió plenamente satisfecho con los resultados, tal vez porque no se entendió demasiado bien con el actor Jean Desailly, quien encarna a un hombre casado que se enamora de una azafata. En una carta confesó: “El rodaje está resultado mucho menos agradable que mis anteriores filmes: penoso, duro, desmoralizador. A Jean Desailly, quien aparece continuamente en pantalla no le gusta ni la película, ni su personaje, ni el tema, ni yo. Nuestras relaciones son hostiles e hipócritas. Françoise Dorleac es encantadora, excelente”.

La actriz en principio se siente descontenta con la dureza de Nicole en el guión, pero conforme avanza su compenetración con Truffaut consigue moldearla. En el momento de su estreno precisa: “Nicole acabó por parecerse a mí, françois logró que hablara como yo, que contara las cosas que me habían sucedido a mí y que sólo modificábamos ligeramente.Esto explica que hoy no esté segura de que no me guste”. Este personaje de innegable atractivo se acerca más que ningún otro a la realidad, representa su estilo de mujer independiente, seductora, consciente de sus actos y su joie-de-vivre. Viven una breve relación sentimental durante el rodaje, que más tarde se convierte en una estrecha amistad, y son estos sentimientos y la fascinación que sentía el realizador por sus actrices, lo que tal vez lo empuja a filmar algunos de sus planos más hermosos, una seducción construida con miradas, gestos y silencios, con algunas secuencias emblemáticas, como el deseo contenido en el instante en el que el protagonista retira las medias de las piernas de Nicole.

“La piel suave” significa un cambio de registro, demostrando su capacidad para asumir personajes dramáticos. Así fue reconocido en el Festival de Cannes de aquel año, donde sin embargo el film tiene una acogida desigual que decepciona profundamente a su autor. Se da la circunstancia de que en aquella misma edición de 1964 otro realizador vinculado con la Nouvelle Vague, Jacques Demy, obtiene la Palma de Oro con la maravillosa “Los paraguas de Cherburgo”, musical que lanza a la fama a Catherine Deneuve, objeto de una especial atención durante el certamen. La prensa entonces se esfuerza en buscar una rivalidad entre las dos célebres hermanas, algo que en realidad nunca existió.

Un año más tarde protagoniza “Cul-de-sac”, una de las obras maestras de Roman Polanski, ganadora del Oso de Oro en el Festival de Berlín. Al igual que en su primer film “Cuchillo en el agua” y en la magnética “Repulsión”, el cineasta polaco reincide en intento de llevar al límite a unos personajes en un espacio aislado. Françoise es Teresa, una joven aburrida de su pusilánime esposo (Donald Pleasance), dedicada a matar el tiempo en un pequeño castillo de la costa británica donde recalan unos atracadores huidos. La actriz parece conectar con el peculiar humor del director, entiende el negro divertimento que le propone en la construcción de este ambiguo personaje, no exento de cierta crueldad, que juega con quienes le rodean conforme crece la tensión y las desavenencias salen a la luz ante las situaciones a las que les someten los llegados.

En unas declaraciones realizadas en 1976, Polanski recuerda el inicio del rodaje en Holy Island, Northumberland, donde “Françoise había llegado con unas 17 maletas, mientras que el lugar era una pequeña isla sin nada en absoluto, perdida... Creo que había 180 personas a la redonda y 5 pubs”. Señala su profesionalidad, tanto para las escenas de desnudo como para las duras condiciones de trabajo, entre otras, someterla a unas largas tomas nadando en agua helada durante un plano secuencia de unos 7 minutos que transcurre en la playa. Reconoce también los desacuerdos en algunos momentos: “no era fácil, tenía muchas discusiones con ella, porque el director debe dirigir a los actores. Pero ella planteaba siempre preguntas cuando le decía que hiciera cualquier cosa... Puede ser a causa de que había estado habituada a hacer siempre lo que quería... la inspiración del momento, le cinéma vérité como dicen” y al mismo tiempo su despreocupación “¡Era divertida! Le gustaba mucho reír. Reía todo el tiempo. No era como Catherine, que es más reservada, fría y cerrada (...) ¡He aquí, todo esto era Françoise! Lo imprevisible, la catástrofe, el exceso mezclado con esa inimaginable fuerza de la personalidad"
. Pese a estas dificultades, de la mano de Polanski logró dar forma al que tal vez sea su trabajo más complejo y arriesgado, también el más recordado, y le permitió mostrar su dúctil capacidad con una interpretación cargada de distintos matices.

Tras este éxito diversificó sus intervenciones dispuesta a consolidar su nombre en la industria anglosajona con títulos como la fallida producción histórica “Gengis Khan” de Henry Levin junto a Omar Sharif, y la sofisticada comedia “¿Dónde están los espías?” de Val Guest, al lado de David Niven, y residiendo largas temporadas en el dinámico Londres de la época.

Por fin en 1966 Jacques Demy logra reunir a las dos hermanas en la que se ignoraba iba a ser la última oportunidad de verlas compartir plano, “Las señoritas de Rochefort”, dando forma a unas fantasías coloristas que recuerdan al musical clásico americano. Demy convierte esta ciudad de la costa atlántica francesa en un inmenso escenario para un delicioso espectáculo, en el que dos estudiantes de música, Delphine y Solange, están decididas a triunfar en París y encontrar el amor. Completan el extenso reparto George Chakiris, Danielle Darrieux, Jacques Perrin, y la inestimable participación de Gene Kelly.

Más alegre y vitalista que “Los paraguas de Cherburgo”, aunque algo más convencional en su concepción formal, y de nuevo con la partitura del compositor Michel Legrand, la cinta permite observar el parecido entre ambas hermanas, la complicidad en la manera de moverse, la innata elegancia para portar el vestuario y representar el mundo ideado por el director. Aunque fueron dobladas en las canciones, pueden poner en práctica sus dotes para el baile -Françoise comparte varias secuencias con Gene kelly-, y los documentos fílmicos del rodaje, a cargo de la fotógrafa y cineasta Agnès Varda, esposa de Demy, muestran la diversión en los ensayos ante el reto que supone el musical.

“Las señoritas de Rochefort” llega a las pantallas en 8 de marzo de 1967, las marquesinas de las capitales francesas se inundan de los carteles con la imagen de las dos hermanas, y la revista Paris Match las muestra en su portada. Apenas tres meses más tarde, el 26 de junio, Françoise viaja hacia el aeropuerto de Niza para tomar un avión a París y de allí volar a Londres donde debía completar su trabajo en “Un cerebro de un billón de dólares” de Ken Russell, y esperar el estreno de la cinta de Demy en la capital británica. A unos 10 kilómetros de su destino, pierde el control del coche alquilado que conduce, se sale de la carretera y posteriormente se incendia. Esta repentina desaparición causa una profunda conmoción en Francia, la malograda intérprete se encontraba en un momento radiante con un prometedor futuro por delante;
en poco más de 8 años había rodado cerca de 20 películas.

Meses después de su fallecimiento se estrena el que sería su trabajo póstumo "
Un cerebro de un billón de dólares"
. El británico Ken Russell recuerda los últimos meses pasados junto a la actriz, a la que pidió que se tiñera de rubio para que dar mejor el tipo de espía nórdica, su vitalidad durante los días de pruebas de vestuario en París, y la preocupación de ésta porque su papel parecía demasiado romántico. También señala como "
sobrevenida su desaparición, habíamos pensado incluso hacerla doblar por una inglesa, pero en el último momento guardamos su voz, el último y único homenaje que nosotros, que habíamos trabajado con ella, vivido con ella, podíamos destinarle"
. Destaca su necesidad de estar sola durante sus largos paseos por Helsinki, donde se encontraba el equipo haciendo localizaciones, y como ni siquiera quería que su compañero de reparto Michael Caine, que al parecer tenía una pequeña debilidad por ella, la acompañase. El propio Caine señala que "
si se analiza la situación, Françoise no podía llegar a ser en Francia una estrella más grande que su hermana. Catherine era realmente una estrella, un icono. Eran los años 60, y las jóvenes comenzaban a viajar, para las actrices era importante trabajar en Inglaterra y todavía más en los Estados Unidos. Esto es así todavía. Filmando en el extranjero, se liberaba de Catherine”.

Estas declaraciones forman parte del libro que en 1996 Catherine Deneueve escribe en colaboración con Patrick Modiano "
Elle s´appelait Françoise"
, tras casi 30 años de haber guardado silencio sobre su hermana. Reconoce que el dolor por esta pérdida le impidió durante este tiempo afrontar el tema de forma pública, pero que la necesidad de mantener presente su memoria la animó a hacerlo. La primera imagen que le viene a la cabeza es “su cara, su pequeña nariz, sus pecas, su risa, su voz. Sobre todo su voz. Cuando la oigo aparece en mí inmediatamente. La voz de Françoise es como un perfume, es algo realmente muy tenaz, que cada vez reabre una herida que jamás se cerrará por completo"
. Reconoce que “afortunadamente se hizo "
Las señoritas de Rochefort"
. Hasta allí éramos cómplices, nos veíamos o frecuentábamos, pero no tanto como entonces. Nos acercaron físicamente. Tengo una memoria de aquel rodaje extraordinaria"
. A lo que Jacques Demy añade: "
era inquieta, tímida, muy acomplejada. No se conocía;
no sabía cómo vestirse, cómo cogerse, qué hacer con sus brazos, pero era tan actriz, le gustaba tanto actuar, que conseguía sobrepasar todo esto"
. En relación a ambas hermanas, Philippe de Broca señala: “Tenía el sentimiento de proteger a su hermana pequeña Catherine, de hecho era lo inverso. La echo siempre de manos”.

Respecto a la pregunta de cuál de los personajes la refleja mejor, Catherine responde: "
es difícil de decir porque verdaderamente muestra un aspecto diferente de su personalidad en cada una de las películas importantes que interpretó. "
El hombre de Río"
traduce sobre todo la parte de la infancia, "
Las señoritas de Rochefort"
refleja la imagen de su fantasía, "
Cul-de-sac"
prueba la extravagancia de la que era capaz... Vi de nuevo este film recientemente, me quedé estupefacta por la modernidad de su interpretación y su audacia... Pero la que es más fiel a lo que profundamente era Françoise es "
La piel suave"
. En 1994, la propia Catherine inauguró en Rochefort, la ciudad inmortalizada por Demy, la Plaza Françoise Dorleac en memoria de su hermana.

François Truffaut se encontraba rodando “La novia vestía de luto” no lejos del lugar del accidente y se sintió desolado por su muerte. Desde “La piel suave” les unía una especial complicidad, y mantenían una relación fundamentalmente epistolar. Por encima de otros testimonios, perdura con intensidad el artículo que publicó en Cahiers du Cinéma en 1968 titulado “Se llamaba Françoise...” –incluido en la recopilación de sus textos “El placer de la mirada”- donde puede leerse: “Personalidad fuerte, a veces autoritaria, que contrasta con un físico frágil y romántico (...) actriz en mi opinión insuficientemente valorada, sin duda habría encontrado, a los 30 años, el verdadero contacto con el gran público, que la habría adorado como la adoraron todas las personas que tuvieron la oportunidad de trabajar con ella. (..) Yo intentaba convencerla de que no tenía por qué preocuparse por el paso de los años y que el tiempo iba a su favor. Le decía que rodaríamos juntos cada 6 años y concertamos citas para 1970, 1976 y 1982. Cada vez que le escribía ponía en el sobre “Mademoiselle Framboise Dorleac” para asegurarme de que leería mi carta con una sonrisa en su rostro”.

Esas citas no pudieron llegar a cumplirse, aunque la fidelidad que Truffaut demostró hacia los intérpretes que le acompañaron a lo largo del tiempo indica que a buen seguro así habría sido. Los 40 años de su triste desaparición pueden servir para revisar su figura, un recuerdo que especialmente en Francia continúa vivo -así como hay diccionarios de intérpretes en castellano que bochornosamente la omiten, tiene una espléndida página homenaje en su país- o para descubrir, a través de la recuperación de cualquiera de sus largometrajes, una indeleble presencia en la pantalla.


Françoise Dorleac y su hermana Catherine Deneuve

Brigitte Bardot




Brigitte Bardot nació un 28 de septiembre de 1934 en París. Hija de una familia de clase media, su padre era directivo de una empresa industrial y su mamá se dedicaba a organizar desfiles en una casa de modas;
esto ayudó a la pequeña Brigitte a destacarse en las pasarelas, desde muy temprano.

Luego, en la adolescencia, Brigitte Bardot estudiaba en el Conservatorio Nacional de Danza con Boris Kniaseff. Apenas con 15 años conoció a un joven guionista y ayudante de dirección, Roger Vadim, con quien vivió su primer y apasionado amor. Fue una historia difícil la que vivieron los dos. Ella quería casarse antes de los 18 años y su padre se lo impidió. Se sabe que el día en que Roger fue a pedirle la mano, el padre de Brigitte lo esperó con un revólver en su escritorio y lo echó de su casa. Finalmente se casaron un 20 de diciembre de 1952 en el Registro Civil del distrito de Auteuil en París. Al año siguiente, ya era una estrella de moda.

Trabajó en la película Ladrones al claro de luna, polémica por sus escenas de desnudez. A ella siguieron películas como El gran seductor y Dichosa muchacha. A principios de los 60 ya cobraba cerca de un millón de francos para rodar su primer película protagónica, Y Dios creó a la mujer..., junto a su marido como director. Este film la consagró con muchísimo éxito, pero le acarreó grandes problemas en su vida matrimonial, lo que significó la ruptura con Vadim. Pero pronto se descubrió un romance muy breve y contradictorio con el protagonista de la película, Jean-Louis Trintignant, con quien convivió después de pedirle el divorcio a su marido.

Cuando tenía 45 años, la prensa francesa le contabilizaba 42 amantes. Entre estos podemos nombrar al cantante Gilbert Becaud (al dejarla por su esposa intentó suicidarse), el músico Sacha Distel o el actor Jacques Charrier (con quien se casó y tuvo un hijo el 11 de enero de 1960 llamado Nicholas). Al poco tiempo estuvo con el actor Sami Frey, por quien estuvo al filo de la muerte cuando se separaron, al igual que el mismo Sami, que intentó quitarse la vida. Muchos romances son los que formaron parte de su vida.

A los 39 años se retiró del cine. Para entonces había filmado más de 60 películas, y su figura entera había sido fotografiada unas 60 mil veces. Sus gestos, tan personales, estaban llenos de una sensualidad diferente, que no dejaba a nadie afuera;
parecía buscar complicidad y picardías en el espectador. Su cuerpo hablaba en las fotografías, demostrando diversos mensajes continuamente.

Brigitte representó un movimiento hacia la libertad femenina que acaparó los años 60 en Francia. Pero claro, Brigitte sentiría un abismo de libertad que le producía manifestarse graciosa, simpática, hasta sensual, para no sentirse tan sola. Todo provenía de una gran necesidad de afecto, lleno de desgarradoras depresiones que ocasionalmente la llevaron a intentar varias veces quitarse la vida. Cuando cumplió 50 años dijo: "
Lo difícil no es vivir;
lo difícil es sobrevivir"
. Para entonces los animales llenaban su vida.

En 1962 accedió a contar su vida en televisión. Estallaron las mediciones de audiencia. El mito, pese a los años, no había muerto. Brigitte poseía en su casa, La Mandrague, en la costa del Mediterráneo, una colección de animales recogidos o comprados a sus expropietarios, que los maltrataban: un asno, siete perros, sesenta gatos, tres cabras... Hasta hace poco contribuían a paliar su soledad. "
Sé lo que es vivir sin amor"
, dijo. "
Sé lo que es necesitar que nos abracen, y despertar a solas en mi cuarto"
.

Hoy, con 67 años, ya no está sola por las noches. Disfruta de su último matrimonio con Bernard D'Ormale, un político de ideas discutidas en Francia;
la protege de esa soledad aterradora que recorrió toda su vida y le ha devuelto las primaveras que creyó perdidas.

Jane Fonda



Jane Fonda nació un 21 de diciembre de 1937, en la ciudad de Nueva York, en Estados Unidos. Su nombre completo es Jane Symour. Su padre era el famoso actor Henry Fonda y su madre, Frances Seymour Brokaw. Ambos pertenecían a una familia aristocrática. Ella era la segunda esposa de su padre, quién ya tenía una hija y soñaba en este matrimonio con tener el varón deseado. Su presagio no se cumplió. Enseguida, nació la pequeña Jane y dos años más tarde su hermano, Peter.

Este hecho le hacía sentir que su padre no le daba el afecto que necesitaba, y que la rechazaba continuamente. La relación, de muchos años, fue muy conflictiva en gran parte de su vida. Quizás esta pequeña buscaba tener una relación mejor con su padre y es por eso que le gustaban tanto las actividades que a él lo hacían feliz. Por eso, de niña se dedicaba a ayudar a cuidar su huerta y le gustaba mucho andar a caballo. Contaba el padre: "
Ella quiere ser como yo"
.

Al padre le gustaban demasiado las mujeres y poco a poco fue decayendo su matrimonio. Hasta que inevitablemente llegaron los problemas conyugales, que afectaron la salud psicológica de su madre. El suicidio era lo que se acercaba. Y tristemente llego de la forma más cruel, cuando decidió cortarse el cuello con una cuchilla de afeitar. El padre, en vez de contarles la realidad tal cual fue, decidió mentirles, diciendo que su madre falleció de un ataque al corazón.

Esta mentira terminó de destruir a los hermanos Fonda. Más tarde, al enterarse la verdad a través de las revistas, Peter intenta suicidarse de un tiro en el vientre y Jane comienza a enfermar de bulimia con dependencia compulsiva. Su vida dependía de diuréticos y anfetaminas para no comer y no engordar. Fue presa de esta enfermedad por más de veinte años.

Jane estudió pintura en París. Se formó como actriz en EE.UU., en el Actor's Studio, de la mano de Marlon Brando y Paul Newman. Ahí comienza a dar sus primeros pasos como modelo para ganar su primer dinero. Pronto fue tapa de Vogue y otras revistas. Su vida amorosa se encontraba con nuevos festejantes, entre ellos James Franciscus.

A los 23 años protagonizó la película Me casaré conmigo, cuyo director fue Joshua Logan (amigo del padre). Cuatro años más tarde, realiza Los Felinos con Alain Delon, en Francia. Y ella confiesa a los medios de comunicación: "
Sin duda, me enamoraré de Delon porque sólo sé interpretar bien escenas de amor cuando amo a mi pareja."
Esto la llevó a tener una relación complicada con Romy Schneider, quien era su pareja del momento.

Otro amor de Jane Fonda fue Roger Vadim (descubridor de la famosa actriz Brigitte Bardot, con la que estuvo casado y de Catherine Deneuve, con quien acababa de tener un hijo). Vadim confesaba: "
En Jane encontré un deseo básico que lleva las cosas al límite."
En agosto de 1965, decide casarse porque esperaba su primera hija de Vadim, llamada Vanessa.

Fue la estrella de las películas clásicas de los 60 incluyendo Gata Negra y Barbarella. En Barbarella -con los trajes y corsés que eran dolorosos de usar- Jane Fonda es uno de los caracteres más memorables de la década, y los trajes, que anticipan teóricamente el 41º siglo, están entre ésos conectados lo más claramente posible con sensibilidades de los 60. En 1964 filma Juegos de amor a la francesa junto a Vadim. Dos años después, realiza La ingenua explosiva, La jauría humana, El engaño, y las Historias extraordinarias, basadas en los relatos de Edgar Alan Poe. Luego realizó con Robert Redford Descalzos en el parque.

En 1968, consagrada por el público como una figura sexy, se suceden varios episodios trágicos por motivo de los cuales ella resuelve viajar a la India en busca de paz y abandona a su hija y marido. Los problemas sociales en su vida entran a tener difusión en los medios masivos de comunicación. Los episodios fueron el asesinato de Jennedy y de Luther King. En la India, la miseria y el hambre abundaban, la asustan y cambia de decisión. Vuelve a EE.UU. y encabeza una marcha en contra de la guerra de Vietnam.

Su carrera artística le dio grandes gratificaciones. Tuvo una primera nominación a los premios Oscar, por el título Danzad, danzad malditos. Luego logra obtener dos Oscar por Klute, donde encarna a una prostituta, y por El regreso. Esta última trata de una tragedia de veteranos en Vietnam. Mientras rodaba Klute se la vinculó sentimentalmente con Donald Sutherland.

En enero de 1973, con el fin de la guerra, Jane se casa nuevamente embarazada de un abogado activista, Tom Hayden. Seis meses después, nace su hijo Troy. A mediados del 70 protagonizó Julia, California suite, Roba sin mirar a quién y, nuevamente con Robert Redford, El jinete eléctrico.

A principios de la década del '80, con casi 50 años, se reconcilia con su padre. Por la película En el estanque dorado, que interpretaron los dos. El tema de la misma es la relación con problemas entre un padre y una hija que no logran entenderse. Y como si estuviera preparado el destino, en el dialogo de este film, por primera vez se dicen "
te quiero"
.

En 1985, cuando recién había superado la bulimia, nos contaba lo siguiente: "
Me encantaba comer, pero quería estar delgada. Comía y vomitaba de 15 a 20 veces al día"
. Esto no sólo fue debilitando su estado físico sino también la dañaba psicológicamente. Protagonizó Gringo viejo (1989) de Luis Puenzo y Cartas a Iris (1990), que fue su último trabajo en el cine con Robert de Niro. En esta misma década se dedica al negocio de los gimnasios y videos para mantener la forma, con el que logra ganar mucho dinero.

En los años 90 se separa de Hayden. Se dedica a cambiar su estética, a través de cirugías en los párpados y pechos y se quita unas costillas para realzar su cintura. En 1991 se casa con el conocido magnate de televisión Ted Turner;
diez años más tarde se divorció. El problemas de esta simpática pareja era aparentemente las diferencias religiosas, para tomar la decisión de volver a actuar. Ted Turner fue el fundador de la CNN. Compraron la estancia "
La Primavera"
, propiedad en las afueras de Bariloche, cerca de Villa Traful. El campo tenía cuatro mil cuatrocientas hectáreas de paradisíaca belleza, a ochenta kilómetros de Bariloche. La estancia había pertenecido a la familia Larriviere, quienes la compraron en los años 30, fueron expropiados en 1945 y la recuperaron en 1955. Por ésta le pedían 10 millones de dólares y la compró finalmente por 6,5 millones de dólares.

Hace siete años, Ted llegó a Buenos Aires con su alocada agenda de soltero ocasional (con Jane había venido antes del estreno del film Gringo Viejo;
ella decidió en esa oportunidad trabajar como productora de programas especiales del canal TNT). Hizo una visita a la Casa Rosada y un paseo para conocer por el sur Argentino.

A principios de 2004, Jane Fonda anunció que volvería a actuar después de catorce años de ausencia. La película, Monstruo-en-Ley, es una comedia en la cual ella representa a la suegra anticipada de Jennifer López. Esta persona amable con público, humilde y muy educada, deja en su pasado la multiplicidad de personalidades en una. Jugaba continuamente con su público a ser un poco de todo. Un poco sex-symbol, otras veces a activista pacifista, como a la de actriz notable, y hasta la reina de la salud y de la aptitud, sin olvidar su papel de ser esposa siempre.

Todos estos roles a la vista y actuados dos o tres a la vez, hacen que el público se desconcierte absolutamente. Por eso es complicado cerrar parte su historia... porque hubo muchos matices en su escenario y quizás perdió demasiado tiempo en no haber elegido su verdadero color, por la avaricia de ser toda en una y no ser simplemente ella.

En 1968, consagrada por el público como una figura sexy, se suceden varios episodios trágicos por motivo de los cuales ella resuelve viajar a la India en busca de paz y abandona a su hija y marido. Los problemas sociales en su vida entran a tener difusión en los medios masivos de comunicación. Los episodios fueron el asesinato de Jennedy y de Luther King. En la India, la miseria y el hambre abundaban, la asustan y cambia de decisión. Vuelve a EE.UU. y encabeza una marcha en contra de la guerra de Vietnam.

Su carrera artística le dio grandes gratificaciones. Tuvo una primera nominación a los premios Oscar, por el título Danzad, danzad malditos. Luego logra obtener dos Oscar por Klute, donde encarna a una prostituta, y por El regreso. Esta última trata de una tragedia de veteranos en Vietnam. Mientras rodaba Klute se la vinculó sentimentalmente con Donald Sutherland.

En enero de 1973, con el fin de la guerra, Jane se casa nuevamente embarazada de un abogado activista, Tom Hayden. Seis meses después, nace su hijo Troy. A mediados del 70 protagonizó Julia, California suite, Roba sin mirar a quién y, nuevamente con Robert Redford, El jinete eléctrico.

A principios de la década del '80, con casi 50 años, se reconcilia con su padre. Por la película En el estanque dorado, que interpretaron los dos. El tema de la misma es la relación con problemas entre un padre y una hija que no logran entenderse. Y como si estuviera preparado el destino, en el dialogo de este film, por primera vez se dicen "
te quiero"
.

En 1985, cuando recién había superado la bulimia, nos contaba lo siguiente: "
Me encantaba comer, pero quería estar delgada. Comía y vomitaba de 15 a 20 veces al día"
. Esto no sólo fue debilitando su estado físico sino también la dañaba psicológicamente. Protagonizó Gringo viejo (1989) de Luis Puenzo y Cartas a Iris (1990), que fue su último trabajo en el cine con Robert de Niro. En esta misma década se dedica al negocio de los gimnasios y videos para mantener la forma, con el que logra ganar mucho dinero.

En los años 90 se separa de Hayden. Se dedica a cambiar su estética, a través de cirugías en los párpados y pechos y se quita unas costillas para realzar su cintura. En 1991 se casa con el conocido magnate de televisión Ted Turner;
diez años más tarde se divorció. El problemas de esta simpática pareja era aparentemente las diferencias religiosas, para tomar la decisión de volver a actuar. Ted Turner fue el fundador de la CNN. Compraron la estancia "
La Primavera"
, propiedad en las afueras de Bariloche, cerca de Villa Traful. El campo tenía cuatro mil cuatrocientas hectáreas de paradisíaca belleza, a ochenta kilómetros de Bariloche. La estancia había pertenecido a la familia Larriviere, quienes la compraron en los años 30, fueron expropiados en 1945 y la recuperaron en 1955. Por ésta le pedían 10 millones de dólares y la compró finalmente por 6,5 millones de dólares.

Hace siete años, Ted llegó a Buenos Aires con su alocada agenda de soltero ocasional (con Jane había venido antes del estreno del film Gringo Viejo;
ella decidió en esa oportunidad trabajar como productora de programas especiales del canal TNT). Hizo una visita a la Casa Rosada y un paseo para conocer por el sur Argentino.

A principios de 2004, Jane Fonda anunció que volvería a actuar después de catorce años de ausencia. La película, Monstruo-en-Ley, es una comedia en la cual ella representa a la suegra anticipada de Jennifer López. Esta persona amable con público, humilde y muy educada, deja en su pasado la multiplicidad de personalidades en una. Jugaba continuamente con su público a ser un poco de todo. Un poco sex-symbol, otras veces a activista pacifista, como a la de actriz notable, y hasta la reina de la salud y de la aptitud, sin olvidar su papel de ser esposa siempre.

Todos estos roles a la vista y actuados dos o tres a la vez, hacen que el público se desconcierte absolutamente. Por eso es complicado cerrar parte su historia... porque hubo muchos matices en su escenario y quizás perdió demasiado tiempo en no haber elegido su verdadero color, por la avaricia de ser toda en una y no ser simplemente ella.

Margaux Hemingway



Margaux Louise Hemingway (16de febrero de 1955 – 2 de julio de 1996)

Fue en 1976, durante una audición para la película «Lipstick». El productor, Dino de Laurentis, necesitaba una niña de aspecto angelical para que interpretara el papel de hermana de Margaux Hemingway, su gran estrella. Margaux se atrevió a sugerir: «¿Por qué no le hacéis una prueba a Mariel? Tiene 14 años y creo que lo puede hacer muy bien».

Y tan bien lo hizo que acabó enamorando a la cámara y eclipsando por completo a su hermana mayor. La sonrisa contagiosa de Mariel, su desenvoltura natural, fue lo único que salvaron los críticos de la quema.

«Lipstick» fue un sonoro fiasco con anverso y reverso. Hundió en el fango a Margaux y catapultó a las estrellas a Mariel. Abrió un insalvable abismo de envidia y odio entre las dos hermanas. Sirvió de prólogo al último y luctuoso capítulo de la leyenda negra de los Hemingway.

Aunque en los últimos años intentaron repetidas veces el borrón y cuenta nueva, Margaux nunca perdonó a su hermana pequeña. Muchos interpretan su misteriosa muerte -¿suicidio o ataque de epilepsia?- como el trágico desenlace de un duelo agónico entre la Margaux que fue y la Margaux que pudo ser, encarnada en su hermana Mariel.

Mariel rozó las nubes y fue candidata al Oscar gracias a la mano mágica del director Woody Allen en la entrañable «Manhattan». Se casó, tuvo dos hijos y disfrutó de una fama feliz.

Margaux no volvió a conseguir ni un discreto papel: su carrera como actriz y como modelo cayó en picado en cuestión de meses. Atrás quedaron el contrato del millón de dólares con Fabergé y la portada de la revista «Time». Su primer matrimonio (con una especie de «parásito» con el nombre de Errol Wetson) saltó por los aires. Comenzó a beber incontroladamente. La depresión, la epilepsia y la bulimia se cebaron con ella. Su sentencia de muerte estaba escrita desde los 22 años.

Llevaba la palabra suicidio grabada en las sienes. «Varias veces he pensado en quitarme la vida», declaraba la mayor de las hermanas Hemingway en 1988 a la revista «People». «Sobre todo a raíz de mis dos fracasos matrimoniales, cuando me di cuenta de que la gente intentaba aprovecharse de mí por mis apellidos. El "
star system"
está lleno de sanguijuelas profesionales».

En la misma entrevista, Margaux recordaba la nunca superada rivalidad con su hermana: «Fue una bofetada en plena cara. Se supone que la estrella era yo y a mí sólo me caían malas críticas. Todos los elogios se los llevó mi hermana, que en su momento fue muy desagradecida. Se portó como una estrellita de Hollywood y no me dio ni siquiera las gracias. A mí me dolió mucho. Yo le allané el terreno del éxito y ella no quiso saber nada más de mí. Nuestra relación personal fue muy tensa durante varios años por culpa de todo aquéllo».

Con el tiempo, sin embargo, las dos nietas de Ernest Hemingway hicieron las paces: «Fue nada más abandonar el Betty Ford Center, donde pasé varios meses recuperándome de mi adicción al alcohol. Mariel vino a recogerme y me demostró su aprecio. Las cosas cambiaron a partir de ese momento. Nos entendimos mejor».

La vida de Margaux, cortada de cuajo a los 41 años, 35 años después del suicidio de su abuelo en 1961, fue un poco como la de aquel toro que vio morir en Pamplona: «Le clavaban más y más espadas y el animal no cedía. Hasta que comenzó a echar sangre por la nariz, hincó las rodillas y murió lentamente. No pude soportar aquella visión: así me veía yo».

Después de aquella corrida, en 1985, Margaux dio por terminado su segundo matrimonio, con el cineasta francés Bernard Foucher. Había decidido que nadie más se iba a aprovechar ni de ella ni de su apellido en lo que le restaba de vida. Pero el alcohol, ese veneno genético de los Hemingway, comenzó a pasarle factura. La bulimia, el hambre voraz e incontrolable, acabó por descomponer su semblante y su figura.

Intentó resucitar en 1990, con aquellas fotos que apareciereon en «Playboy». Tal vez era demasiado tarde. Dicen quienes la conocían que en los últimos meses irradiaba un renovado optimismo. Quienes la vieron paseando por última vez, horas antes de su muerte, hablan sin embargo de un mujer triste y sola, taciturna y profundamente deprimida.

Edward James Olmos


Edward James Olmos y Jamie Barber.

Edward James Olmos (nacido el 24 de febrero de 1947) es un actor estadounidense.

Nació en Los Ángeles (California), hijo de un inmigrante mexicano bautista con una cuarta parte de sangre húngaro-judía (el apellido era originalmente Olmosh) y madre mexicano-americana católica. Olmos se considera chicano y dice ser bisnieto de Enrique Flores Magón.

Olmos creció queriendo ser jugador profesional de béisbol. En la adolescencia se volcó al rock and roll y tocó en varios clubes por Los Ángeles. Se estrenó como actor en producciones muy pequeñas hasta que finalmente tuvo su gran ocasión interpretando el narrador, llamado "
El Pachuco"
en la obra Zoot Suit. La obra se trasladó a Broadway y Edward fue nominado al premio Tony por su interpretación como El Pachuco. También interpretó el papel en la versión cinematográfica de 1981. Le siguieron actuaciones en otras películas como Wolfen, Blade Runner y Gregorio Cortez.

En 1984 protagoniza su mayor papel hasta esa fecha como el autoritario teniente de policía Martin Castillo en la serie de televisión Miami Vice por lo cual fue galardonado con un Globo de Oro y un Premio Emmy.

En 1988 es nominado al Premio Oscar al mejor actor por la película Lecciones inolvidables en la que interpretaba a un profesor de matemáticas real, Jaime Escalante, que volvió a sus estudiantes unos genios de la matemática a pesar de desventajas por su procedencia.

Dirigió y protagonizó American me en 1992 y también protagonizó la historia multigeneracional de una familia chicana en mi familia.

Olmos se ha involucrado a menudo en temas sociales, especialmente los que afectan a la comunidad hispano-americana en los Estados Unidos. En 1998 fundó Latino Public Broadcasting y actualmente es su director. La fundación Latino Public Broadcasting se centra en hacer programas para la televisión pública que tratan de la comunidad hispano-americana.

En 1997 participó en la película Selena interpretando a Abraham Quintanilla, padre de la fallecida cantanta mexico-americana.

También en 1998, protagonizó la película latina The wonderful ice cream suit, basada en un relato corto de Ray Bradbury, que rompe los estereotipos y los estigmas habituales de la mayoría de las películas orientadas al público latino.

A partir de 2003 interpreta al Comandante William Adama en la nueva versión de la serie de televisión Battlestar Galáctica.

Olmos hace visitas frecuentes a reformatorios y centros de detención juvenil para hablar a los adolescentes del peligro. También ha sido embajador internacional de la UNICEF. En el 2001 fue arrestado y pasó 20 días en prisión por tomar parte en las protestas Navy-Vieques contra las prácticas de bombardeo de la Armada de los Estados Unidos en la isla Vieques, Puerto Rico.

Robert Redford



Robert Redford (n. 18 de agosto de 1936) actor y director estadounidense ganador de los premios Oscar y Globo de Oro.

Nació en el distrito de Santa Mónica, en Los Ángeles (California) como Charles Robert Redford, Jr.. Se crió en el barrio hispano del oeste de la ciudad. Marta, su madre, era ama de casa. Su padre, lechero católico de origen irlandés. En los años 50 su padre trabajó como contable en la Standard Oil y se trasladaron a un suburbio de clase media en el valle de San Fernando. A su madre se le diagnosticó un cáncer. Redford atravesaba entonces una época de rebeldía. Sin embargo, le gustaba contar historias y dibujar. Una excursión al parque nacional de Yosemite le imprimió un intenso amor por la naturaleza, que influiría en muchas de sus películas.

En 1955 su madre murió a los 41 años de edad. Redford abandonó los estudios en 1956 y se fue a Italia y Francia para probar la vida bohemia de un artista. Regresó desilusionado en 1957 y comenzó a beber más que nunca. En ese mismo año conoció a Lola, una universitaria de Utah, con la que inició una relación que tuvo una influencia positiva en él. Dejó de beber y en 1958 se matriculó en el Prat Institut de Nueva York para estudiar arte. Le interesaba el diseño de escenarios y siguió el consejo de estudiar interpretación para aprender más sobre el teatro. Nunca le había atraído el trabajo de actor, pero le agradó la experiencia.

En 1958 se casó con Lola y al año siguiente nació su hijo Scott, que falleció pocos meses después por muerte súbita. En ese mismo año uno de sus profesores le consiguió su primer papel en Broadway. En 1960 comenzó a trabajar en la televisión, en la serie Playhouse 90, y a continuación en Perry Mason, Alfred Hitchcock presenta y La dimensión desconocida. A raíz de ello, su padre le llegó a decir: "
¿Por qué no te buscas un trabajo de verdad?"


En 1960 Redford y su esposa tuvieron una hija, Shawna, y en 1962 nuevamente un hijo, David Jones. En esos años compraron una parcela en Utah, donde construyeron una vivienda. Su hija Amy nació en 1970.

En el año 1962 Redford consiguió su primer papel en un largometraje de cine, War Hunt, de Denis Sanders. A continuación volvió a actuar en Broadway, en la obra Descalzos por el parque, dirigida por Mike Nichols, quien impuso la participación de Redford, a quien había visto en la televisión. Esta obra de teatro le convirtió en estrella de Broadway. Fue el trampolín perfecto hacia Hollywood, donde fue contratado en 1964. En sus cuatro primeras películas hizo papeles secundarios y no le proporcionaron un éxito digno de mención. Estas películas fueron La rebelde, La jauría humana, Situación desesperada y Propiedad condenada.

En 1966 Redford se trasladó a España para comenzar una vida bohemia. Pero en ese mismo año le ofrecieron un papel como protagonista en la versión cinematográfica de Descalzos por el parque, que fue un gran éxito. En los años siguientes intervino en varias películas que le consolidaron como actor de prestigio y también como estrella de Hollywood, la primera de ellas, Dos hombres y un destino, con Paul Newman, con quien congenió rápidamente. Otras películas de éxito fueron Un diamante al rojo vivo, Tal como éramos, dirigida por su amigo Sydney Pollack y co-protagonizada por Barbra Streisand, y El golpe, que obtuvo 5 Oscar y por la que Redford recibió su primera nominación, como actor principal. En 1976 actuó en Todos los hombres del presidente junto a Dustin Hoffman. La película consiguió seis nominaciones a los Oscar, incluida la de mejor película. Otra película que cosechó varias nominaciones a los Oscar, también incluida la de mejor película, fue Memorias de África, con Meryl Streep, terminada en 1985.

Redford creó también su propia productora, Wildwood Enterprises, cuya primera película fue El descenso de la muerte (1969), de Michael Ritchie.

En 1979, protagoniza El jinete eléctrico junto a una destacable Jane Fonda donde una vez más aparece el amor hacia los caballos que Redford profesa.

Como director, Redford ya tiene una trayectoria importante, con películas que le valieron el reconocimiento de la profesión y del público. En 1980 se inicia como director con Gente corriente, que obtuvo muy buenas críticas y éxito de taquilla, y que le supuso el Oscar al mejor director. Consiguió otras tres nominaciones a los Oscar, dos como director y uno como mejor película. Redford dirigió también Un lugar llamado milagro, una película bucólica y de fantasía en la que se refleja su amor por la naturaleza y la vida rústica, pero que no tuvo un éxito significativo. En 1992 dirige El río de la vida, que trata de la de comunicación entre padres e hijos, un tema recurrente en su vida. Posteriormente dirigió Quiz Show, que obtuvo buenas críticas, aunque escasa aceptación en taquilla, y que supuso su segunda nominación a los Oscar como director. En 1998 dirigió El hombre que susurraba a los caballos, basada en la novela de Nicholas Evans y en 2000 dirigió La leyenda de Bagger Vance.

Redford creó en 1980 un centro de enseñanza para jóvenes cineastas, el Instituto Sundance, en sus terrenos de Utah. Llevó adelante esta empresa a pesar de no encontrar apoyos. Su instituto subvenciona a nuevas promesas con todos los gastos pagados durante 4 semanas, proporciona profesores, material técnico y el asesoramiento de grandes profesionales. Viendo la calidad de los trabajos decidió crear un festival de cine paralelo para exponer los trabajos de los estudiantes que hoy se ha convertido en el festival de cine independiente más importante del mundo: Festival de Cine de Sundance que se celebra todos los eneros desde el 83 en Park City, Utah. Es curioso porque el nombre de la escuela y el festival viene de la película que protagonizó en 1969 con Paul Newman: dos hombres y un destino en la que el se llamaba Sundance The Kid

En 1977 Redford escribió un libro de denuncia sobre la expansión estadounidense hacia el oeste, The Outlaw Trail. Luchó con éxito contra la construcción de una central eléctrica en Utah, lo que le valió numerosas amenazas.

En 1985 Redford y Lola se separaron.

James Caan




James Caan (nacido el 26 de marzo de 1940) actor estadounidense de cine y televisión. Durante su carrera ha sido nominado a los premios Oscar, Emmy y Globos de Oro por sus actuaciones.

James Caan nació en el Bronx, Nueva York, hijo de Sophie y Arthur Caan, pareja de inmigrantes judíos procedentes de Alemania.Se graduó en la escuela de actores Neighborhood Playhouse de Nueva York, donde uno de sus profesores fue el legendario Sanford Meisner. También jugó al fútbol americano en la Michigan State University.

Comenzó su carrera como actor en diversas series de televisión como The Untouchables, The Alfred Hitchcock Hour, "
Kraft Suspense Theatre"
, "
Combat!"
, Ben Casey, Dr. Kildare, "
The Wide Country"
, "
Alcoa Premiere"
, "
Route 66"
, y "
Naked City"
. Su primera aparición importante en una película fue como villano en el thriller de 1964 Una mujer atrapada. Más tarde, en 1967, actuó junto a John Wayne en la película El Dorado. Francis Ford Coppola le contrató para interpretar a un jugador de fútbol americano en la película Llueve sobre mi corazón de 1969, dos años más tarde repetiría papel en el telefilm Brian's Song. En 1972 de nuevo Coppola requiere sus servicios para la primera parte de la trilogía de El Padrino, donde interpreta a Sonny Corleone y gracias al cual fue nominado al Oscar al mejor actor de reparto.

Entre 1973 y 1982 interviene en distintas películas de Hollywood, interpretando a personajes variados. Entre estas películas se encuentran Cinderella Liberty, Rollerball, Harry And Walter Go To New York, A Bridge Too Far, Comes A Horseman y Chapter Two. En 1980 realiza su ópera prima como director, Hide In Plain Sight, un film que narra la historia de un padre en busca de su hija perdida en un programa de protección oficial y que el propio Caan protagoniza. Un año más tarde trabaja en Thief, dirigida por Michael Mann, donde interpreta a un experto en seguridad. James Caan ha afirmado que el papel en esta película de cine negro, es del que está más orgulloso tras El Padrino.

Tras la muerte de su hija, debido a problemas con la cocaína, sufrió una depresión que le llevó a no participar en ninguna película entre 1982 y 1987. Su reaparición fue de nuevo con Francis Ford Coppola en Jardines de piedra como sargento de la armada. En 1988 y 1990 actuó en las películas Alien Nation, Dick Tracy y Misery, donde compartió cartel con Kathy Bates, ganadora del oscar a la mejor actriz. En 1992 coprotagonizó junto a Sarah Jessica Parker y Nicolas Cage el film Luna de miel para tres.

También participó junto a Arnold Schwarzenegger en Eraser en 1996. Tres años más tarde, siguiendo la estela de Humphrey Bogart, Robert Mitchum, Powers Boothe y Danny Glover interpreta al detective Philip Marlowe en la película Poodle Springs de HBO. Durante los inicios de la década 2000 trabajó en películas como The Yards (2000), City of Ghosts (2002), Dogville (2003) o Elf (2003).

En 2003 fue elegido para el papel de Ed Deline, un jefe de seguridad de casino, en la serie de televisión Las Vegas.


James Caan ha contraído matrimonio cuatro veces. La primera de ellas en 1960 con Dee Jay Mathis, con la que tuvo un hijo y de la que se divorció en 1966. Su segundo matrimonio fue con Sheila Ryan en 1976, en el mismo año nació su hijo Scott, un año más tarde se divorciaron. Entre septiembre de 1990 y marzo de 1995 estuvo casado con Ingrid Hajek, con la que también tuvo un hijo. Un año después, en octubre de 1996 contrajo matrimonio con Linda Stokes, en abril de 2005 se divorciaron tras tener dos hijos en común.

Además es practicante de artes marciales, ha entrenado durante casi 30 años con el maestro de karate Tak Kubota. También ha entrenado al departamento de policía de Culver City en el uso de las artes marciales. Su hijo, Scott Caan, también es actor, y ha participado en todas las películas de Ocean Eleven, Twelve y Thirteen.

Muere en Los Angeles la actriz que
hacía de doble de Marilyn Monroe




La actriz estadounidense Evelyn Moriarty, que durante muchos años fue la doble de Marilyn Monroe, ha muerto en un asilo de ancianos enferma de Parkinson, según ha informado este sábado el presidente del club de fans Marilyn Remembered, Greg Schreiner y ha recogido el diario El Mundo.

La mujer había empezado a trabajar en Hollywood en la década de los cuarenta. Su éxito era relativo, dado que debido a su tono de voz ronco, los papeles que conseguía eran siempre modestos. Todo cambió cuando decidió presentarse a una prueba para ser la doble de la 'ambición rubia'.

Su anatomía (su altura, su peso y sus curvas) eran muy semejantes a la de Monroe, por lo que fue contratada y desde entonces trabajó codo con codo con la mítica actriz. Moriarty llegó a tener una relación de amistad con Monroe. "
La adoraba y durante toda su vida la defendió de los ataques"
, ha afirmado Schreiner.


Moriarty pasó los últimos años de su vida en un asilo patrocinado por las estrellas de Hollywood en Los Angeles hasta su muerte el 20 de mayo. Evelyn Moriarty fue enterrada en el cementerio de Westwood Memorial Park, cerca de la tumba de la célebre actriz.

No se conoce a qué edad ha fallecido, ya que nunca quiso desvelar su fecha de nacimiento. "
Su edad era un secreto, tenía entre 80 y 86 años"
, ha afirmado Schung. Cuando se le preguntaba su edad, respondía simplemente: "
Más o menos como Marilyn"
. Monroe, nacida en 1962, habría cumplido 82 años el 1 de junio de 2008.

Fuente :20minutos.es

Eleonora Duse



Eleonora Duse (Pavia, 1858 - Pittsburgh, 1924) fue una actriz de teatro italiana de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Alcanzó gran fama por interpretar los papeles del escritor noruego Henrik Ibsen.

Se cuenta que nació en un vagón de tren y que su primer papel lo interpretó a los 4 años, ya que su familia era de actores teatrales. Sus padres eran los actores Alessandro Vincenzo Duse y Angelica Cappelletto. Su primer papel protagónico lo realizó a los 14 años;
encarnó la Julieta de Shakespeare y consiguió su primer gran triunfo con La princesa de Bagdad, de Dumas. Se buscó crearle rivalidad con la famosa actriz francesa Sarah Bernhardt, quien era contemporánea suya;
sin embargo, poseían estilos muy diferentes, ya que Eleonora buscaba comprender la mentalidad del personaje y Sarah le imprimía su sello personal a los personajes que interpretaba.

En 1881 se casó con Tebaldo Checchi, unión de la que nació su hija Enrichetta. En 1885 aceptó un contrato para una gira por América del Sur, y entonces su fama, ya excepcional en Italia, sobrepasó las fronteras. En esta época conoció a Arrigo Boito, de quien aprendió el valor del estudio y de la elevación espiritual y cultural. En el transcurso de una gira triunfal por Europa (1891-1892) inició, en Viena, la batalla en favor de Ibsen, imponiendo al público la discutida Casa de muñecas. En 1893 obtuvo un gran exito en América del Norte y en otros países extranjeros.

En 1894 se produjo su primer encuentro con D'Annunzio, que estaba entonces en la cúspide de su fama. El triunfo obtenido en París con Sueño de una mañana de primavera (1897), obra de este autor, la convenció de que había encontrado al creador de la tragedia moderna. Desde entonces su repertorio estuvo formado casi exclusivamente por obras de este autor. Esta relación terminó en 1910, cuando el polémico escritor estaba metido en asuntos políticos (el escritor fue precursor del fascismo italiano) y despreocupado totalmente por Eleonora.

La ruptura de esos amores y una crisis de tipo religioso la llevaron, después de su éxito con La Locandiera de Goldoni, en 1909, a abandonrar inesperadamente el teatro, permaneciendo retirada durante doce años. Durante la guerra de 1914-18 la actriz prodigó su asistencia a los heridos y dio recitales en los frentes. Reapareció ante el público en Turín en 1921 con La dama del mar, negándose a ser maquillada y preocupándose tan sólo de ofrecer al público no una ficción, sino el fruto de una ansiosa búsqueda de la verdad interior. Añadiendo a su repertorio otras obras, reemprendió una nueva etapa de su vida artística, iniciando otra gira por Norteamérica, donde la sorprendió la muerte.

Giulietta Masina

Giuletta Masina y Jose Luis de Villalonga.

Giulia Anna Masina conocida artísticamente como Giulietta Masina, (San Giorgio di Piano, 22 de febrero de 1921 - Roma, 23 de marzo de 1994), actriz italiana.

Hija del violinista y profesor de música Gaetano Masina y de la maestra Angela Flavia Pasqualin, pasó la mayor parte de su infancia y adolescencia en Roma viviendo en casa de una tía suya que quedó viuda. Estudió en el liceo de las Hermanas Ursulinas y posteriormente se licenció en Filosofía y Letras por la Universidad de La Sapienza. Durante su paso por la universidad, cultivó su pasión por la interpretación y en el curso 1941-1942 participó en numerosos espectáculos de danza, música y teatro universitario en el Stadium Urbis, que luego se convertiría en el Teatro Ateneo de Roma. En 1943 entró a formar parte de la Compañía de Teatro Cómico Musical donde actuaría como bailarina, cantante y actriz en diferentes operetas y obras cómicas.

En esta fechas, también comienza a trabajar como actriz de radio, junto a Nella Maria Bonora y Franco Becci, voces muy populares en la época. Comienza a ser conocida, por el éxito del serial radiofónico, Terziglio, que contaba las aventuras de Cico y Pallina, que interpretaba junto al locutor Angelo Zanobini. Ésta estaba escrita por Federico Fellini, por entonces un versátil joven, redactor de la revista satírica Marc'Aurelio. Giulietta y Federico se casaron el 30 de octubre de 1943, comenzando así una intensa relación afectiva y artística, que sería una de las más relevante de la historia del cine italiano. Varios meses después del matrimonio, una caída por una escalera le produciría un aborto. Tras esto, el 22 de marzo de 1945, nació su hijo Pierfederico, que desgraciadamente fallecería sólo un mes después, el 24 de abril de 1945 de insuficiencia respiratoria. Fue el único hijo que tuvo la pareja.

Después del fin de la Segunda Guerra Mundial, retomó el teatro universitario con la obra Angélica, escrita y dirigida por Leo Ferrero y coprotagonizada por Marcello Mastroianni, otro de los actores italianos más reconocidos de la historia. La obra Gli innamorati sería su última incursión en el teatro en 1951.

Su primera incursión en el cine se produjo en 1946 como extra en la película Camarada (Paisà) de Roberto Rossellini,[1] pero su verdadero primer trabajo fue en 1947 en la película Sin piedad (Senza pietà), dirigida por Alberto Lattuada e interpretada junto a Carla del Poggio. Este papel, de chica de buen corazón y aspecto pizpireto, se repetirá en esta primera etapa en películas dirigidas por Carlo Lizzani, Giuseppe Amato o Renato Castellani. Pero es de la mano de su marido como alcanza la popularidad mundial con su mítico personaje de Gelsomina en la película La strada (1954), junto a Anthony Quinn y Richard Basehart.

En 1957, Giulietta Masina interpretó el que es, probablemente, el papel más relevante de su carrera en Las noches de Cabiria (Le notti di Cabiria)[2] dirigida por su marido. Este personaje aparecía fugazmente ya en la primera película de Fellini El jeque blanco (Lo sceicco bianco) de 1951. En 1958 trabaja junto a Alberto Sordi en la película Fortunella del director Eduardo De Filippo. Fellini contará también con su esposa en su primer largometraje en color, Giulietta de los espíritus (Giulietta degli spiriti)[3] (1965), una historia de fuerte carga surrealista sobre la infidelidad en la pareja. Veinte años más tarde, en 1985, volverá a actuar para Fellini en la melancólica historia de Ginger y Fred (Ginger e Fred) donde junto a Marcello Mastroianni interpretarán a una antigua pareja de baile que imitaban a Fred Astaire y Ginger Rogers, muy populares durante la guerra y que se reúnen al cabo de muchos años invitados por un gradilocuente show televisivo, paradigma del consumismo y del sentimentalismo fácil.

Giulietta Masina murió, víctima del cancer, en la capital italiana en marzo de 1994, a la edad de 73 años. Sólo sobrevivió cinco meses a su esposo, que murió en octubre de 1993. Fellini y Masina fueron enterrados junto a su malogrado hijo en el cementerio de Rímini, ciudad natal del director. En 2003 se descubrió junto a la tumba un monumento en bronce en forma de vela realizado por el escultor italiano Arnaldo Pomodoro.


Entre los premios más importantes de su trayectoria se puede destacar los cuatro Lazos de Plata (Nastro d'Argento) del Sindicato de periodistas cinematográficos italianos, como actriz principal en Las noches de Cabiria (1958) y Ginger y Fred (1986) y como actriz secundaria en Sin piedad (1948) y Luces de variedades (Luci del varietà) (1950). Además le fue concedido un David de Donatello especial en el 30º aniversario de los premios en 1986 y fue candidata en dos ocasiones a los BAFTA británicos como mejor actriz extranjera en 1954 y 1957.

En los festivales de cine, Giuletta Masina obtuvo el reconocimiento como mejor actriz por su papel en Las noches de Cabiria en 1957 en Cannes y en San Sebastián.

A pesar de que su carrera cinematográfica fue predominante, Giulietta Masina trabajó también en radio y televisión. De 1966 a 1969 fue, con gran éxito, presentadora de un programa radiofónico titulado Cartas a Giuletta Masina, en el que los radioyentes escribían a la actriz. Estas cartas fueron posteriormente recopiladas en un libro. También trabajó en televisión fundamentalmente en los 70, en dos producciones de gran éxito: Eleonora (1973) dirigida por Silverio Blasi y Camilla (1976) dirigida por Sandro Bolchi, adaptación de la novela Un inverno freddissimo de Fausta Cialente.

Laura Antonelli



Laura Antonelli (nacida el 28 de noviembre de 1941) actriz italiana.

Antonelli nació como Laura Antonaz en la ciudad de Pola en lo que entonces era el distrito Istria (la región ahora es parte de Croacia y la ciudad se ha renombrado a Pula)

Originalmente fue educadora escolar, Antonelli inició su profesión como actriz en la serie de televisión italiana Carosello e hizo su primera película en 1965. Su carrera llegó a la cumbre en la década de 1970 en que era ampliamente conocida como un símbolo sexual en películas italianas e internacionales. Ganó el Premio Donatello en 1973 y 1981 y el Premio del Nacional Sindicato Italiano de Periodistas Filmográficos en 1974.

En 1991, la policía encontró cocaína en su hogar durante una redada. Posteriormente fue condenada a arresto domiciliario por la posesión y el tráfico de drogas. Pasó diez años apelando la sentencia que finalmente fue revocada.Además uno años posteriores decidió hacerse una cirugía, la cual, tuvo varios problemas y provocaron que su cara se desfigurará y además engordo. y estaba viviendo con un mísero sueldo. Pero salió un fallo en el cual la justicia italiana reconoció que el arresto y posterior pena fueron injusta dado que se trataba de consumo personal y no de venta de estupefacientes y por lo tanto le dieron un resarcimiento por 150.000,00 euros.

En la cúspide de su carrera cinematográfica filmó dos de sus más reconocidos filmes, lo que hoy se consideran de culto por los seguidores de la Antonelli. Esos filmes son, "
Malicia"
y "
Pecado Venial"
, en embos filmes contó con la participación de Alessandro Momo, quien murió poco después de de terminar su trabajo con la actriz en un accidente en motocicleta.

En noviembre de 1996, debido a problemas de salud mental es internada en la sección psiquiátrica de una clínica de Civitavecchia.

Eleonora Rossi Drago




Hace algunos años, cuando yo me encontraba todavía en los balbuceos cinematográficos, tuve el placer de conocer a Eleonora Rossi Drago, que estaba rodando una película a las órdenes de Eugenio Martín, titulada “Hipnosis”. Recuerdo que hice todo lo posible hasta llegar a ella y, cuando la tuve cerca, me percaté, de inmediato, de lo hermosa que era y de su clase congénita. Yo era muy joven y ella ya tenía algunos años. Pese a esto, me interesé por su persona, y yo, en un italiano pésimo y ella en un castellano forzado, conseguimos comunicarnos. Yo le hablé de la película suya que más huella me había dejado: “VERANO VIOLENTO”, de Valerio Zurlini. Eleonora se asombró de que yo hubiera visto este “film”. Y se mostró muy interesada por conocer hasta qué punto yo me había adentrado en la problemática de esta gran película. Logré desmenuzarle lo más íntimo y sensible del “film”, y ella, con asombro, me escuchó muy atentamente. Creo que se extrañó de que un chico joven como yo hubiese captado los sensibles y tiernos amores de una mujer viuda y con ciertos años, tremendamente sola y viviendo con sufrimiento una represión tan honda como demoledora, y la predilección de un muchacho por ella por encima de otras chicas jóvenes en tiempos de guerra y sin dinero, que, paradójicamente, pertenece a una burguesía en decadencia. Después de aquella charla, hablamos todos los días. Hablamos de cine pero también de ella y de su vida. Una juventud truncada por un divorcio, un hijo nacido de esta relación, un título de “belleza a la italiana” y sus ofertas posteriores para trabajar en el cine.

Eleonora Rossi Drago no era feliz. Yo la miraba fijamente a los ojos y lo notaba. Sabía que, de modo imparable, su belleza se iba de su rostro y las oportunidades de trabajo mermarían. Creo que me enamoré de ella.

Cuando terminó el “rodaje” de “HIPNOSIS”, nos despedimos con una emoción contenida por su parte, pero no así por la mía. Yo nunca he sabido contener mis emociones. Algunos años después, intentó suicidarse con gas. Afortunadamente, la salvaron a tiempo. Decidió rehacer su vida con un noble que le propuso matrimonio y jamás se volvió a poner delante de las cámaras.

Era tan inteligente y refinada que, como si de una experta en Arte se tratara, compró una gran cantidad de muebles antigüos que envió a Italia, en donde ella tenía amigas que sabían valorar los objetos y muebles de maderas nobles y repujados representativos. En dos ocasiones fuí con ella a diversas tiendas de muebles de época que yo conocía, y en ambas ocasiones acertó en la elección para admiración del experto y, naturalmente, de la mía. ¡Era tan exquisita como refinada!

Eleonora Rossi Drago tendrá, actualmente, unos ochenta años. ¡Ojalá encontrara la paz y la felicidad de las que estaba tan carente!

JUAN JULIO DE ABAJO DE PABLOS

(HISTORIADOR CINEMATOGRÁFICO)

:-) que gran labor haces leyla, magnifico tu foro cinematografico.

Rosanna Arquette




Rosanna Arquette (10 de agosto de 1959) es una actriz estadounidense. Nació en Nueva York con el nombre completo Rosanna Lauren Arquette. Tanto su abuelo como su padre eran actores de televisión. Rosanna siguió los pasos profesionales de su familia y comenzó a actuar siendo aun una niña. Cuando tuvo 11 años sus padres se trasladaron a una comuna en el estado de Virginia. Ésta no se sentía a gusto en el colegio, por lo que a la edad de 14 años se marchó a Los Ángeles, decidida a convertirse en una estrella de cine.

Arquette consiguió papeles de cine en Hollywood, en los que interpretaba a jóvenes con problemas. Unos años más tarde ya comenzó a interpretar papeles más maduros. Desde un principio actuó también en películas para la televisión. En 1982 obtuvo una nominación a los premios Emmy. La película de 1985 Buscando a Susan desesperadamente, con Madonna en el papel principal, también contribuyó a incrementar su popularidad. En 1989 actuó en New York Stories bajo la dirección de Martin Scorsese. Desde entonces ha ido interpretando varias películas cada año, algunas de las cuales han pasado casi desapercibidas para el gran público, y otras con notable éxito de crítica y de público, como Pulp Fiction con John Travolta.

Arquette es parte de una saga de actores. Su hermana, Patricia Arquette, y su hermano, David Arquette, son también muy conocidos. Ella se ha encontrado siempre con la dificultad de compaginar el trabajo con su vida privada. Su intensa dedicación a la interpretación le costó más de una relación sentimental. La primera fue con un miembro del conjunto de música rock Toto (Steve Porcaro, la famosa canción "
Rosanna"
se la dedicaron a ella), y la segunda fue su matrimonio con un compositor, que acabó también en ruptura. Posteriormente mantuvo una relación con el famoso cantante británico Peter Gabriel, pero terminó de la misma forma.

En esos años los padres de Rosanna se divorciaron. Poco después su madre contrajo un cáncer de mama, lo cual afectó profundamente a Rosanna. En 1993 se casó nuevamente, esta vez con un restaurador, con el que tuvo una niña al año siguiente. Su trabajo la obligaba a ausentarse frecuentemente de casa. Las tensiones resultantes de ello y también la aflicción por la muerte de su madre hicieron que también este matrimonio terminara en divorcio.

Más recientemente Rosanna Arquette ha encontrado la energía para dedicarle tiempo a su hija y a ser embajadora de la lucha contra el cáncer de mama, mientras continua dedicada a la interpretación e incluso a la dirección.

David Arquette

David y su mujer Courteney Cox.

David Arquette actor estadounidense nacido en Winchester, Virginia, el 8 de septiembre de 1971.

Hijo del Actor Lewis Arquette y de la escritora Mardi Arquette, nieto del intérprete Cliff Arquette y hermano de los también actores, Rosana, Patricia y Alexis.

El debut de David fue en 1990 en la mini serie The Outsiders y en Parenthood al lado de la actriz Thora Birch y de Leonardo DiCaprio.

Ya en 1992 aparece en la película Buffy, la cazavampiros donde da vida a Benny Jacks. El film fue dirigido por Fran Rubel Kuzui.

Pero en 1996 es cuando le llegó la oportunidad de interpretar un papel estelar en El último cliente Johns del director Scott Silver, siguiendo con la saga de películas Scream, que fueron las que le dieron fama mundial.

David se casó el 12 de junio de 1999 con la actriz Courteney Cox (Friends,Scream).

Poco tiempo después, en 1997 muere su madre, Mardi Arquette, de cáncer mamario. Y a los pocos años, el 10 de febrero del 2001 llegó otro duro golpe para la familia Arquette al morir su padre Lewis Arquette a consecuencia de un paro cardiaco.

Alexis Arquette




Alexis Arquette (n. Los Ángeles, California, Estados Unidos, nacida Robert Arquette) es una actriz transexual, músico, dibujante y drag de cabaret estadounidense.

Arquette nació en Los Ángeles, California dentro de una familia de actores incluyendo a los hermanos Patricia, David, Richmond y Rosanna Arquette, su padre Lewis Arquette y su abuelo Cliff Arquette. Es la cuñada de la actriz Courteney Cox de la serie de TV Friends, donde también interpretó un papel como invitado en el episodio titulado The One with Chandler's Dad en la 7ª temporada.

Arquette, en sus primerizos años de carrera, principalmente personificó como un imitador femenino, con frecuencia bajo el nombre de "
Eva Destruction"
. Más tarde en su carrera, hizo público que había comenzado el proceso que conduce a la cirugía de reasignación sexual. Para este fin, Arquette ha declarado públicamente que considera como mujer transexual.

Su primer trabajo en 1982 a la edad de 12 años, fue en un video musical She's a Beauty de la banda con sede en San Francisco, The Tubes, en el papel de un muchacho joven. "
Este pequeño niño que está en un paseo con todas estas mujeres y así sucesivamente"
.


Menos conocida que Patricia, David y Rosanna, la mayoría de su trabajo fílmico ha sido limitado o con películas de bajo presupuesto o independientes. Éstas han incluido su debut críticamente aclamado como el transexual masculino-femenino Georgette en Last Exit to Brooklyn. También apareció en Creo que sí, Los chicos del maíz V: Campos de terror y Killer Drag Queens on Dope, entre otras 40 cintas independientes.

Arquette ha aparecido en actuaciones de reparto en películas estables, incluyendo Pulp Fiction, Tres formas de amar, La novia de Chucky y una memorable aparición como un fánático de Boy George en The Wedding Singer cantando "
Do You Really Want to Hurt Me?"
una y otra vez. En 2001, Arquette interpretó al emperador romano Calígula en dos episodios del show de televisión de culto Xena: la princesa guerrera. También en 2001, Arquette fue un actor invitado en el episodio de Friends, The One with Chandler's Dad como un mesero en drag, en la 7ª temporada del show.

Arquette también personificó en películas para adultos de bajo presupuesto como su personaje "
Destruction"
.

En septiembre de 2005, VH1 anunció su participación en la próxima temporada de la La Vida Surrealista. Ella mencionó en el show, libre de argumento, que no quisiera que la gente la llamara un hombre o una mujer, pero un individuo transgénero—en sus propias palabras, un "
tranny"
.


El 31 de enero de 2007, Arquette fue una clienta de celebridad destacada y jueza invitada en el episodio premiere del show de televisión de Bravo Channel, Top Design donde fue descrita con humor por uno de los participantes como "
Iggy Pop en drag"
.

Arquette también hizo una aparición de cameo en el video de Robbie Williams, She's Madonna.

El 26 de febrero de 2007, Arquette fue invitada en The Adam Carolla Show. Danny Bonaduce, un co-anfitrión le preguntó a Alexis si ella tenía un pene. La pregunta y el rechazo de Alexis a contestar provocado una discusión entre Carolla, Bonaduce y Arquette dio por terminado en Alexis saliendo furiosa del estudio y violentamente empujando el equipo de sonido en ellos mientras se marchaba.

El filme Alexis Arquette: She's My Brother se estrena en el 2007 Tribeca Film Festival.


Alexis en 'Pulp Fiction'

María Casares



Maria Victoria Casares Quiroga (La Coruña, España, 21 de noviembre de 1922 - Alloue, Francia, 22 de noviembre de 1996) fue una actriz española que triunfó en el exilio en Francia, donde residía por ser hija de Santiago Casares Quiroga, que había sido Ministro y Jefe de Gobierno de la República durante el gobierno de Manuel Azaña.

En 1939, poco antes del final de la Guerra Civil, acompañó a su padre al exilio en Francia. Estudió interpretación en el Conservatorio de París, en el que había conseguido entrar en 1941 a pesar de sus dificultades con el idioma. El primer papel profesional que obtuvo fue en La Celestina. En octubre de 1943 representó con gran éxito la obra de Georges Neveux El viaje de Teseo. Al año siguiente conoció a Albert Camus, con quien mantuvo una relación sentimental hasta la muerte de éste en 1960. Protagonizó varias obras escritas por Camus, como El malentendido, Estado de sitio y Los justos y representó obras de Sartre, Jean Anouilh, Jean Cocteau, Genet y Claudel, convirtiéndose en musa del existencialismo francés. En 1949 entra en la Comédie Française y cinco años más tarde en el Teatro Nacional Popular (TNP), compañía pública con una fuerte preocupación social. Participó en la creación y potenciamento del Festival de Teatro de Aviñón. María Casares interpretó a Lady Macbeth, María Tudor, Ana Petrova, etc. en obras de Shakespeare, Victor Hugo y Antón Chéjov, Ibsen, Eurípides, entre muchos otros.

En el cine se inició con un papel secundario en una película de Marcel Carné, Los niños del paraíso y poco después, en 1944, protagoniza Las damas del Bosque de Boloña de Robert Bresson. Jean Cocteau la dirigió en Orpheo (1950) y se hizo muy popular, si bien en España fue silenciada.

En 1975 adquirió la nacionalidad francesa. En 1977 volvió a España para representar El adefesio de Rafael Alberti en Madrid y Barcelona. En 1989 consiguió el premio Moliére a la mejor actriz de teatro y fue nominada a los César. Recibió del gobierno francés el Premio Nacional de Teatro, y en España, la Medalla al Mérito de Bellas Artes. Obtuvo el premio Segismundo de la Asociación de Directores de España. También se le concedió el título de hija predilecta de La Coruña y la medalla Castelao.

En 1980 publicó un libro de memorias, Residente Privilegiada.

En 1996, María Casares aceptó que los premios de teatro de Galicia llevaran su nombre, pero la muerte le impidió asistir a su primera edición.

Lucia Bosè




Lucia Bosè (Milán, 28 de enero de 1931) es una actriz italiana residente en España, madre del cantante Miguel Bosé y matriarca de una saga de artistas españoles. Desde sus comienzos como Miss Italia 1947 ha actuado en diferentes películas italianas y algunas películas españolas, encontrándose retirada del cine en la actualidad (2008).

Dependienta de una pastelería milanesa, Lucía Bosé, participa en el concurso de Miss Italia de 1947, cuando todavía era muy joven, y sale ganadora, lo que le abre las puertas del mundo del cine.

Interpreta un cortometraje de Dino Risi sobre las Cinco jornadas de Milán (1848, realizado en 1948-1949 con el asesoramiento artístico de Alberto Lattuada y Giorgio Strehler). Lucia Bosé debuta como protagonista de un largometraje en Non c'è pace tra gli ulivi (1950) de Giuseppe de Santis, último capítulo de la trilogía campesina del maestro neorrealista en el cual tiene el papel de una pastora de la Ciociaría, al lado de actores tan prestigiosos como Raf Vallone y Folco Lulli. En el mismo año, la actriz ofrece una significativa muestra de su talento en Cronaca di un amore, espléndida opera prima de Michelangelo Antonioni en la cual Bosé interpreta con convicción a la protagonista, Paola Molon, en una historia en la que se analizan con minuciosidad los sentimientos de la alta burguesía milanesa en un trasfondo policial.

Al cabo de poco tiempo, Lucía Bosé colabora con de Santis otra vez : la actriz interpreta en 1951 el papel de Simona en Roma ore 11, película que trata el tema del desempleo femenino y que ofrece una característica galería de retratos de mujeres magistralmente trazados (entre las intérpretes cabe citar también a Carla del Poggio, Lea Padovani y Delia Scala). Antonioni, en 1953, ofrece, a Bosé, el papel de Clara Manni, en una película que narra la historia de una empleada que se convierte en actriz, se hace inmediatamente famosa y, luego, sufre un doble fracaso – sentimental y profesional – se trata del amargo La signora senza camelie, película sobre la dimensión poco auténtica del mundo cinematográfico, fiel espejo de la aridez que caracteriza las relaciones entre los seres humanos.

En el mismo periodo, Lucía Bosé también es la protagonista de numerosas películas que confirman su facilidad de adaptarse con excelentes resultados a cualquier exigencia expresiva. La actriz se dedica a la comedia rosa tardo-neorrealista interpretando dos de los títulos más famosos de la filmografía de Luciano Emmer: el divertido París, siempre París (1951), con Aldo Fabrizi y, sobre todo, Tres enamoradas (1952), en la cual personifica a una modista que, tras convertirse en maniquí, no olvida sus orígenes modestos ni el amor por su novio, simple pero simpático.

Junto a Walter Chiari, Lucía Bosé también participa en numerosas películas de carácter cómico y burlesco entre las cuales cabe señalar E' l'amor che mi rovina… (1951) en la cual interpreta a una joven profesora de esquí en la localidad de Sestriére con la dirección de Mario Soldati.

El año 1955 es fundamental para la actriz;
en efecto, Bosé es la protagonista de tres importantes títulos que representan todo un éxito profesional para una carrera que todavía está a los inicios. En Gli sbandati de Francesco Maselli traza con extrema sensibilidad a la graciosa y alocada Lucia de la cual se enamora el joven conde Andrea (Jean-Pierre Mocky). En La muerte de un ciclista, dirigida por Juan Antonio Bardem, ofrece una buena interpretación en una de las obras más interesantes realizadas bajo la dictadura franquista . En Así es la aurora , dirigida por Luis Buñuel al volver a Francia tras su estancia en México, Bosé interpreta al personaje de Clara, una joven viuda italiana que reside en Córcega y vive una purísima historia de amor con el medico Valerio (George Marchal);
cabe recordar que esta película es la única del genial cineasta aragonés con un final feliz.

En 1 de marzo de 1955, Lucía Bosé se casa por lo civil con el célebre torero español Luis Miguel Dominguín en Las Vegas y el 16 de octubre lo tiene que hacer por la iglesia en España para no levantar sospechas en la España franquista. El torero y la actriz tuvieron 3 hijos: Miguel (3 de abril de 1956), Lucía (19 de agosto de 1957) y Paola (5 de noviembre de 1960). Por un tiempo, se retira de la carrera cinematográfica que sólo reemprenderá tras separarse del marido en 1968.

Entre 1968 y 1976, Lucía Bosé vuelve a trabajar, solicitada en Italia y en el extranjero, tanto por maestros famosos como Federico Fellini, los Taviani, Bolognini, como también por directores más jóvenes. También es protagonista de originales historias femeninas, dirigidas por la escritora y directora Marguerite Duras y coprotagonizada por Jeanne Moreau.

Sin embargo, cabe recordar que el retorno al cine lo hace bajo la dirección de Pere Portabella, exponente destacado de la escuela de Barcelona, con Nocturno 29 (1968), película interpretada junto a Gabriele Ferzetti. En España, Bosé también participa en otras películas entre las cuales cabe señalar Jurtzenka, un invierno en Mallorca, (1970) de Jaime Camino y Ceremonia sangrienta (1972), un horror-erótico dirigido por Jorge Grau. En el Satiricón (1969) de Federico Fellini, Bosé aparece en una sola y memorable escena pero en Sotto il segno dello Scorpione, el lúcido apólogo abierto a muchas claves de lectura que los hermanos Paolo y Vittorio Taviani dirigen en el mismo año, Bosé es la protagonista, al lado de Gian Maria Volonté y Giulio Brogi.

La colaboración de la actriz milanesa con Mauro Bolognini es más articulada y empieza con Metello (1970), sigue con Por las antiguas escaleras (1975), con Marcello Mastroianni y Françoise Fabian y con la serie televisiva La cartuja de Parma (1982), en la cual interpreta el papel de la marquesa del Dongo.

En el mismo periodo, siempre en Italia, Lucía Bosé participa en títulos interesantes que la estimulan a dar lo mejor de sí: en 1971 interpreta el papel de una enferma mental en L'ospite de Liliana Cavani, al lado de Glauco Mauri ;
en 1972 participa en el extraño Arcana de Giulio Questi, en el papel de una viuda que se dedica a la magia y en La colonna infame de Nelo Risi, basada en la obra de Alessandro Manzoni. La actriz muestra su madurez artística y su capacidad de introspección psicológica en Nathalie Granger (1972), película dirigida por Marguerite Duras en la cual la Bosé es Isabel, la madre de la niña que da el nombre a la película.

En 1976, tras su participación en Violanta de Donald Schmid, la carrera de Lucia Bosé sufre una segunda interrupción;
volverá al cine sólo a finales de los años ochenta interpretando a dos figuras maternas en Crónica de una muerte anunciada (1987) de Francesco Rosi (basada en la famosa novela de Gabriel García Márquez), en Volevo i pantaloni (1990) de Maurizio Ponzi, una adaptación del best-seller homónimo de Lara Cardella y en El avaro, versión cinematográfica de la obra maestra de Molière, dirigida por Tonino Cervi con Alberto Sordi y Laura Antonelli.

En los 90, poco a poco ha ido espaciando cada vez más sus participaciones en el cine, sin dejar del todo de lado su profesión. Lucía Bosé vive en Brieva, España, país al que se ligó sentimentalmente desde hace muchos años. En el año 2000 decide hacer realidad un sueño de su juventud: abrir el primer Museo de Ángeles del mundo. Ha creado en el pueblo segoviano de Turégano un museo dedicado a las representaciones de los ángeles. En la actualidad cuenta con más de 80 obras de artistas contemporáneos procedentes de diversos países, así como diversas esculturas de lo más angelicales.

En el año 2003, publicó su autobiografía titulada Diva divina, escrita por la periodista española Begoña Aranguren.

Alberto Sordi



Alberto Sordi (Roma, 15 de junio de 1920 - 25 de febrero de 2003) ha sido un famoso actor, director y guionista italiano. Junto con Marcello Mastroianni, Ugo Tognazzi, Nino Manfredi y Vittorio Gassman fue uno de los grandes nombres de la comedia italiana además de portavoz de la romanidad en la cinematografía Italiana.

Era el cuarto hijo de Pietro Sordi, un profesor de música, que tocaba la tuba en la orquesta del Teatro de la Ópera de Roma, y de María Righetti, una maestra. Nace en el barrio popular del Trastévere, en Roma, el mismo de Claudio Villa y de muchos otros artistas de la posguerra.

Ya en la escuela primaria empieza a improvisar pequeñas obras con un teatro de marionetas para un público de su misma edad, además de cantar como soprano en el coro de voces blancas de la Capilla Sixtina dirigido per Lorenzo Perosi. En 1936 graba un disco de cuentos para niños, que encarga la casa discográfica Fonit y con lo que gana deja las clases en el Instituto de Comercio y se traslada por un breve tiempo a Milán, donde estudia dicción. De allí será expulsado, al parecer a causa de su acento dialectal romano (mucho más tarde, el 27 de abril de 1999, se le concedió un diploma ad honorem). Sin embargo obtuvo el título más adelante, presentándose como alumno libre.

De regreso a Roma, en 1937 encuentra trabajo como extra en Cinecittà (en la superproducción Escipión el Africano de Carmine Gallone, en un papel de soldado romano) y gana un concurso de la Metro-Goldwyn-Mayer para doblar la voz de Oliver Hardy (primero se hizo llamar Albert Odisor, con Mauro Zambuto que doblaba en italiano a Stan Laurel). Trabaja en esto hasta 1951 doblando a Bruce Bennett, Anthony Quinn, John Ireland, Robert Mitchum, Pedro Armendáriz y, entre los italianos, a Franco Fabrizi y hasta a Marcello Mastroianni en sus comienzos.

Su voz es muy reconocible también en la obra maestra de Vittorio de Sica Ladrón de bicicletas (1948), en la película de Alessandro Blasetti Prima comunione (1950) y en el curioso film Los pingüinos nos miran (1956) dirigido por Guido Leoni, en el que los animales de la película hablan con voces de actores famosos. Por una extraña curiosidad, como actor sólo fue doblado por otros actores dos veces: en Cuori nella tormenta dirigida por Carlo Campogalliani en 1940, doblado por Gualtiero De Angelis, y en Il Passatore de Duilio Coletti en 1946, donde interpretando el papel de un bandido, le prestó la voz Carlo Romano.

En el teatro, tras el fracaso con la compañía de Aldo Fabrizi y Anna Fougez en 1937 en el espectáculo San Giovanni, se dedicó a la revista como bailarín de fila de la compañía de Guido Riccioli y Nanda Primavera en 1939 con el espectáculo Ma in campagna è un'altra... rosa. Otras obras conocidas fueron Imputati... alziamoci! (1945) de Michele Galdieri, Soffia so... (1946) de Pietro Garinei y Sandro Giovannini, y finalmente, en la temporada de 1953, Gran baraonda que volvieron a dirigir Garinei y Giovannini, que será su última aparición de teatro, junto con Wanda Osiris, a la que dirigirá en 1973 en una secuencia de su película Esa rubia es mía.

Gracias a la radio, durante la temporada 1947-1948, empieza a hacerse famoso con algunos programas donde crea algunos personajes que alcanzan una gran popularidad. Uno de esos, Mario Pío lo interpretará en la primera película de Mauro Bolognini, Los esperamos en la galería de 1953. También con origen radiofónico en 1947, rodará Il vento mi ha cantato una canzone de Camillo Mastrocinque, junto a Loris Gizzi, Galeazzo Benti y Laura Solari, donde interpreta el papel del amigo de un cantante en busca de fama nacional en un programa de la ficticia '"
Radio Sibilla"
.

Durante diez años tendrá pequeños papeles en veinte películas, salvo I tre aquilotti de Mario Mattòli, en la que era uno de los protagonistas, en la película de Camillo Mastrocinque ya mencionada, y en la que trabajaba con el actor genovés Gilberto Govi y con Walter Chiari en el papel de un empresario argentino en Che tempi!, versión cinematográfica de la comedia Pignasecca e Pignaverde de Emerico Valentinetti. Destaca en 1951 con una película de Roberto Savarese, con guión de Cesare Zavattini, producida por Vittorio De Sica, Mamma mia che impressione!. Entre estas películas desconocidas podemos citar una película redescubierta hace poco: Via Pádova 46, de Giorgio Bianchi (1953, en la que Sordi interpreta el papel de un cursi vecino de casa del pobre Peppino De Filippo, un modesto empleado que buscaba una aventura sentimental con una muchacha.

Entre 1952 y 1955 Sordi alcanza el estrellato dentro del mundo del cine, con dos películas de Federico Fellini: El jeque blanco (1952) y Los inútiles (1953). Luego seguirán otras tres películas dirigidas por Steno: Un día en el juzgado (1953), Un americano en Roma (1954) y Piccola posta (1955), en la que interpretará su personaje del joven un poco cobarde, oportunista, aprovechado, indolente, vago, infantil y anti-idealista que lo acompañará durante los años 1950. Su popularidad se hace enorme, aunque en sus comienzos nadie creyera en él (los empresarios que alquilaban las películas, al principio, no querían que su nombre apareciera en los carteles porque opinaban que al público no le gustaba) y Alberto Sordi empieza a rodar entre 8 y 10 películas cada año.

Con la llegada de la llamada comedia italiana dio vida a muchos personajes casi todos negativos de "
típico italiano"
, poco edificantes pero que se correspondían a una realidad evidente, dibujados con una cierta malicia pero siempre valorables debido a su característica dicción. Con frecuencia colaboró en los temas y guiones de las películas en las que participaba (casi 150) y en todas las que dirigió (19). Sordi, con una carrera de más de cincuenta años ha creado un completo muestrario de la historia de los valores y del las costumbres del italiano típico, desde el periodo de la guerra hasta nuestros días, con algunas bajezas, pero en fondo justificado por su buen corazón y por su capacidad de soñar con los ojos abiertos.

Resulta prácticamente imposible enumerar todas sus interpretaciones, pero hay que citar al menos algunos personajes que han pasado a la historia de la comedia italiana: entre estos el maestro suplente Impallato, que descubre a un alumno con unas características excepcionales para la canción lírica y lo explota para obtener fama y riqueza en Bravìssimo (1955) de Luigi Filippo d'Amico;
el gondolero de Venecia, la luna y tú (1958) de Dino Risi;
el marido vejado por su mujer y endeudado en Il vedovo (1959), también de Risi junto a Franca Valeri, o el despreciable componente de una comisión censora que juzga despiadadamente carteles y películas picantes y en privado contrata con fines inmorales bailarinas de night-club en Il moralista (1959) de Giorgio Bianchi.

Tras la conmovedora obra maestra de Mario Monicelli La gran guerra (1959) en la que representa a un soldado vago y escaqueador, que se ve obligado a morir como un héroe sin desearlo, demuestra que tiene un talento extraordinario cuando se sumerge psicológicamente en personajes dramáticos y a veces francamente grotescos. A partir de los años 1960 podemos citar al subteniente Innocenzi de Todos a casa (una de las mejores comedias de Luigi Comencini, rodada en 1960), al guardia de tráfico inflexible con los débiles y siempre dispuesto a arrodillarse ante el poderoso de turno en El alcalde, el guardia y la jirafita (1960) de Luigi Zampa -junto a Vittorio de Sica y Sylva Koscina-, al periodista de Una vida difícil (1961) de Dino Risi -compartiendo cartel con la excelente Lea Massari-, al industrial en bancarrota dispuesto a vender un ojo para reajustar sus finanzas y contentar a una mujer demasiado exigente en Il Boom (1963) de Vittorio De Sica;
el médico de la mutua dispuesto a cualquier compromiso para entrar a trabajar en una clínica de lujo en las dos películas Il medico della mutua (1968) de Luigi Zampa y El Prof. Dott. Guido Tersilli, primario de la clínica Villa Celeste, en acuerdos con los seguros (1969) de Luciano Salce;
el editor que sale a la búsqueda del cuñado perdido en África en Riusciranno i nostri eroi a ritrovare l'amico misteriosamente scomparso in Africa? (1968) de Ettore Scola;
el geómetra encarcelado sin motivo mientras estaba de vacaciones de Detenuto in attesa di giudizio ("
Detenido en espera de juicio"
, 1971) de Nanni Loy, por el que consiguió en 1972 el Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín);
El damnificado que una vez al año junto con la mujer (Silvana Mangano) organiza interminables juegos de naipes en la villa lujosa de una rica y estrafalaria señora con secretario y ex amante que la siguen (Bette Davis y Joseph Cotten) en Lo scopone scientifico ("
Sembrando ilusiones"
, 1972) de Luigi Comencini, hasta el terrible, y por muchas razones insostenible, papel en Un borghese piccolo piccolo (1977) de Mario Monicelli, que representa su punto más dramático y malvado. Con Monicelli recitará nuevamente en el doble, burlón y amargo papel sostenido en una olvidable comedia de 1981: Il marchese del Grillo. Actuará, con resultados diversos, en algunos textos literarios y teatrales clásicos, como los de Molière en El enfermo imaginario de 1979 y El avaro de 1990, ambos dirigidos por Tonino Cervi) y Romanzo di un giovane povero, del 1995, por Ettore Scola, que en 2003, después de la muerte de Sordi, le dedicarà el film Gente di Roma.

Sordi fue premiado con cinco Nastro d'Argento y con siete David de Donatello, y en 1995 obtiene el prestigioso León de Oro por su carrera cinematográfica en el Festival de Venecia.

Dirigió 19 películas, a partir del 1966. La primera fue Fumo di Londra, basado en los convencionalismos de comportamiento y sociales de un italiano expatriado temporalmente (tema ya afrontado por Gian Luigi Polidoro) y Scusi, lei è favorevole o contrario? retrato de un adinerado comerciante de telas, separado de su mujer, con tantas amantes para mantener como son los días de la semana en una Italia de los años 1960 sacudida por las polémicas sobre el referéndum sobre el divorcio. Obtiene buenos resultados en tres películas junto a Monica Vitti, Amore mio aiutami ("
Amor mío, ayúdame"
, 1969), Polvere di stelle (1973) y Yo sé que Tu sabes que Yo sé (1981). Sus mejores trabajos detrás de la cámara son: su obra maestra Un italiano in America (1967), junto a Vittorio De Sica, y el episodio Le vacanze intelligenti de la obra colectiva Dove vai in vacanza? ("
Vicios de verano, 1978). Memorables son el personaje del taxista en las dos películas Il tassinaro (1983, donde realiza duetos cómicos con el mismo presidente de Italia Giulio Andreotti y con el viejo amigo Federico Fellini), y Un tassinaro a New York (1987). Muy interesante la colaboración con Carlo Verdone, considerado por muchos su heredero natural (con estilos y temáticas diferentes) en los films In viaggio con papà (1982) y Troppo forte (1986). Pero su película preferida, entre las dirigidas, es la melancólica Nestore, l'ultima corsa (1993), donde interpreta un cochero reacio a llevar su caballo al matadero. Las imágenes del matadero son de una dureza desconcertante y de verdad inéditas para una película de Sordi. La última película que dirige es la mediocre y desafortunada Incontri proibiti (1998) junto a Valeria Marini y Franca Faldini, presentado en 2002 en cine y televisión con montaje diferente y otro título, Sposami papà.

Hay que destacar la fructífera colaboración artística con el guionista Rodolfo Sonego, que trabajó en muchas películas suyas desde 1954 (Il seduttore de Franco Rossi es su debut) y con el compositor Piero Piccioni, que ha firmado muchas de las bandas sonoras de sus películas más famosas, como algunas de sus famosas canciones irreverentes y un poco maliciosas. Colabora además junto al periodista Giancarlo Governi, a partir de 1979, a realizar la apreciada transmisión Storia di un italiano, y no deja de participar en muchos programas de televisión (como Studio Uno, junto a la cantante Mina, en 1966) donde demostraba gran sarcasmo y buen humor. El día de su octuagésimo cumpleaños, el 15 de junio del 2000 el alcalde de Roma, Francesco Rutelli, le cede por un día el "
cetro"
de la ciudad de la que fue nombrado hijo predilecto, y de la que se había burlado mostrando vicios y falsas virtudes.

Después de una larga enfermedad, Sordi muere el 25 de febrero de 2003, a la edad de 82 años. Los restos son trasladados a la sala de armas del Campidoglio, donde por dos días recibió el homenaje ininterrumpido de una multitud inmensa;
el 27 de febrero del 2003 se celebran funerales solemnes en la Plaza San Giovanni, delante de casi 300.000 personas. Después será enterrado en la tumba de familia. La vida privada de Sordi fue siempre llevada con extrema discreción y reserva: ningún enlace sentimental oficial, ningún matrimonio contraído, vivió siempre en su casa junto con sus hermanas Savinia (muere en el 1972) y Aurelia, con su hermano Giuseppe, su administrador y con la secretaria Annunziata que actualmente está encargada de sus archivos personales.

Raf Vallone


Raf Vallone y su hijo Saverio Vallone (actor).

(Tropea, 1917 - Roma, 2002) Abogado, ex jugador de fútbol, periodista, crítico y actor de cine y teatro, Vallone había nacido el 17 de febrero de 1916 en Turín y saltó a la fama tras su participación en "
Arroz amargo"
(1948), de Giuseppe De Santis, junto a una jovencísima Silvana Mangano y Vittorio Gassman, considerada una de las obras cumbres de la estética neorrealista.

Ese mismo año, en "
No hay paz debajo de los olivos"
, fue el oponente masculino de Lucía Bosé, antes que ella decidiera radicarse en España para casarse con el torero Luis Miguel Dominguín.

Entre otras películas, se destacó su participación en 1959 en "
El Cid"
, rodada en España junto a estrellas del nivel de Sophia Loren y Charlton Heston, y "
Dos mujeres"
, de 1960, también junto a la Loren, quien por su trabajo ganó un Oscar.

También trabajó en "
Tomás Moro"
, "
El deseo bajo los olmos"
, "
El camino de la esperanza"
(dirigida por Pietro Germi en 1950) y "
Panorama desde el puente"
, el drama de Arthur Miller, que interpretó para el cine dirigido por Sidney Lumet en 1962.

El actor había desarrollado parte de su vida profesional en Hollywood y había interpretado en diversas ocasiones papeles de religioso, como en "
El cardenal"
(1963), de Otto Preminger, y "
Nevada Smith"
(1966), de Henry Hathaway.

A las órdenes de Francis Ford Coppola trabajó en 1990 en "
El Padrino III"
, una de sus últimas películas.

Vallone permanecía retirado de la escena desde 1995, año en el que decidió interrumpir su carrera debido a su edad avanzada y "
desencantado por la falta de valores en el mundo cinematográfico y teatral"
.

Raf Vallone fue considerado por el crítico inglés David Shipman "
como el actor con más "
sex appeal"
de los actores de los años 40 y 50"
.

Cybill Shepherd


Cybill Lynne Shepherd (18 de Febrero de 1950)

Comezó su carrera como modelo durante su adolescencia, su belleza natural fue su principal baza y pronto copó las portadas de las revistas más prestigiosas, llegando a ser galardonada como Modelo del año en 1968.

Polly Platt, la esposa del director Peter Bogdanovich, la descubrió en la portada de la revista "
Glamour"
y la sugirió como posible protagonista para la nueva película de éste. Finalmente tras ser convocada en un casting, se convirtió en una de las protagonistas de "
La última sesión"
(1971), encarnando a la bella Jacy Farrow, objeto de deseo de todos lo jóvenes de un pequeño y triste pueblo norteamericano con un cine a punto de cerrar, en el reparto la acompañaban Jeff Bridges, Timothy Bottoms, Ellen Burstyn, Ben Johnson y Cloris Leachman. La película se convirtió en un film de culto en la década de los 70. Durante el rodaje, ella se enamoró de Peter Bogdanovich, que abandonó a su esposa para formalizar su relación.

Repitió junto al realizador en las desafortunadas "
Una señorita rebelde"
(1974) y "
Por fin un gran amor"
(1975) y años más tarde rompieron su relación sentimental.

En 1974 intervino en la comedia romántica "
El rompecorazones"
, junto a Charles Grodin, dos años más tarde interpretó un papel secundario en la excelente "
Taxi Driver"
de Martin Scorsese, encarnando Betsy, una conquista fallida del taxista Travis Brickle (Robert De Niro).

Tras este film, sus otros trabajos fueron desafortunados y no tuvo suerte con títulos como "
La dama del expreso"
(1979), descafeinado remake junto a Angela Lansbury, del clásico de Alfred Hitchcock "
Alarma en el expreso"
(1938).

En los 80, se refugió en la televisión con la serie de 1983, "
La rosa amarilla"
, mezcla de culebrón y western urbano, centrada en la vida de un grupo de criadores de caballos, en el reparto estaban David Soul y Sam Elliot. La serie no funcionó demasiado bien y sólo se mantuvo una temporada en antena.

En 1985 tuvo mucha más suerte con la comedia detectivesca "
Luz de Luna"
, interpretando a una ex-modelo que comparte una agencia de detectives con el alocado David Addison (un por entonces desconocido Bruce Willis). La serie fue un éxito absoluto gracias al feeling de la pareja y a unos guiones ágiles y frescos con referencias en la comedia clásica norteamericana. Se mantuvo durante 5 temporadas en antena, hasta 1989. Los motivos fundamentales de su cancelación fueron las continuas disputas entre la pareja protagonista y los responsables de la serie.

Al contrario que Bruce Willis, Cybill no tuvo suerte tras finalizar "
Luz de Luna"
. Peter Bogdanovich la reclamó para una secuela tardía de "
La última sesión"
, titulada "
Texasville"
(1990), donde se reencontró con Jeff Bridges, Timotyh Bottoms y Cloris Leachman. Los resultados fueron mediocres y el film fue un fracaso.

Ese mismo año intervino en la comedia de Woody Allen "
Alice"
, al lado de Mia Farrow, Alec Bladwin, William Hurt y Judy Davis.

En los 90 su carrera declinó apareciendo en innumerables telefilms basados en hechos reales, encarnando a mujeres maltratadas o madres de hijos problemáticos.

En 1995 se fabricó una sitcom a su medida "
Cybill"
, sobre una actriz en declive, tras haber destacado años atrás. Esta producción funcionó bastante bien, permaneciendo en antena durante 4 teporadas, hasta 1998.

En 1999 hizo pequeño cameo como en la comedia cinematográfica "
La musa"
, dirigida y protagonizada por Albert Brooks, donde se interpretaba a sí misma.

En 2000 debutó como presentadora del programa "
Men Are From Mars, Women Are From Venus"
. En los últimos años a proseguido trabajando en televisión apareciendo como invitada en la serie como "
No con mis hijas"
o interviniendo en telefilms, siendo el último de ellos "
Martha: Behind Bars"
, pendiente de estreno para este año. En 2006 intervino en el film dramático "
Open Window"
y en la película de bajo presupuesto "
Hard Luck"
. En 2007 ha colaborado en varios episodios de la serie "
L"
. Al margen de su carrera como actriz, ha tenido tiempo para desarrollar una discutible carrera como cantante jazzística y hasta la fecha ha grabado nueve discos.

Bridget Fonda




Bridget Jane Fonda (27 de enero de 1964), es una actriz estadounidense.

Bridget nació en Los Ángeles, California dentro de una familia dedicada a la interpretación, incluidos su abuelo Henry Fonda, sus padres Peter Fonda y Susan Brewer, y su tía Jane Fonda.

Recibió su nombre por el de Bridget Hayward, amor de juventud de su padre. Sus padres se separaron en 1972, y posteriormente Peter se casó con Portia Rebecca Crockett, quien la crió junto a su hermano, Justin, en Los Ángeles.

Bridget acudió a la Westlake School for Girls en Los Ángeles. Durante este tiempo, tuvo poco contacto con su familia. Su primer contacto con la interpretación tuvo lugar en una obra de teatro escolar. Su primer papel en el cine fue una pequeña aparición en la película de 1969 "
Easy Rider"
, y hasta 1988 no consiguió su primer papel hablado en una película. Ese año apareció en las películas "
You Can't Hurry Love"
y "
Shag, ritmo en los talones"
.

Bridget estudió actuación en la Tisch School of the Arts y en el Lee Strasberg Theatre Institute.

Su primer papel importante fue el de una atractiva periodista en la película de 1990 "
El padrino, Parte III"
. Después de participar en algunas obras de teatro y pequeños papeles en películas, su primer papel protagonista fue en la película "
Mujer blanca soltera busca..."
(1992).

A partir de entonces, Bridget ha aparecido en varias películas como "
La asesina"
(1993), "
Jackie Brown"
(1997) o "
El beso del dragón"
(2001).

El 29 de noviembre de 2003, Fonda se casó con el compositor Danny Elfman. Tienen un hijo, Oliver, nacido en enero de 2005.

Gillian Anderson



Gillian Leigh Anderson (n. 9 de agosto de 1968) es una actriz estadounidense, conocida por interpretar a la agente del FBI Dana Scully en la serie norteamericana The X-Files.

Es hija de Edward Anderson, que trabaja en una empresa de post-producción y de Rosemary, que es analista informática. Tiene dos hermanos menores, Aaron, que padece un desorden genético llamado neurofibromatosis quística y progresiva y Zoe (la cual apareció en un capítulo de la quinta temporada de Expediente X titulado Christmas Carol, en el que interpretaba a Dana Scully adolescente). En 1992, con poca experiencia profesional, se presentó a las pruebas de una nueva serie de televisión titulada The X-Files. El creador de ésta al verla exclamó: "
ya he encontrado a mi Dana Scully"
;
Carter tuvo que luchar duramente para que los directivos de la cadena Fox la aceptaran como protagonista de la teleserie, pues según ellos Gillian Anderson no cumplía con el perfil que ellos buscaban. Finalmente Carter los convenció y Anderson, con el tiempo demostró su gran talento como actriz a la hora de interpretar a la doctora Scully.

Durante la filmación de la primera temporada se enamoró de uno de los directores artísticos de la serie, Clyde Klotz, con el que se casó el 1 de enero de 1994 en el hoyo nº17 de un campo de golf en una ceremonia oficiada por un sacerdote budista. Al poco tiempo de casarse quedó embarazada, lo cual supuso un problema, puesto que este aspecto no podía ser incluido dentro de la trama de The X-Files. En un principio, los guionistas consideraron que esto era lo peor que les podía acontecer, pero con el tiempo se dieron cuenta de que gracias a esta situación crearon el arco argumental más importante de la serie: la abducción de Scully.

La hija de Gillian Anderson nació el 25 de septiembre de 1994, nombrada Piper Maru;
en su honor, uno de los capítulos de la serie se llamó de esta manera.

Gracias a su gran interpretación del personaje, logró alcanzar numerosos premios, incluidos el Emmy y el Globo de Oro y un sinfín de nominaciones a otros premios.

Se divorció de Klotz en 1997, y ambos tienen la custodia compartida de su hija.

Se casó en segundas nupcias con el periodista Julian Ozanne el 29 de diciembre de 2004 en Kenia. En abril de 2006 Anderson se separó de Julian Ozanne. En julio de ese mismo año anunció que estaba embarazada de su segundo hijo. El padre es un hombre de negocios llamado Mark Griffiths. El 1 de noviembre de 2006, en Londres, Gillian dio a luz a su hijo, un varón al que ha llamado Oscar.

Anderson está muy vinculada a causas humanitarias.

Entre sus nuevos proyectos por estrenar destacan "
A Cock and Bull Story"
, del director Michael Winterbotton y "
The Mighty Celt"
junto al actor Robert Carlyle. Recientemente ha participado en el rodaje, en Uganda, de la adaptación de la novela "
The Last King of Scotland"
junto al actor Forest Whitaker. En el 2007 estrenará dos películas: Straightheads y No One Gets Off In This Town. En 2008 anunció que estaba embarazada de nuevo.

Juliette Binoche



Juliette Binoche (n. París, 9 de marzo de 1964) actriz francesa ganadora de un premio Oscar.

Es hija de un director de teatro y escultor, y de una actriz. Realizó sus estudios de interpretación en la Escuela de Arte Dramático de París y, tras su graduación, se inició en el teatro. Su debut en el cine fue a los 20 años, en el film Les Nanas (1984).

Un año después, el director Jean-Luc Godard le dio la oportunidad de protagonizar la película Yo te saludo, María (Je vous salue, Marie, 1985), haciendo de Virgen María. Aunque la fama internacional le llegaría en su próximo film, Apasionados (Rendez-vous, 1985), protagonizándolo junto a Lambert Wilson.

Tras este film vinieron Malasangre (Mauvais sang, 1986), de Leos Carax, haciendo una excelente actuación y Los amantes del Pont-Neuf (Les amants du Pont.-Neuf,1991), del mismo director. La insoportable levedad del ser (The Unbearable Lightness of Being, 1988), de Philip Kaufman y cuatro años después interpretó Una vez en la vida o Herida (Damage, 1992), junto a Jeremy Irons, y coprotagonizó con Ralph Fiennes Cumbres borrascosas (Wuthering Heights, 1992).

Posteriormente, trabajó en la famosa trilogía de los colores del polaco Krzysztof Kieslowski. Fue protagonista de Blue (Trois couleurs: Bleu, 1993) y apareció en papeles en Rouge (Trois couleurs: Rouge, 1994) y Blanc (Trois couleurs: Blanc, 1994).

Fue galardonada con un Oscar de Hollywood por su interpretación en El paciente inglés (The English Patient, 1996), de nuevo junto a Ralph Fiennes.

Le siguen Un diván en Nueva York (Un divan a New York, 1996), junto a William Hurt, Téchiné en Alice et Martin (1998) y Los amantes del siglo (Les Enfants du siecle), en la cual interpreta a la polémica escritora George Sand.

Fue nominada nuevamente al Oscar por Chocolat (2000, interpretada junto a Johnny Depp).

Juliette nunca se ha casado aunque tiene dos hijos. Un niño con Andre Halle y una niña con el actor francés Benoît Magimel, con quien vive actualmente. Se la relacionó sentimentalmente con el Director Leos Carax, y vivió un tiempo con el también actor Olivier Martinez.

Isabelle Adjani




Isabelle Yasmine Adjani (París, 27 de junio de 1955) actriz y cantante francesa. Es considerada tanto por la crítica como por el público como uno de los Mitos más importantes del cine francés y del cine europeo. La Apodaron desde principios de los años 70: "
La Sublime"
.

Hija de un argelino de origen turco llamado Mohammed y una alemana llamada Augusta, pasó su infancia junto a su hermano Eric (actualmente un fotógrafo famoso) en un lugar llamado Gennevilliers al sur de París. Dotada desde pequeña de una rara aplicación a sus labores, de formidables dones para memorizar un texto y declamarlo con la espontaneidad más viva;
en su casa se hablaba francés, alemán e inglés lo que la dotó de una buena dicción. Ya desde la escuela se destacó por sus actuaciones teatrales.

En el año de 1969 mientras asistía al liceo Alfred de Vigny (y pensando estudiar en el futuro Psicología al acabar sus estudios escolares), recibió la propuesta del director Bernard Toublanc-Michel;
así debutó en el cine a los catorce años junto a Claude Amazan en el film Le petit bougnat de 1970. En su primera aparición Isabelle Adjani es Rose una muchacha que es forzada a ir a un campamento de verano del liceo, del que buscara fugarse hasta que se enamora de su instructor (con quien querrá tener un bebé!) y cambiara de bus para volver a él;
mientras Amazan es un niño de piel oscura quien no fue invitado al campamento, pero hará todo lo posible por llegar a el, pero los rigores del mismo harán que luego se fugue;
es pues un film para niños y adolescentes. Luego actuó en el primer film de Nina Companeez, Faustine et le bel été en 1972, junto a la primera aparición de Muriel Catala (conocida como "
la eterna adolescente"
por su carrera que solo abarco esta etapa de su vida), es una historia que trata sobre el "
Voyeurismo"
;
encarnado en Faustine, una bella, muy tierna y deliciosa adolescente de 16 años que espía sin descanso la casa de ensueño de sus vecinos: escucha sus pláticas seductoras, mira sus jugueteos sexuales y donde descubrirá el amor en un hombre mucho mayor que ella;
mientras Adjani quién es Camille se vuelve su amiga, pero sigue siendo parte del reparto de hermosísimas muchachas que son escudriñadas hasta el último detalle, así como la dulzura que se vive en una casa de ensueños paradisíaca;
es una historia que juega con bellos paisajes, la distancia, la inocencia y el erotismo, mientras un piano de fondo se desliza por toda la obra añadiendo un toque seductor a la sensualidad que irradia todo el film. En 1973 inició su carrera teatral con L'école de femmes de Molière bajo el director Raymond Rouleau, protagonizando el rol de 'Agnes', dejando atónitos a todos y llevándose las palmas tanto de críticos como del público ("
y por ello la obra se puso en escena por más tiempo del previsto"
) y con L'école de Femmes empezo a alcanzar el reconocimiento por todo París. Otras obras en las que actuó fueron L'avare de Moliere, La maison de Bernarda de Federico García Lorca, Port Royal de Montherlant y en 1975 en la maravillosa Ondine de Jean Giraudoux.

A principios del año 1974 apareció en la serie Le secret des flamands (serie de tv en 4 capítulos) del director Robert Valey donde interpretaba a Maria una joven florentina del renacimiento y que trata sobre una nueva formula secreta que descubren los pintores flamencos italianos con el que empiezan a crear maravillosos cuadros superiores que revolucionaron la historia del arte en la pintura, con esta serie Isabelle Adjani empezó a ser conocida en Italia. A pesar del éxito en el teatro renunció a un contrato millonario en la Comédie Française para dedicarse al cine. A finales de 1974 apareció en el film La Gifle en donde personifica a Isabelle Doulean, una muchacha estudiante de medicina que en el fondo no sabe que quiere de la vida y en uno de los diálogos clásicos del cine francés según una de las obras más apreciadas por el público cinéfilo culto Histoire du Cinéma Français (Reliure Inconnuue) donde se resalta la intensidad y la histeria característicos de la actuación Adjánica "
que luego de gritarle en la cara a su papá Jean (Lino Ventura) que perdió su empleo: "
. . . tú no me das miedo . . . te has caído con todos tus diplomas . . . todo el mundo lo sabe¡¡¡ . . . todo el mundo lo comenta ¡¡¡ y no me hagas reír que ¡¡¡ ESTOY HARTA !!!!!!!"
(lanzado un desgarrador chillido), por lo que su papá le da una violenta bofetada (justamente el título del film traducido al español significa "
La Bofetada"
);
lo que hace que ella se fugue de su casa y abandone a sus amigos, a su novio, y sus estudios para buscar otros destinos. Con La Gifle Adjani alcanzó el éxito a nivel de todo el público general en Francia e Italia, fue pues su primer éxito a nivel comercial;
el film recibió el premio Louis-Delluc y Isabelle Adjani fue recompensada con el premio Suzanne Bianchetti. Este mismo año Serge Gainsbourg le hizo grabar una canción llamada Rocking Chair en el show televisivo de "
Maritie et Gilbert Carpentier"
. Alcanzó su primer gran éxito cinematográfico a nivel internacional bajo la dirección de François Truffaut (quien se enamoró de Adjani, en vano....) en el Diario íntimo de Adela H. 1975, donde encarnaba a la hija del famoso escritor Victor Hugo, Adele Hugo, cuya obsesión por un amor no correspondido la hace tener unas terribles pesadillas donde sueña que se ahoga, a practicar espiritismo, a escribir numerosísimas cartas a su amor, a explorar en el hipnotismo, a caer en ataques de pánico, todo por no ser amada por quien ella ama desesperadamente;
todo esto hizo que lentamente vaya hundiéndose en el "
malditismo"
y la locura;
y por esta amarga historia Adjani se llevó el premio como mejor actriz en los premios Golden India Catalina, David Di Donatello, National Board of Review y el New York Film Critics Circle Awards;
el film, el director y la actriz recibieron numerosas nominaciones incluidas las nominaciones al Oscar por mejor actriz extranjera y al César. Con posterioridad, ha trabajado, con otros directores, como Roman Polań
ski en el El quimérico inquilino, película encarnada por el mismo Polanski quien va a vivir al apartamento de una suicida sin saber que tendrá que enfrentar la pesadilla de la enajenación de su personalidad, 1976);
André Téchine en Barroco, 1976 con Gerard Depardieu, film en el cual Isabelle Adjani es Laure una chica inteligente, con una extraña personalidad entre la dulzura y la fuerza;
que vive en un mundo donde se enfrentan la esperanza y la venganza, la religión y la incredulidad, la política y la corrupción, la individualidad y la masificación humana, la ternura y el crimen, el orden y el caos, pero sobre todo el amor versus la muerte y todo ello en medio de un ambiente barroco (la metáfora y la alegoría combinándose con el dolor psicológico del hombre en busca de anclajes sólidos);
y con esta obra Isabelle fue nominada al César como mejor interprete.

En 1977 actuó junto a Jaques Dutronc en el film de Jaques Rouffio Violette &
François una extraña combinación de comedia, tragedia y crimen;
donde la sustracción de cosas ajenas, el castigo y la delirante muestra de no saber el por qué de la razón de la gravedad de quebrantar y violar la ética, es el vórtice alrededor de donde se desenvuelve esta aguda subversión junto al estallido del juego moral en que corretea esta historia . Al año siguiente 1978 hizo su primer performance en Hollywood en la película The Driver de Walter Hill, donde actuó con Ryan O'Neal, film donde se ven carreras de autos, choques y una Adjani con un aura al estilo de actrices antiguas como Carole Lombard, Bette Davis, Barbara Stanwyck o Greta Garbo. En 1979 apareció en el film Les Soeurs Bronte, que trata sobre la vida de las apasionadas jovenes escritoras "
Bronte"
quienes vivieron antes de mediados del siglo XIX. Adjani es Emily Bronte (la gran autora de Cumbres Borrascosas) una chica muy ruda que le responde a su dulce hermana Anne Bronte Isabelle Huppert cuando Anne le muestra la belleza de una flor a Emily y Emily con la siguiente frase compara a una flor y a unas ramas que crecen junto al arroyo: "
Tu solo ves lo superficial . . .La flor representa el amor, pero la flor se marchita cuando pasa el verano como el amor;
el amor se marchita . . . Yo pisoteo el amor, Yo escupo sobre el amor . . . en cambio las ramas siguen ahí como la amistad que perdura hasta en el Invierno"
. La mayor de las hermanas es Charlotte Bronte Marie France Pissier quién se enamora de un hombre maduro de apellido Robinson, que tiene como tutores de sus hijos al hermano de ellas Branwell Bronte Pascal Greggory (cuyo talento es la pintura) y a la dulce Anne quienes trabajan en la casa de Robinson: un personaje déspota, cruel y sin corazón que maltrata a su esposa y a Branwell (que ama a la esposa de Robinson) y Anne que cría a sus niños;
niños crueles también hasta el punto que Anne pide compasión por los pajarillos que el hijo de Robinson "
maltrata y descuartiza miembro por miembro .....estando vivos"
!!!. A pesar de ello las hermanas Bronte quienes sin abandonar su pueblo, alcanzan cierta fama literaria escribiendo bajo seudónimos;
más los conservadores se muestran muy ambiguos con sus obras. Branwell es al final rechazado por la Sra. Robinson lo que lo llevara a una vida desenfrenada: beber alcohol, consumir Opio y dormir todo el día;
entonces la oscura muerte descendera sobre ellos, llevandose a Branwell, luego a Emily y finalmente a Anne. Entonces ni su genialidad, ni sus sueños, ni su fama han impedido la espeluznante sombra de la fatalidad y solo Charlotte vivira para al final del film dedicarse a ver una amena Ópera. Es pués una historia que se destaca por su belleza, su crudeza, su fuerza y su profundidad de sus tomas y de sus diálogos. Esta obra fue nominada al César.

Ese mismo año 1979 fue llamada por el director: Werner Herzog para filmar Nosferatu, Phantom der Natch (Nosferatu, Fantasma de la Noche) 1979, versión de el libro de Brian Stroker pero como horror gótico, violentamente glacial y de un romanticismo negro y donde la actriz francesa tiene como compañero al célebre Klaus Kinski, Adjani es una Lucy (hechizante y tremendamente gótica) mientras Kinski es Nosferatu (todo insólito y fascinante) quién se enamora perdidamente de ella y decide abandonar su castillo en Transilvania para ir a descubrir lo que es el amor, beber su sangre y poseer su alma;
esta vez la palidez de Adjani sera agudizada como recurso para demostrar que Lucy es una figura fantasmal que le hará saber al vampiro que posee las armas para combatir al demonio. Esta película fue nominada y premiada en el festival de Berlin.

1981 fue llamado el año Adjani por las películas y los premios que recibió por los films de ese año. A principios de ese año 1981 fue invitada especial en el film Clara et les Chic Types del director Jaques Monet donde es Clara que se fuga de la iglesia donde se venía celebrando su casamiento y luego tiene algunos encuentros con unos famosos comediantes de la época (como si juntáramos a los cómicos del programa Saturday Night Live para un film, pero del país francés ) quienes en la obra son los Why Notes? una banda de New Wave (la comedia gira sobre todo alrededor de ellos) conformada por Bertrand, Charles, Aimée, Louise, Mickey y Frédéric (personajes con variados conflictos que nos hacen a veces reír, otras pensar, otras ponernos sentimentales). Luego actuó en el film de James Ivory Quartet1981 con Maggie Smith y Alan Bates, ´´un film sobre el control, el sadismo y la perversión´´. Ambientado en los años 20, esta vez la actriz es Marya Zelli, una chica que cae en la desgracia de ver encerrado a su marido en la cárcel y por buscar ayuda no tardarla en verse envuelta en un triangulo amoroso con Heldler y su esposa Lois, una pareja que supuestamente aparenta ayudarla;
sin saber que inocentemente ha caído fatalmente en una trampa, en un mundo de puras apariencias y donde va a enredarse en el juego de la sumisión y sentirá en carne propia el doloroso, patético y humillante sentimiento de como una mujer puede ser utilizada como un despreciable juguete. Es una película desgarradora que por su tragedia hizo que Maggie Smith fuera nominada a los premios BAFTA, el film fue nominado a la Palma de Oro, y Isabelle Adjani se llevo su primer premio César por la "
mejor interpretación femenina"
en el Festival de Cannes 1981. Ese mismo año salió el film de horror Possession de un director que se haría reconocido por sus films oscuros;
Andrew Zulawski, en este film Adjani se desdobla en 2 papeles por un lado es Helen una tierna maestra de escuela y en el otro es Anna una mujer casada, pero que engaña a su marido compulsivamente con un inhóspito personaje quién la va haciendo caer en una grave psicosis (aquí aparece la clásica escena del impactante y horrendo ataque de locura, donde Isabelle Adjani como Anna parece poseída por uno o varios espíritus inmundos en el metro. );
con Possession Adjani recibió su segundo César en 1982 como la mejor actriz de ese año. Luego en Agosto de 1981 apareció en la comedia L'Année Prochaine si tout va bien de Jean-Hupert Loup donde Adjani por segunda vez es Isabelle que lleva una relación romántica con Maxime, quien es un dibujante de historietas sobre un héroe de Marte;
el film es una comedia de algodón, a la vez corrosivo, también inteligente y muy perpicaz que hace una revisión ácida a los problemas de Pareja, particularmente el deseo de la mujer de ser fecundada a como de lugar y en el que se ve la fiesta de un matrimonio en unas pintorescas rápidas tomas fotográficas;
y el toque de gracia lo pone al parodiar su propia historia y a todas aquellas historias de fotonovela a que nos tiene acostumbrados la televisión. El siguiente año apareció en el film Tout feu, tout flame de Jean Paul-Rappeneau (1982) junto a Yves Montand donde es Pauline una muchacha que sola se encarga de sus 2 adolescentes hermanas Delphine y Juliette y su madre;
pero su padre volverá después de muchos años de no verlo (aquí vemos otro filme que juega con el doble sentido donde las cosas no se dicen directamente, pero 'a escondidas' se expresan;
Pauline toda una experta en "
relaciones internacionales"
, pero con problemas para relacionarse con su entorno cercano!!), las peleas entre su padre y ella harán que entre en un gran ataque de histeria y sin embargo lo interesante es que Jean Paul-Rappeneau en esta crisis histérica hizo actuar a Adjani de forma que su característica angustia sea lo más aguda posible, pero de tal forma que esta vez en Tout feu, Tout flame perderá toda su trágico dramatismo para mas bien convertirse en todo un violento espectáculo cómico, demostrando una vez más el amplio espectro de la actuación adjanica. Luego en el film de Carlos Saura Antonieta, 1982 una historia sobre historia y tragedias mezcladas con la gente y las costumbres de los indígenas, donde se añaden, filmaciones en blanco y negro de la época de la Revolución Mexicana;
Hanna Schygulla es Anna, una periodista que esta escribiendo un libro sobre suicidios de las mujeres del siglo xx y así se entera de la vida de Antonieta Rivas Mercado una mujer genial, amante de la cultura y del arte, fundo la filarmónica de Méjico, tradujo al español las obras de Rainer Maria Rilke y Franz Kafka, que puso en puesta de escena a Jean Cocteau y otros innovadores del teatro vanguardista francés de principios del siglo xx y que ejercio el mescenazgo del arte y la cultura;
su amor platónico fue Manuel Rodríguez Lozano un pintor homosexual al que le dedico 80 cartas de amor!!(y que jamás la correspondio). Entro en la política para buscar la salvación de su país apoyando intelectual y económicamente al candidato a presidente José Vasconcelos Calderón (con quien tuvo otra relación);
pero las elecciones fueron todo un fraude, Vasconcelos perdió, le dijo a Antonieta que "
en el fondo solo tenemos necesidad de Dios"
. Sin dinero, sola, defraudada y patéticamente incomprendida, termino metiendose un balazo en el corazón, en la excelsa Catedral de Nuestra Señora de París. En 1983 Claude Miller la hizo actuar en Mortelle Randonnée una película de suspense donde Isabelle Adjani es perseguida por un detective The Eye personificado por Michel Serrault (quién es su padre al que nunca conoció y que el solo la conoce por una fotografía del liceo y que mantiene una conversación consigo mismo inteligente, mordaz y cómica) y ella es una chica con multiple personalidad, que cambia constantemente de identidad y de look ( la actriz en este film aparece con diferentes looks variando radicalmente según la personalidad con: el pelo muy corto, despeinada, new wave, castaña, rubia, ondulada, con el pelo largo, con cerquillo, el pelo totalmente negro, con un peinado de los años 60 etc . . . . . . .) muy astuta, que vive la vida a veces en forma pausada . . . otras velozmente, quien no se detiene ante nada, una asesina serial que vive asesinando sin compasión (y que arrastra una profunda desolación de haber sido abandonada por su padre, "
pero de una forma paranoica"
). Ese mismo año Jean Becker la ficho para L'Été Meurtrier (El Verano Asesino) 1983, un film inolvidable donde Adjani (que sale tremendamente sexi, en vestidos muy cortos, diminutas prendas, ropa interior, tacones y ligas) es Eliane una muchacha que dice lo que piensa;
extraña, conmovedora pero cruel, demasiado agresiva y exenta de toda hipocresía que le da la espalda a todos y que arde en deseos de vengar la brutal violación de su madre cometido por sus verdugos dueños de un piano misterioso, el cual sera su pista para desquitarse;
y a pesar del tema trágico del film hay un espectacular sabor cómico y mordaz en toda la historia, debido a la personalidad de Eliane quien es totalmente directa en su forma de hablar y en sus actos, dice las cosas como son y que no cree en convencionalismos sociales ni nada por el estilo de tal manera que "
el film se balancea como un péndulo entre el dolor y la comedia y entre la comedia y el dolor como la misma Vida."
Y con L'été meurtrier Isabelle Adjani se llevó su tercer César en 1984, su fama se volvio todo un caudal y la obra fue todo un éxito de taquilla en Francia.

Por ese mismo año 1983 apareció su disco Pull Marine escrito y producido por Serge Gainsbourg;
Pull Marine es un disco cargado de canciones dotadas de un Pop tremendamente sensitivo;
que combina la frescura de los años 80, recargado con vibraciones de la música disco y las baladas de los años 70 y acompañado de su sugestiva voz, dulce y sensual, pero con una atmósfera clasicista y melancólica;
el cual alcanzo un gran suceso en el público por su inmediatez y su calidad. De este disco se desprendieron singles como Ohio, Beau Comme Bowie (solo un juego de palabras con el nombre de David Bowie) y la última canción de este disco llamada también Pull Marine llegó al numero 1 (con un video producido por Luc Besson, productor del siguiente film);
como si fuera poco dado el éxito del disco todas las melodías tuvieron su propio video. Con todo ello Pull Marine consagro a Isabelle Adjani como cantante también, siguiendo esa antigua tradición que iba desde Judy Garland hasta Liza Minelli.

También grabo dos spots televisivos para la marca "
LUX"
(el jabón de las estrellas) y la lejía "
Woolite"
, más tarde ella posara para la marca de zapatos "
GAP"
y en Francia para "
Renault"
y "
Lejaby"
, y también benévolamente para "
AICF"
(Acción Internacional Contra el Hambre). En 1984 se hizo una encuesta al público francés para conocer a la persona más famosa de todo el mundo y así alcanzó el top de la lista de famosos. En 1985 Luc Besson la hizo actuar en el film Subway , una especie de cuento de hadas Post-moderno con Christopher Lambert en el cual Heléna (Adjani) es una chica rica ("
una fichita"
), fría, hermosa y rebelde (y que en un instante del film sale con un estrambótico peinado punk!) que es seducida por quien le robo Fred (Lambert) un tipo vestido de smoking, inteligente, calculador, lunático, irónico, con una dosis de humor y amante de la música que vive en el metro de la capital francesa con otros asaltantes robando grandes cantidades de dinero;
el título Subway lo dice todo ya que a excepción del principio el resto del film ha sido filmado completamente en el subterráneo metro de París. En 1986 graba una nueva canción titulada Princesse au Petit Pois con su respectivo video en pleno Cenit de la Fama. En 1987 apareció en una comedia llamada Ishtar de Elaine May junto a Warren Beatty y Dustin Hoffman;
la comedia trata sobre 2 desafortunados cantantes (Beatty y Hoffman) que van a probar fortuna a un lugar llamado "
Ishtar"
en el medio oriente, Shirra Assel (Adjani) es una revolucionaria, parte de un grupo de rebeldes que pelean contra el gobierno de ese lugar que tiene una alianza con la CIA. La comedia además de ser divertida es una sátira a la política norteamericana en el medio oriente y a su inteligencia;
la crítica cinematográfica de EEUU, politizada y parcializada con los intereses norteamericanos, castigo la irreverencia del film condenándolo con los premios de peor director, peor película y peor guión.

Isabelle Adjani luego trabajó con el director Bruno Nuytten en La pasión de Camille Claudel, 1988 un film que trata sobre la vida de la escultura parisiense del mismo nombre que conoció a Auguste Rodin;
a parte de ser una de sus principales colaboradoras, fue también su amante y compañera durante algunos años;
se convirtió en su modelo y su musa, inspirando obras como la "
Danaïde"
o "
Fugit Amor"
, sin embargo ella siempre tuvo su estilo propio, creando obras como la hermosa "
L'Age Mur"
donde se esculpe a ella arrodillada y suplicante frente a Rodin, quien le da la espalda y es llevada por una bruja. Con esta obra presagio su final;
Camille Claudel termino peleándose con Rodin, lo insultaba constantemente y siempre creyo que existía un complot tramado por él contra si misma;
fue dejada a un lado tanto por el público como por la crítica y se peleo con todo el mundo que la rodeaba, destruyo sus obras y se aisló en su casa de la que nunca salía, sufría paranoias y delirios de persecución, hablaba a las paredes y nunca se bañaba;
al final fue trasladada a un Sanatorio Mental a la fuerza, el cual nunca abandonó hasta su muerte en 1943.

Con el film Camille Claudel Isabelle Adjani fue nominada como mejor actriz en los premios Oscar de 1990. Precisamente en 1990 aparecio el film Lung Ta: Les cavaliers du vent dirigido por Franz-Christoph Giercke y Marie-Jaoul de Poncheville, luego de su victoria como cantante (especialmente con su Lp Pull Marine) Adjani solo utiliza su consagrada Voz que va narrando toda la obra (pues no se le ve en ningún momento) donde en una secuencia de filmaciones en el Tibet y así mientras se van mostrando las imágenes, aparece al principio el Dalai Dama hablando sobre la brutal invasión de la China comunista sobre el Tibet y todo el resto del film la Voz de la actriz nos va narrando las costumbres del pueblo Tibetano: sus casas, su rutina diaria, sus labores, sus danzas, sus vestimentas y al mismo tiempo sus creencias: la Naturaleza del Buda, sus cantos, sus meditaciones, su búsqueda de la finitud, la eternidad, la trascendencia y el Nirvana. Ese mismo año fue elegida la mejor actriz de la década de los 80 por Toda la Crítica Francesa. Una vez alcanzada la Gloria y la Fama, de ahora en adelante Isabelle Adjani aparecería en el cine y en el teatro por cortos periodos marcados por varios films y por varios años de ausencia. Así aparecería por un periodo, empezando en 1993 con Ph. Esposito en Toxic Affair, una comedia donde Adjani es Penélope una persona hipocondríaca. El año siguiente fue la protagonista principal en La reina Margot de Patrice Chéreau 1994, en esta película Isabelle Adjani se convierte en la reina francesa, quien reina en medio de una corte llena de intrigas y sobre en un país que esta sumido en la legendaria guerra entre católicos y protestantes, ella entretanto llevada por el poder de sus creencias y la fuerza de sus sentimientos defiende lo que cree y combate lo que odia, mientras la gente pelea, matan y son muertos por todas partes;
se trata de un film con escenas bastantes sangrientas que nos habla sobre las pasiones de hombres y mujeres, la locura humana, la fragilidad de la vida y la desmesura de la muerte, donde además aparece actuando Miguel Bosé;
con la Reina Margot la actriz recibió su cuarto César en 1995. En 1996 trabajó junto a Sharon Stone en el film "
Las Diabólicas"
o Diabolique de Jeremiah S. Chechik donde Adjani representa a Mia: una monja en retiro, creyente, tranquila y aparentemente recta, que sufre de ataques al corazón casada con un hombre perverso y sádico quien la maltrata, pero su amiga la Stone es Nicole una mujer incrédula, agresiva, sin descaro que la ayuda a matar a su marido y a deshacerce del cadáver;
sin embargo la culpabilidad de Mía ira in crescendo, a pesar de que Nicole la quiere convencer de lo correcto del acto, pero tanto la una como la otra observaran la aparición de más y más señales que tendrán que enfrentar porque hay alguien que quiere vengarse de ellas y Mía se sentira cada día más culpable aunque la trama de la historia le enseñara a ambas que la muerte siempre toca a nuestras puertas. Diabolique es un film que juega con el dolor de la culpa, con el sufrimiento de pelear contra el pasado, con las manifestaciones del más allá y que termina violentamente negando todo lo anterior. En el siguiente año presidió el 50º festival de Cannes de 1997 del 7 al 19 de mayo.

En el 2000 regresó al teatro donde interpretó a Marguerite Gauthier en La dama de las Camelias (La dame aux Camélias). Sus últimos filmes han sido La Repentie (2002) de Laetitia Masson, aquí representa a una bella mujer que salió de la carcel y que trata de rehacer su vida;
una persona totalmente espontánea, irónica, que hace lo que le viene en gana, viviendo la mayor parte del tiempo en su propio mundo interior mientras es forzada por las circunstancias de la vida a reconocer su realidad y que además posee 2 identidades Charlotte y Leila, y que anda vagando de un lado a otro, con su pequeña cartera oscura y una pequeña maletita también oscura sobre ruedas y que anda con un vestido largo totalmente negro, (sugiriendo que esta de duelo por algo, aunque no se sabe bien ¿por qué?), mientras la acompaña Paul y entretanto va siendo perseguida por su ex-marido Karim;
es pues una película con un toque muy especial, conmovedora pero a la vez con una historia bastante hermeneútica (es decir sujeta a diferentes interpretaciones) y como si fuera poco, posee además muy excelentes canciones (desde Frank Sinatra hasta Alicia Keys;
pasando por el pop clásico, melodías orientales y dulces tonadas electrónicas). Para pasar a su siguiente film diremos que en La Repentie hizo una eventual aparición Isild Le Besco, una de las recientes actrices de rasgos orientales más hermosas del cine francés que prosigue ese nuevo estilo de belleza, donde la gran inmigración en Francia genera preciosos rasgos formado por el conjunto de las diferentes nacionalidades como la Sublime Adjani. La bellísima Isild Le Besco también apareció en Adolphe (2002) de Benoît Jacquot protagonizado por el atractivo Stalisnas Merhar cuyo personaje da nombre al film y Adjani quién esta vez sera Ellénore;
Adolphe es una bella y trágica película que se desenvuelve entre un clima romántico, gótico, oscuro, entre la dulzura y la distancia;
y que con su sutileza y su opresivo silencio entre los dialogos y sus imágenes nos muestra a Adolphe de 24 años quién se enamora de Ellénore, una mujer muy vulnerable;
cediendo a los avances de Adolphe renunciara a todo y caera rendida ante él, pero ya Adolphe cada vez la ama menos, pero la idea de abandonarla y hacerla sufrir le es insoportable;
así parecera que aparentemente Ellénore poseéra todavía a su más grande amor, pero ya se dara cuenta que la fuerza del destino la sometera y le arrancara al amor de su vida aún contra la voluntad del mismo;
así la historia corre entre el climax de la tranquilidad pasajera, el poder de las tormentas depresivas y donde Adjani mostrara otra vez su característica palidez que va siendo acentuada mientras la historia nos enseña como lentamente la vida pierde (una vez más) la batalla final frente a la muerte y donde además se ve una escena tétrica del sacramento de la unción de los enfermos, mostrando como hasta la religión tiene que ceder ante el poder de lo único real. En el 2003 apareció en Bon Voyage de Jean-Paul Rappeneau donde Adjani aparece junto a Grégori Dérangère, Gérard Depardieu, Virginie Ledoyen, Yvan Atall y Peter Coyote. El film esta ambientado en la Francia de 1940, en el principio en París, el resto en Bordeaux adonde han escapado los personajes del film de la ocupación Nazi sobre la capital Francesa;
Isabelle Adjani es Viviane Denvers una actriz que tiene 3 romances: con Raoul (Dérangère) el héroe del film que vive escapando por el asesinato cometido por Viviane;
con Beaufort (Depardieu) quién es el ministro del interior y con Winckler (Coyote) que es un inglés espía de los Nazis;
mientras Viviane Denvers es una mujer que vive la vida siempre apuradísima (como el conejo de "
Alicia en el País de las Maravillas"
), y va corriendo de un lado a otro asustada y buscando amor y protección;
Raoul, Camille (Ledoyen), el profesor Kopolski y otros franceses de la resistencia tienen que encargarse de embarcar agua pesada hacia Inglaterra, y poder fabricar uranio para experimentar con algo nuevo llamado bomba atómica. Es una historia que solo una mirada descuidada la puede tomar en serio, apenás empieza el film es todo un delicioso y cómico sarcasmo que recuerda a los grandes melodramas del Hollywood Clásico (como Casablanca) mientras les desarolla toda una gran sátira donde se combinaba romance muy cursi con acción donde los "
buenos"
enfrentan a los "
malos"
;
y por si fuera poco Viviane Denvers es la mujer prototipo de esas películas, una actriz con una personalidad que mezcla el glamour, la inocencia y la fragilidad;
pero que con su atractivo manipula a todos los hombres para luego ser abandonada y ser amada por otro, mientras se desarollan las intrigas políticas y el tráfico del comercio ilegal, con ese sabor a todo estar sacado de historieta. En aquel 2003 Adjani apareció en Monsieur Ibrahim et les Fleurs du Coran de François Dupeyron, donde es una rubia deslumbrante que modela para un comercial de un auto deportivo, (lo curioso es que ya tiene 47 años, pero sale como una modelo en sus 20!! y por eso se ha corrido el rumor de que ha hecho pacto con Lucifer). En este film solo hace una eventual aparición humorística parodiando a las actrices de la Nouvelle Vague ya que la historia de fondo trata sobre la profunda amistad que se desarrolla entre un adolescente judío Pierre Boulanger y un viejo musulmán el gran Omar Sharif un hombre muy lúcido, quien con inteligentes diálogos le enseña la sabiduría de la vida;
película que fue premiada en el Festival de Venecia del 2003 .

En el 2004 participa en la operación Fotografías de las Estrellas, organizada por Reporteros Sin Fronteras, una Asociación de defensa de la libertad de prensa que da apoyo financiero a las familias de los 29 reporteros que están en prisión en Cuba. Ese mismo año se involucro en proyectos cinematográficos en Europa, China y el medio oriente así como en festivales de cine de Moscú, Yokohama, Montreal;
en el festival de Montreal Isabelle Adjani tuvo el honor de recibir el "
Gran premio especial de las Américas"
por su trayectoria artística en cine. Ha regresado a las tablas en el 2006 en el teatro Marigny-París con la obra Marie Stuart que además se paso por televisión. Finalmente ha hecho su última aparición ya con toda una trascendental carrera detrás de ella y ahora como toda una condesa en Fígaro 2008;
en su última comedia, con Denis Podalydès. Actualmente vive en Suiza, a donde se mudó con su familia para alejarse del acoso de los fans y de la prensa.

Isabelle Adjani ha aparecido en numerosa revistas como 92 Express, Bazaar, Beaute, Cahiers de Cinema, Cine, Cosas, Cosmopolitan, Écho, Elle, Femina, Gala, Glamour, Interview, Io, Jours de France, L'Express, Le Figaro, Le Soir, Mademoiselle Age Tendre, Marie Claire, Marie France, Madame, OK!, París Match, Premiere, Psychologies, Studio, Telérama, Time, Video 7, Vogue, etc y en numerosos programas de televisión en Francia. Además fue elegida por los medios de comunicación como uno de los Iconos Históricos del Cine y como una de las 100 Mujeres más hermosas del planeta.

Luego del suceso de "
L'école des femmes"
(1973) y de la Pasión con que se entrego la actriz en esta obra de Molière en el rol de Agnès alguien afirmo una frase que pronto se hizo popular y que lo dice casi todo sobre ella : "
Una Isabelle Adjani nace solamente una vez cada 100 años"
. La idea es que ya ha pasado a ser todo un "
Mito"
y considerada según Jacques Séguéla, la figura emblemática en el cine de los años 80 como lo fue Catherine Deneuve en los años 70 ( y Brigitte Bardot en los años 60 ) y como una de las actrices claves en el cine francés y en el cine europeo."
. eso debido a "
su excelsa versatilidad en la actuación, su increíble pasión que pone en sus personajes, su aura fría y misteriosa, su imagen de muñeca frágil de porcelana contrastando con sus personajes enloquecidos, su mirada de fiera y su a veces embelesante, otras oscura, histérica o sensual Voz"
;
tal vez por todo eso que la rodea la prensa francesa le apodo con mucha extrañeza El Misterio Adjani.

No sólo se ha ganado una gran admiración por su forma de actuar, también ha generado polémica en torno a ella;
sobre todo por la inmensa curiosidad de los medios de comunicación sobre su vida íntima mantenida por la actriz bajo gran reserva. Se han dicho desde cosas bizarras como que "
había hecho pacto con el Diablo ya que terminando ya sus cuarentas y por pasar a sus cincuentas tan solo parecía una chica en sus veinte años"
;
o cosas ya mas objetivas como sus fascinantes respuestas a los periodistas, el recitado público de Los versos satánicos de Salman Rushdie el mismo año que fueron condenados por el ayatolá Ruhollah Jomeiní, sus declaraciones en contra del racismo (lo que provocó en 1986 el rumor, difundido por parte de los grupos radicales de derecha, de que había muerto de SIDA). Existe también polémica acerca en cuánto y en qué forma diversas actrices han imitado su estilo o se han dejado influenciar por su manera de actuar, sea de forma abierta o encubierta.

Klaus Kinski



Klaus Kinski (18 de octubre de 1926 - 23 de noviembre de 1991) famoso y controvertido actor alemán de ascendencia polaca, muy vinculado al director Werner Herzog y considerado como la última gran estrella del cine alemán. Además, es el padre de Nastassja Kinski.

Su auténtico nombre era Nikolaus Karl Günther Nakszynski. De padres polacos, nació en Sopot, Ciudad libre de Danzig y murió en Lagunitas, California (Estados Unidos).

Kinski sirvió en el ejército alemán durante la Segunda Guerra Mundial a causa de las levas forzosas de las Juventudes Hitlerianas, aunque pasó la mayor parte del tiempo como prisionero de guerra bajo control británico.

Al finalizar la guerra, empezó a actuar en obras de teatro con una troupe ambulante, cobrando fama con sus monólogos de William Shakespeare y del patriarca y prócer de los poetas malditos, François Villon, además de trabajar con grandes directores teatrales que inculcaron en él principios propios del teatro de la crueldad y conceptos de la teoría de la representación que utilizaría durante toda su carrera. Pero pronto pasó a la industria del cine, que consideró mucho más rentable.

Poseedor de un carácter temperamental e irascible, esto debido a sus actuaciones teatrales en que en sus personajes (que eran de carácter neurótico), lo hizo quedar encasillado, era además adicto sexual y de una coprolalia irrefrenable, Kinski solía dejar a su paso una estela de enemigos personales debido a sus actos muy poco criteriosos y falta de buenos modales.

Debutó en el cine en 1948, en el film Morituri. Actuó en un gran número de películas, casi todas ellas de ínfima categoría, como él mismo reconocía, llegando inclusive a decir "
Soy una prostituta. Hago esta basura por el dinero, nada más"
.

No obstante, algunas de ellas fueron películas memorables dentro de sus repectivos géneros, como Doctor Zhivago (David Lean, 1965) y Per qualche dollaro in più (Por unos pocos dólares más o La muerte tenía un precio, Sergio Leone, 1965).

Alcanzó cierto renombre con sus papeles de psicópatas y dementes llegando a ser de alguna manera estereotipado para ocupar dichos roles.

Su participación en Angel (Venus in Furs o Paroxismus) en 1968, fue el punto de encuentro con uno de los directores con los que más conectó (quizá más que con Werner Herzog), Jesús Franco. Con el director madrileño trabó una gran amistad, quizá debido a la peculiaridad de ambos caracteres.

El director español es de los pocos que recuerdan con placer a Kinski, afirmando que lo prefiere a él con su locura y temperamento, que a un Christopher Lee, por ejemplo, "
demasiado señorito inglés"
. Otras películas que realizó con Franco fueron Jack the Ripper, El conde Drácula, Justine (Deadly Sanctuary)...

En los primeros años de la década del 70 llevó a cabo una serie de polémicas presentaciones teatrales conocidas como Jesus Christus Erlöser o simplemente Jesus Tour, en las que enfrentaba abierta y hostilmente al público, se autoproclamaba el Mesías e incitaba la reacción visceral del auditorio con toda suerte de provocaciones. Los guiones completos de sus presentaciones, así como su grabación en audio, se conservan. El momento más célebre de esta presentación se puede encontrar en el documental biográfico Mi enemigo íntimo (Mein Liebster Feind, 1999), de Werner Herzog.

La reputación internacional de Kinski se forjó indudablemente gracias a sus colaboraciones con el director Werner Herzog —a quien, curiosamente, había conocido cuando Herzog era todavía un niño, pues habían compartido pensión en Berlín.

Colaboró en las renombradas películas de Herzog: Nosferatu, el vampiro un film clásico del terror que alberga una de las mejores actuaciones de Kinski, Aguirre:la cólera de Dios, Woyzeck, Fitzcarraldo, Cobra Verde y Nosferatu, fantasma de la noche, un papel hecho a su medida.

Entre Herzog y Kinski siempre hubo una difícil relación profesional que se podría calificar de amor-odio y que quedó plasmada en el documental Mi enemigo íntimo, en el que Herzog afirma que ambos llegaron a planear asesinar al otro.

De hecho Kinski se expresó de Herzog de la siguiente forma:

"
Es un individuo miserable, se me pega como una mosca cojonera, rencoroso, envidioso, apestoso a ambición y codicia, maligno, sádico, traidor, chantajista, cobarde y un farsante de cabeza a los pies. Su supuesto "
talento"
consiste únicamente en torturar criaturas indefensas y, si hace falta, matarlas de cansancio o asesinarlas. Nadie ni nada le interesa, a excepción de su penosa carrera de supuesto cineasta. Impulsado por un ansia patológica de causar sensación, provoca él mismo las más absurdas dificultades y peligros y pone en juego la seguridad e incluso la vida de otros, sólo para después poder decir que él, Herzog, ha domeñado fuerzas aparentemente insuperables. Para sus películas echa mano de personas poco desarrolladas mentalmente y de diletantes, a los que puede manejar a su antojo (¡y, supuestamente, hipnotizar!), y a los que paga un salario de hambre, eso si les paga. El resto son tullidos y abortos de todo tipo, a fin de parecer interesante. No tiene la menor idea de cómo se hace una película. Ya ni intenta darme instrucciones. Hace tiempo que ha renunciado a preguntarme si estoy dispuesto a llevar a cabo sus aburridas chorradas, ya que le tengo prohibido hablar."
Klaus Kinsky

Ya desde un inicio, las tensiones en el tándem Herzog-Kinski habían tocado picos peligrosos y se amenazaron de muerte en repetidas ocasiones. Por otro lado, la actitud de divo que ostentaba Kinski en las filmaciones le granjearon numerosos enemigos, hasta el punto de que, según Herzog, en una ocasión un jefe indio se le ofreció para matar a Kinski.

El actor plasmó su rencor y resentimiento hacia Herzog en su autobiografía, en la que dice, refiriéndose a Herzog:

"
sucio bastardo, que no sabe nada de cine, todo lo rodé yo, no tiene nada de cultura, es un analfabeto"
y sigue "
le rompería la cara, le cortaría la cabeza, lo mataré con mi fusil de balines"
. Klaus Kinsky

Tal vez el mejor pasaje es cuando comenta el día en que el actor regaló al director unos carísimos pantalones de marca, durante el rodaje de Fitzcarraldo, y el director los llevó "
pedorreados"
durante todo el tiempo que duró la filmación.

Afirma también que es un "
cagado y gallina"
, que le tiene miedo a los indígenas, y que es un cruel y vil que maltrata a los animales y a la gente de su troupe. En fin, para completar el cuadro, hay que decir que Werner Herzog afirma que estos insultos fueron una maniobra publicitaria planeada por ambos.

En cualquier caso, las colaboraciones de ambos son consideradas verdaderas obras maestras del cine y, de acuerdo con muchos críticos y aficionados, el mejor trabajo de ambos se produjo cuando hubieron de colaborar, ya que por separado ninguno de ambos alcanzó tales cotas de genialidad.

La más turbulenta colaboración de Kinski con Herzog fue, sin duda, Cobra Verde, en la que representaba al tratante de esclavos Francisco Manoel Da Silva. Durante el rodaje, Kinski atacó físicamente a Herzog y abandonó el set sin haber concluido la filmación. Dicho episodio terminó de romper la relación entre Kinski y Herzog.

Después de la ruptura definitiva entre los dos artistas, Kinski siguió interpretando papeles en films de muy diverso tipo. Llegó a participar incluso en un film como Las frutas de la pasión, en la que afirma que los actores realizaban el acto sexual de verdad.

Otros films de esta época son Androide, La chica del tambor, Venom, Psicópata, Crawlspace... Volvió al papel de Nosferatu en Nosferatu en Venezia y en 1985 rodó a las órdenes del director español Fernando Colomo El caballero del dragón. Parece ser que en este rodaje, Kinski intentó arrancar con la mano las barbas del director y se subió a las espaldas de Fernando Rey.

Su última película, rodada en 1989, marcó su debut como director, guionista y hasta montador, por supuesto con él como protagonista. El título fue Kinski: Paganini, o solamente Paganini, ambicioso proyecto que en inicio pretendía ser una miniserie de 16 horas para la televisión italiana.

Según Herzog, Kinski le pidió que dirigiese esta cinta, pero su relación se hallaba tan deteriorada que Herzog declinó el proyecto, asumiendo total control, el impulsivo Kinski. Una vez que los responsables y productores del proyecto tuvieron acceso al material inicial que Kinski estuvo filmando decidieron abortar el rodaje, accediendo a lanzarlo como un largometraje y ya no como teleserie. El film terminó siendo un caótico y colorido reflejo de la singular personalidad del actor y recibió críticas negativas, que, unidas al fracaso económico de la cinta, terminaron por defenestrar el proyecto.

Paradójicamente, es conocido el manifiesto interés que grandes directores tuvieron por trabajar con Kinski. Sin embargo, este no dudaba en rechazar a genios de la talla de Federico Fellini, François Truffaut, Pier Paolo Pasolini, Luchino Visconti y otros. Precisamente, el famosísimo Spielberg deseaba contar con él para la serie de Indiana Jones, pero Kinski rehusó la oferta.

Kinski era, además, un erotómano, adicto al sexo y sus hazañas sexuales quedaron reflejadas en su autobiografía, titulada Yo necesito amor.

A causa de la gran cantidad de papeles de loco y asesino que representó a lo largo de su carrera, y a su comportamiento obstinado y a menudo obsesivo, se le solía considerar un genio demente. Se casó tres veces y, según su propia autobiografía, tuvo al menos cinco hijos, de los cuales sólo a tres trató como tales: Nastassja, con quien tuvo una relación conflictiva que termino rompiendo el vínculo padre-hija;
Pola, y Nikolai Nanhoï. Todos fueron actores.

Su físico tan característico, cabello rubio, labios gruesos, mirada desquiciada y malvada, marcaron su carrera;
lo que unido a un carácter poco estable, cercano a la locura, completan un cuadro muy reconocible y muy peculiar en el mundo de los actores.

Kinski, que se había retirado del cine y de la vida pública, preparaba sus memorias cuando murió, a los 65 años, en Lagunitas, una parcela selvática en (California), de un Ataque al corazón.

Se dice que cuando Fernando Colomo fue informado de la muerte del actor alemán, no pudo evitar espetar: "
Descansemos en paz"
.

Nastassja Kinski



Nastassja Kinski , cuyo verdadero nombre es Nastassja Nakszynski nacida en Berlín el 24 de enero de 1961 actriz alemana, hija de uno de los matrimonios del controvertido actor alemán Klaus Kinski y Ruth Brigitte Tocki.

Nastassja creció y se desarrolló en un ambiente difícil, en medio de una pobreza itinerante mientras duró el matrimonio, hasta que en 1967 sus padres se separaron.

Sin tener ninguna preparación como actriz, ya a los 15 años aparece en "
Falso Movimiento"
(Falsche Bewegung) del alemán Wim Wenders quien la descubre en una discoteca haciéndose llamar "
Stassi"
. Lisa Kreuzer, actriz y acompañante de Wenders en esa ocasión, se acercó a ella -en ese momento realizaban casting para esta libre adaptación de Goethe en colaboración con Peter Handke- para pedir hablar con sus padres, fue cuando supieron era hija de Klaus Kinski. No había estado jamás frente a una cámara, "
desde las primeras tomas -afirma Wenders- era evidente que sería actriz, aunque en aquella época no había tomado aún la decisión."
Es en esta pelicula hecha de 1974 a 1975, segunda de la trilogía de "
road movies"
que Wenders lleva a cabo en forma consecutiva, -la primera "
Alicia en las ciudades"
y la tercera "
En el transcurso del tiempo"
- donde Nastassja realiza un desnudo, aunque permanece muda a lo largo de casi todo el filme, así, al moverse en los ambientes filmográficos, contactó con el director y actor Roman Polanski en 1975, aparte de convertirse en su amante terminó viendo a Kinski como una promesa la envió a estudiar al Actor's Studio con Lee Strasberg. De ahí, actuó en su primera película de importancia, Tess en 1979, donde su melancólica y sensual belleza se hizo famosa. En esa fecha, Nastassja rompió definitivamente sus lazos con su padre Klaus Kinski quien la maltrataba y agredía verbalmente a través de la prensa.

En 1980, Francis Ford Coppola la seleccionó para realizar el film: El beso de la pantera dirigida por Paul Schrader, 1982.

Luego participó en el film “El Hotel New Hampshire” dirigida por Tony Richardson, 1984, más tarde en “Revolución” con la dirección de Hugh Hudson, 1984. En ese mismo año participó en otro de sus films memorables como “París, Texas” dirigida por Wim Wenders en 1984 que la consagra como actriz. Participa también con Dudley Moore en "
Infielmente Tuya"
donde cobra fama y notoriedad en Hollywood.

En 1984, conoce al productor egipcio Ibrahim Moussa con quien se casa y la lleva a residir en Argelia y luego a Italia y tiene dos hijos, Aljosha y Sonia Laila.

Este matrimonio, criticado por su padre, la hace infeliz a causa del islamismo y la violencia intrafamiliar que profesaba Moussa y se fuga más tarde con sus hijos y con el productor de musicales, Quincy Jones.

En abril de 1992, su ex-marido, Ibrahim Moussa, denunció a Nastassia por haberse marchado de Italia con sus hijos, Aljosha y Sonia.

Más tarde, un tribunal romano le concedió la custodia temporal de los niños.

En su resolución, el Tribunal de Menores de Roma dictaminó que la actriz podía seguir residiendo en Los Angeles, EE.UU.

En 1993 colabora de nuevo con Wenders en la continuación de "
El cielo sobre Berlín/Las alas del deseo"
llamada "
Tan lejos tan cerca"
(In weiter ferne, son nah!) e interpreta a Raphaela, un ángel que procura a los humanos y a su vez a Cassiel, un colega que decidió vivir la experiencia de la tridimensionalidad.

Aparece más tarde en algunos films tales como “Después de una noche” (Mike Figgis, 1997), “Savior” (Predrag Antonijevic, 1998), “Amigos y vecinos” (Neil LaBute, 1998) y “El perdón” (Michael Winterbottom, 2000).