ACTORES Y ACTRICES DE TODOS LOS TIEMPOS

ACTORES Y ACTRICES DE TODOS LOS TIEMPOS
En este foro se pretende hacer un repaso todos aquellos actores y actrices que estan en nuestra memoria, de los menos conocidos, etc.

Errol Flynn

Errol Leslie Thomson Flynn (20 de junio de 1909 – 14 de octubre de 1959) fue un famoso actor australiano-estadounidense, conocido por sus personajes idealmente románticos y clásicos.



Errol Leslie Thompson Flynn nació en Hobart, Tasmania (Australia). Era hijo de un oceanógrafo, biólogo y botánico, Theodore Thomson Flynn. Desde niño Errol mostró una personalidad hiperactiva, indisciplinada, muy impulsiva y aventurera, fue matriculado en un prestigioso establecimiento en Londres, el Eton College y acabó en París, tras ser expulsado por indisciplinado de la férrea institución británica donde cursaba.
Errol se dedicó entonces al deporte en todas las facetas que estuvieron a su alcance, decantándose pronto por el boxeo e incluso recibió la oportunidad de representar a su país, Australia, en los Juegos Olímpicos de Amsterdam. Pero el joven Flynn, enemigo de la disciplina y de lo estructural no aceptó la convocatoria y se dedicó a viajar por los cinco continentes y a ejercer los más diversos oficios (buscador de oro, de perlas, friegaplatos de restaurante, mozo, gasfitero etc.).

En América, fue atraído por el teatro de entre todas las opciones artísticas que barajó y comenzó a actuar en varias obras hasta que fue descubierto por un cazatalentos de la Warner Brothers. Su innegable atractivo, atributos físicos de sobra y una personalidad histriónica y desbordante, fueron una poderosa mezcla para la pantalla grande.

Una vez descubierto, viajó a Estados Unidos para debutar con el título El capitán Blood (1935), al que seguiría La carga de la Brigada Ligera (1936);
pero el éxito, con mayúsculas, le llegaría con Robin de los bosques (1938).

La consagración le llegó con papeles de aventurero, galán y héroe ideales, y cuya hombría atraía y embrujaba a la bella dama necesitada de ayuda y protección. Protagonizó además muchas reyertas entre bastidores debido a su personalidad indomable, recalcitrante, desafiante y desbordante que se sobreponía a la de otros actores. Fue blanco de muchas envidias y aprensiones masculinas por su notable capacidad de conquista femenina, a tal extremo que muchos de sus conocidos evitaban presentarle a sus novias o esposas.

De este modo, le levantaron muchas calumnias tales como el ser pro-nazi, u homosexual (por su amistad con Tyrone Power y Truman Capote).

Entre todos sus grandes éxitos, que los hubo y muchos, destacaron los dirigidos por Michael Curtiz, con el que colaboró en once largometrajes, y por Raoul Walsh, para el que trabajó en siete películas. Olivia de Havilland se convirtió desde que trabajó con él en 1935 en su pareja cinematográfica ideal, ya que la serenidad de la actriz se constituyó en el contrapunto ideal a la insolencia y desenvoltura de Errol Flynn. Fue además muy amigo del magnate Howard Hughes con quien compartía muchas de las fiestas privadas que organizaba.

El escándalo llegó a su vida en el año 1940, cuando fue juzgado en un publicitado juicio y absuelto por violación de una jovencita a bordo de un yate.

Su vida personal fue muy turbulenta y disipada, contrajo tres veces matrimonio;
la primera vez con Lily Damita, con la que tuvo a su hijo Gideon Flynn, del cual obtuvo a su nieto Sean Flynn, actual actor;
la segunda vez con Nora Eddington, matrimonio del que nacen Dieche y Rony;
y la tercera vez con Patrice Wymore con la que tendrá a Arletta.

Lo cierto es que su vida privada fue un continuo de escándalos de faldas, pleitos, bullangeríos disipados y persecución de acreedores.

Mostró una faceta de productor y seudoreportero al realizar el documental The Truth About Fidel Castro Revolution y un film sobre el mismo tema Cuban Story de escaso valor filmográfico.


Flynn, a finales de los 50 ya estaba minado física, económica y espiritualmente, corrompido por los excesos con las drogas, el sexo y el alcohol, se retiró prácticamente en la ruina y acuciado por el fisco.

A partir de entonces vivió solitariamente en su yate del que sólo saldría para participar como secundario en algún proyecto de antiguos amigos, del tipo de Fiesta, junto a Tyrone Power, Mel Ferrer y la grandiosa Ava Gardner. El director cinematográfico Irving Rapper, dijo de él: "
Tuvo el mundo entero en la palma de sus manos y no supo aprovecharlo"
.

Como curiosidad se puede citar que, según Marilyn Monroe, Flynn tocaba el piano con el pene en sus fiestas privadas.

Errol Flynn falleció de un infarto cardíaco prematuramente, el 14 de octubre de 1959 en Vancouver, Canadá, con tan sólo 50 años, pero representaba a un anciano de 80 años.

Tyrone Power



Tyrone Power, actor estadounidense, (1914-1958) se convirtió en una gran estrella al final de los años 30 y principio de los cuarenta, trabaja para los estudios Twenty Century Fox y era la respuesta de este estudio a Errol Flynn que era la estrella de películas de época de la Warner Brothers. Participó en una docena de films de época y se destacó por hacer papeles románticos y dramáticos. Su agradable apariencia masculina iba acompañada de su gran versatilidad actoral lo que le permitió sentarse entre los grandes actores clásicos del cine.
Tyrone Edmund Power Jr. nació en Cincinnati-Ohio el 5 de mayo de 1914, era hijo de actores irlandeses con una gran trayectoria en las tablas. En su infancia Tyrone fue un chico muy enfermizo y su madre, Patya Power fue su gran apoyo, ya que su padre, de su mismo nombre, fue un padre ausente debido a sus actuaciones en Nueva York. En 1915, nació su hermana Anne y en 1920, su madre solicitó el divorcio.

Por esa fecha, Tyrone Jr. se inscribió en la escuela de arte dramático en Nueva York y sus comienzos fueron en el teatro antes de que el cine le tentara n 1930. Por esa fecha, su padre Tyrone Power le ofreció a T.Power Jr. la guía de su carrera actoral, la cual le fue aceptada terminando con un distanciamiento de larga data, lamentablemente su padre fallece poco tiempo después de un ataque cardíaco repentino durante el rodaje de "
El hombre Milagroso"
a los pies de su hijo. Tyrone Jr. no desistió de su carrera y golpeó puerta tras puerta y gracias a los buenos contactos de su padre, las puertas le fueron abiertas.

Realizó varios papeles de extra desde 1932 hasta 1935. Sus primeros papeles de primer actor en 1936, fueron de galán y se hizo conocido por tener gran atractivo y su carácter cálido.

En 1938, estuvo casado con la actriz Suzanne Georgette Charpentier, conocida como Annabella y se separó de ella en 1948, en 1950 conoció a Linda Christian y se casó con ella.

En 1956, se separó de su segunda esposa Linda Christian, quien se llevó a sus hijas Romina Francesca Power,(nacida en 1951) y Taryn Stephanie Power(nacida en 1953) hacia Europa. Romina llegó a ser una famosa cantante italiana y Taryn una actriz estadounidense.

En mayo de 1958, contrajo matrimonio por tercera y ultima vez, con la joven Deborah Ann Minardos, en una union nupcial que duro solamente medio año, y fruto de la cual nació el tercer y unico hijo varón de "
Ty"
, Tyrone Power IV en febrero de 1959.

Tuvo una estrecha amistad con el actor latino César Romero, reconocido como un gay, por muchos años y que suscitó toda clase de rumores en la prensa amarilla acerca de la supuesta homosexualidad de Tyrone Power, rumor que hasta el día de hoy carece de fundamentos objetivos. Sin embargo también se le adjudican otras parejas femeninas y masculinas, entre las cuales se cuenta a Errol Flynn, Marlon Brando, Lana Turner y Anita Eckberg.

Murió prematuramente de un ataque al corazón en Madrid, el 15 de noviembre de 1958, mientras rodaba la película Salomón y la reina de Saba, al lado de Gina Lollobrigida. Las escenas filmadas por Power quedaron inéditas, volviendo a rodarse con Yul Brynner en el papel de Salomon.

Boda de Tyrone power y Annabella:


Suzane Georgette Charpentier, mejor conocida en el cine como Annabella. Y precisamente con Annabella el actor Tyrone Power vivió en la realidad, desde el inicio del rodaje, un tórrido y escandaloso romance que culminó en el altar el 23 de abril de 1939, con la absoluta desaprobación de Zanuck, que intentó evitar dicho matrimonio a toda costa, ofreciéndole a la actriz protagonizar varios filmes que serían filmados en Europa, con tal de alejarla de Tyrone. Parte del escándalo, igualmente, se debió a que por causa de Annabella el actor terminó su “affair” con Janet Gaynor (otra de las estrellas mandamases de la Fox.

Con su segunda esposa y su hija Romina:

Conchita Montenegro



Concepción Andrés Picado, conocida cómo Conchita Montenegro, (San Sebastián;
11 de septiembre de 1912 - Madrid;
26 de abril de 2007), modelo, bailarina y actriz española. Aunque casi nadie la conociese ya que ella llevaba más de 60 años retirada, fue la primera mujer española que triunfó en Hollywood.

Nació el 11 de septiembre de 1912, en San Sebastián.Abandonó su ciudad natal a los diez años para trasladarse a Madrid, donde comenzó a formarse y se fueron desarrollando sus cualidades interpretativas. Siendo aún adolescente se marchó a París para asistir a clases de danza y arte dramático que recibió en la Escuela del Teatro de la Ópera.

A su regreso a España formó un dúo de baile con su hermana Juanita, al que llamaron “Las Dresnas de Montenegro”, triunfaron en las principales capitales europeas.

La sensualidad y la fascinante belleza de Conchita la llevó pronto al cine. Rodó su primera película en 1927, “La muñeca rota”, dirigida por Reinhardt Blotner.

Después llegarían otras producciones como “Rosa de Madrid” (1927) de Eusebio Fernández Ardavín y Sortilegio (1927), de Agustín Figueroa.
A su regreso a España formó un dúo de baile con su hermana Juanita Montenegro al que llamaron “Las Dresnas de Montenegro”, triunfaron en las principales capitales europeas.

La sensualidad y la fascinante belleza de Conchita la llevó pronto al cine. Rodó su primera película en 1927, a los 15 años, llamada La muñeca rota, dirigida por Reinhardt Blotner.

Después llegarían otras producciones como Rosa de Madrid (1927) de Eusebio Fernández Ardavín y Sortilegio (1927), de Agustín Figueroa.

El doblaje aún no existía por lo que su trabajo consistía en rodar en español, junto con otros actores de renombre, versiones de los éxitos del momento, destinadas a las salas de exhibición de España y Iberoamérica.

Después fue contratada por la Fox Film Corporation con quién siguió rodando películas en español: ¡Asegure a su mujer! (1934) de Lewis Seiler;
La melodía prohibida (1933), de Frank Strayer.

Una de las anécdotas más curiosas de su aventura hollywoodiense, fue cuando se negó a besar a Clark Gable, su negativa y el gesto de repulsión que adoptó, gusto mucho. Lionel Barrymore, experto en el mundo del cine afirmó: “Esta chiquilla dará mucho juego”.

Un talento tan asombroso no podía quedar limitado al mercado hispanohablante por lo que los productores decidieron mostrar sus cualidades en inglés, lengua que la joven dominaba ya con soltura.

Pese a los prejuicios étnicos de la época rodó algunos films The Twain Shall Meet (1931), de W.S. Van Dyke o Strangers May Kiss (1931), de George Fitzmaurice.

Su experiencia americana le dio paso abrirse al mercado italiano y al francés con el que ya había trabajado, con títulos como La vie parisienne, (1935), de Robert Siodmak o Amore di ussaro, (1940), de Luís Marquina. Regresó a España tras finalizar la Guerra Civil, después de trece años en el extranjero.

Volvió como la estrella internacional que era, nada tenía que envidiar a divas de la talla de Greta Garbo. Su fama la llevó a protagonizar un par de nuevas producciones.

Su último título fue Lola Montes dirigida por Antonio Román (1944). Se casó con el diplomático Ricardo Giménez Arnau, y se apartó del cine negándose a conceder cualquier entrevista y huyendo de los homenajes que le ofrecieron.

A pesar de ser una de las mayores artistas internacionales que ha tenido España, falleció sin que ningún medio se hiciera eco de la noticia, sin un homenaje merecido.

Murió el 26 de abril de 2007, a los 94 años de edad, en su casa de Madrid.

Sylvia Sidney



Su verdadero nombre era Sophia Kosow, y era hija única. Nació en el Bronx, Nueva York. Su madre era Rebecca, una judía rumana, y su padre era Victor Kosow, un inmigrante judío ruso inmigrante. Sidney se hizo actriz a los 15 años como una manera de superar su gran timidez, usando el apellido de su padrastro como nombre profesional. Como estudiante de la Theater Guild's School for Acting, Sidney apareció en varias de sus producciones a lo largo de los años veinte, y consiguió críticas teatrales elogiosas. En 1926 fue descubierta por un cazatalentos de Hollywood, y debutó en el cine ese mismo año.


Durante la Depresión, Sidney intervino en numerosas películas, a menudo en el papel de la amiga o la hermana de un gangster. Trabajó junto a estrellas de la categoría de Spencer Tracy, Henry Fonda, Joel McCrea, Fredric March, George Raft (un compañero frecuente en sus películas), y Cary Grant. Entre sus películas de este período pueden mencionarse: An American Tragedy, City Streets y Street Scene, todas de 1931;
Sabotage (Sabotaje), de Alfred Hitchcock, y Furia, de Fritz Lang, ambas de 1936;
You Only Live Once (Solo se vive una vez) y Dead End (Callejón sin salida), las dos de 1937.

Su carrera disminuyó algo durante los años cuarenta. En 1952, hizo el papel de Fantine en Les Misérables, registro que fue muy alabado y que le dio la oportunidad de desarrollarse como una actriz de carácter. Recibió una nominación al Oscar a la mejor actriz de reparto por su papel en Summer Wishes, Winter Dreams (Deseos de verano, Sueños de Invierno) (1973), premio que se llevó la actriz de 10 años Tatum O'Neal.

Ya mayor siguió interpretando papeles secundarios, y era identificable por su voz ronca, resultado de su tabaquismo. Fue la formidable Miss Coral en la versión filmada de I Never Promised You a Rose Garden (Nunca te prometí un jardín de rosas). Interpretó a la abuela de Aidan Quinn en la producción televisiva An Early Frost, por la cual ganó un Globo de Oro. También tuvo papeles importantes en Beetlejuice (dirigida por Tim Burton, fan de Sidney) y en Used People (Romance otoñal) (junto a Jessica Tandy, Marcello Mastroianni, Marcia Gay Harden, Kathy Bates y Shirley MacLaine). También trabajó en Damien Omen 2 (La profecía II).

Su última interpretación fue en otra película de Burton, Mars Attacks!, en la cual interpretaba a una anciana senil cuya música (de Slim Whitman) frena una invasión alienígena de Marte.

En televisión, interpretó a la imperiosa madre de Gordon Jump en el episodio piloto de WKRP in Cincinnati, a la agitada abuela de Melanie Mayron en la serie Treintaytantos y, finalmente, a la malhumorada agente de viajes de la reposición de 1998 de la serie Fantasy Island, con Malcolm McDowell, Fyvush Finkel y Madchen Amick.


Sidney estuvo casada tres veces: con Bennett Cerf de 1935 a 1936;
con el actor Luther Adler desde 1938 hasta 1947, y con el que tuvo su único hijo, Jacob, que falleció antes que ella;
y finalmente estuvo casada con el productor de radio Carlton Alsop desde 1947 hasta 1951. Falleció por un cáncer de garganta en Nueva York a los 88 años, tras una carrera de más de 70 años.

Sidney tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por su contribución la cine en el 6245 de Hollywood Boulevard.

Dolores Costello



Dolores Costello (17 de septiembre de 1905 – 1 de marzo de 1979) fue una actriz cinematográfica estadounidense que consiguió sus mayores éxitos en la era del cine mudo. Fue llamada "
La Diosa del Cine Mudo"
. Fue la madre de John Drew Barrymore y abuela de Drew Barrymore.


Costello nació en Pittsburgh, Pennsylvania. Era hija de los actores Maurice Costello y Mae Altschuk. Dolores y su hermana menor Helene actuaron por primera vez en el cine en los años 1909–1915, en papeles infantiles para la Vitagraph Film Company. Hicieron papeles secundarios en varias películas protagonizadas por su padre, que era un ídolo popular de la época. La primera interpretación con créditos de Dolores Costello, según la Internet Movie Database, es el papel de un hada en la adaptación para el cine de 1909 de El sueño de una noche de verano, de William Shakespeare.

Las dos hermanas actuaron en Broadway juntas, y su éxito les proporcionó contratos con la Warner Bros. En 1926, tras varios pequeños papeles en diversas películas, Dolores Costello protagonizó junto a John Barrymore The Sea Beast, una adaptación libre de la obra de Herman Melville Moby-Dick. Warner Bros comenzó pronto a darle papeles protagonistas. Mientras tanto, ella y Barrymore se enamoraron y, tras una relación de dos años, se casaron en 1928.

Pocos años después de llegar al estrellato, la actriz se había convertido por méritos propios en una personalidad cinematográfica de éxito y, ya como adulta, su carrera se desarrolló hasta el punto de que en 1926 fue nombrada WAMPAS Baby Star, adquiriendo el sobrenombre de "
La Diosa de la Pantalla de Plata"
.

En 1927 volvió a rodar junto a John Barrymore, en la película When a Man Loves, una adaptación de Manon Lescaut. En 1929 coprotagonizó junto a George O'Brien Noah's Ark (El Arca de Noé), película dirigida por Michael Curtiz.

Costello ceceaba (algo que su nieta, Drew Barrymore, parece haber heredado), y tuvo dificultades para pasar al sonoro, pero tras dos años de educación vocal superó el problema. Una de sus primeras actuaciones para el sonoro fue con su hermana Helene en la extravagante película de Warner Bros The Show of Shows (Arriba el telón) (1929). Su carrera pasó a un segundo plano tras el nacimiento de su primer hijo, y se retiró de la pantalla en 1931 para dedicarse a su familia. Sin embargo, su matrimonio con John Barrymore tenía problemas, dado el progresivo alcoholismo de él, por lo que acabaron divorciándose en 1935.

Costello retomó su carrera un año más tarde, y consiguió algunos éxitos, sobre todo con Little Lord Fauntleroy (1936), y The Magnificent Ambersons (1942). Se retiró permanentemente de la interpretación tras su trabajo en This is the Army (1943), otra vez bajo la dirección de Michael Curtiz.

En 1939 se casó con el Dr. John Vruwink, su ginecólogo, pero se divorciaron en 1950. Costello pasó los últimos años de su vida en semi reclusión, rigiendo una granja de aguacates.

Poco antes de su muerte, accedió a ser entrevistada para la serie documental Hollywood, en la que discutía sobre su carrera. Falleció por un enfisema en Fallbrook, California, en 1979, y fue enterrada en el Cementerio Calgary de East Los Angeles.

Dolores Costello tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por su contribución a la industria cinematográfica, en el 1645 de Vine Street.

Helene Costello

Helena y su hermana Dolores

Helene Costello (21 de junio de 1906 - 26 de enero de 1957) fue una actriz cinematográfica estadounidense, que trabajó principalmente en la época del cine mudo.

Nacida en Nueva York, Estados Unidos, era hija del prominente actor teatral y pionero de la industria cinematográfica Maurice Costello y de Mae, su mujer y también actriz. Helene era la hermana menor de la actriz Dolores Costello. Helene debutó en el cine (al lado de su padre) en la adaptación de 1909 de Los Miserables, de Victor Hugo. Siguió actuando a los largo de la década de 1910 como actriz infantil y alcanzó la cima de su popularidad en los años veinte, aunque nunca llegó a rivalizar con el éxito de su hermana Dolores.

A pesar de que ella ya había estado actuando desde la infancia, en 1927 Helene Costello fue seleccionada como una de las WAMPAS Baby Stars, una campaña promocional patrocinada por la Western Association of Motion Picture Advertisers de los Estados Unidos, la cual premiaba anualmente a las trece jóvenes actrices que consideraban como más prometedoras.

Costello actuó junto a populares actores de la época muda como Myrna Loy, Louise Fazenda, Marie Prevost, Tom Mix e, incluso, Rin Tin Tin. De manera ocasional trabajó junto a su hermana Dolores en películas como The Show of Shows (1929), una producción en Technicolor de la Warner Bros.. Sin embargo, con la llegada del cine sonoro, la carrera de Helene Costello declinó, con lo cual disminuyó el número de sus actuaciones.

Entre otros matrimonios, Helene estuvo casada con el actor y director Lowell Sherman, entre 1930 y 1932. Helene Costello falleció a causa de neumonía y tuberculosis en Los Angeles, California, en 1957, a los 50 años de edad. Fue enterrada en el Cementerio Calvary Cemetery de Los Angeles.

Por su contribución a la industria cinematográfica, Helene Costello fue recompensada con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 1500 de Vine Street, en Hollywood, California.

Ethel Barrymore



Ethel Barrymore (n. 15 de agosto de 1879 - m. 18 de juniode 1959) fue una actriz ganadora del Oscar y miembro de la famosa familia Barrymore.

Ethel Barrymore nació en Filadelfia, Pensilvania bajo el nombre de Ethel Mae Blythe, siendo el segundo hijo que sus padres, Maurice Barrymore y Georgiana Drews, habían tenido. Se crió en Filadelfia y se educó en un colegio católico

Ella era la hermana de los actores John Barrymore y Lionel Barrymore, y la tía-abuela de la actriz y productora, Drew Barrymore.

Ethel Barrymore fue reconocida como una actriz encantadora y carismática en la Ciudad Nueva York y como una gran actriz de Broadway. Su primera aparición en Broadway fue en 1901, en una obra llamada Captain Jinks of the Horses Marines (El Capitán Jinks y los Marinos Caballos). Representó a Nora en A Doll's House de Ibsen (1905) y una apasionada Julieta en Romeo y Julieta de Shakespeare (1922).

En 1926, actuó en uno de sus mejores éxitos como la cónyugue sofisticada de un marido en una comedia de William Somerset Maugham, The Constant Wife. En julio de 1934, comezó a trabajar en la obra Laura Garnett, de Leslie y Sewell Stokes, en Dobs Ferry, Estado de Nueva York.

Realizó su primer película en 1914 y en los 40, se mudó a Hollywood, California y comenzó su carrera como actriz de películas. En 1944, ganó un Oscar a la Mejor Actriz de Reparto por su papel en la película None but the Lonely Heart.

También hizo otros clásicos como The Spiral Staircase (1946), y un thriller de Robert Siodmak, Pink
Winston Churchill le propuso matrimonio pero ella lo rechazó. Sin embargo, Ethel se casó con Russel Griswold Colt el 14 de marzo de 1909;
se divorciaron en 1923.

Siendo una católica romana devota, no se podía casar por la Iglesia. Se involucró románticamente con más hombres luego, pero no se volvió a casar.

Tuvo tres hijos con Colt, incluyendo a Ethel Barrymore Miglietta, quien apareció en Broadway en Follies de Stephen Sondheim. Los hijos de Ethel, Samuel y John Drew Colt, también se dedicaron a la actuación.

Ethel falleció por complicaciones cardiovasculares en 1959 en su casa en Hollywood, California, a dos meses de su cumpleaños 80. Fue enterrada en el Cementerio Calvary, en Los Angeles.

El Teatro Ethel Barrymore en la Ciudad de Nueva York lleva su nombre por ella.

que increible todo lo que has puesto de estas señoras ya casi olvidadas , muy buen foro. ;
)

Clark Gable

William Clark Gable (n. 1 de febrero de 1901 - m. 16 de noviembre de 1960) fue un actor estadounidense.


Nació en Cadiz (Ohio) en 1901. Su madre murió cuando tenía sólo siete meses de edad. A los 16 años dejó el colegio y se fue a trabajar en una fábrica. Después de asistir a una función teatral en la que vio una obra que le impresionó, Gable decidió convertirse en actor. Comenzó a realizar giras con compañías teatrales de segunda fila, y trabajó también como vendedor y en diferentes industrias para ganarse el sustento.

En 1924 fue a Hollywood con la ayuda financiera de una agente de teatro, Josephine Dillon, que se convirtió en su manager y también en su esposa, a pesar de que era 10 años mayor que él. Gable pasó varios años actuando en pequeños papeles de películas y apareciendo también de nuevo en obras teatrales. En 1930 pudo firmar finalmente un contrato con la Metro-Goldwyn-Mayer. A partir de entonces intervino en varias películas que hicieron de él una estrella del cine y le valieron el título de «rey de Hollywood».

Gable ganó un Oscar al mejor actor principal por Sucedió una noche, película de 1934. A pesar de ello se le conoce más por su papel de Rhett Butler en el clásico del cine Lo que el viento se llevó, film rodado en 1939. Por esta interpretación fue nominado al Oscar. En 1935 también había sido nominado al Oscar por su intervención en Mutiny on the Bounty (Rebelión a bordo). Adicionalmente, Gable es uno de los pocos actores que han sido protagonistas en tres filmes distinguidos con un Oscar a la mejor película.

Desde sus primeros papeles, demostró tener un «gancho» en la pantalla poco común, que más tarde se convertiría en reconocido carisma para la interpretación de personajes tipo galán con un cierto lado oscuro. Trabajó con algunos de los mejores directores de la época dorada de Hollywood: Ernst Lubitsch, Frank Lloyd, Clarence Brown, Robert Z. Leonard, Sam Wood, George Cukor, King Vidor, John Ford, Raoul Walsh, W. S. Van Dyke, etc., y llegó a compartir película con actrices de la talla de Joan Crawford, Greta Garbo, Claudette Colbert, Hedy Lamarr, Vivien Leigh, Constance Bennett, Jean Harlow, Rosalind Russell, Barbara Stanwyck,Clara Bow, Lillian Gish, Myrna Loy, Loretta Young, Jeannette MacDonald, Lana Turner, Greer Garson, Ava Gardner o Gene Tierney.

Su momento de esplendor fueron los años 30, desde los taquillazos de Los seis misteriosos (George Hill) o Un alma libre en 1931 hasta su consagración definitiva como gran estrella en 1939 con Lo que el viento se llevó, y primeros 40, hasta su participación en la Segunda Guerra Mundial. En los 50, su estrella fue manteniéndose gracias a algunos éxitos en el western o la comedia como Mogambo, y el propio actor declaraba que esperaba la oportunidad de poder cerrar su carrera con una gran película. No la encontró hasta que en 1961 protagonizó su último papel en una película mítica por muchas razones: Vidas rebeldes junto a Marilyn Monroe y Montgomery Clift.

Compartió cartel en seis ocasiones con la primera rubia de Hollywood que fue un mito, Jean Harlow, hasta la muerte de ésta en el rodaje de Saratoga en 1937, y formó tándem en tres películas con Spencer Tracy hasta que éste último decidió romper con Gable por motivos profesionales
El matrimonio de Gable con su tercera esposa, la actriz Carole Lombard, fue la época más feliz de su vida, según numerosas fuentes. La pareja se casó en 1939, pero la relación terminó de forma trágica, cuando Carole Lombard murió en un accidente de aviación en 1942. Gable quedó profundamente afectado y decidió ingresar en las fuerzas aéreas.

Cuando regresó del servicio en la Segunda Guerra Mundial volvió al cine e hizo una película, Adventure, que no tuvo éxito. La Metro no le renovó el contrato considerando su elevado sueldo. En los siguientes diez años Gable intervino en películas que en su mayoría fueron mediocres.

Gable se casó dos veces más, primero con una mujer inglesa que había estado casada con el actor Douglas Fairbanks Sr., y después con una ex modelo y actriz de reparto que fue la madre de su único hijo legítimo, nacido después de su muerte.

Su última película fue The Misfits (Vidas rebeldes), co-protagonizada por Montgomery Clift y Marilyn Monroe, para la cual fue también su última película. Gable murió en 1960 en Los Ángeles de una ataque al corazón, a la edad de 59 años. Fue enterrado junto a su amada esposa Carole Lombard

IVONNE DE CARLO

:-) ivonne de carlo protagonizo "
la familia monster"
en una serie de television de estados unidos en los años sesenta, me encanta, sobre errol flyn siempre lei que era bisexual, tirone power no sabia nada de su supuesta "
inclinacion"
, pero no me extrañaria, holywood es muy dado a la vida "
babilonica"
es decir , probar todo.
salvo mi dule diana durbin, mi guapa elizabeth taylor , mi subyugante ava gardner, bette davis, habia de todo en hollywood,

Constance Bennett



Constance Campbell Bennett (22 de octubre de 1904 - 24 de julio de 1965) fue una actriz estadounidense muy conocida tanto por su elegancia como por su carrera artística. Actualmente subestimada, Bennett fue una de las más luminosas estrellas de Hollywood, produciendo consistentes interpretaciones que desmienten su reputación ornamental.

Nació en Nueva York. Su padre era el actor Richard Bennett y la actriz Adrienne Morrison, y su abuelo el actor teatral de ascendencia africana Morris W. Morris. Sus hermanas fueron las actrices Barbara Bennett y Joan Bennett.
Independiente, culta, irónica y abierta, Constance, primera hermana Bennett en trabajar en el cine, actuó en cine mudo producido en Nueva York antes de tener la oportunidad de encontrarse con Samuel Goldwyn, que la llevó a su debut en Hollywood con Cytherea (1924).

Abandonó una floreciente carrera en el cine mudo para casarse con Philip Plant en 1925. Tras divorciarse, coincidiendo con la llegada del sonoro, retomó su carrera (1929), y con sus rasgos delicados, su pelo rubio y su atractivo modo de vestir, se convirtió rápidamente en una popular estrella cinematográfica.

En 1931 firmó un contrato con los estudios Warner Bros, ganando 300.000 dólares por dos películas, con lo que se convirtió en una de las estrellas mejor pagadas de Hollywood. Al siguiente año se fue a RKO Pictures, con la cual filmó What Price Hollywood? (Hollywood al desnudo) (1932), dirigida por George Cukor, una mirada irónica y al mismo tiempo trágica a los entresijos del viejo cine de estudios, en la cual consiguió su mejor actuación. En esta película era una camarera fascinada por las estrellas de cine, llamada Mary Evans. Fue acompañada por los actores Lowell Sherman y Neil Hamilton.

Posteriormente Bennett demostró su versatilidad en Our Betters (1933);
Bed of Roses (1933), con Pert Kelton;
The Affairs of Cellini (El burlador de Florencia) (1934);
After Office Hours (El escándalo del día) (1935) con Clark Gable;
Topper (Una pareja invisible) (1937), junto a Cary Grant, un papel que repetiría en la secuela de 1939, Topper Takes a Trip;
Merrily We Live (1938) y Two-Faced Woman (La mujer de las dos caras) (1941), con Greta Garbo.

En los años cuarenta Bennett trabajaba con menor frecuencia en el cine, pero actuaba a menudo en la radio y el teatro. Inversiones acertadas la hicieron rica, y fundó una compañía de ropa y de cosméticos.
Bennett se casó cinco veces:

1º En 1921 Bennett se fugó con Chester Hirst Morread, de Chicago, hijo de un cirujano. El matrimonio se anuló en 1923.
2º Bennett se fugó nuevamente, en esta ocasión en 1925, con el millonario de la alta sociedad Philip Morgan Plant (fallecido en 1941). Se divorciaron en 1929. En 1932, Bennett se trajo de Europa un niño de tres años, a quien dijo haber adoptado y llamado Peter Bennett Plant. En 1942, sin embargo, durante una lucha sobre la herencia de su anterior marido, Bennett anunció que su hijo adoptado era realmente hijo suyo y de Plant, nacido tras el divorcio y mantenido oculto para asegurar que el padre del chico no solicitase la custodia.
3ºEn 1931 fue cabecera de muchas portadas al casarse con uno de los anteriores maridos de Gloria Swanson, Henry de la Falaise (1898-1972), un noble francés y director de cine. Bennett y de la Falaise fundaron Bennett Pictures Corp., y coprodujeron dos películas que fueron las dos últimas rodadas en Hollywood con el sistema de dos colores de Technicolor, Legong: Dance of the Virgins (1935), filmada en Bali, y Kilou the Killer Tiger (1936), filmada en Indochina. Se divorciaron en 1940.
4º En 1941 se casó con el actor Gilbert Roland, con quien tuvo dos hijas, Lorinda y Christina (también llamada Gyl). Se divorciaron en 1946.
5º En junio de 1946 Bennett se casó con el coronel y posterior general de la fuerza Aérea de los Estados Unidos John Theron Coulter (1912-1995). Tras su boda, ella se dedicó a conseguir entretenimiento para las tropas de Estados Unidos destinadas en Europa, ganando por sus servicios honores militares.
No rodó películas desde los primeros años cincuenta hasta 1965, cuando volvió para intervenir en el film Madame X (La señora X) (estrenada póstumamente en 1966), y en la que seguía siendo chic en el papel de la suegra de Lana Turner. Poco después de finalizarse la película, Bennett falleció por una hemorragia cerebral a los 60 años.

Como reconocimiento a sus contribuciones militares, y como esposa de Coulter, quien para entonces era general de brigada, fue enterrada en el Cementerio de Arlington. Coulter falleció en 1995 y fue enterrado con ella.

Bennett tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por su contribución al cine, en el 6250 de Hollywood Boulevard, a corta distancia de la estrella de su hermana Joan

Joan Bennett



La actriz Joan Geraldine Bennett nació el 27 de febrero de 1910 en Palisades (New Jersey, EE.UU. Hija de los actores Richard Bennet y Adrianne Morrison y hermana de las también actrices Constance y Barbara. Sus primeros pasos fueron con papeles secundarios, hasta que en 1929 apareció en la película de F.Richard Jones "
El Capitán Drummond"
junto a Ronald Colman, nominado al Oscar. En 1926 contrajo matrimonio con John Marion Fox del que se divorciaría en 1928. En 1932 hasta 1938 volvió a casarse, en esta ocasión con el guionista y productor Gene Markey. Durante esos años afianzó su nombre con películas como "
Mi chica y yo"
(1932) de Raoul Walsh, "
Mujercitas"
(1933) de George Cukor, Wedding Present (1936) de Richard Wallace, la comedia junto a Cary Grant "
Big Brown Eyes"
(1936) o el cambio de su color rubio platino a moreno en "
La fugitiva de los trópicos"
(1938) de Tay Garnett con la que conquistó a medio mundo convirtiéndola en "
femme fatale"
.
El 12 de enero de 1940, contrajo matrimonio con el productor Walter Wanger. En esa época alcanzaría la fama cinematográfica gracias al director alemán de cine negro, Fritz Lang, con películas como "
El hombre atrapado"
(1941), “La Mujer del Cuadro” (1944), "
Pervesidad"
(1945), remake americano de la película "
La Golfa"
(1931, Jean Renoir) y "
Secreto tras la puerta"
(1948).

En 1950 Vincente Minnelli la dirigió en la comedia "
El padre de la novia"
y su continuación, "
El padre es abuelo"
(1951), junto a Spencer Tracy y Elizabeth Taylor. Ese mismo año, y en lo alto de la fama, su marido Walter, en un ataque de celos, disparó contra el agente de Joan, Jennings Lang hiriéndolo en la ingle. Este escándalo la apartó la carrera cinematográfica haciéndola actuar principalmente en teatro y en televisión. En septiembre de 1965 se divorciaría de Wanger con el que tuvo una hija: Stephanie Guest.

Nominada al Emmy a la Mejor Actriz por Dark Shadows (1966).

En 1978 se casaría por cuarta vez con David Wilde.

Murió el 7 de diciembre de 1990 en Scarsdale (Nueva York) debido a un ataque de corazón..

leyla escribió:Ethel Barrymore



Ethel Barrymore (n. 15 de agosto de 1879 - m. 18 de juniode 1959) fue una actriz ganadora del Oscar y miembro de la famosa familia Barrymore.

Ethel Barrymore nació en Filadelfia, Pensilvania bajo el nombre de Ethel Mae Blythe, siendo el segundo hijo que sus padres, Maurice Barrymore y Georgiana Drews, habían tenido. Se crió en Filadelfia y se educó en un colegio católico

Ella era la hermana de los actores John Barrymore y Lionel Barrymore, y la tía-abuela de la actriz y productora, Drew Barrymore.

Ethel Barrymore fue reconocida como una actriz encantadora y carismática en la Ciudad Nueva York y como una gran actriz de Broadway. Su primera aparición en Broadway fue en 1901, en una obra llamada Captain Jinks of the Horses Marines (El Capitán Jinks y los Marinos Caballos). Representó a Nora en A Doll's House de Ibsen (1905) y una apasionada Julieta en Romeo y Julieta de Shakespeare (1922).

En 1926, actuó en uno de sus mejores éxitos como la cónyugue sofisticada de un marido en una comedia de William Somerset Maugham, The Constant Wife. En julio de 1934, comezó a trabajar en la obra Laura Garnett, de Leslie y Sewell Stokes, en Dobs Ferry, Estado de Nueva York.

Realizó su primer película en 1914 y en los 40, se mudó a Hollywood, California y comenzó su carrera como actriz de películas. En 1944, ganó un Oscar a la Mejor Actriz de Reparto por su papel en la película None but the Lonely Heart.

También hizo otros clásicos como The Spiral Staircase (1946), y un thriller de Robert Siodmak, Pink
Winston Churchill le propuso matrimonio pero ella lo rechazó. Sin embargo, Ethel se casó con Russel Griswold Colt el 14 de marzo de 1909;
se divorciaron en 1923.

Siendo una católica romana devota, no se podía casar por la Iglesia. Se involucró románticamente con más hombres luego, pero no se volvió a casar.

Tuvo tres hijos con Colt, incluyendo a Ethel Barrymore Miglietta, quien apareció en Broadway en Follies de Stephen Sondheim. Los hijos de Ethel, Samuel y John Drew Colt, también se dedicaron a la actuación.

Ethel falleció por complicaciones cardiovasculares en 1959 en su casa en Hollywood, California, a dos meses de su cumpleaños 80. Fue enterrada en el Cementerio Calvary, en Los Angeles.

El Teatro Ethel Barrymore en la Ciudad de Nueva York lleva su nombre por ella.

Una consulta, Es la antepasado de Drew Barrymore (la de los Ángeles de Charly)????



Una vez escuche en un canal que pasaban su bibliografía que su bisabuela (o abuela) había sido una actriz muy famosa en Hollywood.

Bonita Drew, tambien trabajo en ET, era la niña pequeñita hermana menor del chico protagonista...
Luego le toco afrontar una dificil adolecencia de drogas.
Me parece que ya supero esos malos momentos.

Vivien Leigh



Vivien Leigh, (n. 5 de noviembre de 1913 - m. 7 de julio de 1967), nombre artístico de Vivian Mary Hartley, fue una actriz británica ganadora del premio Oscar en dos ocasiones.

Nacida en la India de padres ingleses que pertenecían a una familia acomodada en Inglaterra. Desde una edad temprana demostró su inclinación por la interpretación, actuando en los diversos montajes teatrales que se organizaban en los distintos colegios a los que asistió. Más adelante estudió en la Royal Academy of Dramatic Art con el fin de perfeccionar sus aptitudes interpretativas. Debutó en el teatro en 1934 con la obra The Sash, y al año siguiente en el cine con Things are looking up, participo como modelo y tuvo que aprender a ocultar un gran defecto sus grandes manos .

Ya en el conocido teatro Old Vic conoció a Laurence Olivier, famoso por sus adaptaciones de las obras de Shakespeare, del que se enamoró y con el que también formó pareja artística. Se casaron en 1940 después del divorcio de sus respectivas parejas se casaron y tuvieron una sencilla ceremonia ala que acudieron sus testigos Katharine Hepburn y Garson Kanin Vivian siguió actuando en diversas películas británicas como Un yanki en Oxford (1938) y Callejón sin salida (1938).
La fama mundial le llegó cuando David O. Selznick se fijó en ella para que protagonizara la versión cinematográfica de la novela de Margaret Mitchell Lo que el viento se llevó (1939). Ella no estaba considerada para el papel de Scarlett O´Hara pues no era una actriz conocida en los Estados Unidos. Hizo una audición en Hollywood y fue elegida de entre un grupo de grandes estrellas de Hollywood como Lucille Ball quien ya tenia el papel casi seguro, la esposa de Clark Gable Carole Lombard , Paulette Godard, Jean Arthur, Joan Bennett, Bette Davis quien rechazó el papel por haber hecho un año antes Jezabel, y Katharine Hepburn. En el set Vivian no estaba cómoda ya que Clark Gable y ella no se llevaban bien fuera del set y siempre discutían por el mal aliento que Clark se propiciaba para desagradar a Vivian.

Olivia de Havilland, la única actriz que aun vive de los actores principales, la recuerda como "
una mujer muy dulce y profesional"
refiriéndose a que Vivian que era inglesa tuvo que aprender el acento sureño.

Su actuación inolvidable de Scarlett O´Hara la catapultó a la fama mundial haciéndola una de las actrices más reconocidas de todos los tiempos tras Bette Davis y Katharine Hepburn. Su interpretación de Scarlett O´Hara le valió un premio Oscar de la Academia.

A pesar del éxito que le proporcionó este título, Vivian seguiría prefiriendo el teatro al cine, y en las posteriores décadas sólo participó en contadas películas, entre las que destaca Un tranvía llamado deseo (1951), por la que obtuvo su segundo Oscar. Actuó en Broadway en "
Tovarich"
que le valió su primer premio Tony. Pero su precario estado de salud le impedía desarrollar su carrera con normalidad, y las tormentosas relaciones con su marido, Lawrence Olivier, tampoco ayudaron a Vivien. Terminaron divorciándose en 1960 y ella se instaló a vivir junto al también actor John Merivale. Es considerada una de las mujeres más bellas de la pantalla grande por sus finas facciones y sus imponentes ojos que deslumbraron a más de un hombre. Después de un tiempo Vivien fue al doctor quien le diagnosticó un regreso de una tuberculosis de la que años antes se había curado, se le prohibió actuar y exponerse a los cambios climáticos. Después de que como todos los días arreglara su jardín y limpiara su casa Vivien tuvo una reunión. Cuando se sintió cansada subió y fue hallada muerta en su habitación dos horas después por su marido John Merivale , pero se relata que el mas destrozado por la noticia fue Lawrence Olivier.

Murió tempranamente a la edad de 53 años de tuberculosis crónica, cuando su abuela, su madre y su hija aún vivían

Marlene Dietrich



Marie Magdalene von Losch llamada Marlene Dietrich (Berlín, 27 de diciembre, 1901 – París, 6 de mayo, 1992) fue una actriz y cantante alemana que adoptó la nacionalidad estadounidense.
Nacida en el barrio berlinés de Schöneberg, Alemania, fue hija de Louis Erich Otto Dietrich y Wilhelmina Elisabeth Josephine Felsing. Marlene Dietrich tocaba el violín antes de entrar en la escuela de interpretación de Max Reinhardt en 1921. Hizo su debut en el cine dos años después (aunque los historiadores insisten en que Dietrich apareció como extra en un filme alemán de 1919). Tras empezar su carrera en películas alemanas (mientras bailaba además en coros de cabaret y en algunas obras menores), obtuvo un papel en la primera película europea sonora, El ángel azul (1930), dirigida por Josef Von Sternberg.

Josef von Sternberg construyó en torno a Marlene Dietrich el mito de la diva, ya que le rindió pública devoción.

Viajó a Hollywood para rodar "
Marruecos"
(1930), por la cual recibió su única nominación al Oscar. Su contribución a la historia del cine más recordada es como estrella en varios filmes dirigidos por von Sternberg a comienzos de los años 1930, tales como Capricho Imperial y Expreso de Shangai, en los cuales interpreta a "
femmes fatales"
. Gradualmente amplía su repertorio en Arizona, Berlín Occidente y Testigo de Cargo (bajo la dirección de Billy Wilder), Sed de mal ("
Touch of evil"
) y Vencedores o vencidos. Fue poseedora del título de las piernas perfectas, tanto que fueron aeguradas por un millón de dólares. Fue la única estrella capaz de hacer sombra al colosal destello de Greta Garbo, con la que se cree que estaba sentimentalmente vinculada. Su deslumbrante presencia e innegable glamour hicieron de Marlene una de las auténticas divas en la historia del cine.
Dietrich cantó en varios de sus filmes (muy señaladamente en "
El ángel azul"
, de von Sternberg, en el cual canta "
Enamorándome otra vez"
("
Ich bin von Kopf bis Fuss auf Liebe eingestellt"
), grabada en Alemania en los 1920s. Tras una etapa floja en su carrera, grabó varios discos para Decca, Elektrola, EMI, y Columbia. Su característica voz fue luego satirizada en algunas canciones. Además, en "
Vencedores o vencidos"
tiene una hermosa escena en la que pasea por la calle con el actor Spencer Tracy y escuchan como música de fondo de una taberna alemana la famosa canción "
Lili Marlene"
que ella popularizó y que ella misma traduce al inglés en la película.
En 1937, a la vez que su carrera cinematográfica se detenía, Dietrich se nacionalizó norteamericana. En 1941, durante la Segunda Guerra Mundial, Dietrich fue una de las primeras estrellas en recaudar bonos de guerra estadounidenses, además de entretener a las tropas en el frente, y fue muy conocida por sus fuertes convicciones políticas. Fue una firme anti-nazi que despreció las políticas antisemitas de su tiempo. Incluso grabó varios discos antinazis en alemán, incluyendo Lili Marlene, un ejemplo curioso de una canción transcendiendo los odios de la guerra. Además tocaba la sierra musical para entretener a las tropas y cantó para los aliados en Argelia, Francia y en Alemania con los generales James M. Gavin y George S. Patton. Cuando le preguntaron por qué lo había hecho a pesar del evidente peligro, contestó su ya famosa frase "
aus Anstand"
("
por decencia"
).

A diferencia de su vida profesional, cuidadosamente manejada, mantuvo su vida personal alejada del público. Marlene era famosa por su pulcra apariencia, su buen vestir (impuso la moda del pantalón femenino) y su imagen de femme fatale, fue icono de la elegancia y el glamour, siempre apareció como parte del jet set hollywodense.

Se casó con el asistente de director Rudolf Sieber, un católico que más tarde se convirtió en director de Paramount Pictures en Francia.

Su única hija, Maria Elisabeth Sieber (nombre de casada, Maria Riva), nació el 13 de diciembre, de 1924. Cuando Maria Riva dio a luz a un hijo en 1948, Dietrich recibió el apodo de "
la abuela más glamourosa del mundo"
. El gran amor de la actriz, sin embargo, fue el actor y héroe militar francés Jean Gabin.

Maria Sieber (Riva, cuando casada), la hija ausente, dio a conocer una controvertida e impactante biografía de su madre "
Marlene Dietrich por su hija, Maria Riva"
, donde destaca varias intimidades sexuales de la actriz, facetas desconocidas de ella y del ambiente hollywoodiense de la época.

Adicionalmente, Dietrich demostró ser bisexual y tuvo romances con mujeres: , Mercedes de Acosta, Claudette Colbert, y , supuestamente, la mítica Greta Garbo y María Félix, además de muchos hombres, como Yul Brynner. Incluso se dijo de ella que nunca le gustó el sexo realmente, lo que quedó rotundamente contradicho cuando se publicó el libro de su hija, María Sieber en el cual habla de los gustos sexuales de su famosa madre.
De los años 1950 a mediados de los años 1970, Dietrich hizo giras internacionales como gran actriz de cabaret. Su repertorio incluía canciones de sus películas, así como canciones populares de aquel entonces. Hasta la mitad de los años 1960, su director musical fue el famoso compositor Burt Bacharach. Sus arreglos ayudaron a disfrazar su limitado rango de voz y le permitieron interpretar sus canciones al máximo grado de efectos dramáticos.

Espectaculares vestuarios (de Jean Louis), trajes de látex, luces cuidadosamente utilizadas, y -se rumorea- leves estiramientos faciales improvisados (estirando su piel al hacerse apretadas y tensas trenzas y luego poniendo sensuales pelucas), la ayudaron a conservar su glamorosa imagen aún a cierta edad.

En 1968, recibió un Premio Tony por su espectáculo de teatro, y éste fue transmitido por televisión en 1973.
Su carrera en el espectáculo terminó en 1974, cuando se rompió una pierna en el escenario. Aparece brevemente en la película Gigoló, en 1979. Además, escribió y contribuyó a varios libros en los años 1980. Pasó su última década principalmente en reposo en su apartamento en la avenida Montaigne de París, Francia, tiempo en el cual no fue vista en público, pero fue muy aficionada a escribir cartas y llamar por teléfono. Maximilian Schell la persuadió para ser entrevistada para su documental de 1984 Marlene, pero no apareció en pantalla. No estuvo mucho en contacto con su hija, Maria Riva, quien competía con ella en los mismos ámbitos, pero sí con su nieto, Peter Riva. Su esposo, Rudolf Sieber, murió de cáncer el 24 de junio de 1976.

En una entrevista para la revista alemana Der Spiegel en noviembre de 2005, su hija y nieto afirmaron que Marlene Dietrich estuvo políticamente "
activa"
durante esos años;
mantuvo contacto telefónico con prominentes gobernantes, gastando más de 3.000 en llamadas telefónicas. Sus contactos incluían Ronald Reagan y Mijaíl Gorbachov, aunque su influencia sobre ellos se desconoce.
Dietrich murió tranquilamente el 6 de mayo de 1992, a los 90 años, en París. Su cortejo fúnebre fue realizado en la iglesia de La Madeleine de París ante 3.500 dolientes y una multitud fuera del templo. Su cuerpo, cubierto con una bandera norteamericana, fue enviado a Berlín donde fue enterrada en el cementerio municipal de Berlin-Schöneberg, su lugar de nacimiento. Marlene Dietrich dijo al amigo que le acompañaba en el dormitorio de su lujosa vivienda en París, justo antes de morir: «Lo quisimos todo, y lo conseguimos, ¿no es verdad?»

En 1994, su memorabilia fue vendida a la Cineteca de la Fundación Alemana (después de que instituciones norteamericanas no mostraron interés en ella) donde fueron el centro de atención de la exhibición del Centro Sony de Potsdamer Platz, Berlín
Dietrich nunca se integró realmente en la industria del ocio de Hollywood, siendo siempre independiente del gusto general en su país de adopción. Su fuerte acento alemán dio un toque extra a sus interpretaciones, pero la etiquetó como "
extranjera"
a los ojos de los norteamericanos.

Fue además un icono de la moda para los altos diseñadores así como para las estrellas que la sucedieron. Popularizó, entre otras prendas, el uso de pantalones, lo cual, junto con su imagen pública y las insinuaciones de bisexualidad en alguna de sus películas, contribuyó a menudo a crear fuertes rumores, nunca confirmados por ella, sobre su vida sentimental

Mas fotos de la Gran Dama Marlen:

Muy guapa ella, igual que greta garbo.

Tallulah Bankhead



Tallulah Bankhead (n. 1902 - † 1968), cuyo verdadero nombre era Tallulah Brockman Bankhead, fue una actriz estadounidense que aunque se dejó caer por el cine y la televisión desarrolló el grueso de su carrera en el teatro. Nació el 31 de enero de 1902 en Huntsville (Alabama) y pertenecía a una familia de políticos destacados del partido demócrata. Su padre era el congresista William Brockman Bankhead, su tío John H. Bankhead II era senador, como ya lo había sido su abuelo, John H. Bankhead I, y su bisabuelo, Thomas Patterson Brockman. Además, el abuelo, John Hollis Bankhead, antes de senador, fue un héroe local, uno de los veteranos del derrotado ejército confederado. El peso político de su familia era tal, que su padre sería portavoz de la Congreso de Estados Unidos entre el 4 de junio de 1936 y el 16 de junio de 1940, a pesar, de que, por entoces, la escandalosa vida de su hija actriz en la cima de su carrera era conocida por todo el país.

Tallulah se educó en un colegio católico aunque su padre era metodista y su madre episcopaliana.

Tallulah empezó a actuar, con 15 años, en la compañías de teatro de Huntsville y alrededores. Con 16 años, ganó un concurso de belleza, lo que la animó a trasladarse a Nueva York, para intentar trabajar en Broadway. Allí, viviría con una tía.

En 1918, le llegó su primera oportunidad. Intervino en la película Who Loved Him Best? de Dell Henderson. Ese año rodó otras dos películas y, otra más, en 1919, no obstante, su carrera no acaba de arrancar.

En 1920, le ofrecieron un papel el film Dr. Jekyll y Mr. Hyde (Dr. Jekyll and Mr. Hyde) de John S. Robertson. No obstante, como no quiso acostarse con John Barrymore, al final, la elegida fue otra.

Como finalmente tampoco logró lanzar su carrera en Broadway, Tallulah, en 1923, decidió probar suerte en Londres.

En Londres, consiguió su propósito y alcanzó gran celebridad. Esto hizo que, en 1927, la Paramount Pictures la contratara. Sus dos primeras películas fueron Woman's Law de Dallas M. Fitzgerald, 1927, y His House in Order de Randle Ayrton, 1928. Como estos films pasaron sin pena ni gloria, Tallulah volvió al teatro para asegurarse los ingresos.

Pasaría tres años en dique seco. Su siguiente película fue Honor mancillado de George Cukor, 1931. La película tuvo cierta repercusión, pero, la crítica sobre la interpretación de Tallulah tenía opiniones dispares. Ese mismo año rodó también Redimida (My Sin) y El fraude (The Cheat);
ambas de George Abbott. Al año siguiente rodaría otros 4 títulos, pero fueron igual de mediocres, por lo que Tallulah dejó de lado el cine para concentrarse en Broadway donde su talento si era reconocido.

En los años 30, era tal su fama que una ciudad de Luisiana fue rebautizada con su nombre de pila (es decir, pasó a llamarse Tallulah), después de que la actriz pasara una noche allí.

Habría que esperar 11 años, hasta 1944 para que volviera a la gran pantalla, aunque el año anterior, ya había accedido a aparecer en un pequeño cameo en Tres días de amor y de fe (Stage Door Canteen) de Frank Borzage. Ese año rodó Náufragos (Lifeboat) a las órdenes de Alfred Hitchcock, quien siempre contaba la anécdota de que la actriz provocó numerosos problemas durante el rodaje al trabajar sin ropa interior. Por este papel, Tallulah recibió el premio que concede el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York.

En 1945 rodó La zarina (A royal scandal). Después, nuevamente, volvió a Broadway y no volvió al cine hasta diez años después. En este largo intervalo, además, de papeles teatrales, también intervino en algunas series televisivas en papeles puntuales. Además, entre 1950 y 1952, fue la conductora del programa radiofónico de la NBC Radio The Big Show.

En 1965 protagonizó Fanatic de Silvio Narizzano, seria su último papel cinematográfico, aunque un año después, pondría su voz a uno de los personajes de la película de animación Soñando despierto o El soñador aventurero (The Daydreamer) de Jules Bass.

Tallulah no fue convencional. Fue una típica mujer de los años 20 que experimentó con su sexualidad y se convirtió en un ser bisexual que dirigió su amor hacia hombres y mujeres indistintamente. En 1937, se casó con John Emery, de quien se divorciaría en 1941.

La vida de Tallulah Bankhead estuvo plagada de escándalos, pero ella nunca mostró remordimiento, de hecho, dijo: "
Si volviera a nacer cometería los mismos fallos, sólo que antes"
.

Tallulah no ocultaba sus vicios, de hecho, se la recuerda por frases como:

"
La cocaína no crea adicción. Lo sé porque llevo tomándola desde hace años"
.

"
Hay una regla que yo recomiendo seguir: nunca practicar dos vicios al mismo tiempo"
.

"
Mi padre me advirtió sobre los hombres y el alcohol, pero nunca dijo nada sobre las mujeres y la cocaína"
.

Tallulah Bankhead murió como consecuencia de una pulmonía en Nueva York el 12 de diciembre de 1968.

Katharine Hepburn



Katharine Houghton Hepburn (12 de mayo de 1907 - 29 de junio de 2003) fue una actriz estadounidense, la única en ganar 4 Oscars y una de las más nominadas con 12 candidaturas. Tan solo es superada por Meryl Streep con 14 nominaciones, pero mientras que Streep tiene candidaturas como mejor Actriz Secundaria, Hepburn consiguió todas como mejor Actriz Principal.


Nacida en Hartford, Connecticut en 1907. Pertenecía a una familia descendiente de colonos de Mayflower y hasta tenía sangre real en sus venas. Su padre era ginecólogo y fue el que la educó. Su madre, Katharine Houghton, era una decidida sufragista muy activa en su comunidad y que luchó por el reconocimiento de las prostitutas. Hepburn se crió en un ambiente libre y tolerante, lo cual marcaría su carácter. Practicó desde muy pequeña muchos deportes y según cuenta en su autobiografía, un verano se cortó el pelo y se hizo llamar "
Jimmy"
, y según se define ella misma, fue un marimacho. Siendo muy joven, Hepburn recibe un duro golpe: su hermano Tom de 14 años, a quien ella estaba muy unida, se suicida ahorcándose en Nueva York durante una visita a un familiar: esto la convierte en una joven retraída y poco comunicativa. Deja los estudios en la escuela y da clases con su madre en su casa.

Inició sus estudios de Física en el Bryn Mawr College, lugar donde comienza sus actuaciones teatrales. Cuando los termina en 1928 decide dedicarse de lleno a la interpretación. Tiene pequeños papeles en obras como "
La Zarina"
donde hace una sustitución y viaja a Nueva York donde toma clases de dicción con la antigua cantante Frances Robinson Duff. En 1932 tiene un enorme éxito con la obra teatral "
The warrior's husband"
una fábula griega. Ese mismo año es requerida por el cine y protagoniza para la RKO "
Doble Sacrificio"
, junto a John Barrymore y dirigida por quien sería uno de sus más íntimos amigos, George Cukor. Protagoniza "
Hacia las alturas"
en la que interpreta a una piloto, muy inspirada en la figura de Amelia Earhart. En 1933 gana su primer Oscar por interpretar a una actriz provinciana que va a buscar gloria en la gran ciudad, en "
Gloria de un día"
. En 1934 gana el premio a la mejor actriz en el Festival de Venecia por su interpretación en "
Las cuatro hermanitas"
, donde interpretó a Jo March, en la versión de George Cukor del clásico "
Mujercitas"

Sus siguientes películas, "
Sangre gitana"
en la que interpreta a una gitana irlandesa y el gran clásico de la screwball comedy "
La fiera de mi niña"
, son un rotundo fracaso y las productoras la bautizan como "
veneno para la taquilla"
junto a Fred Astaire, Joan Crawford y Marlene Dietrich. Protagoniza junto a las "
Chicas de la RKO"
, "
Damas del teatro"
, que es nominada a varios Oscar, pero no asienta totalmente a Hepburn. En 1933 y tras el éxito de "
Gloria de un día"
, se embarca en la obra teatral "
The Lake"
, de la que sale muy mal parada, vuelve a Connecticut con su familia y regresa triunfante a Broadway con la comedia Historias de Filadelfia, que en 1940 es adaptada para el cine y protagonizada por ella, James Stewart y Cary Grant, y que la devuelve a la palestra cinematográfica. El guión de "
Historias de Filadelfia"
, fue un regalo del magnate Howard Hughes, su pareja. En 1942, protagoniza junto a quien seria el amor de su vida, Spencer Tracy, con quien mantuvo una relación sentimental hasta la muerte del actor, la comedia "
La mujer del año"
en la que hace gala de su plurilingüismo hablando francés, ruso y español. Hepburn y Tracy harían 9 películas en común. Durante los años 40 protagoniza varias películas junto a Tracy, "
Sin amor"
dirigida por George Stevens o "
Mar de Hierba"
de Frank Capra y con Angela Lansbury. En 1949, protagoniza junto a Tracy, La costilla de Adán que narra las situaciones en las que un matrimonio de abogados se pone cuando se enfrentan en un tribunal. En 1951 rueda junto a John Huston y Humphrey Bogart "
La Reina de África"
, otro gran clásico. En 1952 realiza en Venecia y dirigida por David Lean "
Locuras de Verano"
, en la que encarna a una solterona secretaria de vacaciones que descubre el amor. Durante todos los años 50, Hepburn realizó numerosas obras de teatro, entre ellas "
Como gustéis"
y "
El mercader de Venecia"
de William Shakespeare y "
La Millonaria"
de George Bernard Shaw.

En 1959, Hepburn realiza el papel más iconoclasta de su carrera, el de Violet Venable en "
De repente, el último verano"
de Tennessee Williams, junto a Elizabeth Taylor y Montgomery Clift, y por el cual es aclamada por la critica. A partir de ahí, se especializa en adaptaciones cinematográficas de obras teatrales, como "
Larga jornada hacia la noche"
de Eugene O'Neill, en la que interpreta con maestría a una morfinómana metida en una familia rota y por la que gana el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes. Tras cinco años de parón, en los que cuida a un cada vez más enfermo Tracy, reaparece junto a él en su último film juntos Adivina quién viene esta noche, tras la que Tracy muere. Hepburn gana, por este film, su segundo Oscar;
muchos dicen que no le concedieron a Hepburn ese Oscar por su interpretación -magnífica por otra parte- sino como agradecimiento por haber cuidado tantos años de Tracy. En 1968 interpreta a Leonor de Aquitania en El león en invierno y gana su tercer Oscar, compartido con Barbra Streisand por "
Funny Girl"
.

En el año 1969 Hepburn realiza uno de sus papeles más recordados en el teatro. Protagoniza "
Coco"
, musical de gran éxito inspirado en la vida de la diseñadora de moda Coco Chanel. Hepburn grabó un álbum con las canciones del musical que vendió numerosas copias. Cansada de este duro trabajo diario dejó la función. Su rol fue asumido con solvencia por la actriz y cantante francesa Danielle Darrieux.

Ya en los años 70, Hepburn realiza papeles importantes en más adaptaciones a la pantalla de clásicos teatrales, como el de la Condesa Aurelia en "
La loca de Chaillot"
de Jean Giraudoux y el de Hecuba en Las Troyanas de Eurípides junto a Irene Papas y Vannesa Redgrave. Encarna a Eula Goodnitgh en "
El rifle y la biblia"
, un film del Oeste junto a John Wayne y cuyo argumento se parece demasiado al de la exitosa La reina de África. Interviene en "
Un balance delicado"
con Paul Scofield y dirigida por Anthony Harvey y en la obra de teatro filmada "
El zoo de cristal"


Realiza además algunos trabajos para televisión, y dirigida por George Cukor protagoniza "
Amor entre ruinas"
con Laurence Olivier y por la que gana un premio Emmy, además de "
El trigo esta verde"
. En 1981, Hepburn interviene en la romántica "
On Golden Pond"
junto a Henry Fonda y por el cual gana su cuarto Oscar.

Sus últimos papeles en el cine son el de "
La última solución de Grace Quigley"
en el que interpreta a una anciana que contrata a un sicario, Nick Nolte, para matar a sus amigos que ya sufren los achaques de la edad y el de la anciana tía Ginny en la película de Warren Beatty, "
Un asunto de amor"
. A partir de ahí Hepburn realiza pequeñas películas para televisión que la mantienen en activo pero una vez su estado de salud se agrava se retira a Connecticut.

Casada con Ludlow Ogden Smith, se divorcia de él en la década de los 30 y mantiene relaciones con John Ford, que la dirigió en María Estuardo, con su agente Leland Hayward y con el magnate Howard Hughes mantiene una relación amistad-amante.

En 1942 conoce a Spencer Tracy, del que no se separaría hasta su muerte en 1967. Hepburn y Tracy mantuvieron esta duradera relación sin casarse, pues Tracy, que era católico, no quiso separarse nunca de su esposa.

Aunque muchos dijeron que Hepburn padecía la enfermedad de Parkinson, ella siempre lo negó diciendo que era una herencia de su abuelo, al que también le temblaban las articulaciones y la cabeza. Hepburn, padeció también de pequeños cánceres en su piel y en sus últimos meses, un tumor en el cuello se le agravó.

Hepburn murió en su casa de Old Saybrook, en el estado de Connecticut el 29 de junio de 2003.

Katharine Hepburn publicó su autobiografía en el año 1991 con el título en español "
Yo misma, historias de mi vida"
, Hepburn ya había publicado con gran éxito un cuaderno de viaje del rodaje de "
La Reina de África"
con el largo título, "
Cómo viajé a África con Huston, Bogart y Bacall y casi pierdo la razón"
. La vida de Katharine Hepburn ha dado numerosas biografías como "
Recordando a Kate"
del estadounidense A. Scott Berg, ganador del Prémio Pulitzer, en la que cuenta la amistad que le unió con la actriz durante 20 años.

Katharine Hepburn tuvo una sólida carrera teatral. Comenzó a dar sus pasos en el mundo de la actuación en Broadway en obras como "
Night Hostess"
y "
These days"
. Tiene un gran éxito con "
The Warrior's husband"
una obra con luces de Lisístrata. Una vez triunfa en Hollywood, se decide a protagonizar "
The lake"
, obra con la que no esta contenta y que finiquita con 15.000 dólares. Tras unos fracasos en el cine vuelve al teatro y protagoniza Jane Eyre e Historias de Filadelfia que la catapulta de nuevo a la fama en su carrera como estrella de cine gracias a su adaptación cinematográfica. Tras varios años en la primera plana de la palestra cinematográfica y con algunos problemas con Spencer Tracy, Hepburn vuelve al teatro en la década de los 50. Protagoniza Como gustéis, Mucho ruido y pocas nueces, El mercader de Venecia y Antonio y Cleopatra, y realiza una gira que la lleva a Australia, Stratford y Estados Unidos. Triunfa con crítica y público con "
La millonaria"
. Vuelve al cine y tras ganar dos Oscar, se mete en el papel de la diseñadora francesa Coco Chanel en el musical "
Coco"
por el que es nominada al Premio Tony. Hepburn no está muy convencida de la obra pero hace multitud de representaciones llenando siempre los teatros de Broadway. En 1981 protagoniza "
The West Side Waltz"
por la que es nominada al Tony.
Premios Oscar Año Categoría Película Resultado
1933 Oscar a la mejor actriz Gloria de un día Ganadora
1935 Oscar a la mejor actriz Alice Adams Candidata
1940 Oscar a la mejor actriz Historias de Filadelfia Candidata
1942 Oscar a la mejor actriz La mujer del año Candidata
1951 Oscar a la mejor actriz La reina de África Candidata
1955 Oscar a la mejor actriz Locuras de verano Candidata
1956 Oscar a la mejor actriz El farsante Candidata
1959 Oscar a la mejor actriz De repente, el último verano Candidata
1962 Oscar a la mejor actriz Larga jornada hacia la noche Candidata
1967 Oscar a la mejor actriz Adivina quién viene esta noche Ganadora
1968 Oscar a la mejor actriz El león en invierno Ganadora
1981 Oscar a la mejor actriz En el estanque dorado Ganadora

Curiosidades de Katharine Hepburn:



1ªHepburn nunca vio "
Adivina quién viene esta noche"
por ser la última película de Spencer Tracy.

2ªJane Fonda, con la que intervino en "
En el estanque dorado"
, comentó en una entrevista, que le había preguntado a Miss Hepburn el porqué de su cabezonería al no ver sus tomas una vez filmadas, Hepburn contestó divertida, "
Llegó un momento en que no me fijaba en la actuación, sino donde estaba mi cuello o como estaba mi cara"


3ªCuando Hepburn se enteró del interés en hacer un biopic sobre su vida, apostó por Vanessa Redgrave para hacer de ella misma.

4ªGlenn Close era la actriz teatral que menos le gustaba, de ella decía que "
tenía unos enormes y gordos pies"
, Meryl Streep era su actriz menos querida de la pantalla. "
Clic, clic, clic"
decía Hepburn, en una clara parodia a la forma de actuar de Streep.

5ªMientras rodaba "
La Reina de África"
, Hepburn, como el resto del equipo excepto Humphrey Bogart y John Ford que prácticamente sólo bebían alcohol, tuvo unos enormes dolores estomacales y náuseas. En la escena principal, cuando Hepburn toca el órgano en la iglesia y su hermano, el reverendo da el sermón, la actriz tuvo siempre un cubo cerca, para poder vomitar entre toma y toma. Era tal su palidez que el director de fotografía del film, Jack Cardiff, temió que su piel saliera verde.

6ªPara el rodaje "
La gran aventura de Silvia"
, Hepburn tuvo que vestirse de hombre la mayoría del film, recibió muchas críticas por tener que besar a una mujer. Esto contribuyó a aumentar los rumores sobre su ambigüedad sexual.

7ªHepburn no tuvo grandes problemas de convivencia con Spencer Tracy en los casi 30 años de relación, aunque en su biografía apuntaba que éste le había pegado en una ocasión, sin que ella se lo recordara nunca.

8ªMuchos empleados de hoteles pueden recordar a Hepburn adormilada ante la habitación de Tracy, esperando a que éste se levantara para ayudarle.

9ªMiss Hepburn no acudió nunca a la gala de entrega de los Prémios Oscar salvo en 1974. Hepburn vestida con un pijama en protesta por la banalidad de los Premios, entregó el Premio Irving Thalberg.

10ªLos 4 Oscar ganados por Hepburn fueron donados al Empire State Building de Nueva York. Hepburn admitió siempre que, si no iba a recogerlos, no debía tampoco tenerlos.

11ªHepburn escupió a los pies de Joseph Mankiewicz, el director de "
De repente, el último verano"
por el pésimo trato que le daba debido a la enorme displicencia que éste tenía con la otra protagonista, Elizabeth Taylor.

12ªDe Montgomery Clift dijo que estaba "
como una regadera"
, por su extravagante comportamiento.

13ªHepburn iba a protagonizar "
Viajes con mi tía"
con George Cukor como director, pero los cambios que exigía hicieron que fuera despedida y contratada Maggie Smith para ese papel.

14ªJudy Garland, fue ayudada en sus recaídas con las pastillas por Miss Hepburn.

15ªDe Spencer Tracy dijo que era "
básico, como una patata asada"

De ella dijeron, entre otros, Frank Capra, "
Hay mujeres y luego está Kate"
o Spencer Tracy, "
Kate tiene poca carne, pero la que tiene es de mucha calidad"


16ªHepburn fue nombrada la mejor actriz de la historia por varias revistas.

17ªEsquire, la incluyó entre las 50 personalidades más influyentes del siglo XX.

18ªLa Royal Society of Chemistry británica calificó a la pareja Hepburn-Tracy como la que científicamente tenía más química en la pantalla. Otros fueron Elizabeth Taylor y Richard Burton y Lauren Bacall y Humphrey Bogart.

19ªSu sobrina Katharine Houghton, hizo el papel de su hija en "
Adivina quién viene esta noche"
.

20ªEra conocida como Katharine "
La Arrogante"
por su fuerte carácter. El nombre viene de Catalina de Aragón

21ªEl día que Katharine Hepburn murió (23-6-2003), las luces de todos los teatros de Broadway se apagaron durante una hora en su honor.

22ªEn la ceremonia de entrega de los Oscars en el año 2004, recibió un cálido homenaje póstumo presentado por Julia Roberts

Imagenes de Katharine:

Rosalind Russell




Rosalind Russell fue una actriz norteamericana (Waterbury, Connecticut, 4 de junio de 1907 - Los Ángeles, 28 de noviembre de 1976).

Rossalind Russel fue la mediana de siete hermanos en una familia bien al ser su padre un prestigioso abogado y su madre, una conocida periodista de modas. Estudió en un colegio católico y después asistió a la American Academy of Dramatic Art de Nueva York. En el principio de los 30, Russell empezó a hacer papeles en Broadway hasta que en 1934, entra en el mundo del cine al firmar un contrato con la Metro Goldwyn Mayer, en una dura pugna con Universal.

Durante esa época, intervino en películas con papeles sucundarios. De esta época destcana las películas "
Mares de China"
(1935) de Tay Garnett, "
La mujer sin alma"
(1936) de Dorothy Arzner, "
El club de los suicidas"
(1936) de J. Walter Ruben, "
Bajo dos banderas"
(1936) de Frank Lloyd, "
Al caer la noche"
(1937) de Richard Torpe, "
La ciudadela"
(1938) de King Vidor o "
Mujeres"
(1939), título dirigido por George Cukor.

No sería hasta su papel en la película de Howard Hawks "
Luna nueva"
(1940), cuando el nombre de Rosalind Russell salta al panorama internacional como estrella de primer orden haciendo pareja con Cary Grant. Ahí siguieron títulos de tanto éxito como "
Huellas femeninas"
(1941) de Van Dyke, "
This thing called love"
(1941) de Alexander Hall, "
Ella y su secretario"
(1942) de Mitchell Leisen o "
Amor sublime"
(1946) de Dudley Nichols.

En la década de los años 40, intercaló sus papeles en el cine con su regreso al teatro, destacando "
Bell, Book and Candle"
(1951), donde ganó un Premio Tony. En la década de los 50, destcana sus papeles en Picnic]] (1955) o Tía y mamá (1958), que sería uno de sus últimos éxitos y quye le valió su última nominación al Óscar.

Tras "
Ángeles rebeldes"
(1966) de Ida Lupino, "
Rosie, una señora riquísima"
(1967) de David Lowell Rich y la floja comedia "
Cómo me hice agente de la CIA"
(1971) de Leslie H. Martinson, se retiró del cine y dedicándose a actividades humanitarias, cosa que le valió el premio Jean Hersholt en 1972.

Rosalind Russell murió el 28 de noviembre de 1976 en Los Ángeles a causa de un cáncer de mama.



Norma Shearer, Joan Crawford y Rosalind Russell

Alida Valli



Alida Maria Laura von Altenburger, baronesa de Markenstein Frauenberg, nombre real de Alida Valli (nacida el 31 de mayo de 1921 en Pola, Italia, que actualmente pertenece a Croacia, y fallecida el 22 de abril de 2006 en Roma, Italia), era una gran actriz cinematográfica italiana.

Nacida en el seno de una familia aristocrática e intelectual, su padre era el barón Gino Altenburger de Trentine, profesor de Filosofía, y su madre era Silvia Obrekar, pianista. Desde pequeña le llamó la atención la interpretación, participando, desde los 8 años, en funciones de teatro benéficas. Cuando cumplió los 13 años comenzó a trabajar en el cine, a través del Centro Experimentale de Cinematografía de Roma, en películas como Il capello a tre punte (El sombrero de tres puntas, de Mario Camerini, 1934) o Il due sargenti (Los dos sargentos, 1936). En el año 1942, realizó su primera gran interpretación en la película Piccolo mondo antico (Pequeño mundo antiguo), que le valió un premio a la mejor interpretación en el Festival de Venecia. Ese mismo año, estrena uno de los clásicos del cine italiano de los 40: el drama "
A través de las nubes"
de Goffredo Alessandrini, que adapta una famosa novela de Ayn Rand ("
El manantial"
) y en el que la Valli realiza una de sus mejores interpretaciones junto al injustamente olvidado pero entonces en apogeo Fosco Giachetti.

Durante la Segunda Guerra Mundial dejó de hacer películas para evitar ser usada como propaganda fascista por parte del gobierno italiano, y por ese motivo tuvo que esconderse para evitar ser detenida. En el año 1944 se casó con el músico Oscar de Mejo, con el que tuvo dos hijos, y del que se divorció en el año 1952 y se vio envuelta, en el año 1954, en un escándalo de drogas, asesinato y sexo en los que estaba involucrado el hijo del ministro de Asuntos Exteriores italiano de la época y cuya coartada fue ella. Esto prácticamente arruinó su carrera.

Terminada la Segunda Guerra Mundial decidió intentar abrirse un hueco en Hollywood, donde solo se la conocería por su apellido, Valli. Contratada por David O. Selznick, protagonizó la película El Proceso Paradine, de Alfred Hitchcock en el año 1947, en un papel pensado para el regreso a la pantalla de Greta Garbo, junto a Gregory Peck y Ethel Barrymore;
En 1949 rueda en Inglaterra y protagoniza la que probablemente es su película más conocida internacionalmente, El tercer hombre de Carol Reed, junto a Orson Welles y Joseph Cotten. Y termina su estancia en Hollywood con el memorable melodrama "
El milagro de las campanas"
(1948, Irving Pichel) junto a Fred MacMurray y el magnífico pero olvidado drama de escaladores "
La montaña trágica"
(1950, Ted Tezlaff) haciendo aquí uno de sus mejores trabajos al lado de Glenn Ford. Posteriormente, participa en otras películas que le dieron prestigio, ya afincándose en Europa, como la magistral Senso (1953, Luchino Visconti), donde se enamoraría de su compañero de reparto Farley Granger;
la inconmesurable El grito (1957, Michelangelo Antonioni), junto al norteamericano Steve Cochran;
la terrorífica Los ojos sin rostro, (1959, Georges Franju), en compañía de Edith Scob;
una interesante versión del Edipo Rey de Sófocles en (1967 realizada por Pier Paolo Pasolini), junto a Silvana Mangano y Franco Citti;
o la monumental Novecento (1976) y el obsesivo drama de culto La Luna, (1979), ambas de Bernardo Bertolucci. Estuvo dedicada al cine hasta pocos años antes de morir, siendo una de sus últimas apariciones destacadas Un mes en el lago de John Irvin, estrenada en 1995, donde compartía protagonismo con Vanessa Redgrave y Uma Thurman. En el año 1997 consiguió un León de oro del Festival de Venecia a toda su carrera cinematográfica. Murió el 22 de abril de 2006 a la edad de 84 años.

Actriz versátil, de inconfundible mirada y con una fascinante presencia en la pantalla, convivió con el cine de evasión (en los años 40), el estrellato internacional (en los 50) y una espléndida madurez interpretativa (en los 60). Su paso por Hollywood empezó siendo prometedor pero, al igual que pasó con otras actrices europeas en esa época ([[Viveca Lindfords, May Britt, Diana Dors), tras la novedad inicial pasó a engrosar la lista de bellezas exóticas en papeles de poca enjundia. Pero, pese a que no estuvo demasiado aprovechada para el cine es uno de esos personajes que han pasado, merecidamente, a la historia del séptimo arte aunque el gran público no se haya enterado.

Alida y Frank Sinatra:

Alida en una de sus imagenes mas conocidas:

QUE LINDA MUJER, UNA BELLEZA..
LA VERDAD QUE UNO SE ACOMPLEJA LUEGO DE VER TANTA CHICA GUAPA..
LEYLA... ME HAS DEJADO SOLITA EN EL FORO DE BAVIERA... :smt102

Ingrid Bergman



Ingrid Bergman (29 de agosto de 1915 - 29 de agosto de 1982) fue una actriz sueca ganadora de los premios Oscar y Globo de Oro. Según la lista realizada por el American Film Institute, es la cuarta estrella más importante en la historia del cine.

Quedó huérfana de madre cuando tenía dos años y su padre murió 10 años después, por lo que fue criada por unos familiares. Decidió hacerse actriz para combatir su extrema timidez y dio sus primeros pasos en el teatro. A los dieciocho años fue elegida entre cientos de aspirantes para estudiar en la Real Escuela de Teatro dramático (donde también estudió Greta Garbo).

En 1937 se casa con el dentista Petter Lindström, relación de la que nace su hija Pia Lindström. En 1939, y después de protagonizar una docena de películas en Suecia, se traslada a los Estados Unidos para protagonizar la película de David O. Selznick "
Intermezzo"
.

En 1942 se convierte en una de las estrellas de la época al protagonizar junto a Humphrey Bogart la película de Michael Curtiz "
Casablanca"
. 1943 supone el año en el que recibe su primera candidatura a los Oscar, en este caso por su papel en la película "
Por quién doblan las campanas"
, aunque no consigue finalmente el premio. Al año siguiente se puede resarcir de esa desilusión, pues gana el Oscar a la mejor actriz, esta vez por su papel en "
Luz que agoniza"
. En 1945 recibe su tercera candidatura consecutiva a los Oscar, este vez por la película "
Las campanas de Santa María"
. La actriz recibiría su cuarta candidatura a los Oscar en la categoría de mejor actriz en 1948, por su papel en "
Juana de Arco"
.

En 1949 se traslada a Italia para rodar a las órdenes de Roberto Rossellini la película "
Stromboli"
. Durante el rodaje de la película comienza una relación con el director italiano. Fruto de esta relación, Bergman queda embarazada de su hijo Roberto, (nacido el 7 de febrero de 1950), lo que provoca un gran escándalo en los Estados Unidos. El escándalo fue tal que incluso provocó que la actriz fuera declarada persona non grata en territorio americano, lo que hizo que se exiliara en Italia, dejando a su marido y a su hija en los Estados Unidos. Después de separarse de Lindström y tras el nacimiento de su hijo, la actriz y el director se casan el 24 de mayo de 1950. Con el director italiano tiene además otras dos hijas, las gemelas Isabella e Isotta. Finalmente, se separara de Rossellini en 1957. De su época en Italia destaca su trabajo en seis películas dirigidas por su entonces marido, entre ellas "
Giovanna d'Arco al rogo"
(1954).

En 1956 vuelve a ganar el Oscar a la mejor actriz por su interpretación en la película "
Anastasia"
, siendo su amigo Cary Grant quien recoge el premio en su nombre. En 1958 vuelve por primera vez a Hollywood después del escándalo de su matrimonio para presentar el Oscar a la mejor película en la 31ª Edición de la ceremonia de entrega de los Premios de la Academia. La sala la recibe con una cerrada ovación. Ese mismo año se casa con el productor sueco Lars Schmidt, del que se separará en 1975.

A partir de entonces comienza a alternar películas en Estados Unidos y en Europa, así como apariciones ocasionales en dramas televisivos y en obras de teatro.

En 1974, Bergman recibe su tercer Oscar, esta vez en la categoría de mejor actriz de reparto, por su participación en la película "
Asesinato en el Orient Express"
.

Su última candidatura a los Oscar la recibió en 1978 por su papel en "
Sonata de otoño"
, del director sueco Ingmar Bergman.

A lo largo de su vida, tres directores marcaron su carrera cinematográfica: Gustaf Molander, quien la dirigió en siete películas y con el que fue proclamada mejor promesa del cine sueco en 1935;
Rosellini, quien la dirigió en seis películas y fue su marido;
y Alfred Hitchcock, que la dirigió en tres ocasiones siendo ya una consolidada actriz.

Recibió el galardón italiano Ruban d'Argento a la mejor actriz extranjera en dos ocasiones por las películas "
Stromboli"
, de 1951, y "
Europa 51"
, de 1953.

También ganó el Premio Emmy (Oscar televisivo) por sus trabajos en "
Turn of the screw"
(1959) y "
Una mujer llamada Golda"
(1982). Por esta miniserie (su último papel) obtuvo además el Globo de Oro a la mejor actriz en miniserie o telefilme.

Murió de cáncer en Londres el día de su 67º cumpleaños.

ASI QUE ALIDA vALLI ERA BARONESA, INTERESANTE, NO LO SABIA. ;
)

Leslie Caron



Leslie Caron es una actriz y bailarina franco-estadounidense nominada a los Oscar, ganadora de un Globo de Oro y un Emmy. Caron dijo de sí misma: "
No soy una bailarina. Me defiendo."

Leslie Claire Margaret Caron nació en Boulogne-Billancourt, Francia, hija del químico Claude Caron, y la bailarina nortemaericana Margaret Petit. Caron se preparó para su futura carrera de bien pequeña gracias a la ayuda de su madre.

Caron fue descubierta por Gene Kelly mientras bailaba con un ballet. El afamado bailarín la escogió para ser su pareja en en el clásico Un americano en París (1951). El éxito de Caron fue tan elocuente que firmó un contrato de larga duración con MGM, cosa que le permitió aparecer en otros títulos como La zapatillas de cristal (1955) o Lili (1953). Precisamente por esta actuación, le permitió a Caron conseguir la primera nominación a los Oscars en 1953. En la segunda parte de los 50, aparecería en títulos tan inolvidables como Papá piernas largas (1955) con Fred Astaire o Gigi (1958) con Louis Jourdan y Maurice Chevalier.

Como quiera que los musicales empezaban a entrar en un lento declive a principios de los 60, Caron dio un giro a su carrera con la interpetación de un preñada esperando a abortar en La habitación en forma de L (1962), un papel que le llevó a ser nominada a los Oscar en la categoría mejor actriz principal y ganar esa misma categoría en los Premios BAFTA.

Sus otras apariciones en los últimos años incluyen Operación whisky (1964) junto a Cary Grant, la obra de Ken Russell sobre Valentino (1977), sobre el mítico actor Rodolfo Valentino y donde Caron hace el papel de Alla Nazimova o la obra de Louis Malle Herida (1992). También hay que destacar su participación en el aclamado film de Lasse Hallström Chocolat (2000) o más recientemente Le Divorce (2003) de James Ivory junto a Kate Hudson y Naomi Watts.

Caron se casó con Geordie Hormel, nieto del fundador de la empresa alimenticia Hormel en septiembre de 1951. Se divorciaría en 1954.

Su segundo marido sería el actor y director británico Peter Hall con el que tendría dos hijos, Christopher (productor de televisión) en 1957 y Jennifer (actriz) en 1962. Cuando se divorciaron en 1965, se culpó a Warren Beatty de ser el responsable y se le ordenó por la justicia británica a pagar los costes del caso. Caron tuvo un romance con Beatty (1961).

En 1969, se casaría con el productor Michael Laughlin con el que estaría unida hasta 1980.

A estos, hay que añadirles los diferentes novios que tuvo Caron como Peter Lawford, Frank Sinatra, el guionista Jean-Pierre Petrolacci o Robert Wolders (ex marido de Merle Oberon y amante de Audrey Hepburn).

Por último se casaría con Paul Magwood (trabajador en productoras como backstage y con el que estaría hasta 2003, viviendo en Wisconsin. En semiretiro del mundo del cine, tiene un confortable hotel (Auberge La Lucarne aux Chouettes) en Villeneuve-sur-Yonne, a unos 100 km al sur de París)

Kim Novak



Kim Novak (13 de febrero de 1933) es una actriz estadounidense.
Nació en Chicago como Marilyn Pauline Novak. Su padre, que había sido profesor, era funcionario municipal de tráfico, y su madre también había sido profesora. No fue una buena estudiante en el colegio. No se sentía a gusto y le molestaba que se le dijese lo que debía hacer. Cuando terminó sus estudios escolares se dedicó a presentar como modelo vestidos de adolescentes en unos grandes almacenes de la ciudad. Más adelante consiguió una beca para ingresar en una escuela de modelos.

Unos años después Novak realizó diversos trabajos intentando encontrar su camino para el futuro. Hizo de ascensorista, empleada de tienda e incluso de asistente de un dentista. Pero todo ello no le satisfizo, por lo que volvió a su profesión de modelo, que según ella consideraba había desempeñado bien. Se marchó a Los Ángeles para buscar suerte como modelo en esa ciudad. Comenzó a trabajar y un directivo de los estudios RKO le ofreció un papel muy pequeño en una película de 1954. Aún siendo su papel insignificante, un agente se fijó en ella y le consiguió una prueba ante la cámara en los estudios Columbia, de la que resultó un primer contrato de seis meses.

Siendo su nombre Marilyn, el estudio decidió cambiarlo, para evitar comparaciones entre Novak y Marilyn Monroe. Ella insistió que su apellido fuese el verdadero, de manera que finalmente todos se pusieron de acuerdo en Kim Novak. Tomó unas clases de interpretación, que el estudio no quiso pagar, y Novak apareció en ese mismo año de 1954 en su primera película, Pushover, con Fred MacMurray. Aunque su actuación no fue digna de mención, los críticos y las audiencias se fijaron en su atractivo físico y en la expresividad de sus ojos, de forma que unos meses después volvió a actuar en otra película, esta vez con Jack Lemmon.

Novak comenzó a ser popular a raíz de estas dos películas. Recibía gran cantidad de escritos de sus admiradores y admiradoras. Después de su siguiente película, rodada en 1955 y que también resultó un éxito para la joven actriz, llegó en ese mismo año su gran oportunidad con Picnic, film que protagonizó ella con William Holden y que tuvo un éxito rotundo. Novak se había convertido en un actriz, e hizo una interpretación realmente excelente, al igual que Holden. Desde entonces se sucedieron sus apariciones como protagonista en películas co-protagonizadas por actores famosos, como Frank Sinatra en Pal Joey o James Stewart en Vertigo.

Después de rodar The Amorous Adventures of Moll Flanders en 1965, Novak decidió retirarse del cine por un tiempo, y volvió tres años después. Intervino en The Legend of Lylah Clare, que fue un fracaso. A pesar de ello, Novak pudo elegir sus papeles en los siguientes años, debido a su enorme popularidad entre el público, que la consideraba una de las actrices más atractivas del cine. Sin embargo, las películas en las que actuó en los años siguientes no eran buenas, motivo por el cual se fue orientando hacia la televisión, aprovechando las oportunidades que se le ofrecían en este medio de participar en películas de mayor calidad o de mayor audiencia. Así, por ejemplo, en 1981 actuó en la serie Falcon Crest. Diez años más tarde, en 1991, hizo su última película para la gran pantalla, Liebestraum.

Novak se casó en 1965. Ese matrimonio duró sólo un año, y acabó en divorcio. En 1976 se casó de nuevo. Vive con su marido en sus casas de California y Oregon, donde cría caballos y llamas.

Charlie Chaplin



Charles Spencer Chaplin Jr., KBE (Londres, 16 de abril de 1889 – Corsier-sur-Vevey, 25 de diciembre de 1977) fue un actor, director, escritor, productor y compositor británico ganador del Premio Oscar. A través de sus casi 90 películas de cine mudo y sonoro, ha llegado a convertirse en la figura más representativa del cine mudo, el cual le ha dado su fama mundial y la consideración de uno de los grandes genios de la historia del cine. Su cine abunda de imágenes clásicas tan conocidas como su propio personaje. Su hija, Geraldine Chaplin, se dedicó también a la actuación.

El personaje en torno al cual construyó gran parte de su carrera cinematográfica, y que le dio fama universal, fue aquel del vagabundo (The Tramp, en inglés;
Charlot, en español, italiano y francés): un hombre con las maneras refinadas y la dignidad de un caballero, vestido con una estrecha chaqueta, pantalones y zapatos más grandes de su talla, un sombrero bombín, un bastón y un característico bigote. Su inconfundible caminar oscilante, una acentuada emotividad sentimental, y un desencanto melancólico frente a la impiedad y a la injusticia de la sociedad moderna, le hicieron emblema de la alienación humana — en particular de las clases sociales emergentesCharles Spencer Chaplin nació en East Street, Walworth, Londres el 16 de abril de 1889, Inglaterra, según dijo él mismo, ya que en ningún sitio consta documentación oficial de su nacimiento. Su madre fue una actriz de teatro que vio truncada su carrera debido a que padecía esquizofrenia. Su padre era alcohólico, por lo que la familia vivía sumida en la terrible pobreza urbana de esa ciudad a finales del siglo XIX. Creció en el barrio de Kennington, rodeado de muchos actores del music-hall. Su padre fue un cantante del music-hall. Charlie quedó al cuidado de su madre cuando sus padres se separaron, poco después de su nacimiento. Su padre murió cuando Charlie tenía 12 años, y junto con su hermano Sidney pasó largos períodos de tiempo en orfanatos. Charlie era zurdo, al igual que su hija Geraldine Chaplin y sus nietos Tania Chaplin, Suso Chaplin y Dolores Chaplin

Charles, con su hermano Sidney, dos años mayor, habían heredado el talento artístico de la familia y comenzaron a trabajar en ello desde niños. Cuenta el propio Charlie que su primera aparición pública fue a la edad de 5 años, sustituyendo a su madre en un teatro londinense. Ahí empezó a trabajar como actor infantil en el teatro, y recibió buenas críticas. Mientras, su hermano se había convertido en una de las estrellas del grupo cómico de Fred Karno, y convenció a éste para que contratara a su hermano para hacer un sketch, y posteriormente, lo envió de gira por Estados Unidos, a comienzo de la década de los años 1910.
Con estas giras, Mack Sennett le ofreció un contrato, y se fue con él a California. Fue allí donde Chaplin descubre el mundo del cine y pronto recibe propuestas que lo llevan a probar suerte en Hollywood. Al llegar a la meca del cine ya tenía una buena reputación como comediante y rápidamente se encontró protagonizando películas que tuvieron un éxito inmediato. En su primera película, Charlot periodista, todavía no tenía la imagen que le caracterizaría siempre, pero ya en la segunda Carreteras sofocantes, en 1914, llevaba su indumentaria de vagabundo. Parece ser que el famoso traje se lo compuso mediante aportaciones de cómicos amigos: la chaqueta de Charles Avery, los pantalones de Fatty Arbuckle, las botas de Ford Sterling, y el bigote de Mack Swain.

En todas sus posteriores películas interpretó a un vagabundo que buscaba mejorar su vida sin conseguirlo nunca. La población que buscaba el «sueño americano» se identificaba con estas historias y las aventuras del vagabundo tuvieron éxito continuo durante más de diez años, aunque el personaje fue evolucionando.
En la compañía Keystone, rodó más de 30 películas, y a partir de la vigésima empezó también a dirigirlas.

En febrero de 1915 cambió de compañía, esta vez se unió a la Essanay, donde dirigió y protagonizó algunos de sus mejores cortometrajes, y empezó a usar una serie de actores fijos para sus películas, como Edna Purviance o Eric Campbell. En sus últimas películas para esta productora, empezó a hacer un cine con una gran crítica social.

Por aquel entonces, Chaplin ya cobraba 10.000 dólares a la semana, más extras. Empezó a rodar películas cada vez más complejas y con unos gags mucho más elaborados que en sus películas anteriores, como Charlot en la playa (1915), The Cure, 1917), o Charlot a la una de la madrugada (One A.M., 1916), y tocó temas muy críticos con la realidad norteamericana, como El emigrante (The Inmigrant, 1917) o Charlot músico ambulante (The Vagabond, 1916).
En otoño de 1917 volvió a cambiar de productora, esta vez firmó para la First National, con la que colaboraría en los siguientes años, y que le consiguió su estudio en el que rodaría la mayor parte de sus películas. Allí hizo películas como Vida de perro (A Dog's Life, 1918) o Armas al hombro (Shoulder Arms, 1918).

Fue entonces cuando rodó El chico (The Kid, 1921), con el niño Jackie Coogan, que acabó por convertir a Charlot en uno de los iconos, no ya del cine, sino de la historia. Este largometraje es una de las piezas más fascinantes en la historia del cine y sin duda es de las mejores que haya realizado Chaplin. Tal es así que en el año 1971 él volvió a componer la música de la misma. La película tiene como eje central la importancia del amor humano, de los afectos y como siempre una alta crítica social. La misma cuenta la historia de un hombre que encuentra, adopta y decide criar a un bebé que fue abandonado por su madre. La relación entre ellos dos (Charlot y el niño) es fantástica y muy enternecedora, a tal punto que lleva al espectador al llanto. Esta cinta fue tan importante para él porque buscó mostrar en el niño, lo que había sido su propia infancia. La filmación duró más de un año y en la misma Chaplin tuvo que afrontar varios sucesos importantes que marcaron su vida.

Siendo ya millonario, regresó a Europa sólo para buscar y llevarse a su madre a América, que se encontraba recluida en un sanatorio mental. Pese a esto, ella nunca sería consciente del triunfo de su hijo debido a su estado mental.
Cuando acabó su contrato, junto con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David W. Griffith fundó la United Artists, el 5 de febrero de 1919, y pudo rodar su primer largometraje, Una mujer de París (A Woman of Paris, 1923). Fue un fracaso comercial, ya que intentó que fuera una película dramática y no acabó de gustar al gran público, pero sin embargo, sus dos siguientes películas, La quimera del oro (The Gold Rush, 1925) y El circo (The Circus, 1928), se convertirían en dos de las películas más taquilleras del periodo mudo, y son consideradas como dos de las mejores de toda su filmografía, de hecho la segunda es la única en haber conseguido un premio Oscar, que se le otorgó varios años después como un acto de disculpas hacia el gran Chaplin por tantos años de persecución y castigo por parte de la prensa norteamericana. La United Artists produjo otras muchas películas, y en el año 1952 fue comprada por Arthur Krim. Sigue funcionando como productora en la actualidad.

Chaplin fue renuente a abandonar el cine mudo, por lo que sus películas perdieron un poco el atractivo frente a las nuevas producciones sonoras que empezaron a producirse a finales de los años 1920. No quería que su personaje, Charlot, que había creado con tanto trabajo, hablara, porque pensaba que eso lo estropearía. De hecho, por más que en el Gran Dictador y en Candilejas Chaplin sí habla, el personaje del vagabundo nunca lo hizo en una película, ni siquiera en Tiempos Modernos donde el resto del elenco sí lo hace. Es así que empezó a rodar Luces de la ciudad (City Lights), y la presentó como película muda, pero con música grabada dentro del film, compuesta por él mismo.
Tiempos modernos (Modern Times, 1936), es la última película en la que aparece Charlot como personaje. Aunque es una película sonora, en realidad su personaje no habla demasiado, y sigue manteniendo la mímica de las películas mudas. Los sectores más reaccionarios y puritanos de Estados Unidos se enfurecieron con esta película, que es considerada una de las obras maestras de la historia del cine.

Las críticas contra Chaplin aumentaron cuando realizó esta película, El gran dictador (The Great Dictator, 1940), protagonizada junto a Paulette Goddard, su tercera mujer

Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, se desató en EEUU lo que se conocería como «caza de brujas». Este fenómeno consistía en una política estatal que perseguía a los «comunistas» estadounidenses en un intento supuestamente de proteger la seguridad nacional (aunque en ningún momento se ilegalizó el Partido Comunista de los Estados Unidos, lo que hubiera supuesto un atentado en contra de los derechos civiles de los ciudadanos sí se investigó y en muchos casos se arruinó la vida de quien fuese o pareciese ser comunista).

Chaplin ya había tenido muchos problemas con el Comité de Actividades Antiamericanas, y en general con los tribunales norteamericanos. Por un lado, debido a sus ideas progresistas, exhibidas públicamente en todos sus cortometrajes y en muchas de sus películas, como Tiempos modernos o El gran dictador, hizo que se buscara cualquier excusa para meterlo en la cárcel. Le acusaron de incumplir la Ley Mann, según la cual era delito trasladarse a otro estado para fines sexuales, cuando llevó a Joan Barry, novia por aquel entonces a la que superaba en 30 años su edad, desde Los Ángeles hasta Nueva York. Debido a la neurosis provocada por el odio a los comunistas, le acusaron de ser comunista basándose en una serie de «pruebas»: en un mitin, había dicho que debería de abrirse un nuevo frente contra los nazis en la Segunda Guerra Mundial, por lo que le acusaron de comunista;
participó en un acto de solidaridad con Rusia en San Francisco, e intervino en un acto sobre arte ruso en Nueva York.

Su película Monsieur Verdoux, del año 1947, fue otra de las excusas para justificar esta persecución, ya que en ella establecía un paralelismo entre los crímenes del protagonista, y los de las grandes potencias en período de entreguerras.

En el año 1947, el Comité de Actividades Antiamericanas empezó a presionar a la fiscalía para que deportaran a Chaplin, «cuya vida en Hollywood contribuye a destruir la fibra moral de América». Fue llamado a testificar en el Comité en varias ocasiones, pero no se presentó a ninguna. Al mismo tiempo, le estaban acosando los Veteranos de Guerra Católicos, una asociación reaccionaria, que le acusaba de haber escrito una carta a Pablo Picasso, peligroso comunista para ellos, y un senador llegó a decir que «el comportamiento de Chaplin se aproximaba peligrosamente a la traición».

El 17 de septiembre de 1952, el fiscal general de Estados Unidos dio instrucciones a inmigración para retener a Chaplin, su esposa y varios de sus hijos, cuando viajaban en el Queen Elizabeth para asistir al estreno de Candilejas en Europa, hasta que las leyes norteamericanas decidiesen si debía ser expulsado. Le acusaron formalmente de «pertenecer al Partido Comunista, así como de graves delitos contra la moralidad y de formular declaraciones que demuestran una actitud hostil y de menosprecio hacia el país gracias a cuya hospitalidad se ha enriquecido».

En abril de 1953, el actor se estableció en Suiza. En 1957, rodó una película en la que parodiaba a EEUU y a la paranoia que le llevó al exilio, Un rey en Nueva York. En 1966 rodó su última película La condesa de Hong Kong, protagonizada por Marlon Brando y Sophia Loren. La película fue un fracaso comercial y los críticos no la respaldaron, pero tanto Brando como Loren dijeron que no podían decirle que no a un genio tan grande como Chaplin.

Dos décadas después, ya convertido en un anciano, le fue concedido el permiso de réingresar a Estados Unidos para recibir un Oscar Honorífico (1972) "
por el incalculable efecto que ha producido en el arte del siglo XX, el cine"
, y que muchos interpretaron como un intento de reparación de todos los daños que le habían causado (si bien Chaplin ya había obtenido un Oscar Especial por su película El circo). La entrega del premio se preparó especialmente, de hecho, fue la única vez en que el premio a la "
Mejor Película"
no se entregó al final, el momento se reservó para Charlie Chaplin. Todos los ganadores de la noche fueron invitados a subir al escenario para que el mismo presidente de la academia Daniel Taradash presentará el galardón luego de veinte minutos en que exhibieron los mejores momentos de su filmografía. Finalmente Chaplin aparecio y el público le aplaudió por siete minutos (la ovación más larga en la historia de los Oscar). Al fín, Chaplin tuvo su oportunidad de hablar diciendo estas palabras:

<
<
Las palabras parecen tan insignificantes, tan inútiles. Solo puedo decir que... gracias por el honor de ser
invitado aquí, y... oh son gente maravillosa y dulce, gracias.>
>

En reconocimiento de sus destacados méritos fue nombrado caballero por la Corte Real británica y se convirtió en Sir Charles Chaplin (1975). Finalmente, este humilde hombre que había cambiado el cine para siempre, había recibido una pizca del reconocimiento que se merecía.

A comienzos de los años 70, Chaplin comenzó a escribir la música y partituras originales para sus películas mudas, para estrenarlas como versiones definitivas. En total compuso la música de todas sus películas cortas de la First National (1918-1923), y también de sus largometrajes El chico y El circo. Su último trabajo completado fue la musicalización de su película de 1923 Una mujer de París, en 1976.

Charlie Chaplin era cómico dentro y fuera del cine. Gustaba al público y el público le gustaba a él. Se recuerdan escenas públicas como aquella en un restaurante en que, al pedir su plato preferido de pescado, pescado a la plancha entero y muy grande, se ponía a dramatizar mientras todo el restaurante le miraba llorando de la risa mientras se lo comía lamentando su pérdida. U otras como probar el vino que le daba el camarero en su primera copa, escupirla con enorme asco ante el asombro de todos, incluido el camarero, y cuando se hacía el silencio mirar al camarero y decirle: «¡Excelente!» son anécdotas de cómo la vida con él era una caja de sorpresas. (Comentado por su hija Geraldine en entrevistas).

En los últimos años de su vida se mantuvo alejado del mundo en su mansión de Corsier-sur-Vevey (Suiza), donde falleció el 25 de diciembre de 1977, mientras dormía, a la edad de 88 años. Alguna vez su hija Geraldine comentó curiosamente que a Charlie Chaplin nunca le gustó la navidad ni disfrutar de ella, muriendo el mismo día para así recordarles todos los años el día de su muerte[cita requerida]. Su cuerpo fue exhumado, siendo recuperado y enterrado de nuevo tres meses después, cerca de su mansión suiza.

Datos de interes sobre Chaplin:



1ºCharles Chaplin fue la persona más conocida del mundo desde 1917 hasta mediados de los años treinta. Este dicho está avalado por dos hechos: la rápida difusión del cinematógrafo en las décadas de los años veinte y treinta y también en el viaje que realizó por países de todo el mundo, donde era recibido por grandes multitudes.

2ºEn español, ha quedado la palabra «charlotada» para reflejar una acción grotesca o ridícula y una corrida de toros de tono cómico. Su nombre proviene del torero cómico Carmelo Tusquellas, apodado Charlot porque su traje y estilo evocaban el de Chaplin.

3ºSe dice que el humor que muestra Charlot en sus películas es «universal». Para comprobar esto, a finales de los años 90 se realizó un experimento, consistente en proyectar varios de los cortos de Charlot a distinto público, de distintas culturas, que nunca antes habían visto a Charlot y, en muchos casos, ni siquiera habían tenido la oportunidad de ver televisión y cine. El experimento dio resultados concluyentes: aunque había culturas donde no entendían lo que veían (no eran capaces de entender las construcciones, vehículos, ropa, protocolos sociales, etc, de la Norteamérica de principios del siglo XX), sí que se divertían y reían con las persecuciones, caídas, tartazos, trucos, timos, etc. protagonizados por Charlot.

4ºComo curiosidad cabe destacar que una vez participó en un concurso de imitadores de Charles Chaplin pero no alcanzó ni las finales, aunque leyendas urbanas dicen que quedó tercero o segundo.

5ºEl prestigioso director italiano Pier Paolo Pasolini era fan de Chaplin y de sus películas. En su película Los cuentos de Canterbury, el personaje de Ninetto Davoli es una especie de recreación del personaje de Charlot. Una de las hijas de Chaplin, Josephine Chaplin también trabajó en la película, felicitando a Davoli por su excelente homenaje a su padre.

Buster Keaton



Joseph Francis "
Buster"
Keaton (n. Piqua, Kansas, 4 de octubre de 1895 - m. Woodland Hills, California, 1 de febrero de 1966) fue un famoso actor y director estadounidense de cine mudo cómico. Se caracterizó principalmente por su humor físico mientras mantenía un rostro inexpresivo en todo momento, lo cual le ganó su apodo, "
Cara de palo"
. Al igual que sus contemporáneos, Keaton provino del vaudeville. Su padrino fue Harry Houdini, quien lo bautizó "
Buster"
(el destructor) tras verlo caer de una escalera sin una sola herida a la edad de tres años.

Nació el mismo año en que fue inventado el cine. Keaton fue criado en el mundo del vaudeville, actuando junto a sus padres (presentados como "
Los Tres Keatons"
) desde la edad de tres años. Sus padres pertenecían a la Mohawk Medicine Company, igual que Houdini, y casualmente se encontraban en Kansas cuando Buster nació. Su padre había sido periodista en el Oeste, y junto a Myra, su mujer, realizaba un número acrobático. El espectáculo debía de ser bastante impresionante, ya que Keaton hijo era lanzado desde un lado a otro del escenario y pisoteado. El sketch se llamaba El estropajo humano y sus padres fueron interrogados por las autoridades en varias ocasiones para comprobar que Buster no salía dañado.

Al momento que su carrera en el teatro comenzaba a florecer, Keaton comenzó a interesarse por la, entonces naciente, industria del cine. Decidió probar su suerte en el mundo de las películas y se unió a la unidad de cineastas de Fatty Arbuckle. El talento natural de Keaton para la comedia física llamó la atención de Arbuckle, quien pronto lo puso a coprotagonizar sus películas. Buster rechazó una oferta del Winter Garden Theatre, que le ofrecía 250 dólares a la semana, por trabajar en películas por 40 dólares cada una. Keaton y Arbuckle se hicieron entonces amigos inseparables. Su primera película fue Fatty asesino (The Butcher Boy, 1917), y a partir de ahí, Keaton se empezaría a interesar cada vez más por los aspectos técnicos del cine. Según él mismo, para averiguar cómo funcionaba una cámara de cine, la destrozó en mil pedazos, y comenzó a interesarse por tipos de película, objetivos, proyección y otros aspectos de la cinematografía.

Tras cinco películas más con Fatty, se trasladaron con todo el equipo a California, y fue allí donde conoció a una de las famosas hermanas Talmadge, Natalia, con quien se casaría poco tiempo después. Volvió a casarse otras dos veces, con Mae Scribbens en el año 1933 y con Eleanor Harris en 1940.

En el año 1918, fue llamado a filas para la Primera Guerra Mundial, y estuvo siete meses en Francia haciendo espectáculos para las tropas. Allí, fue cuando, debido a una infección en los oídos, se quedó prácticamente sordo para el resto de su vida. Cuando volvió a Estados Unidos, Fatty estaba preparando su primer largometraje y Joseph Schenck le ofreció su productora para realizar sus propias películas como protagonista. Paradójicamente, en aquella época fue cuando Fatty dejó prácticamente de hacer cine entre otras cosas por el escándalo que se produjo, en el año 1921, cuando fue acusado de la violación y muerte de la actriz Virginia Rappe

Entre los años 1921 y 1923, Keaton rodó un largometraje, Pasión y boda de Pamplinas (The Saphead), y 19 cortos. Cuando cambió de productor, rodó, entre los años 1923 y 1928 otros 10 largometrajes. Durante esta época, tuvo absoluto control de todas sus películas, aunque pidiera las cosas más extrañas para rodarlas, como una antigua locomotora o un transatlántico, aunque él personalmente no tuvo ni una acción de la productora que permitía hacer todas estas películas. Después, no volvería a controlar el aspecto creativo de sus propias películas.

Buster Keaton comenzó a protagonizar una serie de comedias que lo catapultaron a la fama, incluyendo Una semana, La mudanza, La casa eléctrica y El gran espectáculo. Alcanzó la cima de su creatividad durante los años 1920. Su éxito inicial lo hizo uno de los comediantes más famosos del mundo. Su popularidad fue opacada solamente por el arrollador éxito de Harold Lloyd y Charlie Chaplin, aunque mantuvo una relación cordial con ambos al igual que con algunos de los actores más famosos de la época, como Douglas Fairbanks o Rodolfo Valentino.

Fue en esta época cuando modeló su personaje, un joven tragicómico, que se enfrenta a las desgracias con una absoluta inexpresividad, que hizo que le bautizaran como "
cara de palo"
. Para darle expresión a su personaje, utilizaba las acrobacias, para las que no usaba ningún doble ni especialista. Todas las proezas que realizó en El maquinista de la general, o en El héroe de río, son suyas. En El rostro pálido, llegó a saltar desde una altura de 24 metros, y en la película El moderno Sherlock Holmes, se rompió el cuello en una escena de riesgo.

Sus películas más famosas y populares de esta primera época, son las consideradas como las mejores de toda su carrera, e incluyen Las tres edades (1923), La ley de la hospitalidad (1923), El navegante (1924), El héroe del río (1928), El maquinista de la General (1927), El moderno Sherlock Holmes (1924) o Las siete ocasiones (1925)
En una ocasión, le dijeron a Keaton que ésta película reflejaba mejor la Guerra de Secesión norteamericana que Lo que el viento se llevó, a lo que él respondió que "
mientras unos recurren a las novelas para encontrar argumentos, otros recurren a la Historia"
. Estaba basada en un hecho "
real"
autobiográfico del novelista William Pittenger, que trataba sobre el secuestro de un tren Confederado por parte de soldados de la Unión. Lo que hizo Keaton fue cambiar el punto de vista, ya que el protagonista es un soldado sureño, es decir, los "
malos"
para el gran público de Hollywood. A lo largo de toda la película, no da la sensación de ser un vehículo para los gags, como pasa en muchos películas de la época, sino que todo está perfectamente ensamblado. Fue rodada en los bosques de Oregón, y al poner en marcha las locomotoras con leña, provocaron un incendio forestal durante el rodaje. Fue todo un hito en efectos especiales la escena en que la locomotora cae desde un puente por un barranco. La película resulta una reivindicación de lo que es capaz de hacer un hombre solo, pequeño, y en apariencia débil, por recuperar las dos cosas que más desea en este mundo, su locomotora, y la mujer a la que ama. El maquinista de la General considerada hoy día como una obra maestra, pero en el momento de su estreno fue un fracaso comercial.

La unidad de producción de Keaton fue adquirida por MGM en 1928, una decisión de negocios que Keaton lamentaría por siempre. Le obligaron a realizar una serie de películas junto a Jimmy Durante, que tuvieron éxito, pero que él despreciaba por considerarlas de muy baja calidad. Tras ser forzado a entrar en el sistema de estudio, al cual nunca se adaptó, Keaton cayó en el alcoholismo. Su carrera se derrumbó en unos pocos años y pasó gran parte de la década de 1930 oculto, trabajando como escritor de gags para varias películas de MGM, particularmente aquellas de los Hermanos Marx -incluyendo Una noche en la ópera (1935) y Una tarde en el circo (1939)- y varias películas de Red Skelton.

Las películas El crepúsculo de los Dioses (1950), de Billy Wilder, con un pequeñísimo papel en el que hacía de antigua gloria del cine, y Candilejas, (1952), de Chaplin, hicieron que el gran público volviera a fijarse otra vez en él. Posteriormente, se dedicó a hacer anuncios de televisión, espectáculos en directo, que hizo que la gente se interesara en las antiguas películas, en su mayoría obras maestras, que fueron prácticamente ignoradas cuando se estrenaron. Su última aparición en público, fue, en el año 1965, en el Festival de Venecia, cuando presentó la que sería su última película, Film, de Alan Schneider. En esta ocasión, por primera vez en su vida, protagonizó un drama. Fue ovacionado por el público. Cinco meses después, a los 70 años, fallecía en su casa de Los Ángeles. Otra presentación memorable en una película es cuando comparte roles con Cantinflas en la película "
La vuelta al mundo en 80 días"
, en donde hace el papel del jefe del tren (en claro homenaje a su recordada película)