ACTORES Y ACTRICES DE TODOS LOS TIEMPOS

Eva Le Gallienne




Eva Le Gallienne (11 de enero de 1899 – 3 de junio de 1991), fue una actriz y productora y directora teatral.
Eva Le Gallienne nació en Londres. Su padre fue Richard Le Gallienne, poeta inglés de ascendencia francesa y su madre Julie Norregard, periodista feminista danesa. Los padres de Eva se divorciaron cunado tenía tres años, por lo que pasó su infancia a caballo entre París e Inglaterra. Debutó en el teatro a los 15 años en una producción de 1914 de Maurice Maeterlinck, Monna Vanna.

Al año siguiente viajó a Nueva York, y después a Arizona y California, donde trabajó en varias producciones teatrales. Tras viajar por Europe durante un tiempo, volvió a Nueva York y se convirtió en una estrella del teatro de Broadway gracias a varias obras, incluyendo Not So Long Ago (1920), de Arthur Richman, y Liliom (1921), de Ferenc Molnár.

Desilusionada por la situación del teatro comercial en los años veinte, Eva fundó el "
Civic Repertory Theatre"
en Nueva York, con apoyo financiero de una de sus amantes, Alice DeLamar, una rica heredera de minas de oro natural de Colorado, cuya ayuda fue decisiva en el éxito del movimiento teatral de repertorio en los Estados Unidos. En 1928 compuso la actuación de su vida en Hedda Gabler, obra de Henrik Ibsen, en la cual demostró poseer un gran talento. El "
Civic Repertory Theatre"
desapareció durante la Gran Depresión en 1935.

Eva nunca ocultó su homosexualidad dentro de la comunidad de actores, aunque se dijo que no se encontraba a gusto con su sexualidad, luchando en privado con ella. En la antigua Hollywood y en los círculos interpretativos, el lesbianismo era común y, aunque generalmente no se divulgaba al público, se aceptaba en bambalinas. En 1918, encontrándose en Hollywood, inició una aventura amorosa con la gran actriz Alla Nazimova, la cual finalizó probablemente por celos de esta última. Más tarde, sobre el año 1920, se relacionó con la escritora Mercedes de Acosta. También tuvo relaciones durante un tiempo con la actriz Tallulah Bankhead. Su única relación heterosexual conocida fue con el actor Basil Rathbone.

Ella y Acosta empezaron su relación de cinco años poco después de la boda de Acosta con Abram Poole, también homosexual. Viajaron a menudo juntas, y en ocasiones visitaban el salón de la afamada escritora y personaje de la alta sociedad Natalie Barney. De Acosta escribió dos obras para Eva durante ese tiempo, Sandro Botticelli y Jehanne de Arc. Ninguna tuvo éxito, y la combinación de las pérdidas económicas y la naturaleza celosa y posesiva de Acosta acabaron por romper la relación.

A principios de 1927, Eva tuvo una aventura con la actriz Josephine Hutchinson, que estaba casada. La prensa empezó a acusar a Josephine Hutchinson de lesbianismo. Poco tiempo después, Le Gallienne actuó en la atrevida obra sobre Emily Dickinson titulada Alisons House. La obra ganó el Premio Pulitzer.

Durante un tiempo tras el escándalo Hutchinson, Le Gallienne se dio a la bebida. Según su biógrafo Richard Schanke, la ansiedad de Le Gallienne por su lesbianismo se acrecentó. Una noche, borracha, fue a la casa de una vecina. Durante la conversación que mantuvieron, dijo a su vecina "
si alguna vez has pensado ser lesbiana, no lo hagas. Tu vida no será otra cosa que una tragedia.

Otra biógrafa, Helen Sheehy, ha rechazado el retrato de Shanke sobre la actriz como una lesbiana insatisfecha con su situación. Sheehy indica las palabras de aliento de Le Gallienne a su amiga May Sarton, también lesbiana: "
La gente odia lo que no comprende e intenta destruirlo. Mantente firme y no permitas que una fuerza destructiva eche a perder algo que para ti es simple, natural, y hermoso"
. De manera similar, Le Gallienne le dijo a su amiga Eloise Armen, heterosexual, que el amor entre mujeres era "
la cosa más hermosa del mundo."


Eva Le Gallienne protagonizó a Peter Pan en un reestreno que se presentó el 6 de noviembre de 1928, y caracterizó al personaje pleno de ímpetu y gracia masculina. Los efectos voladores fueron diseñados de un modo soberbio, y por primera vez Meter Pan voló por encima de los espectadores. La crítica aplaudió a 'LeG', como llegó a ser conocida, y muchos la compararon favorablemente con la gran actriz Maude Adams, que había interpretado antes al personaje. El Civic Repertory Theatre presentó Peter Pan un total de 129 veces.

En 1929, tras el gran crack de la bolsa, Eva salió en la portada del TIME. Durante la Gran Depresión que siguió, el Presidente Franklin Delano Roosevelt le ofreció la dirección del National Theater Division of the Works Progress Administration. Declinó el cargo, aduciendo que prefería trabajar con "
talento verdadero"
antes que conseguir trabajos para la supervivencia de los actores.

En los años treinta Le Gallienne tuvo una relación sentimental con la directora teatral Margaret Webster. Ella, Webster, y la productora teatral Cheryl Crawford, posteriormente fundaron el American Repertory Theater, el cual operó desde 1946 a 1948.

En los años siguientes vivió con su compañera Marion Evensen. En la década de 1950 consiguió un gran éxito representando a una maravillosa Isabel I de Inglaterra en María Estuardo, una producción ajena a Broadway. En 1960, la escritota Mercedes de Acosta publicó un controvertido libro, Here Lies the Heart, documentando y exponiendo al público los detalles de sus numerosas aventuras amorosas con muchas de las actrices y personalidades femeninas de Hollywood.En 1964 Le Gallienne fue galardonada con un Premio Tony especial en reconocimiento a sus cincuenta años de carrera artística y por su trabajo para el National Repertory Theatre.

Aunque conocida fundamentalmente por su trabajo para el teatro, también apareció en películas y en producciones televisivas. Ganó una nominación a los Oscar por su interpretación en Resurrección (1980), siendo la más vieja nominada al Oscar hasta la fecha (1980). Y también ganó un Emmy por una versión televisiva de The Royal Family, tras haber protagonizado en un teatro de Broadway una reposición de esa obra en 1976.

Tuvo una rara aparición como estrella invitada en un episodio de la serie St. Elsewhere en 1984, apareciendo junto a Brenda Vaccaro y Blythe Danner en unas escenas de tres mujeres compartiendo la habitación de un hospital.

Eva se convirtió en ciudadana estadounidense. El National Endowment for the Arts le concedió la National Medal of Arts en 1986.

Falleció en su domicilio de Connecticut por causas naturales a los 92 años de edad.

Humphrey Bogart




Bogart fue el mayor de los tres hijos del matrimonio formado por Belmont De Forest, médico cirujano, y Maude Humphrey, artista gráfica. Estudió en la Escuela Trinity, y más tarde en la Academia Philips de Massachusetts, donde conoció a su amigo William Brady, hijo del productor de teatro William A. Brady, quien le estimuló a cultivar sus cualidades para la interpretación teatral. En un principio Bogart tenía pensado estudiar medicina en la Universidad de Yale, sin embargo, estos planes se vieron truncados al ser expulsado por su comportamiento rebelde.

A continuación se alistó en la Marina para combatir en la Primera Guerra Mundial, y fue destinado como marinero al buque S.S. Leviathan. En 1918 el barco fue atacado por submarinos y un torpedo lo alcanzó sin lograr hundirlo. Un fragmento astillado de madera saltó y le rasgó la boca, afectando para siempre su forma de hablar.

De regreso a su vida civil fue contratado como administrador en la compañía cinematográfica y de teatro World Film Corporation, de William A. Brady, el padre de su amigo.

Su manera de hablar y su aspecto físico, que no se correspondía con el del clásico galán de la época, dificultaron sus inicios en su carrera como actor. Desde 1922, cuando hizo su primera aparición en el escenario en la obra The Ruined Lady de la compañía World Film Corporation, hasta 1935, sólo hizo pequeñas intervenciones en escenarios y en algunas películas.

Entre los papeles secundarios que Bogart realizó hay que destacar su aparición en Tres vidas de mujer (1932), película que tuvo una gran repercusión en su carrera ya que contribuyó a sacarle del anonimato. El actor Leslie Howard, cabeza de reparto en El bosque petrificado, exigió a la Warner Brothers la participación de Bogart en el papel de Duke Mantee. Así, en 1936, el enorme éxito que tuvo El bosque petrificado supuso el comienzo de una carrera sólida para el actor. Su consagración llegó en 1941 con El último refugio, dirigida por Raoul Walsh. Su trabajo fue reconocido por la Academia de Cine americana cuando en 1951 Bogart obtuvo el Oscar al mejor actor por su interpretación en La Reina de África, coprotagonizada por Katharine Hepburn.

Bogart estuvo casado cuatro veces. Su primera esposa fue la veterana actriz Helen Menken, con quien se casó en 1926, y de la que se divorció tan sólo un año y medio después. En 1928 se casó de nuevo con otra actriz, Mary Phillips, divorciándose en 1938. Apenas cinco días más tarde volvió a casarse, esta vez con Mayo Methot, también actriz, con la que estuvo casado durante siete años. Sin embargo, todavía contraería matrimonio una cuarta vez, el 21 de mayo de 1945, con su compañera de reparto en Tener y no tener, Lauren Bacall. Con ella protagonizaría varias destacadas películas de su filmografía, como El sueño eterno, La senda tenebrosa o Cayo Largo y con la que tuvo dos hijos: Stephen en 1949 y Leslie en 1952. Hasta la muerte de Bogart la pareja permaneció muy unida, y constituyó uno de los matrimonios más carismáticos del mundo del cine.

Bogart murió en 1957 en Hollywood (California), víctima de un cáncer de esófago.

Gary Cooper

Gary Cooper, Jean Arthur, Frank Capra


Frank James Cooper (n. 7 de mayo de 1901 - m. 13 de mayo de 1961), conocido como Gary Cooper, fue un actor estadounidense de ascendencia inglesa ganador del premio Oscar en dos ocasiones.

Hijo de un emigrante inglés que llegó a ser juez de la Corte Suprema del Estado de Montana, trabajaba con sus padres en el rancho de su propiedad mientras acudía a la escuela. Más tarde, entra en el Wesleyan College, de Bozeman, para estudiar técnico agrícola, y en la Universidad de Grinnell (estado de Iowa), donde estudia arte. Sufre un accidente automovilístico que le afecta a la cadera. En aquella época aspiraba a ser caricaturista político y asistir a la Escuela de Arte de Chicago.

Abandona sus estudios y se traslada a Hollywood, donde, en 1925, debuta con La hora maldita ("
The Thundering Herd"
), rueda algunos cortos, y posteriormente actúa como actor secundario en varios westerns. Trabaja para la Paramount, adoptando el nombre de Gary Cooper.

En 1926 es contratado por la Metro-Goldwyn-Mayer y consigue su primer papel importante en Flor del desierto ("
The Winning of Barbara Worth"
) dirigido por Henry King, lo que le convierte en uno de los actores más populares de Hollywood. En 1929, protagoniza El virginiano ("
The Virginian"
), dirigida por Victor Fleming, pasando a ser una de las primeras estrellas del cine sonoro.

El romance que mantiene con Clara Bow supone el empujón definitivo a su carrera artística. En 1936, se coloca entre los actores más taquilleros, tras el éxito de Tres lanceros bengalíes ("
The Lives of a Bengal Lancer"
). En 1944 funda su propia productora, Internacional Pictures Inc., con la que produce y protagoniza Casanova Brown ("
Casanova Brown"
) y El caballero del oeste ("
Along came Jones"
).

Su gran popularidad se basaba en su estilo sobrio y natural a la hora de actuar. Era alto y desgarbado, encarnando mejor que nadie al "
americano ideal"
, hombre íntegro y caballeroso.

Mantuvo una buena amistad con Picasso y con Ernest Hemingway, con quién coincidió en el rodaje de Adiós a las armas.

Fue miembro de la asociación anticomunista de actores Motion Picture Alliance for the Preservation of American Ideals. Y a pesar de tener ideas conservadoras evitó delatar a sus compañeros de profesión durante la famosa Caza de brujas.

Aunque tuvo muchos romances, sólo se casó una vez, con la actriz Verónica Balfe. En especial, mantuvo una fuerte relación sentimental con la actriz Patricia Neal, desde que rodaron juntos El manantial ("
The Fountainhead"
), en 1949, idilio que finalizó tras protagonizar la pareja la película El rey del tabaco ("
Bright Leaf"
, 1950), dado que la mujer del actor se negó a concederle el divorcio.

En su impresionante carrera rodó a las órdenes de los mejores directores de cada época: Clarence Brown, Frank Lloyd, Josef von Sternberg, Henry King, William A. Wellman, Frank Borzage, Lewis Milestone, Victor Fleming, Rouben Mamoulian, Ernst Lubitsch, Norman Z. McLeod, Stephen Roberts, Richard Boleslawski, Henry Hathaway, King Vidor, Frank Capra, Cecil B. De Mille, William Wyler, Howard Hawks, Sam Wood, Raoul Walsh, Michael Curtiz, Fred Zinnemann, Robert Aldrich, Billy Wilder, Anthony Mann, Delmer Daves o Robert Rossen.

También trabajó junto a algunas de las actrices estadounidenses más fascinantes del momento: Vilma Bánky, Clara Bow, Nancy Carroll, Gloria Swanson, Lupe Vélez (con la que tuvo un sonado romance), Marlene Dietrich, Sylvia Sidney, Fay Wray, Carole Lombard, Helen Hayes, Claudette Colbert, Joan Crawford, Jean Harlow, Jean Parker, Ida Lupino, Barbara Stanwyck, Jean Arthur, Joan Bennett, Merle Oberon, Susan Hayward, Teresa Wright, Ingrid Bergman, Lilli Palmer, Paulette Goddard, Patricia Neal, Ruth Roman, Grace Kelly, Audrey Hepburn, Dorothy McGuire, Maria Schell o Rita Hayworth.

Murió el 13 de mayo de 1961, días después de cumplir los 60 años, víctima de un cáncer.

Obtuvo tres Oscars de la Academia de Artes y Ciencias cinematográficas de Hollywood.

En 1941 por su actuación en Sargento York ("
Sergeant York"
), de Howard Hawks.
En 1952 por la película Solo ante el peligro ("
High noon"
), de Fred Zinnemann.
El tercero en 1960, de carácter honorífico, por sus muchas y memorables interpretaciones y por su aportación a la industria del cine.

Fue nominado en otras tres ocasiones:

1º En 1936, por El secreto de vivir ("
Mr. Deeds Goes to Town"
), de Frank Capra.
2º En 1942, por El orgullo de los Yankis (The pride of the yankees), de Sam Wood.
3º En 1943, por Por quién doblan las campanas (For whom the bell tolls), también de Sam Wood, basado en el libro homónimo de Ernest Hemingway.

Entre el resto de su filmografía cabe destacar sus interpretaciones en Adiós a las armas (1932), Por quién doblan las campanas (1943), Los inconquistables (1947), Tambores lejanos (1951) y Veracruz (1954), en la que actuó junto a Sara Montiel

Sylvia Sidney




Sylvia Sidney (8 de agosto de 1910 - 1 de julio de 1999) fue una actriz estadounidense nominada a los Premios Oscar y ganadora de un Globo de Oro.

Su verdadero nombre era Sophia Kosow, y era hija única. Nació en el Bronx, Nueva York. Su madre era Rebecca, una judía rumana, y su padre era Victor Kosow, un inmigrante judío ruso inmigrante. Sidney se hizo actriz a los 15 años como una manera de superar su gran timidez, usando el apellido de su padrastro como nombre profesional. Como estudiante de la Theater Guild's School for Acting, Sidney apareció en varias de sus producciones a lo largo de los años veinte, y consiguió críticas teatrales elogiosas. En 1926 fue descubierta por un cazatalentos de Hollywood, y debutó en el cine ese mismo año.

Durante la Depresión, Sidney intervino en numerosas películas, a menudo en el papel de la amiga o la hermana de un gangster. Trabajó junto a estrellas de la categoría de Spencer Tracy, Henry Fonda, Joel McCrea, Fredric March, George Raft (un compañero frecuente en sus películas), y Cary Grant. Entre sus películas de este período pueden mencionarse: An American Tragedy, City Streets y Street Scene, todas de 1931;
Sabotage (Sabotaje), de Alfred Hitchcock, y Furia, de Fritz Lang, ambas de 1936;
You Only Live Once (Solo se vive una vez) y Dead End (Callejón sin salida), las dos de 1937.

Su carrera disminuyó algo durante los años cuarenta. En 1952, hizo el papel de Fantine en Les Misérables (Los miserables)]], registro que fue muy alabado y que le dio la oportunidad de desarrollarse como una actriz de carácter. Recibió una nominación al Oscar a la mejor actriz de reparto por su papel en Summer Wishes, Winter Dreams (Deseos de verano, Sueños de Invierno) (1973), premio que se llevó la actriz de 10 años Tatum O'Neal.

Ya mayor siguió interpretando papeles secundarios, y era identificable por su voz ronca, resultado de su tabaquismo. Fue la formidable Miss Coral en la versión filmada de I Never Promised You a Rose Garden (Nunca te prometí un jardín de rosas). Interpretó a la abuela de Aidan Quinn en la producción televisiva An Early Frost, por la cual ganó un Globo de Oro. También tuvo papeles importantes en Beetlejuice (dirigida por Tim Burton, fan de Sidney) y en Used People (Romance otoñal) (junto a Jessica Tandy, Marcello Mastroianni, Marcia Gay Harden, Kathy Bates y Shirley MacLaine). También trabajó en Damien Omen 2 (La profecía II).

Su última interpretación fue en otra película de Burton, Mars Attacks!, en la cual interpretaba a una anciana senil cuya música (de Slim Whitman) frena una invasión alienígena de Marte.

En televisión, interpretó a la imperiosa madre de Gordon Jump en el episodio piloto de WKRP in Cincinnati, a la agitada abuela de Melanie Mayron en la serie Treintaytantos y, finalmente, a la malhumorada agente de viajes de la reposición de 1998 de la serie Fantasy Island, con Malcolm McDowell, Fyvush Finkel y Madchen Amick.

Sidney estuvo casada tres veces: con Bennett Cerf de 1935 a 1936;
con el actor Luther Adler desde 1938 hasta 1947, y con el que tuvo su único hijo, Jacob, que falleció antes que ella;
y finalmente estuvo casada con el productor de radio Carlton Alsop desde 1947 hasta 1951. Falleció por un cáncer de garganta en Nueva York a los 88 años, tras una carrera de más de 70 años.

Sidney tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por su contribución la cine en el 6245 de Hollywood Boulevard.

Dorothy McGuire




Dorothy Hackett McGuire (14 de junio de 1916 – 13 de septiembre de 2001) fue una actriz cinematográfica estadounidense nominada al Oscar.

Nacida en Omaha, Nebraska, empezó su carrera interpretativa participando en numerosas producciones teatrales veraniegas. Finalmente le llegó el éxito en Broadway – su primera actuación fue supliendo a Martha Scott en Our Town, y posteriormente trabajó en la comedia, Claudia.

Llevada a Hollywood por el productor David O. Selznick gracias a la fuerza de su trabajo teatral, McGuire trabajó en su primera película, una adaptación al cine de su éxito en Broadway, Claudia, en la que interpretaba a una joven novia que casi destruye su matrimonio por culpa de su egoísmo. Esta primera actuación en la gran pantalla tuvo buena aceptación, tanto por el público como por la crítica, y motivó no solo una secuela, Claudia and David (ambas junto a Robert Young), sino también otros varios papeles.

McGuire tuvo una larga carrera en Hollywood. Su versatilidad le facilitó trabajar tanto en tensos melodramas, tales como The Spiral Staircase (La escalera de caracol) y Make Haste to Live (Pasado tenebroso), como en comedias alegres tales como Mother Didn't Tell Me y Mister 880 (El caso 880). En 1943, a los 27 años, ya interpretaba papeles de madre en películas como A Tree Grows In Brooklyn (Lazos humanos). Fue nominada al Oscar a la mejor actriz en 1947 por Gentleman's Agreement. Otras películas notables incluyen Three Coins in the Fountain (Creemos en el amor), Friendly Persuasion (La gran prueba), Old Yeller (Fiel amigo), Swiss Family Robinson (Los robinsones de los mares del sur), y La historia más grande jamás contada.

Estuvo casada con el fotógrafo John Swope. Tuvo dos hijos, uno de ellos es la actriz Topo Swope. Dorothy McGuire falleció por una enfermedad cardiaca en Santa Monica, California, en 2001, a los 85 años de edad.

McGuire tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 6933 de Hollywood Boulevard.

Warren Beatty




Henry Warren Beaty (n. 30 de marzo de 1937), actor, productor, guionista y director de cine estadounidense.

Sus películas más interesantes constituyen una aguda reflexión sobre los valores de la sociedad de su país.

Hermano menor de la actriz Shirley MacLaine, nació en Richmond (Virginia). Después de abandonar la Universidad Northwestern, estudió interpretación con Stella Adler en Nueva York. Trabajó en el teatro y la televisión hasta que debutó en el cine —ya como protagonista— con Esplendor en la hierba (1961, de Elia Kazan). Entre sus primeras películas sobresalen Su propio infierno (1962, de John Frankenheimer) y Acosado (1965, de Arthur Penn). En 1967 se hizo famoso con Bonnie and Clyde, también de Penn, interpretación que le valió su primera nominación al Oscar. Sus mejores trabajos en esos años fueron en los largometrajes Los vividores (1971, de Robert Altman) y El último testigo (1974, de Alan J. Pakula), tras lo cual intentó asumir el control creativo de sus películas. Un ejemplo de ello fueron Shampoo (1975, de Hal Ashby), la comedia El cielo puede esperar (1978), nominada a nueve premios Oscar, y Rojos (1981), ambas dirigidas por él mismo. Esta última es una recreación histórica de la vida del periodista John Reed por la que ganó un Oscar a la mejor dirección y el aplauso de la crítica. Hasta su matrimonio con la actriz Annette Bening, Beatty había tenido la reputación de ser el amante y el soltero más codiciado de Hollywood.

Durante las décadas de 1980 y 1990 ha desarrollado proyectos para otros directores, como el fracaso crítico y comercial Ishtar (1987, dirigida por Elaine May) o la adaptación del cómic Dick Tracy (1990), en la que también intervino junto a la cantante Madonna. En 1991 protagonizó junto a Annette Bening Bugsy, de Barry Levinson, retrato de un gángster de Hollywood que obtuvo varias nominaciones al Oscar. Más tarde trabajó de nuevo con Bening en Un asunto de amor (1994, de Glenn Gordon Caron), nueva versión de la producción de 1939 Tú y yo, de Leo McCarey. De 1998 es Bulworth, una sátira política dirigida y protagonizada por él mismo.

Lee Remick




Lee Remick (14 de diciembre de 1935 - 2 de julio de 1991) fue una actriz estadounidense. Nació en Quincy, población cercana a Boston, en el estado de Massachusetts. Sus padres se divorciaron cuando tenía aún pocos años y fue a vivir con su madre a Nueva York. En el colegio ya tomó clases de actuación y después estudió interpretación en el Barnard College y en el famoso Actor's Studio. Terminados sus estudios comenzó a trabajar en el teatro y también en televisión.

En 1957 consiguió su primer papel en el cine, en la película A Face in the Crowd, de Elia Kazan. Dos años después se convirtió en estrella a raíz de su papel de protagonista junto a James Stewart en Anatomía de un asesinato, de Otto Preminger. En 1962 obtuvo una nominación al Oscar como mejor actriz principal por su papel de esposa que es empujada por su marido hacia el alcoholismo en Días de vino y rosas, un film de Blake Edwards con Jack Lemmon en el papel de co-protagonista.

Después de participar en otras películas de cine y también de televisión, en 1970 Remick se fue a vivir a Inglaterra, donde hizo varias películas. En 1976 es de especial recordación su papel como la esposa del personaje interpretado por Gregory Peck en el popular y clásico film de terror La Profecía.

Ya de regreso en los Estado Unidos, formó en 1988 una propia compañía productora con dos socios, uno de los cuales fue el conocido actor James Garner. En los últimos años se dedicó sobre todo a la pequeña pantalla, para la que hizo películas y mini-series. Más de la mitad de los filmes en los que intervino a lo largo de su carrera eran para la televisión, medio en el que fue una actriz especialmente popular y apreciada.

Remick estuvo casada en dos ocasiones. La primera durante once años, tras los cuales el matrimonio se divorció. La segunda durante 21 años. De su primer matrimonio Remick tenía dos hijos. Falleció en Los Ángeles a los 55 años de edad, de un cáncer de hígado y de riñón.

Gregory Peck



Eldred Gregory Peck (n. 5 de abril de 1916 - m. 12 de junio de 2003), conocido como Gregory Peck, fue un actor estadounidense ganador del premio Oscar.

Eldred Gregory Peck nació en San Diego (California) en medio de la comunidad de La Jolla, hijo de Gregory Pearl Peck, un farmacéutico de ascendencia anglo-irlandesa y Bernice Mae Ayres, de ascendencia escocesa. El padre de Peck era católico y su madre se convirtió al catolicismo después de casarse. A pesar de ese estricta vida centrada en el catolicismo, sus padres se divorciaron cuando él era aún muy niño y su infancia transcurrió en compañía de su abuela, una gran aficionada al cine. De padre farmacéutico, se propuso estudiar Medicina, pero abandonó la idea en la Universidad de Berkeley, cuando descubrió su vocación por la interpretación en el grupo de teatro de la facultad. Fue a actuar y a estudiar interpretación a Nueva York, en la famosa Neighborhood Playhouse. En 1941 debutó en el teatro, en Broadway, con obras como The morning star o The Willow and I.

En 1944 abandonó los escenarios para centrar su carrera en el cine. Su debut cinematográfico se produjo con "
Days of Glory"
(1944), película dirigida por el director francés Jacques Tourneur. El éxito le llegó con con su segunda película, "
Las llaves del reino"
(1944), de John M. Stahl, por la cual fue nominado al Oscar por primera vez. En 1945, Alfred Hitchcock le confió el papel protagonista de Recuerda, coprotagonizada por Ingrid Bergman, y dos años más tarde conmovió a los espectadores en la apasionada y trágica escena final de Duelo al sol de King Vidor, (1947), con Jennifer Jones. Actor de recursos limitados, pero sobrio y eficaz, intervino en westerns, comedias, películas bélicas, costumbristas, etc. Algunos de los títulos de los filmes que interpretó son: La barrera invisible (1947);
Cielo amarillo (1948);
El mundo en sus manos (1952);
Vacaciones en Roma (1953);
Horizontes de grandeza (1958);
La hora final, El cabo del terror (1962);
Matar un ruiseñor (1962), por la que ganó un Óscar;
Arabesco (1966);
El oro de Mackenna (1969);
Yo vigilo el camino (1970), La profecía, Los niños del Brasil (1978) y The Scarlet and the Black (1983). Una de sus más logradas interpretaciones fue la del capitán Akhab en Moby Dick, dirigida por John Huston en 1956. Se mantuvo como estrella de Hollywood de los años cuarenta, cincuenta y sesenta, iniciando su declive artístico en los setenta. Sin embargo, es uno de los pocos mitos clásicos de Hollywood que se ha mantenido en activo hasta finales del siglo XX.


Fue nominado para el Oscar por Las llaves del reino (1944) de John M. Stahl, El despertar (1946) de Clarence Brown, La barrera invisible (1947) de Elia Kazan y Almas en la hoguera (1949) de Henry King, pero no consiguió la preciada estatuilla hasta Matar un ruiseñor, de Robert Mulligan, en 1962. También recibió el Premio Donostia a toda su carrera en el Festival de cine de San Sebastián.

En 1942 contrajo matrimonio con Greta Rice, de la que terminó divorciándose en 1955 para contraer segundas nupcias con la periodista francesa Veronique Passani.

En sus últimos años estuvo muy vinculado a la vida cultural de Los Angeles, al frente de uno de los programas de la biblioteca de esta ciudad para promocionar la lectura. Peck estuvo al frente de numerosas obras de caridad y movimientos políticos. Presidió la Sociedad Americana del Cáncer, el Instituto Americano del Cine y la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood

Shirley MacLaine



Shirley MacLean Beaty (n. 24 de abril de 1934), conocida como Shirley MacLaine, es una actriz estadounidense de cine y teatro ganadora de los premios Oscar y Globo de Oro. Aparte de sus interpretaciones, se le conoce también por su devoción en la creencia de la reencarnación. También ha escrito numerosas obras autobiográficas, la mayoría de las cuales tratan sobre sus creencias new age como el solipsismo así como su carrera en Hollywood. Es la hermana mayor de Warren Beatty.

Llamada en honor de Shirley Temple, MacLaine nació en Richmond (Virginia) de padre estadounidense de origen inglés y madre canadiense de origen irlandés y escocés. Su familia seguía la creencia bautista. MacLaine creció en Waverly (Virginia), se graduó en educación secundaria y se trasladó a Nueva York para vivir su sueño de ser actriz de Broadway.

Su primer sueño de la infancia era ser una bailarina. Acudió a clases de ballet fervorosamente durante toda su juventud;
no faltó a ninguna. Siempre que representaban una pieza, ella interpretaba el papel de chico, debido a que era la más alta del grupo. Estaba tan decidida y tan empeñada en ser bailarina que su pesadilla recurrente durante la infancia era que perdía el bus hacia la clase.

Finalmente consiguió interpretar el papel de hada madrina en Cenicienta y mientras calentaba entre bastidores, se rompió su tobillo. Muchos se retirarían en esta particular situación, pero ella estaba tan decidida que simplemente se ató fuertemente sus lazos de los tobillos a sus zapatos de punta descubierta y continuó con el espectáculo. Después de acabar, llamó a una ambulancia.

Finalmente, MacLaine decidió que el ballet profesional no era para ella. Dijo que no tenía realmente el tipo adecuado de cuerpo y que no quería privarse de la comida. Tampoco sus pies eran suficientemente buenos (no tenía el empeine y el arco muy altos), ni era «una belleza exquisita». En este punto, decidió cambiar de objetivo y centrarse en el teatro.

Consiguió su meta cuando se convirtió en actriz suplente de Carol Haney en The Pajama Game;
Haney se rompió su tobillo, y MacLaine le reemplazó.

Unos pocos meses después, con Haney aún fuera de servicio, el director-productor Hal B. Wallis, que estaba entre el público, tomó nota de MacLaine, y la contrató para que fuera a Hollywood a trabajar para Paramount Pictures.

Más tarde, Shirley demandaría a Wallis sobre una disputa contractual, un pleito que se cree que ayudó a erradicar el antiguo estilo de gestión de actores por parte de los estudios.

Su primera película fue Pero...¿Quién Mató A Harry?, de Alfred Hitchcock, en 1955. Su carrera en el cine está ahora en su quinta década;
al no haber basado su éxito en la belleza, MacLaine ha podido prolongar su actividad sin sufrir el trastorno que supone envejecer.

MacLaine fue nominada al Premio Oscar a la mejor actriz cinco veces: en 1958 por Some Came Running, en 1960 por El apartamento, en 1963 por Irma la dulce, en 1977 por Paso decisivo y en 1983 por La fuerza del cariño (Terms of Endearment), película con la que finalmente ganó. En 1975, también recibió una nominación por el mejor documental corto por su documental The Other Half of the Sky: A China Memoir.

Recientemente apareció como la abuela maternal de Cameron Diaz y Toni Collette en En sus zapatos, y actualmente (2008) rueda una coproducción europea, en formato teleserie, encarnando a Coco Chanel.

MacLaine estuvo casada con el hombre de negocios Steve Parker hasta 1982. Tuvieron una hija, Sachi Parker (n. 1956). Shirley se divorció después de saber que Steve le había mentido sobre su infancia en Japón, y que había transferido todo el dinero de ella a la cuenta bancaria de su amante japonesa durante estos años.

En los círculos políticos, MacLaine es conocida por su antigua relación con Andrew Peacock, un antiguo aspirante a Primer Ministro de Australia por el Partido Liberal que más tarde fue nombrado embajador de los Estados Unidos. También tiene una amistad cercana con el diputado de Ohio, Dennis Kucinich, que fue un candidato por los demócratas en las primarias presidenciales de 2004.

Durante algún tiempo, MacLaine expresó su creencia de que era una encarnación de una princesa inca, debido a sus prácticas esotéricas acerca de la reencarnación. También hizo el Camino de Santiago en España, levantando expectación.

MacLaine encontró su camino en muchos libros de casos de la escuela de Derecho cuando demandó a la 20th Century Fox por incumplimiento de un contrato. Ella iba a interpretar un papel en una película titulada, Bloomer Girl, pero la producción fue cancelada.

Twentieth Century-Fox le ofreció un papel en otra película, Big Country, Big Man, para intentar salir de su obligación contractual de pagarle por la película cancelada. El rechazo de MacLaine llevó a una apelación por la Twentieth Century-Fox a la Corte Suprema de California en 1970, donde la Corte dictaminó en contra de ellos. Parker v. Twentieth Century-Fox Film Corp., 474 P.2d 689 (Cal. 1970).

Doris Day




Doris Mary Ann von Kappelhoff, más conocida como Doris Day (Evanston, Ohio, 3 de abril de 1924) es una actriz cantante y defensora de los derechos de los animales, estadounidense. Fue una de las actrices más prolíficas durante los años 50 y 60. Capaz de cantar, bailar e interpretar papeles tanto de comedia como dramáticos, fue una de las grandes estrellas de Hollywood durante mediados del siglo XX.

Day nació con el nombre de Doris Mary Ann von Kappelhoff en Evanston, Ohio, hija de inmigrantes de origen germano. La menor de dos hijos, fue llamada "
Doris"
por la actriz del cine mudo Doris Kenyon. De religión católica,sus padres se divorciaron siendo ella una niña. Posteriormente ella adoptaría las creencias de la Ciencia Cristiana.

Ya desde pequeña Day empezó a bailar ganando un contrato que le permitió, con tan sólo doce años, viajar a Hollywood, California con su compañero, Jerry Doherty. A los 16 años Doris sufrió un accidente automovilístico que le impidió cumplir sus sueños de ser bailarina, por lo que se concentró en el canto y en la actuación. Cantó con las big bands de Barney Rapp, Bob Crosby y Les Brown, antes de crear la suya propia a finales de los años 40. Su nombre profesional se lo sugirió Barney Rapp, quien la convenció de que "
Kappelhoff"
era un nombre difícil y le sugirió "
Day"
por la canción "
Day after Day"
que era parte de su repertorio. A ella nunca le ha gustado el nombre "
Doris Day"
, ya que piensa que suena a nombre de stripper;
sin embargo, su nombre siempre ha estado asociado a una imagen de inocencia.

Junto a Brown, consiguió doce éxitos musicales, entre ellos sus dos primeros números 1: "
Sentimental Journey"
y "
My Dreams Are Getting Better All the Time"
. Ya en solitario, consiguió otros números 1 tales como "
Secret Love"
.

Day actuó en muchas películas, en muchas de la cuales cantaba. Comenzó su carrera cinematográfica en los musicales, comenzando en 1948 con la película "
Romance on the High Seas"
;
en la audición para este papel tuvo que enfrentarse a más de cien actrices, algunas de ellas figuras de la época. A esta película le siguieron otros musicales como "
Starlift"
, "
By the Light of the Silvery Moon"
o "
Tea for Two"
para la Warner. En 1953 interpretó "
Calamity Jane"
cuyo título en castellano fue "
La liga de oro"
, película que ganó el Oscar a la mejor canción original por "
Secret Love"
.

En 1955, recibió algunas de las mejores críticas de su carrera artística por la interpretación de la cantante Ruth Etting en "
Quiéreme o déjame"
, junto a James Cagney. Además de Cagney, Day ha compartido cartel con algunas de estrellas masculinas más importantes de Hollywood, como James Stewart, Cary Grant, David Niven o Clark Gable.

En la película de 1956 de Alfred Hitchcock "
El hombre que sabía demasiado"
, cantaba la canción "
Whatever Will Be (Que Sera, Sera)"
, que ganó el Oscar. Según cuenta Jay Livingston (autor de la canción junto a Ray Evans), Day prefería otra canción de la película, "
We'll Love Again"
, e intentó no grabar la canción "
Que Sera, Sera"
. Cuando los estudios le obligaron a grabarla, cedió, pero después de grabar la escena comentó a un amigo de Livingston, "
Es la última vez que oirás esta canción"
. "
Que Sera, Sera"
se convirtió en la canción identificativa de Day, usado en su película "
No os comáis las margaritas"
y en la canción de cabecera de su programa de televisión. La canción fue versionada por Sly &
the Family Stone en 1973.

En 1959, Day empieza a interpretar papeles en comedias románticas, comenzando con la popular "
Confidencias de medianoche"
junto a su pareja cinematográfica por excelencia y gran amigo, Rock Hudson. La película fue todo un éxito tanto de crítica como en taquilla, y le proporcionó a Day su única candidatura a los Premios Oscar en la categoría de mejor actriz. Day y Hudson hicieron otras dos películas juntos ("
Pijama para dos"
y "
No me mandes flores"
), trabajó junto a Cary Grant en "
Suave como el visón"
en 1962, y junto a James Garner hizo otras dos películas, empezando con la cinta de 1963 "
Su pequeña aventura"
.

A pesar del paso del tiempo y del cambio de gustos del público, Day se quedó estancada en el mismo tipo de películas. La crítica y el público comenzó a cansarse de la películas que interpretaba. Siguiendo los consejos de su tercer marido, Marty Melcher, interpretó "
Capricho"
(1967) junto a Richard Harris, y que según la propia actriz es una de sus peores interpretaciones. También asesorada por su marido, Day rechazó el papel de Mrs. Robinson en "
El graduado"
(papel que fue a parar a manos de Anne Bancroft).

A la muerte de Melcher, Doris descubrió que éste había despilfarrado toda la fortuna de la actriz, dejándola en la quiebra. Doris demandó a Jerry Rosenthal, socio de su marido, por posible estafa, ganándole la demanda y haciéndole pagar una cantidad de 20 millones de dólares.

Además, también descubrió que su difunto marido había firmado un contrato para que la actriz realizará una serie de televisión. Entre 1968 y 1973, protagonizó su propia sitcom, "
The Doris Day Show"
, que tenía como canción de cabecera el tema "
Que Sera, Sera"
. Desde que terminó la serie, ha estado prácticamente retirada del mundo del espectáculo.

Una memorable actuación fue la que hizo al lado de Kirk Douglas en "
A Young Man with a Horn"
, en la cual aparece como villana Lauren Bacall y en la que Jarry James interpreta la trompeta que simulaba tocar Kirk. El filme no tuvo mucho éxito comercial pero es memorable por las interpretaciones de Jamesy las actuaciones de Doris y Kirk.

Doris Day ha estado casada cuatro veces:

1º Con Al Jordan, músico al que conoció en la banda de Barney Rapp, desde marzo de 1941 hasta 1943. Day tenía por entonces 17 años, y su único hijo, Terry, nació de este matrimonio. El músico se suicidó después del divorcio.

2º Con George Weidler, saxofonista, estuvo casada entre marzo de 1946 y mayo de 1949. Weidler fue el que hizo que Day se convirtiera a la Ciencia Cristiana.

3º Con Marty Melcher, se casó el día de su 27 cumpleaños. Este matrimonio duró bastante más que sus dos anteriores. Melcher adoptó a Terry (convirtiéndose en Terry Melcher), y produjo muchas de las películas de la actriz. El matrimonio terminó en abril de 1968 con la muerte de Melcher.

4º Con Barry Comden, desde abril de 1976 hasta 1981. Comden es el único de sus maridos que no estaba relacionado con el mundo del espectáculo.
En noviembre de 2004, su hijo Terry murió debido a complicaciones asociadas a un melanoma. Tenía 62 años


Curiosidades

En 1970, el nombre de Doris Day fue mencionado en la canción Dig it, del LP Let it Be, de Los Beatles

En 1972, el nombre de Doris Day fue incluido en una de las canciones del musical "
Grease"
junto al de Sandra Dee.

En 1985, Day presentó su propio talk show, "
Doris Day's Best Friends"
. El programa saltó a la fama cuando el viejo amigo de la actriz Rock Hudson apareció en su primera emisión. Day se quedó sorprendida por el aspecto demacrado del actor, ya que él siempre había estado en perfectas condiciones físicas. Poco después, se anunció que el actor estaba enfermo de SIDA.

En 1987, fundó la organización "
Doris Day Animal League"
, en la que actualmente dedica la mayor parte de su tiempo.

En 2004 recibió la Medalla Presidencial de la Libertad aunque no acudió a la ceremonia de recepción debido a su miedo a volar. Por esa misma razón, ha rechazado un Oscar Honorífico

James Stewart



James Maitland Stewart (20 de mayo de 1908 – 2 de julio de 1997), popularmente conocido como Jimmy Stewart especialmente en Estados Unidos, fue un acto de cine, teatro y televisión estadounidense ganador del Premio Oscar, famoso por su particular personalidad en la pantalla. Durante el transcurso de su carrera actuó en varias películas consideradas clásicos y fue nominado cinco veces al Premio Oscar, ganando una vez en compentencia y recibiendo uno por su trayectoria. También tuvo una notable carrera militar alcanzando el grado de Brigadier General en la Fuerza aérea de los Estados Unidos.

Nació en Indiana, Pennsylvania cerca de Pittsburgh, inicialmente persiguió una carrera como arquitecto antes de ser atraído por el teatro en la Universidad de Princeton. Sus primeros éxitos vinieron como actor en el teatro de Broadway, antes de realizar su debut en Hollywood en 1935. La carrera de Stewart llegó a tener gran reconocimiento después de sus bien-recividas películas del director Frank Capra, incluyendo su rol que lo nominó al Premio de la Academia en Mr. Smith Goes to Washington. A través de sus siete décadas en Hollywood, Stewart ccultivó una carrera versátil y reconocida en el cine con clásicos tales como The Philadelphia Story, Harvey, It's a Wonderful Life, Rear Window, Rope, y Vertigo. Es el actor más representatico de la lista de AFI's 100 Years... 100 Movies (10th Anniversary Edition). Desde el 2007, 10 de sus películas han sido incluídas en el United States National Film Registry.

Stewart dejó su marca en una amplia gama de géneros de cine, incluyendo comedias screwball, westerns, biográficos, suspense thrillers y películas familiares. Trabajó para numerosos directores reconocidos posteriormente en sus carreras, como Alfred Hitchcock, John Ford, Billy Wilder, Frank Capra y Anthony Mann. Ganço muchos de los honores más grandes de la industria y logró el Premio a la Trayectoria de todas las grandes organizaciones del cine. Falleció en 1997, dejando detrás de si un legado de interpretaciones clásicas, y es considerado uno de los mejores actores de la Época Dorada de Hollywood."
Fue nombrado el tercer Mejor Actor de Todos los Tiempos por la American Film Institute.

James Maitland Stewart nació el 20 de mayo de 1908 en Indiana, Pennsylvania, hijo de Elizabeth Ruth (apellido de soltera: Jackson) y Alexander Maitland Stewart, dueño de una ferretería. Ambos eran presbiterianos y de origen escocés.. Sus ascendientes Jackson participaron el la Revolución estadounidense, la guerra de 1872 y la Guerra civil.El mayor de tres hijos (tuvo dos hermanas menores, Virginia y Mary), esperaban que continuase el negocio de su padre, que había estado en la familia durante tres generaciones.

Su madre era una pianista excelente pero su padre desalentaba a su hijo cuando este quería tomar lecciones. Cuando su padre aceptó un acordeón regalado por un amigo Stewart rápidamente aprendió a tocar el instrumento, lo que seguiría haciendo durante su carrera después de las actuaciones. Al crecer la familia la música continuó teniendo una parte importante en ella.

Fue un joven tímido, Stewart pasó gran parte de su tiempo después del colegio trabajando en el sótano de la casa en modelos de aviones, dibujos mecánicos y química — teniendo en mente el sueño de ser piloto. Pero abandonó sus sueños de convertirse en piloto cuando su padre insistió que en lugar de ir a la Academia Naval ingresara a la Universidad de Princeton. Stewart se matriculó en 1928 como miembro de la Clase de 1932. Antes se había graduado de la preparatoria Mercersburg Academy.

En Mercersburg, Stewart participó activamente en diversas actividades. Jugó en el Equipo de football y el te atletismo. Fue director de arte del anuario KARUX y miembro del club de coro, de música glee, y de la Sociedad Literaria John Marshall. Durante sus primeras vacaciones de verano, Stewart regresó a Indiana Pennsylvania para trabajar como cargador de ladrillos para una compañía de construcción local eb la construcción de carreteras y caminos donde el pintaba las líneas en el camino. En los siguientes dos veranos tomó un trabajo como asistente de un mago profesional. También realizó su primera aparición en teatro en Mercersburg, como Buquet en la obra The Wolves.

En Princeton, Stewart sobresalió estudiando arquitectura, impresionando de tal manera a su profesor con su tesis sobre el diseño de un aeropuerto que se le otorgó una beca para estudios de post-grado, pero gradualmente se sintió atraído por los clubes de drama y música de la escuela, incliyendo el famoso Princeton Triangle Club. Fue miembro de Princeton Charter Club así como un cheerleader. Durante sus tiempos libres se entretenía yendo al cine en la época en que el cine sonoro estaba recién reemplazando al cine mudo.

Sus talentos en la actuación lo llevaron a ser invitado a los University Players, un club de actuación de músicos y "
thespians"
de la Ivy League, con Joshua Logan como director y Margaret Sullavan como la actriz principal. Stewart inmediatamente se sintió atraído por ella, pero Sullavan pronto dejría al grupo para su debut en Broadway en A Modern Virgin. Después de graduarse interpretó pequeños papeles en el verano de 1932 en las producciones en Cape Cod de Players, cuando se unió a la tropa que incluía a Henry Fonda y Sullavan (quienes súbitamente decidieron contraer matrimonio). Stewart se mudó a la Ciudad de Nueva York en el otoño para convertirse en actor, con la esquiva aprobación de su padre, donde compartió un departamento con Henry Fonda, puesto que se había divorciado rápidamente de Sullavan, y con Joshua Logan. En noviembre, Stewart fue contratado para su primer gran producción tatral como un chauffeur en la comedia Goodbye Again en Broadway, teniendo solo dos lineas. The New Yorker destacó, "
El Sr. James Stewart como chauffeur... aparece solo por tres minutos y se va del escenario rodeado de espontáneos aplausos."


TLa obra tuvo un éxito moderado pero la época era complicada. Muchos teatros en Broadway habían sido convertidos en pequeños cines y la depresión estaba llegando a su peor momento. "
Desde 1932 hasta 1934"
, Stewart recordó posteriormente, "
Solo trabajé tres meses. Todas las obras en las que estaba cerraron."
Para 1934, obtuvo roles teatrales con más substancia, incluyendo el exitoso, Page Miss Glory, y su primer rol dramático teatral en Yellow Jack de Sidney Howard, que lo convenció de proseguir en su carrera como actor. Sin embargo, Stewart y Fonda, todavía compañeros de cuarto, estaba luchando.

En el otoño de 1934, el éxito de Fonda en The Farmer Takes a Wife lo llevó a Hollywood. Finalmente, Stewart atrajó el interés del busca talentos de MGM Bill Grady quien vio a Stewart en la noche de estreno de Divided by Three, una première glamorosa que incluía entre el público a luminarias como Irving Berlin y Moss Hart y su amigo Fonda quien había regresado a Nueva York para ver el espectáculo. Con el apoyo de Fonda, Stewart accedió a probarse para la pantalla y firmó un contrato con MGM en abril de 1935, como un actor contratado hasta por siete años con un sueldo de $350 semanales.

Al llegar por tren a Los Angeles, Fonda le dio la bienvenida a Stewart en la estación y lo llevó a su departamento suministrado por el estudio, al lado de Greta Garbo.

Participó en la Segunda Guerra Mundial, lo que le llevó a simbolizar al estadounidense patriota, honorable y severo. Durante el conflicto, en lugar de dedicarse a tareas propagandísticas eligió convertirse en piloto de bombardero. Sus dotes de mando le llevaron a ser uno de los pocos norteamericanos que pasaron de soldado a coronel en menos de cuatro años. Tras la guerra continuó su servicio en la reserva, llegando a ostentar el rango de general de brigada.

En 1949 contrajo matrimonio por primera y única vez con Gloria Hatrick McLean, con la que tuvo cuatro hijos.

Trabajó con los directores más importantes, y su versatilidad como intérprete le permitió abordar muy diversos géneros. Intervino en más de ochenta filmes, siendo recompensado con cinco nominaciones a los Premios Oscar, de las que consiguió dos estatuillas (una como mejor actor, y otra como homenaje por toda su carrera). También fue galardonado con la Copa Volpi del Festival de Cine de Venecia, el Oso de Plata, del Festival de Cine de Berlín, y dos Globos de Oro, entre otros.

Apareció en 92 películas desde los inicios de la carrea de James Stewart en 1935 hasta sus últimos proyectos en el teatro en 1991, televisión y cortos. En el transcurso de su ilustrada carrera, apareció en muchas películas exitosas y aclamadas por la crítica, incluyendo clásico tales como Mr. Smith Goes to Washington, The Spirit of St. Louis y Vertigo. Sus roles en Mr. Smith Goes to Washington, The Philadelphia Story, It's a Wonderful Life, Harvey, y Anatomy of a Murder le valieron nominaciones al Premio de la Academia (ganó el premio a mejor actor secundario por Philadelphia Story). La carrera de Stewart deafió los límites de género y tipo, y dejó su marca en las comedias screwball, los trhilllers de suspenso, los westerns, las biografias y las películas familiares.

:-) curioso que doris day, simbolo de la "
pureza"
de la mujer norteamericana de los años cincuenta, se haya casado cuatro veces.
me encanta su pelicula "
pijama para dos "
con rock hudson, james stewart es uno de mis favoritos , borda casi todas sus peliculas, me encanta "
la ventana indiscreta"
.

Eso mismo pienso yo. Una mujer cuya imagen es tan cándida y tan adorable con una vida personal tan ajetreda.

Cantinflas



Fortino Mario Alfonso Moreno Reyes (n. 12 de agosto de 1911 - m. 20 de abril de 1993), "
Cantinflas"
como se le conocía mundialmente, fue un célebre comediante del teatro mexicano y de la industria cinematográfica, además de torero cómico y ganadero de reses bravas. Es considerado el mejor cómico mexicano de todos los tiempos.

Ganó una enorme popularidad con la interpretación de su personaje Cantinflas, un vago salido de los barrios pobres que se originó del típico pelado. El personaje se asoció con la identidad nacional de México y le permitió a Moreno establecer una larga y exitosa carrera cinematográfica que incluyó una participación en Hollywood. Se dice que el estilo de salir a hacer comedia, disfrazado de "
peladito"
, lo tomó del comediante veracruzano Eduardo Rugama "
el chato"
. Charlie Chaplin una vez lo llamó "
el mejor comediante del mundo"
y Mario Moreno a veces es referido como el "
Charlie Chaplin de México"
. Mientras que algunas de sus películas fueron dobladas al inglés para las audiencias estadounidenses y su trabajo fue bien recibido entre la gente de Francia, el juego de palabras que usaba en español no se traducía bien a otras lenguas. Sin embargo, tuvo un estruendoso éxito en Latinoamérica, donde todavía tiene muchos admiradores devotos.

Como pionero del cine mexicano, Mario Moreno ayudó a su crecimiento en la época de oro. Su éxito, como parte del floreciente cine mexicano, ayudó a convertir a México en la capital americana del entretenimiento. Además de ser un líder en los negocios, también llegó a involucrarse en los difíciles y a veces peligrosos asuntos de política de México. Aunque él mismo era políticamente conservador, su reputación como portavoz de los desprotegidos le dio a sus acciones autenticidad y se convirtió en alguien importante en la lucha contra el charrismo sindical, que era la práctica del gobierno de un sólo partido de manejar y controlar los sindicatos.

Además, su personaje Cantinflas, cuya identidad se mezcló con la de él, fue analizada por los críticos de los medios de comunicación, filósofos, antropólogos y lingüistas, quienes lo veían como un peligro para la sociedad mexicana, una marioneta burguesa, un tipo de filántropo, un capitalista aventurero, un violador de los papeles del sexo, un católico pío, un innovador verbal y un payaso picaresco.

En efecto, Mario Moreno era todo eso. Su personaje Cantinflas, en su intento por abarcar la identidad de toda una nación, desarrolló las contradicciones y complejidades inherentes en cualquier intento de representar a un país tan complejo y contradictorio como lo es México.

Fue el sexto de doce hijos. Cuatro de ellos murieron debido a malpartos. Ocho sobrevivieron, José "
Pepe"
, Eduardo, Mario, Esperanza, Catalina, Enrique y Roberto. Padres: señor Pedro Moreno Esquivel, un humilde cartero y la señora Soledad Guízar Reyes de Moreno. Fortino Mario Alfonso Moreno nació en el barrio de Santa María la Redonda en la ciudad de México, y creció en el barrio bravo de Tepito. Pudo salir adelante de situaciones difíciles usando la audacia y trucos callejeros que después aplicaría en sus películas. Después de un intento fallido de entrar a los Estados Unidos por California, se convirtió en boxeador para ganarse la vida. Su personalidad cómica lo llevó a las carpas de los circos y de ahí pasó al teatro y al cine.

Se casó con Valentina Ivanova Zubareff, de origen ruso, el 27 de octubre de 1936 y permaneció con ella hasta su muerte en 1966. Mario Moreno tuvo un hijo en 1961 y fue adoptado por Valentina Ivanova y lo nombró Mario Arturo Moreno Ivanova.

Sirvió como presidente de la ANDA "
Asociación Nacional de Actores"
y fue el primer secretario general del Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica (STPC) ademas entra a la Masoneria mexicana.

Después de retirarse, Mario Moreno dedicó su vida a ayudar a los demás a través de la caridad y de organizaciones humanitarias sobre todo las que se dedicaban a ayudar a los niños. Sus contribuciones a la Iglesia Católica Romana y a los orfanatos lo hicieron un héroe del pueblo en México.

Murío a causa del cáncer de pulmón el 20 de abril de 1993, miles de personas se reunieron en un día lluvioso para su funeral. La ceremonia fue un evento nacional que duró tres días. Sus cenizas yace en la cripta familiar de la familia Moreno Reyes , en el Panteón Español de la Ciudad de México y ha sido homenajeado por muchos jefes de estado y por el Senado de los Estados Unidos, que mantuvo un momento de silencio por él.

Después de su muerte, comenzó una batalla legal entre su hijo y legítimo heredero, Mario Moreno Ivanova, y el sobrino del actor, Eduardo Moreno, sobre el control de 34 películas hechas por Cantinflas. El sobrino sostenía que su tío le había dado permiso escrito para tomar los derechos de las películas cuando estaba en su lecho de muerte. Moreno Ivanova argumenta que es el heredero directo de Cantinflas y por lo tanto los derechos le pertenecen. Eduardo Moreno ganó la demanda en dos ocasiones pero Moreno Ivanova triunfó eventualmente luego de dos apelaciones.

Al mismo tiempo, otra demanda surgió entre Columbia Pictures y Mario Ivanova sobre el control de esas películas. Columbia dice que compró los derechos de las películas hace cuatro décadas en una corte que notó varios errores en los documentos. Moreno Ivanova quería que los derechos quedaran en su poder y, más generalmente, en el poder de México, como tesoro nacional. El 2 de junio del 2001, luego de 8 años de batalla, finalmente Columbia se quedó con los derechos de las 34 películas disputadas

De joven, Mario Moreno realizaba una variedad de actos en carpas rodantes, y fue en ellas donde recibió el apodo de "
Cantinflas"
;
sin embargo, el origen del nombre se pierde en la leyenda. Según un obituario, es un nombre sin significado alguno que fue inventado a fin de evitar que sus padres se enteraran que trabajaba en el negocio del entretenimiento, al que consideraban una ocupación avergonzante. En otra versión, el crítico de medios de comunicación, Carlos Monsiváis cita el legendario origen del discurso del personaje:

"
De acuerdo a una leyenda con la que él está de acuerdo, el joven Mario Moreno, intimidado por el pánico escénico, una vez en la carpa Ofelia olvidó su monólogo original. Comenzó a decir lo primero que le viene a la mente en una completa emancipación de palabras y frases y lo que sale es una brillante incoherencia. Los asistentes lo atacan con la sintaxis y él se da cuenta: el destino ha puesto en sus manos la característica distintiva, el estilo que es la manipulación del caos. Semanas después, se inventa el nombre que marcará la invención. Alguien, molesto por las frases sin sentido grita: "
cuánto inflas"
o "
en la cantina inflas"
, la contracción se crea y se convierte en la prueba del bautismo que el personaje necesita"
.

Antes de comenzar su vida profesional dentro del entretenimiento, exploró un número de posibles carreras como la medicina y el boxeo profesional antes de unirse al mundo del entretenimiento como bailarín. Para 1930, ya se había unido al circuito de carpas de la ciudad de México, turnándose entre las carpas Ofelia, Sotelo de Azcapotzalco, y finalmente la carpa Valentina, donde conoció a su futura esposa. Al principio trató de imitar a Al Jolson pintándose la cara con pintura negra, pero después se separó para formar su propia identidad como un habitante de un barrio pobre con pantalones holgados, una soga como cinto y un bigote muy particular. En las carpas bailaba, realizaba acrobacias y jugaba el papel de varias profesiones.


En 1936, Mario Moreno hizo su debut en el teatro Folies Bergère de la ciudad de México. Habiendo dejado el ambiente de clase baja que tenía un humor más básico, el cantinflismo, la broma política que retaba la noción de que el humor de Cantinflas era vacío, había nacido. En 1937, el político Vicente Lombardo Toledano le respondió a su rival político: "
Si Morones ha decidido mostrar su poder dialectal, que discuta con Cantinflas"
. Estando directamente involucrado en el debate, Cantinflas respondió:

"
Ah, pero déjenme dejar algo bien en claro, tengo momentos de lucidez y hablo muy claro. Y ahora hablaré con claridad... Amigos, hay momentos en mi vida que son realmente momentáneos y no es porque uno lo diga, pero hay que verlo...¿Qué vemos? lo que hay que ver... porque que coincidencia amigos, que suponiendo que en este caso -no digamos lo que podría ser- pero debemos pensar en ello y y entender la psicología de vida para hace una analogía de la síntesis de la humanidad, ¿correcto? Bien, ese es el punto"
.

Figuras de la comunicación e intelectuales incluyeron la definición de cantinflismo en publicaciones subsecuentes. Monsiváis lo interpreta en la presidencia izquierdista de Lázaro Cárdenas llamándolo "
una burla del proletariado de disparates gloriosos"
. Pero tal vez la definición del escritor contemporáneo Miguel Ríos sea más elocuente:

"
Es como si Cantinflas fuera, más que nadie, el dictador mexicano del optimismo...coquetea con la política como si fuera el político más experimentado. Se convierte en líder y proletariado con sólo cambiarse el sombrero o una frase"
.

El involucramiento político de Mario Moreno fue un cambio notable y su inocencia cómica ya no era suficiente para defenderlo de la crítica que eso significó.
mediados de los años 30, Cantinflas conoció al productor ruso Jacques Gelman y posteriormente se asoció con él para formar su propia producción cinematográfica. Gelman, producía, dirigía y distribuía mientras Cantinflas actuaba. Cantinflas hizo su debut en 1936 en la película No te engañes corazón pero la película recibió poca atención. En 1939 estableció Posa Films, produciendo películas cortas que le permitieron desarrollar el personaje de Cantinflas pero fue en 1940 cuando finalmente se convirtió en una estrella después de rodar Ahí está el detalle. La frase que le dio su nombre a la película se convirtió en el principal dicho de Cantinflas por el resto de su carrera. La película fue un éxito en Latinoamérica y fue reconocido por la revista Somos como una de las 10 más grandes producciones de México.

En 1941, Mario Moreno hizo primero el papel de un oficial de policía en la película El gendarme desconocido. Para entonces ya se había distinguido bastante del típico "
peladito"
de los años 20 y su personaje pasaba cómodamente de ser el hombre marginado de clase baja al poderoso servidor público. La naturaleza política de la retórica del cantinflismo facilitó esta fluidez. Volvería a tomar el papel del agente 777 y sería homenajeado por las fuerzas policíacas en toda América Latina por su imagen positiva de la aplicación de la ley.

Ni sangre ni arena, una película satírica acerca del toreo en 1941, rompió niveles de taquilla de películas mexicanas en varios países de América. En 1942 se agrupó con Miguel M. Delgado y Jaime Salvador para producir una serie de parodias de baja calidad incluyendo una interpretación de "
El Circo"
de Chaplin.

Los años 40s y 50s fueron los mejores para Cantinflas. En 1946 rechazó trabajar con las compañías mexicanas y firmó contratos con Columbia Pictures. Para entonces, su popularidad era tal, que pudo prestar su prestigio a la causa del trabajo mexicano, representando la Asociación Nacional de Actores en conversaciones con el presidente Manuel Avila Camacho. Sin embargo las pláticas no dieron buenos resultados y como resultado de un escándalo, decidió retractarse y regresar al teatro.

El 30 de agosto de 1953, Cantinflas comenzó a llevar a cabo su obra teatral Yo Colón en el Teatro de los Insurgentes, el mismo teatro que se había visto envuelto en una controversia sobre un mural de Diego Rivera que incorporaba imágenes de Cantinflas y de la Virgen de Guadalupe. Los críticos, incluyendo ciertos grupos conservadores, y el arzobispo Luis María Martínez, tildaron la obra como "
blasfema"
y eventualmente fue pintada sin la imagen de la virgen.

Yo Colón colocó a Cantinflas en el personaje de Cristóbal Colón quien, mientras continuaba "
descubriendo América"
hizo observaciones cómicas, históricas y contemporáneas desde diferentes perspectivas. Las bromas cambiaban cada noche y Moreno continuó empleando su juego de palabras y doble sentido para atacar a los políticos.

En 1956, La Vuelta al Mundo en 80 Días, el debut estadounidense de Cantinflas, lo hizo ganar una nominación al premio Globo Dorado en la categoría de mejor actor de musical o comedia, en esta cinta actúa junto al actor inglés David Niven. La revista Variety dijo en 1956 que su calidad chaplinesca contribuyó al éxito de la película. Esta película recaudó la cantidad de $42 millones de dólares en taquilla. Mientras que Niven fue el principal actor en los países de habla inglesa, Cantinflas lo fue en el resto de los países. Como resultado de la película, Cantinflas se convirtió en el actor mejor pagado del mundo.

La segunda película estadounidense de Cantinflas, Pepe, intentó replicar el éxito de la primera. La película incluyó apariciones ráfaga de Frank Sinatra, Judy Garland, y otras estrellas. Su humor, profundamente arraigado en la lengua española, no se pudo traducir bien para las audiencias estadounidenses y la película fue una notable decepción taquillera. A pesar de eso, recibió otra nominación al Globo Dorado por su actuación. Después en 1992, durante una entrevista estadounidense, Mario Moreno confesó que el principal impedimento para su éxito en los Estados Unidos era la barrera de la lengua. Después de regresar a México, Cantinflas creó su propia compañía, Cantinflas Films, y continuó haciendo películas hasta su última, que fue El Barrendero, realizada en 1982.

Como Charlie Chaplin, Cantinflas era un satírico social. Hacía el papel de el peladito, un don nadie, con esperanzas de tener éxito. Con admiración mutua, Cantiflas fue influenciado por las primeras películas de Chaplin así como por su ideología. El Circo era una "
sombra"
del cine mudo de Chaplin. El Circo y Si yo fuera diputado tenían muchas cosas en común con la película de 1940, El Gran Dictador.

Las películas de Cantinflas, hasta la fecha le siguen generando ganancias a Columbia Pictures. En el 2000, Columbia informó un aproximado de $4.000.000,00 de dólares generado por las ganancias de la distribución en otros países.

Entre las cosas que lo hicieron querido por el público estaba el uso cómico del lenguaje en sus películas;
sus personajes (los cuales casi todos era una variación del mismo personaje pero en diferentes papeles y situaciones) entablaban una conversación normal para después complicarla al punto de que nadie entendía lo que estaba diciendo. El personaje de Cantinflas era particularmente adepto para ofuscar la conversación cuando le debía dinero a alguien, al cortejar señoritas o al tratar de salir de problemas con las autoridades, arreglándoselas para humillarlas sin que se dieran cuenta. A esta forma de hablar se le llamó Cantinfleada y se convirtió en español en una forma de decir ¡estás cantinfleando! cada vez que a alguien le era difícil entender la conversación. La Real Academia Española incluyó el verbo cantinflear y las palabras cantinflas y cantinfleada en su diccionario en 1992.

En el campo de las artes visuales, artistas de la talla de Rufino Tamayo y Diego Rivera pintaron a Cantinflas como un símbolo del hombre mexicano. La banda de punk americana Mindless Self Indulgence grabó una canción sobre Cantinflas llamada "
Whipstickagostop"
.

El estilo de Cantinflas y el contenido de sus películas llevó a muchos estudiantes a concluir que él había influenciado los muchos teatros que pasaban el mensaje del Movimiento Chicano durante los años 60s y 70s en los Estados Unidos, de los cuales, el más importante era El Teatro Campesino. El movimiento del teatro era una parte importante del renacimiento cultural que era la contraparte social del movimiento político por los derechos civiles de los mexico-norteamericanos. Su uso de los estilos y temas sociales es visto como un precursor del teatro Chicano.

En los años 70s apareció una serie de dibujos animados llamado "
El Show de Cantinflas"
protagonizada por una caricatura animada de Cantinflas. El show era dirigido a los niños y tenía un propósio educativo. El personaje animado era llamado "
Amigo"
y se concentraba en una variedad de temas para educar a los niños que iban desde el origen del fútbol hasta el origen de la Línea Internacional del Tiempo.

Aunque Cantinflas nunca logró en Estados Unidos el mismo éxito que cosechó en México, fue homenajeado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Recibió dos nominaciones al premio Globo de Oro en la categoría de mejor actor y el reconocimiento a los logros de su vida por parte de la Academia Mexicana del Filme.

El premio Mario Moreno "
Cantinflas"
es entregado anualmente a los actores del entretenimiento que "
representan a la comunidad latina con el mismo humor y distinción que el legendario Cantinflas"
y que, como Cantinflas, usan su poder para ayudar a los más necesitados.

En el 2002, el estadounidense - salvadoreño (aunque él se describe como chicano) Herbert Sigüenza, artista, comediante y miembro de Culture Clash, comenzó a actuar en un monólogo acerca de Cantinflas que hizo gira por todo el país. La obra, hablada en inglés y español, incorporó rasgos comunes en las películas de Cantinflas y recreó muchas de las rutinas de comedia del actor, tal como su caminar característico. Las películas de Cantinflas son distribuidos en norteamérica por Laguna Films.

Entre las cosas que lo hicieron querido por el público estaba el uso cómico del lenguaje en sus películas;
sus personajes (los cuales casi todos era una variación del mismo personaje pero en diferentes papeles y situaciones) entablaban una conversación normal para después complicarla al punto de que nadie entendía lo que estaba diciendo. El personaje de Cantinflas era particularmente adepto para ofuscar la conversación cuando le debía dinero a alguien, al cortejar señoritas o al tratar de salir de problemas con las autoridades, arreglándoselas para humillarlas sin que se dieran cuenta. A esta forma de hablar se le llamó Cantinfleada y se convirtió en español en una forma de decir ¡estás cantinfleando! cada vez que a alguien le era difícil entender la conversación. La Real Academia Española incluyó el verbo cantinflear y las palabras cantinflas y cantinfleada en su diccionario en 1992.

En el campo de las artes visuales, artistas de la talla de Rufino Tamayo y Diego Rivera pintaron a Cantinflas como un símbolo del hombre mexicano. La banda de punk americana Mindless Self Indulgence grabó una canción sobre Cantinflas llamada "
Whipstickagostop"
.

El estilo de Cantinflas y el contenido de sus películas llevó a muchos estudiantes a concluir que él había influenciado los muchos teatros que pasaban el mensaje del Movimiento Chicano durante los años 60s y 70s en los Estados Unidos, de los cuales, el más importante era El Teatro Campesino. El movimiento del teatro era una parte importante del renacimiento cultural que era la contraparte social del movimiento político por los derechos civiles de los mexico-norteamericanos. Su uso de los estilos y temas sociales es visto como un precursor del teatro Chicano.

En los años 70s apareció una serie de dibujos animados llamado "
El Show de Cantinflas"
protagonizada por una caricatura animada de Cantinflas. El show era dirigido a los niños y tenía un propósio educativo. El personaje animado era llamado "
Amigo"
y se concentraba en una variedad de temas para educar a los niños que iban desde el origen del fútbol hasta el origen de la Línea Internacional del Tiempo.

Aunque Cantinflas nunca logró en Estados Unidos el mismo éxito que cosechó en México, fue homenajeado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Recibió dos nominaciones al premio Globo de Oro en la categoría de mejor actor y el reconocimiento a los logros de su vida por parte de la Academia Mexicana del Filme.

El premio Mario Moreno "
Cantinflas"
es entregado anualmente a los actores del entretenimiento que "
representan a la comunidad latina con el mismo humor y distinción que el legendario Cantinflas"
y que, como Cantinflas, usan su poder para ayudar a los más necesitados.

En el 2002, el estadounidense - salvadoreño (aunque él se describe como chicano) Herbert Sigüenza, artista, comediante y miembro de Culture Clash, comenzó a actuar en un monólogo acerca de Cantinflas que hizo gira por todo el país. La obra, hablada en inglés y español, incorporó rasgos comunes en las películas de Cantinflas y recreó muchas de las rutinas de comedia del actor, tal como su caminar característico. Las películas de Cantinflas son distribuidos en norteamérica por Laguna Films.

Cantinflas a veces es visto como el personaje Groucho Marx, el que con sus habilidades lingüísticas ataca a los ricos, poderosos, la policía e incluso el gobierno. El historiador y autor de Cantinflas y el Caos de la Modernidad Mexicana escribe: "
Cantinflas simboliza el peladito que triunfa sobre los poderosos usando sus trucos"
y presenta a Cantinflas como la imagen misma del México de la transición. Gregorio Luke, director ejecutivo del Museo de Arte Latinoamericano dijo: "
entender a Cantinflas es entender lo que ha pasado en México en todo el siglo pasado"
.

Por su parte, Monsiváis interpreta sus representaciones en términos de la importancia de la palabra hablada en el contexto del "
analfabetismo reinante"
de México (70% en 1930). Particularmente en la película El Analfabeto, "
Cantinflas es el iletrado que toma control del lenguaje como puede"
.

El periodista Salvador Novo interpreta el papel de los personajes de Moreno totalmente en términos de Cantinflismo: "
En condensarlos: en entregar a la saludable carcajada del pueblo la esencia demagógica de su vacuo confusionismo, estriba el mérito y se asegura la gloria de este hijo cazurro de la ciudad ladina y burlona de México, que es Cantinflas"
.\

En su biografía de la comicidad, el estudiante de cultura mexicana Jeffrey M. Pilcher, ve a Cantinflas como una metáfora del "
caos de la modernidad mexicana"
, una realidad que estaba fuera del alcance para la mayoría de los mexicanos. "
Su lenguaje enredoso expresaba elocuentemente las contradicciones de la modernidad como 'el momento palpitante de todo lo que quiere ser y no puede'. De igual forma 'las jerarquías sociales, los patrones del lenguaje, las identidades étnicas, y las formas masculinas de comportamiento, todos cayeron ante su humor caótico para ser reformuladas en nuevas formas revolucionarias'

Silvia Pinal



Silvia Pinal Hidalgo (n. Guaymas, Sonora, 12 de septiembre de 1931) actriz mexicana de cine, televisión y teatro.

Inició su carrera en el cine a los 18 años en las películas Bamba y El Pecado de Laura y alternó en los años siguientes con los mejores actores del cine mexicano. En 1952, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas le otorgo el Premio Ariel Por Mejor Co-actuación en la cinta Un Rincón Cerca del Cielo. Silvia recibió dos arieles más en 1955 por Locura Pasional y en 1956 por Enemiga. Quizás su filme más famoso sea Viridiana co-producido por (su entonces esposo) Gustavo Alatriste y el español Juan Antonio Bardem. Esta película dirigida por Luis Buñuel es considerada por muchos, la mejor del cine español y ganó la Palma de Oro del Festival de Cannes. La mancuerna Pinal-Buñuel funcionó tan bien que trabajaron en dos filmes más: El Ángel Exterminador (1962) y Simón del Desierto (1965).
En 1968 actuó en su primera telenovela llamada Los Caudillos, historia inspirada en los eventos de la guerra de laIndependencia de México. Tuvo además un programa de espectáculos (Silvia y Enrique) en Televisa donde alternó con su entonces esposo, el cantante y actor venezolano Enrique Guzmán. Actuó después en diversas películas de cine así como programas de espectáculos y telenovelas y en 1989 inició su programa Mujer, Casos de la Vida Real que ha sido todo un suceso en Hispanoamérica y Estados Unidos. En los últimos años se ha dedicado a la producción de teatro donde actuó en la puesta en escena de la versión en español de Mame. Adquirió además su propio teatros Silvia Pinal y Diego Rivera y se ha destacado en la política en el Partido Revolucionario Institucional siendo elegida para diversos cargos de elección popular como Diputada Federal, Senadora y asambleísta del Distrito Federal en los cuales participó activamente en la defensa de la mujer y de la cultura.

Ha sido secretaria general de la Asociación Nacional de Intérpretes, Organización encargada de la gestión de cobro de regalías por retransmisiones en medios, por parte de actores e intérpretes en general. Fue esposa del controvertido político Tulio Hernández (en 1982) que fue gobernador del estado de Tlaxcala con lo que Pinal estuvo al frente del Instituto para el Desarrollo Integral de la Familia DIF.

Se ha casado varias veces, entre otras con el actor cubano Rafael Banquells (en 1947) con el cual engendró a la actriz Silvia Banquells Pinal conocida también como Silvia Pasquel (Pasquel es una combinación de Banquells y Pinal). Se divorció del actor en 1952 y se casó con el productor Gustavo Alatriste con quien engendró a la actriz Viridiana Alatriste. También estuvo casada con el cantante y actor mexicano de origen venezolano Enrique Guzmán (cantante) con el cual engendró a la cantante Alejandra Guzmán y al actor Enrique Guzmán Jr..

chicos , la pureza no es solo fisica, tambien debe ser mental.
la mujer se enamoro o creia que lo estaba...
Eso no es impureza, es estupidez....
Ahora tienen un Hotel de lujo , me parece en California, en que se aceptan los pasajeros con sus mascotas, para que no los dejen en hoteles de perro ...
Lo que mejor lo pasan son los animales que no sufren separados de sus amos. ;
)

Ava Gardner



Ava Gardner (Brogden, Carolina del Norte, 24 de diciembre de 1922 - Londres, 25 de enero de 1990) fue una actriz del cine clásico estadounidense. Se le llamó «El animal más bello del mundo», debido a su exuberante belleza y fotogenia.

Nació como Ava Lavinia Rose Gardner en Brogden, en el estado de Carolina del Norte, en el seno de una familia muy pobre de cultivadores de tabaco. Creció en el campo junto con sus seis hermanos, de los que ella fue la menor. Cuando terminó sus estudios escolares se había convertido ya en una joven de gran atractivo.

Unas fotos que se hizo fueron expuestas en una peluquería en Nueva York que regentaba un familiar, y que vio un directivo de los estudios Metro-Goldwyn-Mayer. Al cabo de un tiempo recibió una propuesta de esa compañía y Gardner firmó un contrato.

Comenzó a intervenir en películas en 1942 (año en que se casa con Mickey Rooney), y en los siguientes años actuó en numerosas producciones de modesto presupuesto como La casa encantada (1943), comedia de terror que pertenece a la etapa de decadencia del gran Bela Lugosi) o Three men in white (1944), comedia-drama de médicos en que intervenían también Van Johnson y Lionel Barrymore.

Su gran oportunidad llega en 1946 con dos títulos: el thriller "
Whistle stop"
, en el que tiene un papel principal junto al mítico -y hoy olvidado- George Raft;
y el drama negro basado en una historia de Ernest Hemingway "
Forajidos"
, donde se lucía junto a un también jovencísimo Burt Lancaster y al siempre excelente Edmond O´Brien. Esta última película será la que la ponga en el mapa dentro de la industria de Hollywood.

En los siguientes años despunta en "
The hucksters"
(junto a Clark Gable), "
Venus era mujer"
(comedia más bien bobalicona pero simpática) y "
Soborno"
(1949, estupendo thriller dramático donde actua maravillosamente junto a Robert Mitchum, según la leyenda otra de sus conquistas amorosas.

A partir de aquí, comienza su reinado como estrella encadenando producciones de gran presupuesto y medios para los estudios, y realizando memorables interpretaciones. Sobresalen: "
El gran pecador"
(drama moral -que no moralista- con grandes trabajos de Gregory Peck y Ethel Barrymore y un guión impecable, donde Ava está bellísima), "
Mundos opuestos"
(1949, donde la actriz encaja perfectamente en pantalla junto a los siempre magníficos James Mason, Barbara Stanwyck y Van Heflin), "
Pandora y el holandés errante"
(1951, o fascinante drama onírico-vanguardista, donde Ava actuaba con Jasmes Mason y otra de sus sonadas conquistas, el torero Mario Cabré, rodando el film parcialmente en España y llenando los titulares de la prensa de la época. En esta etapa comienzan sus escalas en Madrid, sus estancias en España, sus amores con Luis Miguel Dominguín, etc), "
Magnolia"
(remake de 1936, sobre una legendaria obra musical de Broadway, donde la Gardner actuó con convicción y buen hacer, aunque finalmente los productores decidieran que no utilizase su propia voz, y donde trabajaba con Howard Keel y Agnes Moorehead. "
Las nieves del Kilimanjaro"
(su segunda obra de Hemingway, en África y junto a Gregory Peck y Susan Hayward);
"
Mogambo"
(1953, film de inusitada popularidad dirigido por John Ford y donde Ava se merendaba a la bella Grace Kelly -interpretativamente hablando- y brilla con maestría (fue justamente nominada al Oscar) al lado de un imponente Clark Gable.

"
Los caballeros del rey Arturo"
(clásico del cine de aventuras medievales, con Robert Taylor y Mel Ferrer en lujosa producción de la Metro).

A mediados de los 50, Ava comienza a atravesar algunos problemas personales y de salud, pero todavía participa en "
La condesa descalza"
, en un papel inspirado en la vida de Rita Hayworth donde la Gardner da lo mejor de sí misma y logra una de sus mejores caracterizaciones -si no la mejor-, acompañada nada menos que por Humphrey Bogart, y también de Edmond O´Brien, Rossano Brazzi y Valentina Cortese.

Luego llegan films de menor éxito y/o entidad pero en los que se disfruta con la presencia de la actriz: el drama romántico-de aventuras "
Destinos cruzados"
(junto a Stewart Granger), la comedia de origen teatral "
La cabaña"
(junto a David Niven), su tercer Hemingway llamado en España "
Fiesta"
(al lado de Tyrone Power en una de sus últimas interpretaciones) y el drama sobre las consecuencias de la explosión de una bomba nuclear que Stanley Kramer rodó en 1959 y donde Ava realizó una de sus mejores composiciones al lado de Gregory Peck y Fred Astaire.

Durante todo este tiempo, la actriz fue encasillada como estrella de gran atractivo físico, calificada por la publicidad de su estudio como "
el animal más bello del mundo"
.

Los años 60 van a cambiar todo esto, y Gardner va a ir encontrando mayor dificultad a la hora de encontrar papeles de altura.

Tres películas sobresalen de esta etapa: "
55 días en Pekin"
(donde realiza una memorable encarnación de una condesa arruinada en medio de una revolución anticolonial, con Charlton Heston y David Niven a su lado), "
Siete días de mayo"
(casi la mejor película norteamericana de trasfondo político de la década, y una de las mejores de su director -John Frankenheimer- donde Ava compartía cartel con Burt Lancaster, Kirk Douglas y Fredric March).

"
La noche de la iguana"
(dirigida por John Huston y basada en la obra teatral de Tennessee Williams, en la que Ava destacó junto a Richard Burton y Deborah Kerr).

Sin embargo, merecen recordarse también sus apariciones en películas que no tuvieron tanta fortuna comercial o artística: "
La biblia"
de John Huston, y "
Mayerling"
(en la que trabajó con Omar Shariff y Catherine Deneuve), por ejemplo.

A partir de 1969 Gardner se instaló en Londres, donde vivió parcialmente retirada.

Del mismo modo, en los años 70 la actriz vio reducida su actividad profesional, en parte tras rodar un par de títulos que fueron verdaderos fracasos en taquilla, y entonces entra en un franco declive, debiendo aceptar papeles de menor enjundia en cualquier pelicula o serie de TV donde la llamasen y le pagasen bien, para sobrevivir.

En su día, "
El juez de la horca"
y "
Terremoto"
no fueron grandes éxitos, pese a ser cintas dignas y bastante apreciables y pese a las buenas interpretaciones de Ava y su espléndida madurez física.

También destaca en un entretenido thriller británico de 1975 donde la actriz compartía protagonismo con el inolvidable Dirk Bogarde y con Timothy Dalton, "
El hombre que decidía la muerte"
. Por último, Gardner descollaba en la fantasía de estrepitoso fracaso comercial "
El pájaro azúl"
(junto a Jane Fonda y Cicely Tyson), la interesante cinta de terror "
La centinela"
(al lado de Christina Raines y Chris Sarandon) y en un drama de intriga donde ya realizaba un papel muy secundario pero todavía jugoso ("
El secuestro del presidente"
, donde el susodicho era el notable Hal Holbrook).

Intervino más tarde en varias producciones para la televisión, como "
Dardanelos"
y Falcon Crest.

Ava Gardner estuvo pretendida obsesivamente por el excéntrico millonario Howard Hughes a quien rechazó su propuesta matrimonial varias veces pero del que se aprovechó de sus regalos ostentosos. Estuvo casada en tres ocasiones, todas ellas con actores conocidos. Su primer matrimonio fue con el actor Mickey Rooney, que duró menos de un año. El segundo, con el mítico músico Artie Shaw, fue igual de breve. Su tercer marido fue el legendario cantante y actor Frank Sinatra, con el que estuvo casada seis tomentosos años entre 1951 y 1957, relación que hizo correr ríos de tinta, y que fue seguramente el amor de su vida. Sufrió de cáncer uterino y se sometió a una intervención donde le practicaron hipersectomía. Murió en Londres de una pulmonía a los 68 años de edad.

Dirk Bogarde




Sir Derek Jules Gaspard Ulric Niven van den Bogaerde (28 de marzo de 1921 – 8 de mayo de 1999), más conocido por el nombre artístico de Dirk Bogarde, fue un consagrado y prolífico actor de carácter y además escritor británico.

Bogarde nació en West Hampstead (Londres), de ascendencia neerlandesa y escocesa. Su padre, Ulric van den Bogaerde (nació en Perry Barr, Birmingham) era el editor artístico de The Times y su madre, Margaret Niven era actriz. Se unió al ejército y participó en la Segunda Guerra Mundial, alcanzando el rango de capitán. Bogarde estuvo en las batallas de Europa y el Pacífico, principalmente como oficial de inteligencia. En abril de 1945 fue uno de los primeros oficiales aliados en llegar al campo de concentración Bergen-Belsen en Alemania, una experiencia que lo marcó bastante y de la cual no pudo hablar durante varias décadas. Su horror y repulsión hacia la crueldad que vio en Belsen ayudaron a crear una especie de hostilidad hacia Alemania;
en los años 90 escribió que bajaría de un ascensor antes que estar en uno junto a un alemán. Irónicamente, tres de sus papeles más importantes serían interpretando a un alemán (uno de ellos, un oficial de las SS).

Tras la guerra, la atractiva apariencia varonil de Bogarde le permitió comenzar una carrera como actor, siendo contratado por la Rank Organisation.

En 1950 logró cierto reconocimiento tras su papel como el criminal Tom Riley, quien disparó al policía George Dixon en The Blue Lamp;
pero fue la comedia Doctor in the House (1954), producida por Betty Box, dirigida por Ralph Thomas y coprotagonizada por Kenneth More, Donald Sinden y James Robertson Justice, la que hizo de Bogarde una estrella.

Durante los años cincuenta, interpretó a un asesino que se hace amigo de un joven en Hunted (1952, también conocida como The Stranger in Between);
un aviador que, en contra de las órdenes, se une a un gran ataque en contra de los alemanes en Appointment in London (1953);
el papel de un sargento atrapado en una lancha con sir Michael Redgrave en The Sea Shall Not Have Them (1954) y, en The Sleeping Tiger (1954), a un criminal, acompañado del actor Alexis Smith.

La primera película de Bogarde junto al director Joseph Losey, Doctor at Sea (1955), coprotagonizada por Brigitte Bardot en uno de sus primeros papeles cinematográficos;
Cast a Dark Shadow (1955), como un hombre que se casa por dinero y luego asesina a su esposa;
The Spanish Gardner (1956), coprotagonizada por Cyril Cusack y Bernard Lee;
Doctor at Large (1957), otro trabajo de la serie de doctores, coprotagonizada por Shirley Eaton;
A Tale of Two Cities (1958), una adaptación del cásico de Charles Dickens;
The Doctor's Dilemma (1959), por George Bernard Shaw y coprotagonizada por Leslie Caron y Robert Morley, no es parte de la serie de doctores;
y Libel (1959), interpretando a tres personajes y coprotagonizada por Olivia de Havilland.

Bogarde se convirtió rápidamente en un ídolo de matiné y se convirtió en el británico más popular de Hollywood durante los años cincuenta. La principal característica de las actuaciones de Bogarde era su natural desenvoltura frente a las cámaras, no costándole asumir complicados perfiles de sus personajes, de hecho fue uno de los primeros actores en interpretar a un bisexual en la pantalla inglesa.

Tras 1960, Bogarde adoptó trabajos más difíciles, como su personaje en Victim (1961);
Hugo Barrett en The Servant (1963) (dirigida por Joseph Losey);
el reportero de televisión Robert Gold en Darling (1965);
Stephen, un profesor de la Universidad de Oxford, en Accident (1967);
el empresario alemán Frederick Bruckman en la película de Luchino Visconti The Damned (1969);
el exnazi, Max, en la controversial The Night Porter (1974) dirigida por Liliana Cavani;
y, el más conocido, Gustav von Aschenbach en Muerte en Venecia (1971) también dirigida por Luchino Visconti. Estas filmografías son la edad de oro de Bogarde.

Otras películas de Bogarde durante los años sesenta y setenta fueron The Angel Wore Red (1960), donde hizo de un sacerdote que se enamora del personaje de Ava Gardner, quien trabaja en un cabaret durante la Guerra Civil Española;
Song Without End (1960), donde interpreta a Franz Liszt y dirigido por George Cukor;
The Singer Not the Song (1961), como un bandido mexicano y coprotagonizada por Sir John Mills como sacerdote. HMS Defiant (también conocida como Damn the Defiant!) (1962), donde hace al personaje del teniente Scott-Padget junto a Sir Alec Guinness;
I Could Go On Singing (1963), interpretando a David Donne coprotagonizando con Judy Garland en su último papel cinematográfico;
The Mind Benders (1963), una película sobre experimentos en la Universidad de Oxford (precursora de Altered States (1980)) interpretando al Dr. Henry Longman;
Hot Enough For June (1964), (también conocida como Agent 8 3/4) (1964), una parodia de James Bond interpretando al agente secreto Nicholas Whistler;
King And Country (1964), haciendo el papel del Capitán Hargreaves, junto a Tom Courtenay;
Modesty Blaise (1966), película de espías donde hizo del archivillano Gabriel;
Our Mother's House (1967), donde interpretó a Charlie Hook, padre de siete hijos, dirigido por Jack Clayton;
The Fixer (1968), basada en la novela de Bernard Malamud donde hizo de Bibikov, coprotagonizada por Alan Bates;
Sebastian (1968), interpretando al profesor de la Universidad de Oxfor Mr. Sebastian junto a Sir John Gielgud, Susannah York y Lilli Palmer;
Oh! What A Lovely War (1969), haciendo el papel de Stephen, coprotagonizada por Sir John Gielgud y dirigida por Sir Richard Attenborough;
Justine (1969), interpretando a Pursewarden y dirigida por George Cukor;
Le Serpent (1973), haciendo el papel de Boyle, coprotagonizada por Henry Fonda y Yul Brynner;
A Bridge Too Far (1977), en el controvertido papel del General Frederick "
Boy"
Browning junto a Sean Connery, y otras estrellas;
Providence (1977), interpretando a Claude Langham y coprotagonizada por Sir John Gielgud;
Despair (1978), como Hermann Hermann;
y Daddy Nostalgie (1991) haciendo de Daddy junto al actor Jane Birkin, en la última interpretación cinematográfica de Bogarde.

Mientras estaba en la Rank Organisation, Bogarde fue considerado para la versión cinematográfica de Lawrence Of Arabia, la cual sería dirigida por Anthony Asquith. El rol de Lawrence finalmente fue entregado a Peter O'Toole, en una película distribuida por Columbia Pictures en 1962 y dirigida por David Lean. El no poder interpretar a Lawrence de Arabia fue una de las grandes descepciones de Bogarde en la industria del cine. Bogarde también fue considerado para el rol en la película de MGM Doctor Zhivago (1965). Mientras trabajaba en Darling con Julie Christie, recibió la noticia de que interpretaría a Lara en Zhivago, pero Bogarde no. Algunos años antes, había rechazado el rol de Gaston en Gigi (1958) de MGM. Cualquiera de estos tres papeles le hubieran dado reconocimiento internacional, pero no fue así. Sin embargo, Bogarde dejó su legado en un estilo diferente de personajes, más controvertidos.

Bogarde fue nominado seis veces como mejor actor por la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión (BAFTA), ganando dos veces por The Servant en 1963 y Darling en 1965. Además recibió el premio a la trayectoria del Círculo de Críticos Cinematográficos de Londres en 1991.

Entre 1939 y 1991 hizo 63 películas.

En 1977 Bogarde se dedicó a su segunda carrera, como escritor. Comenzando con su primer volumen A Postillion Struck by Lightning, escribió una serie de autobiografías, novelas y críticas de libros. Como escritor Bogarde demostró ser un autor de estilo elegante.

Bogarde nunca contrajo matrimonio, y durante su vida, se dijo que era homosexual. Durante varios años compartió su hogar con su representante Anthony (Tony) Forwood (esposo de la actriz Glynis Johns y padre del actor Gareth Forwood), pero negó varias veces que su relación fuese algo más que amistad.

Aunque Bogarde ha sido criticado por algunos ya que nunca hizo conocer su situación, protagonizó la película de 1961 Victim donde interpretaba a un bisexual en Londres que mantenía una relación sentimental con un joven. Victim es considerada la primera película británica en tratar seriamente el tema de la homosexualidad. La película ayudó a cambiar las leyes que afectaban a los homosexuales en el Reino Unido, gracias a las labores de Harold Wilson en 1967.

La relación más seria de Bogarde con una mujer fue con la actriz francesa Capucine, con la cual quería casarse.

En 1984 Bogarde fue presidente del jurado del Festival de Cine de Cannes. Esto significó un gran honor para Bogarde, ya que fue el primer británico en ocupar este puesto.

Los papeles de Bogarde lo convirtieron en un artista de culto. El cantante Morrissey era uno de sus fanáticos, y, según Charlotte Rampling, Bogarde recibió una oferta en 1990 de Madonna para aparecer en su video Justify My Love, citando The Night Porter como inspiración. Bogarde rechazó su oferta.

Dirk Bogarde recibió el título de caballero en 1992 debido a sus servicios mediante la actuación, y recibió otros honores de las universidades St. Andrews y Sussex. Debido a su hábito de fumar, Bogarde sufrió un pequeño infarto en noviembre de 1987, mientras Tony Forwood estaba muriendo debido a su cáncer y enfermedad de Parkinson.

En septiembre de 1996 se sometió a una operación debido a complicaciones arteriales, y sufrió un severo tromboembolismo pulmonar inmediatamente tras la intervención. Durante los últimos tres años de su vida Bogarde tuvo un lado de su cuerpo paralizado, esto además afectó su voz.

Logró, sin embargo, completar un último volumen autobiográfico. Antes de morir pasó sus últimos días junto a su amigo Luren Bacall. Sir Dirk Bogarde murió en Londres de un ataque cardíaco el 8 de mayo de 1999 a la edad de 78 años.

Sus cenizas fueron esparcidas en el estado de Le Haut Clermont cerca de Grasse, al sur de Francia.

Sir Dirk Bogarde es considerado por algunos como la mayor estrella cinematográfica británica en el siglo XX

Yul Brynner




Yuli Borisovich Bryner ( conocido como Yul Brynner), (n. 11 de julio de 1920 - m. 10 de octubre de 1985) fue un actor de cine nacido en Rusia y posteriormente nacionalizado estadounidense.

Fue hijo del matrimonio formado por el ingeniero e inventor ruso llamado Boris Bryner (de ascendencia en parte suiza y mongola) y Marousia Blagovidova;
su nombre lo heredó de su abuelo, Jules Bryner.

Fue educado en París, en el exclusivo Lycée Moncelle, y luego fue aprendiz de actor en el Theatre des Mathurins, con la supervisión de Jean Cocteau.

Comenzó su carrera en el mundo del espectáculo en París, a sus veinte años, como cantante de un nocturno, artista de pantomima y payaso trapecista. Fue fotografiado desnudo como modelo por George Platt Lynes.

En 1941 viajó a los Estados Unidos con una compañía teatral. Su primer paso a la fama fue con su representación teatral de The King and I ("
El rey y yo"
), la cual representó 4.626 veces durante su vida artística. Con esta obra ganó un Oscar a la mejor interpretación, luego de que fuera llevada a la pantalla grande, coprotagonizada por Deborah Kerr, en 1956.

La apariencia un tanto exótica fue lograda con su carismática cabeza rapada, pues no era calvo;
eso se puede comprobar en la película Salomón y la Reina de Saba, dirigida por King Vidor y coprotagonizada por Gina Lollobrigida. Todo esto hizo de Yul Brynner un actor cotizado para papeles de egipcio, rusos, mongoles y orientales en general.

Ese mismo año apareció en dos otras importantes producciones, Anastasia, junto a Ingrid Bergman (papel que le valió el Oscar a esta actriz sueca) y The Ten Commandments (Los diez mandamientos), donde interpretó a Ramsés II;
posteriormente apareció en filmes considerados clásicos como The Magnificent Seven y Westland.

Además de su trabajo como actor, Brynner fue un fotógrafo activo y escribió dos libros. Su hija Victoria compiló en otro libro sus fotografías familiares, de amigos y colegas actores, así como también aquellas que tomó mientras servía como asesor para refugiados de la ONU. El libro se titula "
Yul Brynner: fotógrafo"
. Estudiante de música desde su infancia, fue también intérprete de guitarra y cantante. En los primeros días de su estancia en Europa, solía tocar y cantar canciones gitanas en clubs nocturnos de París, junto a Aliosha Dimitrievitch. Cantó algunas de estas canciones en el film Los Hermanos Karamazov. En 1967, él y Dimitrievitch editaron un álbum, "
El Gitano y Yo: Yul Brynner Canta Canciones Gitanas"
(Vanguard VSD 79265).

Estuvo casado cuatro veces:

1º Con la actriz Virginia Gilmore entre 1944-1960;
tuvieron dos niños llamados Yul Brynner II(1946) y Lark Brynner(1958).

2ºEntre 1960-1967 estuvo casado con la modelo chilena Doris Kleiner;
tuvieron una niña, llamada Victoria Brynner.

3ºEntre 1971-1981 se casó con una activista francesa llamada Jacqueline de Croisset;
no tuvieron hijos propios.

4ºEn 1983 se casó con la bailarina china Khaty Lee, su última esposa.

Tuvo un romance además con la actriz Marlene Dietrich, en los años 50.

Yul Brynner contrajo un cáncer al pulmón (era fumador empedernido) y el 10 de octubre de 1985 falleció, a pesar de haber luchado por dejar el vicio. En enero de 1985, nueve meses antes de su muerte, dio una entrevista en el programa televisivo estadounidense Buenos Días, América, expresando su deseo de hacer un comercial contra el tabaquismo. Un clip de esa entrevista se convirtió en un anuncio público por la American Cancer Society;
fue estrenado después de su muerte. En él, dice "
Ahora que me fui, te digo: no fumes"
. Sus restos descansan en una abadía de Luzé, cerca de Poitiers (Francia), llamada Saint-Michel-de-Bois-Aubry.

Richard Harris




Richard St John Harris (n. 1 de octubre de 1933 - m. 25 de octubre de 2002) fue un actor, cantante y guionista irlandés. Conocido por haber intervenido en numerosos films como Camelot (1967) y en el papel de Albus Dumbledore en Harry Potter y la piedra filosofal (2001) y Harry Potter y la cámara secreta (2002), su última película. Pero sin duda pasará a la historia como el aristócrata inglés capturado en Un hombre llamado caballo (1970).

Harris fue un conocido playboy y bebedor, parte de una generación de actores británicos e irlandeses como Albert Finney, Laurence Harvey, Peter Finch, Richard Burton y Peter O'Toole.

Richard Harris nació en la ciudad irlandesa de Limerick y era el hijo mayor de los nueve hijos de Ivan Harris y Mildred Harty. Fue al colegio jesuita Crescent College y destacó por sus virtudes en el rugby llegando a jugar en el Garryowen. Cuando sus pasos iban dirigidos a ser una estrella del rugby, contrajo la tuberculosis por lo que tuvo que dejar la práctica deportiva.

Después de recuperarse de la enfermedad, Harris se trasladó a Londres ya que quería convertirse en director teatral. Al no encontrar cursos relacionados con su afición, se enroló en la Academia de música y arte dramático de Londres (LAMDA) para estudiar interpretación. Cuando todavía era un estudiante, Harris alquiló el Teatro Irving del West End"
para dirigir y producir su propia producción sobre la obra de Clifford Odets Winter Journey (The Country Girl). El espectáculo tuvo un gran éxito pero la financiación se acabó por lo que Harris tuvo que abandonar el proyecto.

Después de completar sus estudios en la Academia, Harris se unió a la compañía de Joan Littlewoody comenzo a participar en funciones de las producciones del West End, destacando en The Quare Fellow 1956.

Harris hizo su debut en el cine en 1958 en el film Alive and Kicking y un año más tarde ya trabajaría con el entonces prestigioso director británico Michael Anderson Misterio en el barco perdido. La década de los 60 comenzaría de una manera excepcional con su aportación en Los cañones de Navarone o su aportación en Rebelión a bordo, donde es un excelente apoyo al duelo interpretativo entre Trevor Howard y Marlon Brando.

Su primera aparición como protagonista sería en El ingenuo salvaje, como el joven minero Frank Machin, papel por el cual ganaría la Palma de Oro al mejor actor en el festival de Cannes y una nominación a los Oscar. El siguiente papel sería una de las obras maestras de Sam Peckinpah Mayor Dundee junto a Charlton Heston en la que interpreta a un inmigrante irlandés combatiente en la Guerra de Secesión.

La fama de Richard Harris no pararía de crecer y cada película que realizaba era más taquillera que la anterior. La siguiente película sería la del Rey Arturo en la adapatación musical que Joshua Logan hizo de Camelot. También, en 1968, Harris tuvo un cancíon muy popular: "
Mac Arthur Park"
, de su álbum "
A Tramp Shining"
("
Un Vagabundo Brillando"
) y Harris gano mucho popularidad en en el área de la música;
despues, tuvo él tuvo muchos álbumes de música. Después llegaron Odio en las entrañas junto a Sean Connery.

Pero sin duda, el gran éxito mundial de Harris sería el de Un hombre llamado caballo donde Harris protagoniza a un aristócrata inglés que es raptado por una tribu india.

En los 70, protagonizaría El hombre de una tierra salvaje, Robin y Marian, Orca, la ballena asesina 1977 o Patos salvajes. A partir de ahí, Harris entró en una categoría de actor de culto y se dedicó a su faceta como cantante e, incluso, escribió un aclamado libro de poemas llamado: I, In The Membership Of My Days.

Pero en la década de los 80, la carrera de Harris entra en franco declive. No sería hasta 1990 cuando volvería a ser el actor reclamo gracias al papel que le reservó Jim Sheridan en su film El prado, papel por el cual obtendría una nominación a los Globo de Oro y a los Oscar en la categoría de actor principal.

En los últimos años de la vida de Richard Harris, el actor irlandés volvió a reverdecer los laureles de la gloria. Así, Harris protagonizaría pequeños pero intensos papeles en las oscarizadas Sin perdón y Gladiator.

Pero en sus últimos años, Harris será relacionado para siempre con el papel de Albus Dumbledore en las dos primeras entregas de la saga de Harry Potter. Harris moriría en 2002 por la enfermedad de Hodgkin a la edad de 72 años, a los pocos meses de la segunda entrega de la saga.

Laurence Harvey

Frank Sinatra y Laurence Harvey


Laurence Harvey (1 de octubre de 1928 - 25 de noviembre de 1973), fue un actor estadounidense de origen lituano, nominado al premio Oscar.

Laurence Harvey mantuvo durante toda su vida que su nombre de nacimiento era Laruschka Mischa Skikne, pero que en realidad se llamaba Zvi Mosheh (Hirsh) Skikne. fue el más joven de los tres hijos que tuvo Ber "
Boris"
y Ella Skikne, una familia judía de la ciudad de Joniškis, Lituania. A los cinco años, su familia emigro a Sudáfrica donde tuvo el nombre de Harry. El futuro Harvey creció en Johannesburgo y fue en esa época cuando conoció el mundo de la interpretación entreteniendo al ejército sudafricano durante la Segunda Guerra Mundial. Después de trasladarse en Londres, se apuntó en la Royal Academy of Dramatic Art donde fue conocido con el nombre de Larry, perfeccionando su nombre artístico hasta el de "
Laurence Harvey"
, inspirado en el nombre de la tienda de Harvey Nichols, Harvey's Bristol Cream.

Después de interpretar diferentes papeles, el primer papel importante de Harvey llegaría con la película de 1959 de la mano del director Jack Clayton con Un lugar en la cumbre. Por este papel, Harvey recibiría una nominación a los premios BAFTA y otra al Oscar al mejor actor, convirtiéndose en el primer lituano en recibir una nominación.

Durante la década de los 50 y los 60, Harvey apareció en diferentes proyectos, entre los que se incluyen Una mujer marcada (1960), El Álamo (1960), La gata negra (1962), EL precio de la muerte (1963) con Lee Remick, Darling (1965) y la afamada El mensajero del miedo (1962), por el que sería mundialmente conocido. También interpretaría el papel de Rey Arturo en el musical de Alan Jay Lerner y Frederick Loewe Camelot.

En 1968, en plena disputa por los derechos con Woodfall Films por La carga de la brigada ligera (1968), Woodfall lo eligió como el príncipe ruso. El realizó el papel, aunque nunca vio los resultados. En 1973, Harvey moría víctima de un cáncer de estómago.

Peter Finch




Peter Finch (28 de septiembre de 1916 - 14 de enero de 1977) fue un actor británico. Nació como Frederick George Peter Ingle-Finch en Londres y vivió en su infancia en Francia, en la India, y finalmente en Australia, país nativo de sus padres, donde su familia se instaló en Sydney. Después de terminar sus estudios escolares, tuvo varios empleos mal retribuidos, hasta que probó la interpretación.

En 1935 Finch comenzó a actuar en algunas obras teatrales y trabajó también en la radio. Tres años después fue contratado para su primera película. Una vez terminado el rodaje volvió al teatro, donde le vio Laurence Olivier, quien le animó a volver a Londres para actuar en los teatros de allí. Finch siguió su consejo y se trasladó a Londres, donde tuvo una relación amorosa con la esposa de Olivier, Vivien Leigh.

A pesar de la experiencia que Finch ya había adquirido en la interpretación teatral, sufría del temor al escenario, por lo que se orientó definitivamente hacia el cine. En 1949 hizo su primera película inglesa. Un año después debutó en Hollywood, en el film The Miniver Story, aunque hasta 1956 no llegó la gran oportunidad que le daría fama. Fue con la película A Town Like Alice. En 1972 fue nominado al Oscar como mejor actor principal por su papel de médico judío homosexual en Sunday, Bloody Sunday.

Ganó el Oscar al mejor actor principal en 1977 por su interpretación de un presentador de televisión que sufre ataques de locura en Network. Desgraciadamente Finch ya había fallecido, y el premio lo recogió su viuda. En Inglaterra Finch había ganado cinco premios de la Academia Británica de Cine. Murió de un ataque al corazón cuando se encontraba en una gira promocional de Network. Finch estuvo casado en tres ocasiones. Los dos primeros matrimonios terminaron en divorcio. Tuvo cuatro hijos de sus tres matrimonios.

Albert Finney




Albert Finney (Londres;
9 de mayo de 1936), es un actor británico de larga trayectoria filmográfica.

Albert Finney nació el 9 de mayo de 1936 en Londres, fruto del matrimonio entre un corredor de apuestas y una ama de casa, cuyo nivel adquisitivo le impidió formarse en un collage ni en ninguna universidad. En cambio pronto se decantó por el mundo de la interpretación, estudiando en la Saldford Grammar School y la Royal Academy Dramatic Arts.

Finalizado su proceso de aprendizaje ingresó en 1955 en la Birmighan Reportory Company. Tres años después, dirigido por Charles Laughton, actuó en el West End londinense en la obra The Party. Acto seguido entró a formar parte del elenco de la Royal Shakespeare Company, con la cual representó obras como Macbeth, Otelo, El rey Lear o Julio César. Por esas fechas tuvo un hijo con su mujer Jane Wenham, de la que se divorciaría en el año en el que se produjo su debut en el cine: 1961.

Tras un pequeño papel en El animador, el principio de su colaboración con Tony Richardson, en Sábado noche, domingo mañana logró una gran oportunidad. Su Arthur Seaton, rebelde e impulsivo, le convirtió en palabras de críticos como Juan Tejero en el héroe de la clase obrera, en el prototipo masculino viril y rudo cuyas facciones se suavizaban relativamente con sus ojos azules. Junto a Tom Courtnay, Alan Bates y David Hemmings se convirtía de esta manera en una de las cabezas visibles del Free Cinema, en uno de los actores dispuestos a tambalear las instituciones junto con sus homólogas femeninas, entre ellas Vanessa Redgrave.

Al año siguiente David Lean le contrató para Lawrence de Arabia. Empero su alcoholismo así como su mala relación con el actor provocaron su despido en beneficio de Peter O'Toole, otro intérprete que acusaba su misma enfermedad...

El incidente no pasó de ligero contratiempo en su ascenso: Tony Richardson se acordó de él para Tom Jones, en la que Finney interpretó al insolente, desenfadado, mujeriego, pícaro protagonista. Su interpretación fue recompensada con la Copa Volpi al mejor actor en el Festival de Venecia, el Globo de Oro al mejor actor revelación, un BAFTA y la primera de sus cinco candidaturas a los Oscar.

Tras saborear las mieles de éxito, Finney empezó a expresar en sus intervenciones cinematográficas y teatrales cierta alegría de vivir. Sin ir más lejos su siguiente trabajo fue la comedia Mucho ruido y pocas nueces, dirigida por Franco Zeffirelli, con música de Nino Rota y coprotagonizada por Lynn Redgrave, Maggie Smith, Derek Jacobi y Robert Stephens. Corría el año 1965.

Doce meses después, Stanley Donen lo reclutó para la comedia dramática Dos en la carretera, en la que un matrimonio en vías de separación (Mark y Joanna Wallace) rememora sus viajes, sus buenos momentos en un hotel en el que comieron en su habitación porque no tenían dinero para pagar ningún almuerzo, sus aventuras adúlteras, las miles de ocasiones en el que Mark perdía su pasaporte y Joanna lo encontraba al instante... Su compañera de reparto fue Audrey Hepburn.

En 1967 dirigió su único filme como realizador, Charlie Bubbles, coprotagonizada por Billie Whitelaw y Liza Minelli, y financiada por su propia productora: Memorial Enterprise.

En 1970 se casó con la actriz Anouk Aimée. Ese año ejecutó su último trabajo cinematográfico destacable en media década: el ávaro de Muchas gracias, Mr. Scrooge, adaptación del Cuento de Navidad de Charles Dickens, que le valió su segundo Globo de Oro.

A partir de entonces centró su actividad en el teatro hasta que en 1974 Sidney Lumet lo eligió para protagonizar Asesinato en el Orient Express. Su trabajo de un Monsier Poirot culpable de encubrimiento a la justicia rebosó en palabras de la crítica de ironía y energía. Su composición, inspirada en las interpretaciones histriónicas de Charles Laughton, le valieron sendas candidaturas a los Oscar y a los BAFTA.

Después regresó a las tablas con una versión de Hamlet para el National Theater en 1976. En cine ejecutó un par de intervenciones en los filmes el El hermano más listo de Sherlock Holmes y Los duelistas, cuyo estreno coincidió con su divorcio con Anouk Aimé. Ahora bien rehusó repetir el papel de Poirot en Muerte en el Nilo, horrorizado ante la idea de sufrir los efectos del maquillaje en un país tan caluroso como Egipto. Peter Ustinov finalmente le sustituyó.

En los ochenta, en cambio, prefirió vivir básicamente del cine. En Annie encarnó a un millonario que adoptaba a una huérfana que cantaba junto al presidente Franklin Rooselvelt (Edward Herrmann) la canción Mañana, mañana. Tras este trabajo alimenticio obtuvo dos candidaturas al Oscar consecutivas con La sombra de un actor y Bajo el volcán, donde coincidió por tercera vez con Jacqueline Bisset. Así mismo compartió protagonismo en Shoot the Moon con Diane Keaton.

Finaliza la década con Un ángel caído y Muerte entre las flores, en la que Finney interpretó a Leo un hombre cuya mujer (Verna: Marcia Gay Harden) le traiciona con su amigo Tom (Gabriel Byrne), reaccionando con una excepcional tolerancia.

Durante los noventa Finney aceptó papeles en películas de bajo presupuesto como Playboy, en la que se puso en la piel de un maduro violador que amargaba la vida a Robin Wright y a Aidan Quinn o La versión Browning, en la que encarnó a un profesor cuya mujer (Greta Scachi) mantiene una aventura con un docente más joven (Mathew Modine), a su vez más popular entre los estudiantes.

Tras ejercer de secundario de lujo en Washington Square -junto a Maggie Smith- y en Desayuno con campeones, se inició su asociación con Steven Soderbegh en Erin Brockovich, en la que interpretó a Ed Marsy, un abogado de vueltas de todo, superviviente de un cáncer y de un divorcio, que renueva su ilusión al conocer a una mujer que le irrita profundamente que desafía sus convicciones. La Screen Actors Guild le reconoció como el mejor actor de reparto: el Oscar se le volvió a escapar, pero por poco...

En 2003 Tim Burton le regaló un papel bombón en Big Fish: su Ed Bloom es un ser fantasioso que sabe hablar de la realidad a través de la fabulacíón y la imaginación para sobrellevar una existencia no del todo satisfactoria por la continúa desaprobación de su hijo. Satisfecho con el trato con el realizador, aceptó poner voz a uno de los personajes de la cinta de animación Corpse Bride.

Oliver Reed




Robert Oliver Reed (13 de febrero de 1938 - 2 de mayo de 1999) fue un actor inglés. Entre sus mejores películas se encuentran Oliver!, Mujeres enamoradas, Club de asesinos, Los demonios, Georgina, Tommy, Los tres mosqueteros, Pesadilla diabólica, Cromosoma tres, Robinson Crusoe por un año, Las aventuras del Barón Munchausen, León del desierto, y Gladiator.

Nacido en Wimbledon, Londres, hijo del periodista deportivo Peter Reed y su esposa Marcia. Fue el sobrino del director de cine Carol Reed y el bisnieto del actor y director de teatro Herbert Beerbohm Tree, cuya esposa se llamaba May Pinney Reed. Además era también descendiente directo del rey inglés Guillermo IV y de su esposa, la actriz Dorothy Jordan. Oliver fue disléxico en su infancia y fue expulsado varios colegios privados. Participó en el día de los deportes del Ewell Castle School, donde ganó varias trofeos. Después se fue de fiesta con las copas en una bolsa. Cuando al amanecer del día siguiente volvía de la fiesta a casa, fue detenido por la policía por supuesto robo de trofeos. Su padre tuvo que viajar para explicar que él era un buen deportista.

Empezó en el mundo de la actuación participando como extra en varias películas de los años 50 y nunca antes había estudiado en ninguna academia de arte dramático, ni tenía experiencia en teatro. Era gran admirador de Errol Flynn. Su primeros papeles destacados fueron en películas de la Hammer, como Zafarrancho en la marina, Las dos caras del Dr. Jekyll (ambas de 1960), La maldición del hombre lobo (1961), El alucinante mundo de los Ashby y The Dammed (ambas de 1963). Su primera colaboración con el director Ken Russell fue en 1965 haciendo el papel de Claude Debussy, después del cual llegaría su famoso rol en la película Mujeres enamoradas (1969), en la cual sale luchando desnudo con Alan Bates;
en 1971 participó en la controvertida película Los demonios y cuatro años después en el musical Tommy, basado en el disco de The Who, Tommy. En esta última película también participó el cantante de la banda británica, Roger Daltrey. Entre el periodo de películas con Ken Russell, hizo de Bill Sikes (protagonista de la novela de Charles Dickens, Oliver Twist), en el musical basado en la película de su tío Carol Reed, también llamdo Oliver!. Con el director Michael Winner realizó El sistema (1964) y El último obstáculo (1969).

Hizo de Athos en la trilogía sobre la novela de Alejandro Dumas, Los tres mosqueteros, en las películas Los tres mosqueteros (1973), Los cuatro mosqueteros (1974) y El retorno de los mosqueteros (1989). En 1977 participó en El príncipe y el mendigo como Miles Hendon, acompañado de Rachel Welch, y dos años después volvió al horror en Cromosoma tres, en el papel del Dr. Hal Raglan. Al año siguiente participó en un pequeño pero vital papel, en The big sleep, solo porque quería aparecer junto con su admirado Robert Mitchum.

En los años 80 la carrera de Reed bajó, aunque hizo papeles notables como el del General Rodolfo Graziani, en la película sobre la Segunda Guerra Mundial León del desierto (1981), junto con Anthony Quinn, y la también histórica Clash of Loyalties, la cual trata sobre la revolución en Iraq contra los británccos en 1920, donde realiza el papel de un General británico. Sus últimos mejores papeles fueron en las películas Las aventuras del Barón Munchausen (1988), haciendo del dios Vulcano, La isla del tesoro, como el capitán Billy Bones, Los comediantes (1995) y su última película Gladiator (2000), en el rol de Próximo, en cuyo rodaje murió. A causa de su muerte la compañía tuvo que gastarse 3 millones de dólares para recrear su cara digitalmente para la última escena.

Cuando el gobierno del Reino Unido subió los impuestos de ganacias personales, Reed inicialmente declinó en exiliarse a Hollywood o a otros países con impuestos menos severos. Durante este tiempo el se declaró como "
Mr. England"
y rechazó grandes papeles en películas como El golpe (1973) y Tiburón (1975). Sin embargo en el obituario del Dayly Telegraph anotaba que a finales de los años 70 finalmente se vio obligado a llevar su dinero a las Islas del Canal donde obtenía mayor benefios fiscales.

Oliver Reed pudo haber protagonizado el rol de James Bond. En 1969, los productores Albert R. Broccoli y Harry Saltzman, reemplazaron a Reed por Sean Connery, a causa de su mala reputación pública y de sus desmanes alcohólicos. Posteriormente se ha dicho que fue una gran oportunidad perdida, por haber sido una de las mejores películas británicas después de la Segunda Guerra Mundial.

En 1959 se casó con Kate Byrne, y tuvieron un hijo, Mark, antes de su divorcio en 1969. También convivió con la bailarina Jackie Daryl, con la que tuvo una hija, Sarah. En 1985 se casó de nuevo, ahora con Josephine Burge, con la que estuvo hasta su muerte.

Oliver Reed fue famoso por sus excesivas borracheras, que adoptó de la actitud "
social"
de muchos equipos de rugby de los 60 y 70, y eran numerosas las anécdotas de Reed y de sus 36 amigos, como en la que bebieron hasta el amanecer 36 jarras de cerveza, 32 botellas de whisky escocés, 17 botellas de ginebra, cuatro cajas de vino y una botella de Babycham. También uno o dos días antes de casarse con Josephine Burge, él bebió 106 pintas de cerveza. Steve McQueen contó que en 1973 había viajado hacia el Reino Unido para discutir con Reed, el proyecto sobre una película. Steve fue invitado por Reed a salir por los pubs de Londres;
la juerga acabó cuando Reed vomitó encima de McQueen.

Reed apareció frecuentemente en televisión en estado de embriaguez como en la vez en la que fue forzado a irse del programa del canal Channel 4, After Dark, por ir bebido y por intentar besar a la feminista Kate Millet. En otra ocasión se bajó los pantalones durante una entrevista.

Fue más feliz en compañía de gente humilde y anónima que con gente rica y famosa, aunque uno de sus grandes amigos fue el batería de The Who, Keith Moon.

En sus últimos años, podía ser visto frecuentemente bebiendo junto con su mujer Josephine, en el bar White Horse Hotel en the High Street en Dorking, Surrey. Tuvo que vender su gran casa 'Broome Hall', entre los pueblos de Coldharbour y Ockley, algunos años antes.

Murió repentinamente de un ataque al corazón en la capital de Malta, La Valletta, durante el rodaje de su última película, Gladiator, después de haber bebido tres botellas de ron jamaicano, ocho botellas de cerveza alemana, numerosos whiskies dobles y reto a echar pulsos a cinco jóvenes marinos ingleses de la Royal Navy, en el bar "
The Pub"
(después de este hecho se le llamó "
Ollie's Last Pub"
, "
El último pub de Ollie"
). Su funeral se realizó en Buttevant, County Cork, Irlanda. La canción "
Consider Yourself"
de Oliver! fue tocada en su funeral.

Marlon Brando



Marlon Brando (Omaha, 3 de abril de 1924 – Los Angeles, 1 de julio de 2004) fue un actor estadounidense ganador del premio Oscar. Nació y creció en Omaha, en el estado de Nebraska, con el nombre de Marlon Brando, al igual que su padre. Considerado el máximo exponente del Method Acting (Actuación de método) y conspicuo discípulo del Actor's Studio y su ideólogo Lee Strasberg.

Su madre era una mujer muy cordial que actuaba en el teatro local, y que despertó el interés del niño por la interpretación. Brando tuvo desde pequeño el don de observar a la gente e imitar sus gestos, lo cual hacía llevándolos al extremo. Fue un adolescente rebelde, y fue expulsado de varios colegios. Su padre lo reprimía por ello, pero le animó a buscar su propio camino. Brando marchó a Nueva York, donde estudió interpretación primero en la New School y después en el famoso Actor's Studio.

Terminada su formación, comenzó a trabajar en varios teatros de temporada, hasta que en 1944 consiguió un papel en Broadway. En 1946, y antes de hacerse un nombre en el círculo teatral, llamó la atención en una pequeña obra llamada Truckline Cafe. La actuación de Brando fue realista al punto de que la crítica Pauline Kael llegó a creer que el actor estaba sufriendo un ataque en el escenario. Pocos años después, se convirtió en una estrella del teatro cuando interpretó la obra de Tennessee Williams Un tranvía llamado deseo, dirigida por Elia Kazan. Brando sabía que Williams estaba realizando entrevistas para elegir los actores para su obra y lo fue a ver, con el resultado de que obtuvo el papel protagonista.

Su primera aparición en el cine la tuvo en 1950 en la película The Men, una historia sobre veteranos de guerra convertidos en minusválidos. Fiel a su método de analizar los personajes que interpretaba para actuar en consonancia con ellos, Brando pasó un mes en un hospital militar para preparar su papel.

El actor interpretó a un soldado herido en batalla, paralizado de la cintura hacia abajo. En este primer filme, logró impresionar con una interpretación sensible e introspectiva. En los primeros años en el cine, Brando manifestó una falta de interés total por las convenciones de la industria cinematográfica, actuando según su propio criterio. Con ello influyó a otros actores como James Dean, Paul Newman, y más tarde también Robert De Niro.

Brando tuvo un éxito mucho mayor cuando actuó en la película de 1951 Un tranvía llamado deseo, basada en la obra teatral que ya había interpretado. En el filme compartió roles con Vivien Leigh, Karl Malden y Kim Hunter. Fue nominado al Oscar como mejor actor principal por esta película, y los tres años siguientes recibió otras tantas nominaciones por su actuación en Viva Zapata, Julio César y On the Waterfront. Por esta última película Brando ganó el Oscar.

Con base en estos éxitos, la carrera de Brando siguió en ascenso. En los años siguientes intervino en varias películas de géneros diversos, incluida la comedia, como en La casa de té de la luna de agosto, en la que da vida a un japonés que hace de intérprete para las fuerzas de ocupación americanas. Sin embargo, al final de los años cincuenta sus interpretaciones comenzaron a decaer. Brando parecía haber perdido su fuerza expresiva y las pautas que él mismo había establecido para su trabajo y que le habían dado tan buen resultado.

En los años sesenta la carrera de Brando decayó aún más. Sus actuaciones carecieron de toda inspiración, como en Rebelión a bordo y otras películas en las que intervino. A pesar de que conservaba su prestigio de las primeras películas, su popularidad había alcanzado un punto mínimo. Tampoco los productores y los directores confiaban en él, debido a sus interpretaciones mediocres y a su condición de actor difícil. Sin embargo había excepciones, como Arthur Penn, quien le reconocía como un gran actor.

Las cosas cambiaron para Brando cuando se le presentó la oportunidad de interpretar al jefe de una familia mafiosa en El Padrino, basado en una novela de Mario Puzo. Fue Brando quien insistió en que se hiciera una prueba filmada del personaje interpretado por él, y se ocupó personalmente del maquillaje. El director Francis Ford Coppola quedó impresionado por Brando caracterizado como Vito Corleone y tuvo que luchar por convencer a los productores para que aceptasen a Brando para este papel.

Por esa interpretación Brando consiguió su segundo Óscar. En esta ocasión Brando rechazó el Óscar, lo cual ocurrió por segunda vez en la historia de Hollywood (la primera vez la había rechazado el actor George C. Scott). En lugar de recoger el premio, Brando envió a la ceremonia a una actriz estadounidense de origen indio, que se manifestó en contra del tratamiento que recibía su pueblo en las películas de Hollywood.

Desde entonces la trayectoria de Brando fue muy irregular. Apareció en algunas buenas películas, y también en otras de poca relevancia. Interesante fue su caracterización como Tomás de Torquemada en Cristóbal Colón: el descubrimiento. Siguió siendo considerado como un gran actor, por lo que intervino también en películas en las que apareció sólo unos pocos minutos. Destaca Don Juan de Marco, donde aleccionaba en cuestiones de amor a Johnny Depp, con quien forjó amistad en la vida real. En dicha película, tuvo por partenaire a Faye Dunaway.

En 2001 apareció en el corto (videoclip) para la canción You rock my world de Michael Jackson.

Marlon Brando murió el 1 de julio de 2004 en Los Ángeles, California a la edad de 80 años.

En 2006, gracias a la tecnología, reaparece como Jor-El, el padre de Superman, en la película Superman Returns. Ello fue posible porque se reutilizaron descartes de su participación en la primera película de la saga, de 1978.

Brando fue expulsado de la Academia Militar de Shattuck a los 17 años por mal comportamiento. Luego de esto, decidió seguir a su hermana Dorothy a Nueva York, para estudiar teatro con Stella Adler, discípula del director ruso Konstantin Stanislavski. El temperamento tormentoso de Brando salió a la luz pública cuando se exhibió la terrible relación que sostenía con su dominante e irritante padre, quien nunca le reconoció sus logros actorales, y que fue muy tensa hasta el final de su vida.

Brando estuvo casado en tres ocasiones y fue padre de nueve niños. Su primer matrimonio con Anna Kashfi fue públicamente tormentoso y duró dos años y el segundo con Movita ocho. Su tercera esposa fue Tarita, la mujer tahitiana que interpretó a su compañera en El motín del Bounty. A raíz de esa película Brando se enamoró también de Tahití y adquirió una pequeña isla en el archipiélago, donde vivía cuando sus obligaciones profesionales se lo permitían. Con Tarita también tuvo problemas a pesar de los esfuerzos de Tarita por conservar su matrimonio. Tarita, una vez separada, reveló las intimidades matrimoniales de su fracasado matrimonio, Brando aunque aparentó no dar importancia a lo dicho, nunca se reconcilió. Participó en muchas actividades en defensa de la situación de los negros afroamericanos y también de la defensa del indio aborigen norteamericano, logrando codearse con Richard Nixon y los Kennedy en algún momento.

En el año 1990 vive una de sus más grandes tragedias personales. El novio de una de sus hijas es asesinado en la residencia familiar de Mulholland Drive. La situación se convirtió en un circo mediático cuando a Christian (su hijo primogénito nacido de su primer matrimonio), el mayor de los hijos de Brando, se le acusa de ser el autor material del homicidio. El episodio marca profundamente a su entorno familiar: Christian fue obligado a cumplir seis años de prisión y Cheyenne se suicida cinco años más tarde.

Falleció el 1 de julio de 2004 en Los Ángeles, a los 80 años producto de una fibrosis pulmonar, sin embargo Brando será siempre considerado una leyenda del séptimo arte. Sus restos fueron cremados en un lugar que no fue revelado por petición expresa de su familia.

Gina Lollobrigida



Gina Lollobrigida (4 de julio en 1927) es una actriz italiana en Subiaco (Italia).

Lollobrigida fue una de las cuatro hijas de de un manufacturero de muebles (sus hermanas son Giuliana, Maria y Fernanda). Pasaron su juventud en una pintoresca villa montañosa de Italia. Tras la Segunda Guerra Mundial la familia se traslada a Roma y allí empieza ella estudios de arte (pintura y escultura). Ya en su adolescencia Gina hizo algunos pases de modelo, y participó con éxito en diversos concursos de belleza. Ya por esta época, ella empezaba a aparecer en filmes en Italia. En el año 1947 logró la tercera posición en el concurso de Miss Italia. El concurso fue ganado por Lucia Bosé y el segundo puesto recayó en Gianna Maria Canale. Este evento fue muy importante para la carrera de la actriz ya que le dio un renombre que le abiría las puertas del éxito.

Se rumoreó que tras verla en un film, el excéntrico millonario Howard Hughes voló desde Hollywood en 1947 para verla, pero esta visita no hizo que ella se trasladara a los Estados Unidos. En su lugar permaneció en Italia y en 1949 se casa con un físico eslovaco llamado Milko Skofic (con él tendría un hijo, Milko Skofic jr, pero se divorció en 1971). Su aparición en filmes italianos atrajo la atención de los productores de Hollywood y provocó que ella hiciera su primer film estadounidense, Beat the Devil, en 1953. A medida que su fama iba creciendo, Lollobrigida ganaba más adeptos para ser "
la mujer más bella del mundo"
.

Hizo una aparición notable en el film Trapecio con Burt Lancaster en 1956 y protagonizó Nuestra Señora De París el mismo año. En 1959 ella co-protagonizó con Frank Sinatra Never So Few (de esta película se rumoreó que tuvo un affaire con Sinatra) y en 1961 hizo uno de los más populares films, Cuando llegue septiembre, con Rock Hudson.

Co-protagonizó con él en 1965 Strange Bedfellows y apareció con Alec Guinness en el film de 1966 Hotel Paradiso. En 1968 protagonizó Buona Sera, Señora Campbell con Shelley Winters, Phil Silvers y Telly Savalas. En los años 1970s su carrera fílmica se resintió e hizo sólo algunas apariciones, en unas pobres producciones.

En esta época se embarcó en la que llegaría a ser una exitosa carrera de periodista fotográfica. Ella fotografió entre otros, a Paul Newman, Salvador Dalí y al equipo nacional de futbol alemán, y llegó a tener una entrevista periodística en exclusiva con Fidel Castro. En 1973 se publicó una colección de trabajos en Italia Mia.

Se estuvo dedicando a otros intereses, incluyendo la escultura, y fue en el año 1984 cuando retornó a las pantallas de televisión de America formando parte de algunos capítulos de Falcon Crest. Hizo algunas apariciones menores en los 1990s y en 1999 ella no salió bien parada en las elecciones al Parlamento Europeo ya que no logró ninguno de los 87 asientos asignados a Italia. Tuvo además cargos en empresas de cosmética y de moda.

Virtualmente retirada de los escenarios, no ha realizado un film desde el 1997. En abril de 2000 menciona en la Parade magazine: "
Estudié pintura y escultura en la escuela y me hice actriz por error.... He tenido muchos amantes y romances. Estoy muy cansada. En toda mi vida sólo he tenido demasiados amantes"
.

En octubre de 2006 a la edad de 79 anuncia a la revista del corazón española ¡Hola! el romance con el empresario catalán Javier Rigau y Rafols de 45 años y su intención de casarse a finales de año. Parece ser que se encontraron en una fiesta en el año 1984 y los dos tuvieron posteriormente citas , si bien muchas fuentes pusieron en duda tal afirmación, por la corta edad de Rigau. La fecha de la boda se fijó para el 6 de diciembre de 2006 debido a la presión insistente de los medios, pero luego se suspendió y la relación se rompió, según ellos porque el acoso periodístico la dificultaba.

Adolphe Menjou



Robert Young, Betty Gable y Adolphe Menjou.

Adolphe Jean Menjou fue un actor estadounidense, nacido el 18 de febrero de 1890 en Pittsburgh, Pennsylvania, y fallecido el 29 de octubre de 1963 en Beverly Hills, Los Ángeles. En 1931 fue nominado al Oscar al mejor actor, aunque no ganó la estatuilla.

Adolphe Menjou nació en una familia de origen francés, en la ciudad de Pittsburgh, estado de Pennsylvania, en Estados Unidos, el 18 de febrero de 1963.

Educado en algunas escuelas militares, como la Academia Militar Culver, y pensando en dedicarse profesionalmente a la carrera militar como ingeniero militar, completó estudios en la Universidad de Cornell, Nueva York. Debutó en la escena en el mundo teatral, con papeles en el vodevil, para dedicarse al cine (mudo, por supuesto) en 1914.

Prácticamente toda su filmografía lo es como secundario, teniendo siempre papeles adecuados a su físico, que no le permitía acceder a papeles del típico galán de Hollywood.

La Primera Guerra Mundial supuso un pequeño parón para su carrera cinematográfica, ya que se unió al Ejército de los Estados Unidos como ingeniero militar, con el grado de oficial, lo que posteriormente contribuiría a ayudarle a desempeñar con soltura determinados papeles relacionados con la nobleza o el ámbito militar.

Adolphe Menjou no tuvo problemas con el paso del cine mudo al sonoro, como sucedió con varios actores y actrices, aunque sí es verdad que su carrera cinematográfica sufrió un pequeño parón momentáneo.

En la década de los años 50 se produce su definitivo declive, debido a que, por sus ideas conservadoras colaboró en la llamada caza de brujas organizada por el Comité de Actividades Antiamericanas del senador Joseph McCarthy, que le alejó de los sectores progresistas cinematográficos americanos.Al parecer llegó a declarar que los actores que acusaba, por sus gestos, miradas o formas de hablar transmitían ideas comunistas. También afirmó que los comunistas americanos debían ser enviados a los desiertos de Texas para que les matasen los texanos.

Falleció en Beverly Hills (Los Ángeles), en California, por causa de una hepatitis.

En 1947 había publicado It Took Nine Tailors , su autobiografía.

Matrimonios:

1º Su primer matrimonio fue con Katherine Kinsley.

2º En 1928 contrajo un segundo matrimonio, con la actriz Kathryn Carver, de quien se divorció en 1934.

3º Igualmente en 1934 contrajo nuevo matrimonio con la también actriz Verree Teasdale, con la que había compartido reparto en algunas películas.

Rita Moreno



Rita Moreno (n. 11 de diciembre de 1931, Humacao, Puerto Rico) es la primera y hasta la fecha, única actriz hispana que ha ganado un Emmy, un Oscar, un Grammy y un Tony.

Moreno se trasladó a Nueva York junto con su madre a los cinco años de edad. A los 11, prestó su voz para las versiones en castellano de las películas americanas. A los 13 años ya tuvo su primer papel en Broadway, lo que llamó la atención de los cazatalentos de Hollywood. Los siguientes diez años, Moreno interpretó papeles en películas que ella consideraba degradantes.

Finalmente, en 1961 consiguió el papel de "
Anita"
en la adaptación que realizó Robert Wise del éxito de Broadway "
West Side Story"
, que habían compuesto Leonard Bernstein y Stephen Sondheim. La historia narra la relación entre un chico y una chica que pertenecen a dos grupos distintos en un barrio de Nueva York a finales de los años 50. Moreno saltó a la fama y ganó el Oscar a la mejor actriz de reparto ese año, siendo la primera hispana en ser nominada y en recibirlo de la historia. En 1985 ganó el Premio Sarah Siddons por su trabajo en los teatros de Chicago.

Moreno apareció en películas como "
Cantando bajo la lluvia"
(1952), "
El rey y yo"
(1956) o "
Conocimiento carnal"
(1971). Durante los años 70 y 80 apareció en la serie infantil de la PBS "
The Electric Company"
y en el programa "
The Muppet Show"
. También ha hecho apariciones como invitada especial en series de televisión como "
Los casos de Rockford"
, "
Vacaciones en el mar"
, "
La hora de Bill Cosby"
, "
Las chicas de oro"
o "
Corrupción en Miami"
. Además fue uno de los personajes de la comedia de situación "
Nine to Five"
, basada en la película del mismo nombre, entre 1982 y 1983.

A mediados de los 90, prestó la voz al personaje de dibujos animados Carmen Sandiego en la serie de televisión "
Where on Earth Is Carmen Sandiego?"
. A finales de esa década, volvió a ganar popularidad al interpretar el papel de la hermana Peter Marie, una monja que trabaja como psicóloga en la serie de la HBO, Oz.

Entre sus múltiples premios y reconocimientos, se encuentran los siguientes:

1º Oscar a la mejor actriz de reparto por "
West Side Story"
(1961).

2º "
Premio Joseph Jefferson"
como mejor actriz de teatro de Chicago (1968).

3º Grammy por el disco "
The Electric Company Album"
(1972).

4º Premio Tony a la mejor actriz por "
The Ritz"
(1975).

5º 2 Emmys por "
The Muppet Show"
(1977) y "
The Rockford Files"
(1978).

6º Premio Sarah Siddons por su interpretación de Olive Madison en la versión femenina de la obra "
La extraña pareja"
.

7º"
Premio Especial"
del International Latin Music Hall of Fame (2001).

8º"
Medalla Presidencial de la Libertad"
otorgada por el Presidente George W. Bush en junio de 2004.

9ºEstrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en el 7083 de Hollywood Blvd.

El 18 de junio de 1965, Moreno se casó con Lenny Gordon, quien todavía es su marido y manager. La pareja tiene una hija, Fernanda (Gordon) Fisher.

Dick Powell



Dick Powell y su hijo Norman.

Richard Ewing "
Dick"
Powell (14 de noviembre de 1904 – 2 de enero de 1963) fue un cantante, actor, productor, y director cinematográfico estadounidense.

Nacido en Mountain View, Arkansas, Powell estudió en la Universidad de Arkansas en Little Rock, antes de iniciar su carrera como cantante con la Orquesta de Charlie Davis, con sede en el medio oeste. Grabó varios discos con Davis y, también por su propia cuenta, con el sello Vocalion Records a finales de los años veinte.

Powell emigró a Pittsburg, donde tuvo un gran éxito local como Maestro de Ceremonias en los teatros Enright y Stanley. En abril de 1930, Warner Bros. adquirió Brunswick Records, en ese momento propiedad de Vocalion. En Warner Bros. quedaron impresionados por el canto de Powell y por su aplomo en escena, por lo que le ofrecieron un contrato cinematográfico en 1932. Debutó en el cine como cantante líder de banda en Blessed Event (Grata compañía). Siguió interpretando el papel de joven crooner en musicales tales como 42nd Street (Calle 42), Footlight Parade (Desfile de candilejas), Gold Diggers of 1933 (Vampiresas 1933), Dames (Música y mujeres), Flirtation Walk (La generalita), y On the Avenue, a menudo trabajando junto a Ruby Keeler y Joan Blondell.

Powell deseaba a toda costa ampliar su repertorio, pero Warner Bros. se lo impedía. Finalmente, llegados los años cuarenta, y aceptando que sus días de joven romántico quedaban atrás, presionó para interpretar el primer papel en Double Indemnity. Perdió frente a Fred MacMurray, otro apuesto actor de Hollywood. El éxito de MacMurray, sin embargo, alentó la resolución de Powell de conseguir proyectos de mayor envergadura, y en 1944 fue elegido para trabajar en la primera de una serie de películas de cine negro protagonizadas por el detective privado Philip Marlowe. Esta película fue Murder, My Sweet (Historia de un detective), dirigida por Edward Dmytryk. Fue un gran éxito, y Dick Powell consiguió asentarse como actor dramático.

Al año siguiente, Dmytryk y Powell se volvieron a reunir para rodar Cornered (Venganza), un apasionante thriller que ayudó a definir el estilo del cine negro. Se hizo popular representando a "
tipos duros"
en películas tales como Johnny O'Clock y Cry Danger. Aún cuando trabajó con papeles más ligeros en filmes como The Reformer and the Redhead y Susan Slept Here (Las tres noches de Susana), ya nunca volvió a cantar en el cine.

Desde 1949 a 1953, Powell tuvo el papel principal del programa radiofónico de la NBC Richard Diamond, Private Detective. Se trataba de un programa semanal de 30 minutos de duración, en el que interpretaba a un simpático detective privado dotado con un gran ingenio.

En los años cincuenta, Powell produjo y dirigió varias películas de serie B y fue uno de los fundadores de Four Star Television, actuando y supervisando diversos programas para esa compañía. Su película The Enemy Below (Duelo en el Atlántico) (1957), basada en la novela de Denys Rayner, ganó un Oscar a los mejores efectos visuales.

Powell falleció en West Los Angeles, California, el 2 de enero de 1963 a causa de un linfoma, con 58 años de edad. Fue uno de los muchos miembros del rodaje de la película The Conqueror (1956) que fallecieron de la misma enfermedad. The Conqueror se filmó en Utah, cerca de un lugar dedicado a las pruebas atómicas. Se rumoreó, aunque no llegó a probarse, que la localización del rodaje pudo ser la causa de los cánceres que afectaron al personal de la producción. Dick Powell fue incinerado y su cenizas enterradas en el Columbarium of Honor en el Forest Lawn Memorial Park de Glendale, California.

Dick Powell estuvo casado en tres ocasiones:

1º Con Mildred Maund, de 1925 a 1927.

2º Con la actriz Joan Blondell. Se casaron el 19 de septiembre de 1936, y se divorciaron en 1944). Tuvieron dos hijos, Ellen y Norman, este último adoptado.

3º Con la actriz y cantante June Allyson. Se casaron el 19 de agosto de 1945. El matrimonio duró hasta el fallecimiento de Powell. Tuvieron dos hijos, Pamela (adoptada) y Richard Powell, Jr.

Ruby Keeler




Ruby Keeler, (25 de agosto de 1909 – 28 de febrero de 1993), fue una actriz, cantante y bailarina famosa principalmente por formar pareja en la pantalla con Dick Powell en una serie de exitosos musicales de la Warner Bros..

Su verdadero nombre era Ethel Hilda Keeler, y nació en Dartmouth, Nueva Escocia (Canadá). Tenía ascendencia irlandesa. Dos de sus hermanas fueron las actrices Helen y Gertrude Keeler.

Su padre era camionero, y cuando ella tenía tres años, su familia se trasladó a Nueva York a fin de conseguir una mejor situación económica.Sin embargo, al tener seis hijos la situación no mejoró demasiado, por lo que, aunque Keeler estaba interesada en aprender danza, su familia no pudo costear las clases.

Keeler estudió en las escuela parroquial St. Catherine of Siena, en el East Side de Nueva York, y una vez por semana recibió clases de baile en dicho centro. Su profesor vio el potencial de Keeler y habló con su madre para conseguir autorización a fin de que Ruby tomara lecciones en su estudio. Aunque la madre se negó, alegando falta de dinero, el profesor insistió y consiguió darle una lección semanal, todos los sábados.

Durante las clases, una compañera le habló sobre unas pruebas para formar parte de un coro femenino. Ruby solo tenía trece años, y la ley obligaba a tener dieciséis para poder trabajar, pero ocultó su edad en la prueba. Era una prueba de claqué, dirigida por Julian Mitchell (Ruby Keeler fue una de las primeras estrellas del claqué en el cine, con un estilo basado en el baile típico irlandés). Tras diversas vicisitudes, consiguió trabajar en la obra The Rise of Rosie O'Reilly (1923), de George M. Cohan, con la cual tuvo unas ganancias de 45 dólares a la semana.

Solo tenía 14 años cuando empezó a trabajar en el club El Fay propiedad de Texas Guinan, una taberna frecuentada por gangsters. Fue descubierta por el productor de Broadway Charles B. Dillingham, que le dio un papel en Bye Bye Bonnie, obra que se representó durante seis meses. Después trabajó en Lucky y The Sidewalks of New York, también producidas por Dillingham. En la última obra fue observada por Florenz Ziegfeld, que la hizo actuar en la comedia musical Whoopee!, en 1928. Antes de eso se casó con el famoso cantante Al Jolson. Se habían conocido en Los Ángeles, donde ella se encontraba participando en la campaña publicitaria de The Jazz Singer. Su encuentro fue breve, pero Jolson se enamoró. Tras un breve noviazgo se casaron en Pittsburgh el 21 de septiembre de 1928, mientras ella estaba de gira representando Whoopee!. Había una gran diferencia de edad, pues ella tenía 19 años y él 42, y el matrimonio fue difícil. Se trasladaron a California, con lo cual ella se alejó del primer plano. En 1929, urgido por Ziegfeld, Jolson accedió a que ella viajara a Nueva York para trabajar en el musical Show Girl.


En 1933, el productor Darryl F. Zanuck eligió a Keeler para la película musical de Warner Bros. 42nd Street (La calle 42), en la que actuó junto a Dick Powell y Bebe Daniels. La película fue un gran éxito gracias a la innovadora y lujosa coreografía de Busby Berkeley. Como resultado de su actuación en 42nd Street, Jack Warner dio a Keeler un contrato, con el cual pudo trabajar en éxitos tales como Gold Diggers of 1933 (Vampiresas 1933) y Dames (Música y mujeres) (1934).

Tras diversos problemas matrimoniales, Keeler y Jolson se divorciaron en 1940. Keeler volvió a casarse en 1941, con John Homer Lowe. No le interesaba ser una estrella cinematográfica, por lo que, feliz con su segundo matrimonio, Keeler dejó el mundo del espectáculo en 1941, y se dedicó a la crianza de sus cinco hijos. Lowe falleció a causa de un cáncer en 1969. En 1971, Keeler salió de su retiro para brillar en la reposición del éxito de Broadway No, No, Nanette, junto a Helen Gallagher y Patsy Kelly. La producción fue dirigida por el director de 42nd Street, Busby Berkeley. La gran popularidad de la obra supuso un renovado interés por los años veinte y treinta – particularmente el art deco, el claqué y las canciones de la época de la Depresión.

Ruby Keeler falleció a causa de un cáncer en Rancho Mirage, California, y fue enterrada en el Cementerio Holy Sepulcher en Orange, California. Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 6730 de Hollywood Blvd..

Patsy Kelly

Thelma Todd, Gary Owen, Fuzzy Knight and Patsy Kelly


Patsy Kelly (12 de enero de 1910 - 24 de septiembre de 1981) fue una actriz teatral y cinematográfica estadounidense.

Su verdadero nombre era Sarah Veronica Rose Kelly, y nació en Brooklyn, Nueva York, de familia irlandesa.

Debutó en Broadway en 1928. En 1930 y 1931, actuó para el productor Earl Carroll en sus populares musicales Sketches y Vanities. También actuó con el popular cómico teatral Frank Fay.

Kelly, al igual que otros actores neoyorquinos, debutó en el cine con un corto de la productora Vitaphone rodado en esa ciudad. En 1933 el productor Hal Roach contrató a Kelly para trabajar junto a Thelma Todd en una serie de cortos cómicos (Kelly reemplazaba a ZaSu Pitts, que dejó a Roach tras una disputa salarial). Los cortos de Todd y Kelly cimentaron la imagen de Patsy Kelly: una mujer descarada y ocurrente que con frecuencia pinchaba la pomposidad de otros personajes. Las últimas entregas de la serie exhibían las dotes bailarinas de Kelly. Thelma Todd falleció en 1935, y Kelly finalizó la serie, primero con Pert Kelton y después con Lyda Roberti.

Patsy Kelly después trabajó en el más ambicioso mundo de los largometrajes, a menudo interpretando personajes de la clase trabajadora en comedias y musicales.

En la vida real, el indiscreto estilo de vida de Kelly le supuso la expulsión de restaurantes y reuniones sociales. En ocasiones admitió públicamente ser lesbiana. En 1943 los productores se habían distanciado de la alocada Kelly, y solo encontró trabajo en Producers Releasing Corporation, el más pequeño y barato de los estudios cinematográficos. Entre sus últimos papeles están dos comedias de esa productora, My Son, the Hero y Danger! Women at Work.

Ella finalmente se hizo ama de llaves y amante de Tallulah Bankhead, diciendo que cualquier hombre atraido por ella debía ser un "
lesbo"
.

En televisión actuó en programas de gran audiencia como The Man from U.N.C.L.E, El Show de Dick Van Dyke, The Wild Wild West, y Alfred Hitchcock Presents, así como en varios episodios pilotos no vendidos. Patsy tuvo también una actuación memorable en el papel de "
Laura-Louise"
en la película Rosemary's Baby (1968), dirigida por Roman Polanski, junto a los veteranos actores Sidney Blackmer, Ruth Gordon, y Maurice Evans.

Volvió a Broadway en 1971 con la reposición de No, No, Nanette, junto a Ruby Keeler y Helen Gallagher. Patsy tuvo un gran éxito con su papel, y ganó un Premio Tony de 1971. El año siguiente superó ese éxito con el musical Irene, junto a Debbie Reynolds, y fue nominada nuevamente al Tony.

Kelly también actuó como el ama de llaves Mrs. Schmauss en el film de 1976 Freaky Friday, protagonizado por Jodie Foster y Barbara Harris.

Patsy Nelly falleció en 1981, a los 71 años de edad, en Woodland Hills (Los Ángeles), California, a causa de un cáncer.

Sal Mineo



Sal Mineo (10 de enero de 1939 - 12 de febrero de 1976) fue un conocido actor estadounidense y un icono sexual de su tiempo, a pesar de que tuvo una vida muy corta.

Salvatore Mineo Jr. nació en el Bronx el 10 de enero de 1939. Descendiente de emigrantes sicilianos, tuvo una infancia problemática: expulsado del colegio a la temprana edad de ocho años, formó parte de una pandilla dedicada a cometer varios robos. Sus padres, tratando de apartarle de las calles, le matricularon a los diez años en una escuela de baile, donde el joven Sal se apasionó de inmediato por el mundo de la danza y de la interpretación, dejando de lado a sus compañeros delincuentes.
En 1951, ya con varios años de experiencia profesional, consiguió debutar y destacar en Broadway gracias a producciones teatrales como "
La rosa tatuada"
y el musical "
El rey y yo"
. A mediados de la década dio el salto al cine con pequeños papeles en Atraco sin huella (1955), La guerra privada del Mayor Benson (1955) y especialmente Rebelde sin causa (1955). Su papel de Platón -el más recordado de toda su carrera- le llevó a la candidatura para el Oscar como mejor actor de reparto, que obtuvo finalmente Jack Lemmon por Escala en Hawai. De esta misma época son también los intentos del actor por convertirse en estrella del rock, llegando a grabar varios singles e incluso un LP, que cosecharon discretas ventas.

El éxito de Rebelde sin causa, lejos de lanzarle al estrellato, le consagró como idóneo para encarnar papeles secundarios en los que da vida a jóvenes perdedores marcados por un destino trágico.

De su carrera cinematográfica, poco fecunda, cabe destacar Gigante (1956) de George Stevens;
Marcado por el odio (1956) dirigido por Robert Wise;
Éxodo (1960), de Otto Preminger y El gran combate (1964), último western dirigido por John Ford.

A finales de los sesenta, cansado de interpretar personajes similares, Mineo regresó al teatro, donde no se limitó a actuar, sino que incluso puso en escena la obra Fortune and men's eye, de John Herbert, en 1969;
desarrolló una prolífica carrera televisiva de apariciones estelares en series como Los hombres de Harrelson, Misión: Imposible y Colombo.

Miembro asiduo de la crónica de sucesos hollywoodienses, su bisexualidad era de conocimiento público;
su novia Susan Ladin intentó suicidarse cuando la abandonó en 1967.

Sal Mineo fue acuchillado el 12 de febrero de 1976 cuando regresaba a su domicilio, falleciendo en el acto. Tenía 37 años. Su final coincidió tristemente con el tipo de papeles que acostumbró a dar en el cine.

No he podido resistirme a poner esta foto:

Sterling Hayden



Sterling Hayden (26 de marzo de 1916 – 23 de mayo de 1986) fue un actor y escritor estadounidense. Hayden se especializó en westerns y cine negro. Sus papeles más destacados son los del General Jack D. Ripper en Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (1964) o el del capitán McCluskey en El Padrino en 1972.

Nacido Sterling Relyea Walter en Upper Montclair, New Jersey;
era hijo de George y Frances Walter. Después de la muerte de su padre, fue adoptado a los nueve años por James Hayden, siendo rebautizado con el nombre de Sterling Walter Hayden. En su etapa de infancia, vivió en New Hampshire, Massachusetts, Pennsylvania, Washington D.C. y Maine. En este último sitio, estuvo estudiando en la Wassookeag School, en Dexter, Maine.

Hayden fue un aventurero y un hombre de acción, sin nada que envidiar a los personajes que interpretó más tarde en el cine. Cuando tenía 17 años, se fugó en un barco para ver el mar y se convirtió en un pescador en los grandes bancales de Newfoundland. Después, sirvió como marinero, dando la vuelta al mundo varias veces.

En los años 40, Hayden se convertiría en modelo y poco después firmaría un contrato con Paramount Studios. En su primer film, conocería a Madeleine Carroll, de la que se enamoraría y con quien se casaría. Pero después de un par de filmes, abandonaría Hollywood para servir como agente secreto a la órdenes de William J. Donovan en la OSS. Hayden se alistaría en el cuerpo de Marines bajo el nombre de John Hamilton (nunca con su auténtico nombre). Sus servicios en la Segunda Guerra Mundial incluyen asesoramiento técnico a los partisanos yugoslavos y como paracaidista en Croacia. Ganó la estrella de plata y un reconocimiento por la Yugoslavia del Mariscal Tito.

Su admiración por los partisanos comunistas hizo que pasara una breve temporada como miembro del Partido comunista de los Estados Unidos. De acuerdo con su biografía, en la caza de brujas colaboró con el Comité de Actividades Antiamericanas, confesando nombres de sus vínculos dentro del partido. Su mujer en ese tiempo, Betty De Noon, defendió a su marido argumentando que los nombres que citó su pareja ya figuraban en manos del Comité, que tenía una copia de la lista de miembros del Partido Comunista. En cualquier caso, Hayden repudió su propia colaboración con el maccarthismo.

En ese tiempo, Sterling Hayden empezaría su época dorada cinematográfica, siendo ya reconocida su figura. Así, protagonizaría films tan excepcionales como La jungla de asfalto, de John Huston, Johnny Guitar, de Nicholas Ray o Atraco perfecto, de Stanley Kubrick. Esa década dorada de los 50 acabó con el divorcio de su mujer Betty de Noon. El veredicto del juicio concedió al actor la custodia de los cuatro hijos de la pareja: Christian, Dana, Gretchen y Matthew.

En al década de los 60, Hayden se casaría con Catherine Devine McConnell, con la que compartiría su vida hasta su muerte y con la que tendría dos hijos (Andrew y David). En esa época, Hayden se retiraría del cine, viviría en su barco y escribiría su autobiografía titulada Wanderer y publicada en 1963.

En los 70, Hayden aparecería en el excelente papel de capitán McCluskey en El Padrino y posteriormente seguiría su carrera en la televisión en la cadena NBC, con The Tomorrow Show, con Tom Snyder. Hacia 1969, Hayden compró una embarcación en Holanda e iría viviendo entre París, Connecticut y su apartamento en Sausalito, California.

En 1986, Sterling Hayden moriría víctima de un cáncer de próstata en Sausalito, California, a la edad de 70 años.