ACTORES Y ACTRICES DE TODOS LOS TIEMPOS

Gladys Cooper




Dama Gladys Constance Cooper, miembro de la Orden del Imperio Británico (18 de diciembre de 1888 – 17 de noviembre de 1971) fue una actriz británica nominada a los Premios Oscar.
Cooper nació en el distrito de Lewisham. Su padre fue Charles William Frederick Cooper, y su madre Mabel Barnett. Tuvo dos hermanas. Debutó en el teatro en 1905 con Bluebell in Fairyland. No fue hasta 1922, sin embargo, que tuvo su primer éxito, en The Second Mrs. Tanqueray, de Arthur Wing Pinero. Intervino en Home and Beauty, de William Somerset Maugham, en Londres en 1919, y en The Letter (La carta), obra del mismo autor, en 1927. Su último gran éxito en el teatro fue en el papel de "
Mrs. St. Maugham"
en The Chalk Garden, de Enid Bagnold, un papel que representó en Londres y en Broadway. En 1967 trabajó nuevamente en Londres en una obra de Maugham, The Sacred Flame, y en 1971 volvió a representar The Chalk Garden en el Teatro Haymarket.

Al principio de su carrera teatral, fue criticada por ser estirada. Aldous Huxley rechazó su actuación en Home and Beauty: "
es demasiado impasible, demasiado rígida, actuando todo el tiempo como si fuera Galatea, todavía desacostumbrada a los modos de un mundo vivo."
Sin embargo Maugham la elogió por "
cambiar de ser una actriz indiferente a una extremadamente competente"
mediante su sentido común y trabajo.

También tuvo éxito en Hollywood en una variedad de papeles de carácter, y fue elegida frecuentemente para interpretar mujeres de la aristocracia de gesto desaprobador. Intervino en Rebeca, y fue nominada tres veces al Oscar a la mejor actriz de reparto por las siguientes actuaciones: como la patológicamente represiva madre de Bette Davis en Now, Voyager (La extraña pasajera);
como una monja escéptica en La canción de Bernadette;
y como "
Mrs. Higgins"
en My Fair Lady.

Estuvo casada en tres ocasiones:

1) Con el Capitán Herbert Buckmaster, en 1908. Tuvieron dos hijos, incluyendo a Joan Buckmaster (1910 – 2005), que se casó con el actor Robert Morley.

2) Con el baronet inglés Sir Neville Pearson (1927 – 1936). Tuvieron una hija, Sally Pearson (también conocida como Sally Cooper), que estuvo casada de 1961 a 1986 con el actor Robert Hardy.

3) Con el actor inglés Philip Merivale (30 de abril de 1937 – 12 de marzo de 1946). Vivió durante muchos años en Santa Monica, California, hasta la muerte de su esposo a los 59 años de edad a causa de una dolencia cardiaca. A causa de este matrimonio fue madrastra de John Merivale.

En sus últimos años volvió al Reino Unido. Trabajó junto a Wendy Hiller y Leo Genn en The Sacred Flame, en Londres, en 1967. Falleció por una neumonía a los 82 años en Henley-on-Thames, Inglaterra.

Fue nombrada Dama Comandante (DBE) de la Orden del Imperio Británico en 1967.

Alain Delon



Alain Delon (n. Sceaux, Francia, 8 de noviembre de 1935) es un actor ícono del cine francés, aunque ha sido ocasionalmente productor y director.

Pasa por una infancia difícil, y con 17 años se enrola en el Ejército como paracaidista y participa en la Guerra de Indochina, llegando a combatir en Diên Biên Phu. Tras regresar de la guerra, trabaja como descargador en el Mercado Central de París, en donde será descubierto por el director de cine Marc Allégret, con quien debutará en el mundo del cine.

Tras su primer éxito en la película de René Clément "
A pleno sol"
, se convertirá en uno de los actores preferidos por el director italiano Luchino Visconti, quien lo utilizará en "
Rocco y sus hermanos"
y "
El gatopardo"
, aunque también trabajará con otros directores como Michelangelo Antonioni.

Tras estas apariciones internacionales se centrará bastante en el cine francés, alcanzando una enorme popularidad en su país, gracias a películas como "
El silencio de un hombre"
(Jean-Pierre Melville), "
Historias extraordinarias"
(Louis Malle) y "
La piscina"
(Jacques Deray). Reconvertido en productor, obtiene un enorme éxito con "
Borsalino"
de Jacques Deray, en la que aparecerá junto a la otra gran estrella del cine francés, Jean-Paul Belmondo. Por esta época, los trabajos en los que se embarcará serán de menor interés.

En los años 80, Delon ampliará su abanico y dirigirá sus primeras películas, "
Por la piel de un policía"
, de escaso interés, y "
Cerca a un ladrón"
.


Respecto a su vida personal, su gran aspecto físico e ícono del atractivo masculino en su juventud le llevó a mantener numerosos romances. Uno de ellos con Bárbara Rey, actriz española. Mantuvo un mediático romance con la actriz vienesa Romy Schneider cuya ruptura más tarde la dejó sumida en una depresión que a la larga junto a la pérdida de su hijo mayor la condujo al suicidio.

Mantuvo un romance y se casó en 1964 con la marroquíe Nathalie Delon (Natalie Canovas) con quien tuvo un hijo llamado Anthony Delon, la pareja se divorció en 1969. Posteriormente convivió por años (1969-1984) con la actriz francesa Mireille Darc de la cual se separó más tarde. Mantuvo romances con Simone Signoret, y la cantante alemana Nico quien reclama que su hijo Christian Aaron Boulogne tiene a Delon como padre. En algún momento se le sindicó como bisexual debido a su amistad con el afamado director Franco Zefirelli.

Ya en la edad madura se casa en 1987 con una actriz joven holandesa llamada Rosalie Van Bremen con la cual tiene a dos hijos, Anouchka y Alain-Fabien y ellos se separan en el 2001 sin poder quedarse con la custodia de sus hijos.

Bonita imagen, siempre he pensado de el que era un mal actor, pero ella al contrario era una grandisima actriz y una mujer que vivio con el dolor y murio de dolor.
Si no se hubiera ido sería una de las actrices más grandes de todos los tiempos.

Jane Greer




Jane Greer (9 de septiembre de 1924 – 24 de agosto de 2001) fue una actriz cinematográfica estadounidense que se la recuerda principalmente por su papel de la mujer fatal Kathie Moffat en Out of the Past (Retorno al pasado) (1947).

Su verdadero nombre era Bettejane Greer, y nació en Washington, D.C.. En su adolescencia fue modelo y ganadora de un concurso de belleza, e inició su carrera en el espectáculo como cantante de una banda. Howard Hughes observó una foto suya como modelo en la portada de la revista Life del 8 de junio de 1942, y la mandó a Hollywood, a la productora RKO, para trabajar como actriz en diversos filmes, incluyendo Dick Tracy (1945), The Falcon's Alibi (1946), Out of the Past (Retorno al pasado) (1947), They Won't Believe Me (1947), y The Big Steal (1949), título que, junto a Out of the Past, protagonizó junto a Robert Mitchum. Durante un par de años no actuó, y al reiniciar su carrera intervino en You're in the Navy Now (1951), El prisionero de Zenda (1952), The Clown (1953), Run for the Sun (Huída hacia el sol) (1956), Man of a Thousand Faces (El hombre de las mil caras) (1957), Where Love Has Gone (¿A dónde fue el amor?) (1964), Billie (1965) y The Outfit (1973), entre otros títulos. En 1984 intervino en Against All Odds, una versión de Out of the Past, película en la que interpretaba a la madre de Rachel Ward. También participó en una parodia televisiva de Out of the Past emitida en el programa Saturday Night Live, junto a su pareja original, Robert Mitchum. Así mismo, fue la madre de Norma Jennings en la serie Twin Peaks.

Greer falleció a causa de un cáncer a los 76 años de edad, en Los Ángeles, California, y fue enterrada en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles.

Jane Greer se casó con el cantante y actor Rudy Vallee en 1943, pero se divorciaron al año siguiente. Volvió a casarse en 1947, con Edward Lasker (1912-1997), un abogado y hombre de negocios de Los Ángeles con quien tuvo tres hijos. Su hijo Lawrence Lasker es un productor cinematográfico que ha participado en varios títulos, incluyendo WarGames (Juegos de guerra) (1983) y Sneakers (1992).

Bessie Love




Bessie Love (10 de septiembre de 1898 - 26 de abril de 1986) fue una actriz cinematográfica estadounidense que consiguió la fama principalmente debido a su trabajo en el cine mudo y en los inicios del sonoro. Pequeña y atractiva, solía interpretar a jóvenes inocentes, sanas y poco convencionales. Además de su trabajo como actriz, escribió la película de 1919 A Yankee Princess.

Su verdadero nombre era Juanita Horton, y nació en Midland, Texas. Se educó en Midland hasta conseguir el octavo grado, momento en que su padre, quiropráctico, trasladó a su familia a Hollywood. Bessie se graduó en Los Angeles High School, tras lo cual hizo un viaje por los Estados Unidos.
Para ayudar económicamente a la familia, su madre la envió a los Biograph Studios, donde conoció al pionero director cinematográfico D.W. Griffith. Griffith, que introdujo a Bessie en el cine, también dio a la actriz su apodo. Le dio pequeños papeles en sus películas El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916). También actuó junto a William S. Hart en The Aryan, y con Douglas Fairbanks en The Good Bad Man, Reggie Mixes In y The Mystery of the Leaping Fish (todas de 1916).

En 1922 Love fue seleccionada como una de las WAMPAS Baby Stars. A medida que aumentaba la importancia de sus papeles, aumentaba su popularidad. Bailó Charleston en la película The King on Main Street en 1925. Ese mismo año protagonizó The Lost World (Mundo perdido), una aventura de ciencia ficción basada en la novela del mismo nombre escrita por Sir Arthur Conan Doyle. Tres años más tarde trabajó en The Matinee Idol (El teatro de Minnie), una comedia romántica dirigida por un joven Frank Capra.

Love fue capaz de hacer con éxito la transición al cine sonoro, y en 1929 fue nominada al Oscar a la mejor actriz por La melodía de Broadway. También actuó en otros varios de los primeros musicales sonoros, incluyendo The Hollywood Revue of 1929 (1929), Chasing Rainbows (1930), Good News (1930), y They Learned About Women (1930).

Sin embargo, en 1932 su carrera cinematográfica declinaba. Se trasladó a Inglaterra en 1935, y allí trabajó en el teatro y, de manera ocasional, en el cine. Cuando se inició la guerra, volvió a los Estados Unidos, donde permaneció un tiempo, y donde trabajó para la Cruz Roja y para el entretenimiento de las tropas. Tras la guerra volvió a Inglaterra, donde mantuvo su residencia principal, y continuó haciendo pequeños papeles para compañías tanto británicas como americanas. Actuó en películas tales como La condesa descalza (1954), con Humphrey Bogart, y The Greengage Summer (1961), protagonizada por Kenneth More, en la que interpretaba a una turista americana.[2] También tuvo un pequeño papel, también como turista americana, en el film de James Bond On Her Majesty's Secret Service (1969).

En ese momento su carrera tuvo un parón. Sin embargo volvió en los años ochenta con papeles en Ragtime, la película de Warren Beatty Rojos (1981), y su última película, The Hunger (1983), protagonizada por Catherine Deneuve, David Bowie, y Susan Sarandon. A lo largo de su vida, Love trabajó en 131 episodios de T.V y películas cinematográficas.

Love estuvo vinculada al magnate Howard Hughes, además estuvo casada, de 1929 a 1935, con el productor William Hawks (hermano del director Howard Hawks). Tuvieron una hija. Bessie Love falleció en Londres, Inglaterra, por causas naturales el 26 de abril de 1986.

Rudy Vallee




Rudy Vallée (28 de julio de 1901 - 3 de julio de 1986) fue un popular músico, cantante y actor estadounidense.

Su verdadero nombre era Hubert Prior Vallée, y nació en Island Pond, Vermont, siendo sus padres Charles Alphonse y Catherine Lynch Vallée, ambos hijos de inmigrantes de origen canadiense e irlandés. Rudy se crió en Westbrook, Maine. En el instituto aprendió a tocar el saxofón y le dieron el mote de "
Rudy"
, en alusión al famoso saxofonista Rudy Wiedoeft.

Tocó la batería en la banda de su instituto, y en su juventud tocó el clarinete y el saxofón en diversas bandas de Nueva Inglaterra. En 1917, quiso alistarse para luchar en la Primera Guerra Mundial, pero fue rechazado por no tener más que quince años. Sin embargo, consiguió alistarse en Portland (Maine) el 29 de marzo de 1917, falseando su fecha de nacimiento. Fue licenciado en la Naval Training Station de Newport (Rhode Island) el 17 de mayo de 1917, con solo 41 días de servicio activo. Entre 1924 y 1925, tocó con la "
Savoy Havana Band"
en Londres, Inglaterra. Después volvió a los Estados Unidos para obtener una licenciatura en la Universidad de Yale y para formar su propia banda, "
Rudy Vallee and the Connecticut Yankees"
. Con esta banda, en la cual tocaban dos violines, dos saxofones, un piano, un banjo y baterías, empezó a cantar. Tenía una voz más apropiada para cantar dulces baladas que para interpretar temas de jazz. Sin embargo, su canto, junto con su agradable apariencia, atrajo la atención del público, especialmente de las jóvenes. Vallee consiguió un contrato de grabación y en 1928 empezó a actuar en la radio.

Vallee llegó a ser el más importante y, quizás, el primero de un nuevo estilo de cantantes, el crooner, o cantante de baladas. En la época anterior al micrófono, los cantantes necesitaban voces potentes para hacerse oír en los teatros. Sin embargo, los crooners tenían voces blandas, muy aptas para la intimidad del nuevo medio de la radio. El fraseado de Vallee en la canción "
Deep Night"
inspiraría más adelante a crooners de la categoría de Bing Crosby, Frank Sinatra y Perry Como para que modelaran su voz al compás de los instrumentos de jazz.

Vallee también llegó a ser el que quizás era el primer ejemplo de estrella pop con gran repercusión en los medios de comunicación. Las flappers (predecesoras de las fans), le acosaban a donde quiera que fuese. Las entradas para sus actuaciones en directo se agotaban y apenas podía oírsele en las mismas, ya que en aquella época no existía la tecnología acústica apropiada.

En 1929 Vallee actuó en su primera película, The Vagabond Lover (RKO Radio). Sus primeros filmes fueron pensados para recaudar aprovechando su popularidad. A pesar de que sus iniciales actuaciones no eran buenas, sus dotes interpretativas en los finales de los años treinta y en los cuarenta mejoraron mucho. También en 1929, Vallee empezó a presentar el programa radiofónico The Fleischmann's Yeast Hour.

La carrera de Vallee en la grabación empezó en 1928, trabajando para discográficas modestas (Harmony, Velvet Tone, y Diva). Firmó con Victor Records en febrero de 1929, y permaneció con la compañía hasta diciembre de 1931, cuando grabó para la discográfica Hit Of The Week, muy célebre, aunque de vida corta. En agosto de 1932, firmó con Columbia, con la cual estuvo hasta 1933, año en que volvió a grabar con Victor. Sus grabaciones se lanzaron en la nueva discográfica Bluebird Records, dependiente de Victor, hasta noviembre de 1933. Siguió con Victor hasta ser contratado por ARC en 1936, que lanzó sus grabaciones en los sellos Perfect Records, Melotone, Conqueror y Romeo Records hasta 1937, año en el que volvió a Victor.

Vallee siguió presentando programas radiofónicos de variedades durante las décadas de 1930 y 1940. En su programa The Fleischmann's Yeast Hour intervinieron varios intérpretes cinematográficos de la época, tales como Fay Wray y Richard Cromwell, haciendo números dramáticos.

Junto a su grupo, The Connecticut Yankees, las grabaciones más conocidas de Vallee incluyen: "
The Stein Song"
, en los inicios de la década, y "
Vieni, Vieni"
, en los años treinta. Hay que destacar que Vallee cantaba correctamente en tres lenguajes mediterráneos, y siempre variaba la tonalidad, anticipando el camino para cantantes posteriores tales como Dean Martin, Andy Williams y Vic Damone. Otra de sus grandes interpretaciones fue "
Life Is Just A Bowl of Cherries"
, en la cual imitaba la voz de Willie Howard en el coro final.

El último éxito significativo de Vallee fue la versión de la melancólica balada "
As Time Goes By"
, de la banda sonora de Casablanca en 1943. Durante la Segunda Guerra Mundial y hasta 1944, Vallee actuó con la Banda de Guarda Costas, entreteniendo a las tropas.

Cuando Vallee tomó las vacaciones anuales en su programa radiofónico en 1936, insistió a su patrocinador para que contratara a Louis Armstrong como su sustituto [cita requerida]. Ese mismo año Vallee escribió el prólogo del libro de Armstrong "
Swing That Music"
. En 1937 Vallee asistió a la Suffolk University Law School de Boston, Massachussets.

Vallee actuó en numerosas películas de Hollywood en los años treinta y cuarenta. Uno de sus mejores papeles fue el de millonario playboy, junto a Claudette Colbert en la película de 1942 dirigida por Preston Sturges, The Palm Beach Story. Sus otras actuaciones destacadas fueron las que hizo en I Remember Mama, Unfaithfully Yours y The Bachelor and the Bobby-Soxer (El solterón y la menor).

En 1955, Vallee fue elegido para actuar en Gentlemen Marry Brunettes (Los caballeros se casan con las morenas), junto a Jane Russell, Alan Young, y Jeanne Crain. La producción se filmó en París, y se basaba en la novela de Anita Loos secuela de Gentlemen Prefer Blondes (Los caballeros las prefieren rubias). Gentlemen Marry Brunettes fue muy popular en Europa, y se estrenó en Francia como A Paris Pour les Quatre, y en Bélgica como Tevieren Te Parijs.

En su madurez, la voz de Vallee evolucionó a la de un barítono. Actuó en Broadway en el show How to Succeed in Business Without Really Trying y en el film del mismo nombre. También intervino en la serie de televisión de los años sesenta Batman, interpretando a "
Lord Marmaduke Fogg"
. También hizo una gira teatral con un espectáculo en el que actuaba solo en la década de 1980. Así mismo, de manera ocasional abría el espectáculo de los Village People.

Estuvo brevemente casado con la actriz Jane Greer, en un matrimonio que acabó en divorcio en 1944. Su anterior esposa fue Leonie Cuachois, siendo su matrimonio anulado. También estuvo casado con Fay Webb, de la cual se divorció. Su último matrimonio fue con Eleanor Norris en 1946, que escribió unas memorias, My Vagabond Lover. Esta unión duró hasta el fallecimiento de Vallee en 1986, a los 84 años de edad, a causa de un cáncer. Fue enterrado en el cementerio St. Hyacinth de Westbrook, Maine

Maureen O'Sullivan


Maureen O'Sullivan, Robert Taylor and Vivien Leigh.

Maureen O'Sullivan, actriz de nacionalidad irlandesa nacida el 17 de mayo de 1911 en Boyle, Condado de Roscommon (Irlanda) y fallecida el 23 de junio de 1998 en Scottsdale, Arizona (EE. UU.). Alcanzó popularidad interpretando el papel de Jane, la compañera de Tarzán, junto a Johnny Weissmuller.

Comenzó sus estudios en Dublín y posteriormente los amplió en Londres y París. Frank Borzage, director de cine que se hallaba rodando en Dublín, la conoció y la invitó a que viajara a Hollywood. Maureen aceptó, y a la edad de 19 años, viajó a California acompañada por su madre.

En 1930, hizo su primera película, Song o'my heart, un musical de la Fox de poco éxito dirigido por el mismo Borzage. Ese mismo año rodó otros musicales, como por ejemplo Fantasia del porvenir de David Butler, junto a El Brendel. Con este mismo director rodó un año después Un yanqui en la corte del Rey Arturo junto a Will Rogers.

En 1932, dejó la Fox y comenzó a trabajar para la Metro Goldwyn Mayer, iniciando la etapa que le aportaría sus mayores éxitos profesionales. Este mismo año protagonizó junto a Johnny Weissmuller la mítica película Tarzán de los monos (Tarzan of the apes), dirigida por W.S. Van Dyke y producida por Irving Thalberg. En este film, libre aún del famoso Código Hayes de la censura en USA, encarnaba el papel de Jane, la compañera de Tarzán. El sonado éxito de esta primera entrega, hizo que Maureen repitiera el papel de Jane en otras cinco ocasiones, Tarzán y su compañera (1934) de Cedric Gibbons, La fuga de Tarzán, Tarzán y su hijo (1939), El tesoro de Tarzán (1941) y Tarzán en Nueva York (1942), estas cuatro últimas con la dirección de Richard Thorpe.

Entre los guionistas de la Fuga de Tarzán figuraba John Farrow con el que contraería matrimonio en septiembre de 1936. Una de las hijas fruto de este matrimonio fue Mia Farrow, que se convertiría en una famosa actriz en los años 60 ("
El bebé de Rosemary"
, "
John y Mary"
, "
Terror ciego"
).

Los años 30 fueron una buena época para Maureen. Además de las películas de la serie Tarzán, participó en un puñado de títulos convertidos hoy en auténticos clásicos que en su momento le hicieron ser muy popular: El asesino de Mr. Medland (1932, Lothar Mendies), thriller dramático con estupenda actuación de Charles Laughton;
Extraño interludio (1932, Robert Z. Leonard), drama basado en la obra teatral homónima de Eugene O´Neill, con Clark Gable;
Las vírgenes de Wimpole Street(1934, Sidney Franklin) sobre la vida de la poetisa Elizabeth Browning, con Norma Shearer, Fredric March y Charles Laughton;
La cena de los acusados (1934, W. S. Van Dyke), primera de una serie de comedias detectivescas dedicadas a las novelas de Dashiell Hammett que popularmente se conoció como "
El hombre delgado"
, junto a Myrna Loy y William Powell;
Ana Karenina (1935, Clarence Brown), cinematográficamente maravillosa adaptación de la inmortal novela de Leon Tolstoi con Greta Garbo, Fredric March y Freddie Bartholomew;
David Copperfield (1935, George Cukor), mayúscula traslación a la pantalla de la novela de Charles Dickens, con W. C. Fields, Freddie Bartholomew y Lionel Barrymore;
Contrastes (1935, Victor Fleming), con un jovencísimo Henry Fonda en su primer papel importante;
Muñecos infernales (1936, Tod Browning), clásico menor del cine de terror con Lionel Barrymore;
Un día en las carreras (1937, Sam Wood) junto a los Hermanos Marx y su inseparable Margaret Dumont;
o Un yanqui en Oxford (1938, Jack Conway) al lado de Robert Taylor y, de nuevo, Lionel Barrymore.

Poco a poco fue abandonando los rodajes, hasta que en 1942 dejó de trabajar para atender a su marido enfermo de tifus y cuidar a sus siete hijos.

En 1948, volvió a los platós para rodar un papel de coprotagonista en El reloj asesino junto a Charles Laughton, dirigida por su esposo John Farrow. Posteriormente alternó su trabajo en el cine con el teatro y la televisión, y apenas si destaca alguno de sus títulos cinematográficos posteriores: "
El bebé de la discordia"
en 1964, etc.

En los últimos años de su carrera, participó en películas como: Peggy Sue se casó (1986) de Francis Ford Coppola y Hannah y sus hermanas (1986) de Woody Allen, que por entonces era su yerno.

Después de la muerte de su marido John Farrow, ocurrida en 1963, Maureen se casó en 1983 con James Cushing.

Falleció a la edad de 87 años debido a un ataque al corazón el 23 de junio de 1998 en Arizona, su lugar de residencia.

Steve Reeves



Stephen L. Reeves, culturista y actor estadounidense, que destacó en los peplum realizados en Italia desde finales de los cincuenta hasta mediados de los sesenta. Nació en Glasgow, Montana el 21 de enero de 1926 y falleció el 1 de mayo de 2000 en Escondido, California.

Nació en Glasgow, Montana, y se trasladó a los diez años a California con su madre Goldie, después del fallecimiento de su padre Lester Dell Reeves en un accidente.

En el instituto desarrolló un gran interés por el culturismo y entrenó en el gimnasio de Ed Yarick en Oakland. A los 17 años ya tenía un cuerpo muy desarrollado y después de graduarse el entró en la armada para mas tarde formar parte de la Segunda Guerra Mundial y servir en el Pacífico.
Pronto comenzó a obtener premios en los principales concursos de fitness del mundo.

En 1946 fue Mister Pacífico en Oregón en su categoría y en la absoluta
En 1947 fue Mister Western América
En 1947 fue Mister Pacífico
En 1947 fue Mister América
En 1948 quedó segundo en el torneo Mister USA
En 1948 fue NABBA Mr. Universo en su categoría y segundo en la categoría absoluta
En 1948 se proclamó Mister World
En 1949 fue tercero en el torneo Mister USA
Finalmente en 1950 fue NABBA Mr. Universo en su categoría y en la absoluta.

Estos éxitos le animaron a intentar una carrera como actor, y estuvo a punto de convertirse en el Sansón de la película de Cecil B. DeMille, "
Sanson y Dalila"
pero finalmente fue Victor Mature el elegido, así que el debut cinematográfico de Reeves lo hizo en 1954 de la mano de Edward D. Wood Jr., considerado el peor director de la historia del cine, en la película Jail Baits. Sin embargo en ese mismo año 1954 aparecería en una comedia musical de la Metro llamada Athena, dirigida por el prolífico Richard Thorpe y protagonizada por estrellas de la productora como Jane Powell y Debie Reynolds.

Unos años más tarde el director italiano Pietro Francisci, al visualizar esta película decidiría que el musculoso Reeves fuera el protagonista de su película Hércules. El éxito de esta película hizo que se produjera un verdadero boom de películas en Italia de este género. El propio Reeves con el mismo director realizaría una secuela titulada "
Hércules y la reina de Lidia"
. El éxito de Reeves hizo que otros forzudos fueran a Italia en busca de su éxito (Reg Park, Ed Fury ó Mark Forrest), tan solo el ex Tarzán Gordon Scott rozó la popularidad de Reeves.

La filmografía de Reeves continuó en Italia, con películas de éxito, como "
Los últimos días de Pompeya"
de Mario Bonard, y sobre todo en la coproducción "
La batalla de Maratón"
del afamado director Jacques Tourner. En la década de los sesenta sus éxitos continúan, y en 1961 el director Sergio Corbucci le pone en la pantalla frente a su gran rival Gordon Scott en la película de "
Romulo y Remo"
, en la que ambos forzudos interpretaban a los míticos gemelos. Sigue en las coproducciones italianas pero deja el género del peplum para pasar al de piratas interpretando al pirata Morgan en pelicula del mismo título dirigida por Primo Zeglio y André de Toth, y Sandokán en "
El tigre de Momparcem"
de Umberto Lenzi.

La compañía Paramount, consideró a Reeves para un papel en la versión de su musical de Broadway, Li'l Abner en 1958, pero finalmente el papel fue para Peter Palmer. Después del éxito de taquilla de Hércules, Reeves rechazó numerosas películas de secuelas de Hércules que sin embargo otros actores aprovecharon para crear sus carreras. Le ofrecieron el papel de James Bond en la película del Dr. No en 1962, pero lo rechazó igual que hizo con el papel que finalmente interpretó Clint Eastwood en la película, Por un puñado de dólares de 1964.

También realizó una nueva versión del Ladrón de Bagdad dirigida por Arthur Lubin y Bruno Bailati, para regresar al peplum interpretando a Eneas en dos películas, la Guerra de Troya de Giorgio Ferroni y la Leyenda de Eneas de Giorgio Rivalta. Vuelve a trabajar con Corbucci en el hijo de Espartaco, una especie de continuación de la famosa película de Kubrick en la que el hijo del famoso gladiador toma venganza del asesino de su padre.

A finales de los sesenta el peplum comienza a pasar de moda, sobre todo porque desde principio de los sesenta el Spaghetti Western hizo su aparición y poco a poco va desplazando al género de romanos en popularidad. Curiosamente, la última película de la mayor estrella del peplum sería un western italiano titulado "
Vivo por la Muerte Tuya"
del director Camillo Bazzoni.

George Pal lo consideró para un papel de "
Doc Savage: The Man of Bronze"
pero finalmente el papel fue para Ron Ely. En el momento álgido de su carrera era un actor bien pagado en Europa y su última aparición en pantalla fue en el año 2000 cuando apareció con él mismo en la biografía realizada para la televisión, "
A&
E Biography: Arnold Schwarzenegger - Flex Appeal

Victor Mature





Victor Mature (* Kentucky, 29 de enero de 1913 - 4 de agosto de 1999, California) fue un actor estadounidense del cine clásico.

Actor de escasos recursos interpretativos considerado como discreto en la escena, fue sin embargo una estrella del Hollywood clásico gracias a su físico, que le convirtió en uno de los primeros musculosos del cine. Su poderosa presencia física le permitió trabajar con alguno de los mejores directores de la historia del cine.

Comenzó a prepararse como actor en la academia de Pasadena y trató de conseguir un papel en Lo que el Viento se Llevó, pero le fue arrebatado por uno de sus compañeros de la academia. Realiza su primera interpretación en 1939 en un papel secundario. Su primer protagonista es la primera versión de Hace un millón de años, una película sobre una legendaria prehistoria.Continua trabajando en papeles menores hasta que tiene un papel destacada en la magnífica El embrujo de Shangai de Josef Von Sternberg.En sus películas de esta primera época no pasa de ser un galán que acompaña a alguna estrella femenina del momento, como Rita Hayworth ó Betty Grable, entre otras.

La segunda guerra mundial interrumpe su naciente carrera y sirve como guardacosta durante la contienda. Finalizada la guerra comienza su carrera al estrellato. En 1946, la que para muchos es su mejor interpretación, Pasión de los fuertes de John Ford, en la que interpretaba a Doc Holiday dando la réplica a Henry Fonda que interpretaba a Wyatt Earp. En 1947 comienza sus incursiones en el cine negro con El beso de la muerte de Henry Hathaway es un nuevo éxito de su carrera donde compartía cartel con grandes interpretes como Richard Widmark ó Brian Donlevy.

En 1948 Grito en la ciudad de Robert Siomack, de nuevo una incursión el cine negro del que se fue convirtiendo un asiduo.

En 1949 la película que le convirtió en todo un icono del cine, Sansón y Dalila de Cecil B. deMille, en la que sería su primera incursión el cine del mundo antiguo del que se convertiría en uno de sus actores más característicos. En 1952 Algo para los pájaros de Robert Wise, y La última sirena de Mervyn LeRoy en una película para mayor gloria de la gran estrella y nadadora Esther Williams.

Vuelve al cine del mundo antiguo con Androcles y el León de Chester Erskine donde comparte protagonismo con la bella Jean Simmons, el cómico Alan Young, y con el también forzudo Robert Newton. En Affair con un extraño de Roy Rowland, vuelve a formar pareja con Jean Simmons, y al año siguiente ambos junto a Richard Burton trabajan en La túnica sagrada de Henry Koster, película basada en la novela homónima de Lloyd C.Douglas, y que pasó a la historia por estar considerada la primera película en Cinemascope.

En 1954 realiza la continuación de esta película en Demetrio y los Gladiadores, dirigida en esta ocasión por Delmer Davis y donde se proseguía la historia de la túnica de Cristo. Al año siguiente deja el mundo de la antigua Roma para pasar al de el antiguo Egipto y ser uno de los protagonistas de Sinue el Egipcio de Michael Curtiz, superproducción basada en la famosa novela de Mika Waltari.

Regresa al Western y da vida al más grande de los caudillos amerindios, Caballo Loco en la película el gran Jefe de George Sherman. Continua en el genero del oeste y rueda La última frontera dirigida por uno de los grandes directores del género, Anthony Mann.

En 1956 pasa al exótico mundo de la selva africana que han puesto de moda películas como Mogambo ó Las minas del rey Salomón, y ruedan Safari con el director Terence Young. En 1959 también se une al mundo del circo que ha puesto de moda la oscarizada El mayor espectáculo del mundo y es el protagonista que encabeza el Gran Circo de Joseph M. Newman, película repleta de estrellas.

En 1960 acude a Europa para trabajar en una coproducción titulada Anibal dirigida por Carlo Ludovico Bragaglia y Edgar G. Ulmer, en la que Mature interpreta al famoso general cartagines, en la que sería una de sus últimos papeles importantes, pues ya había comenzado el declive de su carrera. Su aparición en la película de Vittorio de Sicca, Tras la pista del Zorro donde compartía cartel con Peter Seller.

Desde aquel momento solo tres o cuatro películas volvieron a contar con su presencia.

Falleció de leucemia en 4 de agosto de 1999 a los 86 años de edad, en California.

Marilyn Monroe



Marilyn Monroe (1 de junio de 1926 – 5 de agosto de 1962), nombre artístico de Norma Jeane Mortenson, fue una actriz estadounidense nacida en Los Ángeles, California.

Aunque Marilyn nunca mencionó el nombre de su padre, se supo de varios pretendientes que su madre, Gladys Monroe, tuvo en la época en que ella trabajaba como cortadora de carretes en una empresa de cine. Entre ellos, el más popular fue Martin E. Mortenson, un inmigrante noruego. Marilyn fue dada alternativamente en adopción desde las 6 semanas de nacer y hasta los 7 años de edad, cuando su madre se la llevó a una pequeña casa que había comprado;
pero un año más tarde Gladys era internada en un psiquiátrico por un problema derivado por la obsesión de lo que se creía un trastorno psicológico que podía acabar con su propia vida, lo cual heredó de su padre, que falleció en circunstancias similares. Monroe vivió obsesionada con la idea de haber heredado esta enfermedad, especialmente tras ser internada en varias ocasiones debido a sus crisis de pareja. Durante las crisis psíquiátricas de su madre, Monroe vivía con el matrimonio Bolender, con vecinos de su abuela, en un orfanato o con alguna familia adoptiva.
En noviembre de 1938, a los 12 años, Monroe compartió habitación con Edith Ana Lower, su amiga y tía de su madre adoptiva, a la que quería profundamente. A los 16 años, y según la propia Monroe, animada por esta amiga, con la intención de buscar al orfanato, se casó con James E. Dougherty, irlandés de 21 años, empleado de una fábrica de aviones. Monroe se entregó a la tarea de ser una buena ama de casa, hasta que estalló la Segunda Guerra Mundial. Su marido se incorporó a la Marina y fue enviado como instructor a la isla Catalina, frente a Los Ángeles. Lo acompañó unos meses, pero después su marido embarcó hacia Australia. En 1945 un fotógrafo de la Marina visitó la fábrica donde ella trabajaba con su suegra, para hacer un reportaje sobre el trabajo de las mujeres durante la guerra. Monroe fue elegida para salir en las fotos. La revista Yank le propone convertirse en modelo. Seguidamente es contratada por la agencia de modelos Blue Book.

Monroe comenzó su carrera como modelo, representada por Emmeline Snively, quien le aconsejó teñirse el cabello a un rubio platino. En 1945 salió en la portada de más de 30 revistas. Era conocida como "
el sueño de los fotógrafos"
. En julio de ese mismo año, Ben Lyon, jefe de reparto de la 20th Century Fox accede a entrevistarla y queda fascinado. Poco después la contrata por 125 dólares a la semana. Le cambia el nombre por el de Marilyn Monroe.

Joe Schenk le consiguió su segundo papel protagonista en Ladies of the Chorus 1948. Un año después Monroe aceptó posar desnuda para el fotógrafo Tom Kelley, para un calendario que más tarde sería el impulso definitivo para su consagración. En 1951 participó en la entrega de los Oscar. En 1952 aparece en la portada de la revista Life. En 1953 inmortalizó sus huellas en el cemento de la entrada en Hollywood Boulevard, junto con Jane Russell.

En diciembre de 1953 apareció en la portada del primer número de Playboy, siendo, por lo tanto, la primera chica del mes de la revista, con la famosa fotografía "
sueños dorados"
, gracias a sus medidas de 37-23-36 (94-58-92). Dicha revista le dedicó 5 veces la portada, y la última ocasión fue en la edición de diciembre de 2005, la cual tiene información reciente sobre su muerte.

Monroe estuvo relacionada con el poco conocido director de cine Elia Kazan.

Aunque Monroe irradiaba sensualidad y ante las cámaras aparecía como una mujer segura, en realidad padecía una inseguridad patológica. Esta inseguridad y sus retrasos y ausencias provocaban grandes pérdidas a los productores, que comenzaban a exasperarse. En 1954 comenzó a estudiar artes escénicas con Lee Strasberg, director de Actor's Studio en Nueva York. En ese mismo año creó Marilyn Monroe Productions junto al fotógrafo Milton Green, para conseguir mayor control sobre sus contratos. Su nueva empresa produjo Bus Stop (1957) y El príncipe y la corista (1957), esta última dirigida y coprotagonizada por Laurence Olivier. En 1955 la Fox le interpone una demanda por incumplimiento de contrato, pero en ese mismo año firma nuevamente con este estudio, recibiendo finalmente 8 millones de dólares por un total de siete películas.

En 1956 Monroe se casó con el dramaturgo Arthur Miller, quien escribió especialmente para Monroe el guión de The Misfits. Esta sería su última película. Todavía casada con Arthur Miller, Monroe se enamoró de Yves Montand, marido de Simone Signoret, con quien compartía cartel en El multimillonario. Monroe y Arthur Miller se divorciaron en 1961.

En 1960 Monroe fue galardonada con el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia. En 1961 es internada en la clínica psiquiátrica Payne de Nueva York por una crisis depresiva.

Al año siguiente compró su casa en Santa Mónica, en Los Ángeles. En ese año comienza el rodaje de su última película, la inacabada Something's Got to Give, coprotagonizada por Dean Martin y dirigida por George Cukor. La Fox confiaba en este proyecto para sanear su economía, ya que la empresa amenazaba quebrar, debido a los desmesurados gastos que estaba generando la película Cleopatra. No en vano Monroe había sido durante una década la estrella más rentable de la Fox desde Shirley Temple. Pero Monroe estaba delicada de salud, con frecuentes sinusitis, bronquitis, y síntomas cada vez más marcados de inseguridad. Sus ausencias hicieron que la película se retrasase cada vez más, y la Fox no se podía permitir más pérdidas.

En 1962 tuvo lugar, en Nueva York, la gala por el cumpleaños del presidente John F. Kennedy, en la que Monroe le cantó el "
Happy Birthday Mr. President"
(Cumpleaños feliz), que se volvería tan célebre. Para acudir a esta gala, Monroe se ausentó durante 7 días del rodaje, a pesar de que la Fox le exigió que se quedase para cumplir con su trabajo. En 1962 la Fox rescinde su contrato debido a sus repetidas ausencias y retrasos, despidiéndola del rodaje de Something's Got to Give, que dirigía George Cukor. La Fox intenta completar la película utilizando a otra actriz, pero Dean Martin se opone, por lo que a la Fox no le queda más remedio que readmitir a Monroe.

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En 1962 aparece la última entrevista de Monroe en la revista Life. El 4 de agosto de ese mismo año se había mostrado muy contenta. A las 9 de la noche dio las buenas noches a su criada, Eunice Murray.

A las 10:30 una ambulancia se estacionó cerca del lugar. La actriz aún estaba viva;
no se explica por tanto que hacía esa ambulancia en aquel lugar, unas 5 horas antes de la muerte de la actriz.

Antes de su muerte, según se dice, había vivido un romance con Robert F. Kennedy y John F. Kennedy, y la repentina decisión de este último de abandonarla podría haberla impulsado a consumir una sobredosis de barbitúricos.

El hecho es que el clan Kennedy nunca aceptó que John y Robert Kennedy se relacionaran con ella, primordialmente por la intervención de J. Edgar Hoover, quien sospechaba que la actriz sostenía peligrosas relaciones con comunistas de la época, que se acrecentaron mientras sostenía su amistad con los Kennedy. Ella, supuestamente, poseía información que podía afectarlos gravemente.

Su deceso se cubrió de un halo de misterio. Fue encontrada sin vida por su criada, tendida sobre la cama, con el teléfono descolgado, en su casa el 5 de agosto de 1962 a las 3 y media de la madrugada, a la edad de 36 años. De la ambulancia, que llevaba estacionada 5 horas, salieron enfermeros, que entraron escoltados por personajes del gobierno y fueron los primeros en entrar al departamento. Una asesora del departamento creyó reconocer a Robert Kennedy. El informe policial calificó el suceso como probable suicidio, si bien se han barajado otras posibilidades, incluida la del asesinato. Un testigo afirmó que, mientras era retirado el cuerpo, uno de los presuntos enfermeros aplicó una inyección entre los pechos de la actriz ya fallecida. Muchas conjeturas de asesinato han apuntado a la familia Kennedy y a J. Edgar Hoover. La autopsia jamás reveló el menor rastro de barbitúricos en el estómago de la actriz, y sus órganos vitales, que fueron extraídos para un análisis más concienzudo, desaparecieron misteriosamente.

Tres días después, Joe Di Maggio, su segundo marido, celebró el funeral en privado. Lee Strasberg pronunció las siguientes palabras de despedida: "
No puedo decir adiós a Marilyn, nunca le gustaba decir adiós. Pero, adoptando su particular manera de cambiar las cosas para así poder enfrentarse a la realidad, diré "
hasta la vista"
. Porque todos visitaremos algún día el país hacia donde ella ha partido."


Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California

Yves Montand




Yves Montand (13 de octubre de 1921 – 9 de noviembre de 1991) fue un actor franco-italiano.

Yves Montand, nació bajo el nombre de Ivo Livi en Monsummano Alto, Italia;
hijo de Josephine y Giovanni, unos campesinos pobres de religión católica. En 1921, poco tiempo después de su nacimiento, la familia de Montand se fue de Italia a Francia.

Cuando postularon a la nacionalidad francesa, su padre arguyó que habían dejado Italia para escapar al régimen de Mussolini. Montand creció en Marsella, en donde trabajó en la barbería de su hermana y luego en los muelles. Él comenzó su carrera en el espectáculo como un cantante del music-hall. En 1944 fue descubierto por Édith Piaf en Paris, quien lo hizo parte de su acto, convirtiéndose en su mentor y amante.

Fue conocido internacionalmente, por protagonizar numerosas películas. En 1951 se casó con la actriz Simone Signoret y co-protagonizaron varias películas a lo largo de sus carreras. El matrimonio fue bastante armonioso, según los testimonios conocidos, durando hasta la muerte de ella en 1985, aunque Montand tuvo varios amores ampliamente publicitados, principalmente con Marilyn Monroe, con quien realizó una de sus últimas películas, Let's Make Love.

Durante su carrera, Montand actuó en numerosas películas norteamericanas, así como en Broadway. Fue nominado para un Premio César para "
Mejor Actor"
en 1980 por "
I comme I care"
y nuevamente en 1984 por "
Garçon!"


En 1986, después de que su gran influencia en la taquilla internacional había caído considerablemente, Montand de 65 años hizo una de sus actuaciones más memorables como el tío en la película de dos partes: Jean de Florette, protagonizada por Gérard Depardieu y Manon des Sources, co-estelarizando Emmanuelle Béart. La película fue un éxito mundial de crítica y subió el perfil de Montand en los Estados Unidos, donde hizo una actuación en "
Late Night with David Letterman"
.

El único hijo de Montand llamado Valentín fue concebido con su asistente Carole Amiel, nació en 1988. En una demanda de paternidad que remeció a Francia, otra mujer acusó a Montand de ser el padre de su hija y fue a la corte para obtener una muestra de ADN de él. Montand se negó, pero la mujer persistió hasta su muerte. En un arbitraje judicial, la mujer ganó el derecho de que Montand fuese exhumado y se le tomara una muestra. Lo que demostró que él no era el padre de la niña.

En sus últimos años, mantuvo su hogar en St Paul de Vence, Provenza hasta su muerte. Fue enterrado en el cementerio "
Père Lachaise"
, París, Francia.

Su voz aparece en el "
remake"
de la canción italiana partisana, Bella Ciao que está haciendo furor en formato mp3 en Internet.

El 9 de noviembre de 1991, Yves Montand murió en Senlis (al norte de París, Francia), víctima de un infarto.

Dean Martin


Dean Martin y su mujer Jeannie.

Dean Martin (n. 7 de junio de 1917 - m. 25 de diciembre de 1995) fue un cómico, actor y cantante estadounidense.
Su verdadero nombre era Dino Paul Crocetti. Nació en el 7 de junio de 1917 en Steubenville (Ohio). Sus padres eran unos inmigrantes italianos. Su madre, Angella Crocetti, era ama de casa y su padre, Gaetano Crocetti, era barbero.

Dino abandonó los estudios cuando acabó el colegio, empezó a trabajar en distintas cosas, como peón, como gasolinero, como croupier e incluso como boxeador. Como boxeador adquirió cierto éxito. Utilizaba como seudónimo el nombre de Kid Crocetti.

El 2 de octubre de 1941 se casó con Elizabeth Anne McDonald. Tuvieron cuatro hijos, entre ellos, la también cantante Gail Martin. Dean se divorció en 1949. Ese mismo año se casó con otra mujer.

Paralelamente a sus escarceos en el ring, Dino empezó a actuar como cantante en los nightclubs, para esta faceta eligió el nombre artístico de Dino Martini.

A lo largo de su dilatada carrera como cantante, Martin tuvo grandes éxitos como "
Volare"
o "
Everybody loves somebody"
. Con el tiempo, en sus actuaciones, además de cantar, también interpretaba números cómicos.
En estos ambientes conoció a otro cómico novato llamado Jerry Lewis. Ambos se hicieron colegas inseparables y prepararon un número como dúo que estrenaron en el 500 club Atlantic City en 1946. Dean vio en su asociación con Jerry Lewis la posiblidad de explotar una veta en el género de la farándula cómica y usó la amistad de Lewis para escalar hacia Hollywood. No obstante, Lewis profesaba una auténtica amistad a Martin.

El 1 de septiembre de 1949, contrajo matrimonio por tercera vez, con Jeanne Biegger (que cambio su nombre al de Jeanne Martin). Tuvieron tres hijos:

1º Dean Paul Martin (Dino) (nacido el 17 de noviembre de 1951)
2º Ricci Martin (nacido el 20 de septiembre de 1953)
3º Gina Caroline Martin (nacida el 20 de septiembre de 1956).

Dean y Jeanne se divorciaron el día de San Valentín de 1973, sólo dos días antes, había nacido su nieto, el actor, Alexander Martin, hijo de Dean Paul Martin y de la actriz argentina Olivia Hussey. A pesar del divorcio, mantuvieron una buena relación.


La fama de los cómicos era grande y fueron tentados por la televisión. De hecho, el 20 de junio de 1948 fueron los cómicos invitados para un progama de variedades que estrenaba la CBS titulado Toast of the Town, cuyo presentador era Ed Sullivan. (Este programa, con el tiempo, se convirtió en un clásico de la televisión y no sólo en Estados Unidos, manteniéndose en antena durante décadas. A partir de la novena temporada (18 de septiembre de 1955), pasó a llamarse The Ed Sullivan Show sería todo un referente para la televisión, más allá de Estados Unidos. Finalmente, el longevo programa dejó de emitirse el 28 de marzo de 1971. Dean Martin, ya sin Lewis, volvería a aparecer como invitado en el programa el 30 de junio de 1957.

Los egos de uno y otro, finalmente, resultaron incompatibles. Dean Martin, a estas alturas era solo un apéndice del ego de Lewis quien creía, que el éxito se debía a su actuación, esto comenzó a mellar la amistad entre ambos y empezaron a tener roces y discusiones. Martin aguantó a Lewis hasta el momento en que vio que ya no lo necesitaba y que podía iniciar una carrera en solitario y lo desechó.

Martin quisó mantener el nivel de popularidad ya adquirido y comenzó en solitario, su carrera como actor cinematográfico, realizando papeles de galán y cantante y dejó algunos memorables títulos como Los cuatro hijos de Katie Elder de Hathaway, Río Bravo de Hawks, Bésame, tonto de Wilder, Como un torrente de Minnelli., y especialmente El Baile De Los Malditos de Dmytryk.

En 1965, Dean Martin es contratado por la NBC y se convierte en el anfitrión de su propio programa de Televisión que recibió el nombre de The Dean Martin Show. Este programa de variedades comenzó a emitirse el 16 de septiembre de 1965.

En 1973, tras ocho temporadas en antena, The Dean Martin Show iba perdiendo audiencia, por lo que los directores de la cadena decidieron darle un nuevo aire y pensaron en introducir a estrellas de peso para hacer de gancho y atraer a los espectadores. Sin embargo tampoco funcionó y el programa fue cancelado.

La NBC, en lugar de dar el tema por zanjado y despedir a Dean Martin, quiso seguir explotando la popularidad de su estrella, por lo que retomó la idea de entrevistar a estrellas y firmó con Dean Martin para que rodará una serie de especiales. El nuevo programa fue titulado como The Dean Martin Celebrity Roast.

En 1966 interpreto a Matt Helm, un espía al estilo James Bond, aunque en clave de humor. Daría vida a este héroe en una serie compuesta por cuatro películas, por orden cronológico: The Silencers y Matt Helm, agente muy especial (ambas de 1966), La emboscada (1967) y La mansión de los siete placeres (1969). Al final de la cuarta entrega, se anunció una quinta película de la serie Matt Helm que iba a titularse The Ravagers, como la novela de Hamilton publicada en 1964. Sin embargo, Dean Martin rehusó volver a encarnar al personaje y el proyecto fue cancelado.

En 1973, contrajo matrimonio por cuarta vez con Catherine Hawn. Ambos adopataron a una niña Heather Lyn. El matrimonio sólo duró tres años.

Su última película para el cine fue Los Locos del Cannonball II de 1984.

En 1985, la NBC lo contrata para formar parte del reparto de una nueva serie titulada Half Nelson. La serie protagonizada por Joe Pesci, como Rock Nelson, era una sitcom, en torno, a un detective de Beverly Hills, que aprovecha su corta estatura parar resolver los casos. El papel de Martin era el de confidente del detective. La serie fue cancelada y sólo se emitieron 6 episodios.

El 21 de marzo de 1987, su hijo Dino falleció en un accidente aéreo sobre las Montañas de San Gorgonio, California. La pérdida fue un duro golpe para Dean Martin que se sumió en una profunda depresión de la que nunca llegaría a recuperarse.

Dean Martin murió, con 78 años, el día de navidad de 1995 en Beverly Hills, California como consecuencia de un enfisema que le produjo su avanzado cáncer de pulmón. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Angeles, California.



De Dean Martin, Dino para sus amigos, se han dicho muchas cosas. Como persona, se dice que fue un hombre ambicioso y muy calculador que logró el éxito gracias a Lewis y no respetó más lealtad que la del dinero. Tuvo además problemas de alcohol y era un empedernido fumador. Una persona simpática y afable en los ambientes sociales y fiesteros pero, al tiempo una persona distante y reservada. Un vividor, un mujeriego empedernido, con un ego tan grande como el que le enrostraba a Jerry Lewis y que fue incapaz de amar a una mujer más que como la compañera capaz de darle los hijos que tuvo en gran número. Sus canciones aún se escuchan a través de las ondas por todo el mundo.

De acuerdo al libro "
Frank Sinatra y el olvidado arte de vivir"
de BIll Zehme, el cual está muy bien documentado, Dean Martin casí no bebía, aunque siempre tenía un vaso de licor en la mano para disimular esto.

Randolph Scott

Randolph Scott y su esposa.


George Randolph Scott fue un actor estadounidense nacido el 23 de enero de 1898 en Orange Country, en el estado de Virginia, y fallecido el 2 de marzo de 1987 en Los Ángeles, California.

Llegó a Hollywood en tiempos del cine mudo, en busca de fama, y avalado por su amistad con el magnate Howard Hawks, con quien había coincidido en la universidad de Carolina del Norte, donde Randolph se había graduado como ingeniero textil. Comenzó a participar en algunas películas como figurante a finales d elos años veinte. Tras su participación en el virginiano fue descubierto por los agentes de la Paramount que le contrataron, con lo que comenzó a protagonizar películas, especialmente comedias romátincas, dramas y películas de aventuras y algunos western. En los años treinta sobre todo destaca una serie de western dirigidos por Henry Hathaway y su papel de Ojo de Halcón en una versión del último mohicano de George B. Seitz.

En 1939 entre varias películas que intervino destaca su película Tierra de audaces de Henry King, en la que tiene un papel destacado siendo un honrado sheriff que persigue a los hermano James, y su papel de Wyatt Earp en Sheriff de la frontera del director Allan Dwan.

Durante los años treinta hizo gran amistad con Cary Grant, con quien compartió una mansión hasta que ambos se casaron, lo que dio lugar a muchas especulaciones sobre la orientación sexual de ambos. Juntos protagonizarían su mujer favorita junto a la gran amigas de ambos Irene Dunne.

En los cuarenta su estrella no deja de crecer se va especializando cada vez más en los western, sobre todo senda siniestra de George Marshall, Belle Star de Irving Cummings y sobre todo "
Espíritu de conquista"
, del gran Fritz Lang. Además de los western es de destacar su participación en el clásico del cine de piratas El capitán Kidd junto al gran Charles Laughton.

Pero sería en los cincuenta, tras crear su propia productora, y colaborando con el director Budd Boeticher y el guionista Burt Kennedy, cuando alcanzaría la cúspide de su fama con varios western de bajo presupuesto pero llenos de autenticidad.

En 1962 trabajaría en su última película Duelo en la Alta sierra dirigida por Sam Peckinpah y co protagonizada por otra estrella del western como Joel McCrea.

Sidney Poitier


Poitier, Belafonte y Heston en 1963, en una marcha por los derechos civiles.


Sir Sidney Poitier , (n. 20 de febrero de 1927), es un actor originario de Bahamas, ganador del Premio Oscar en dos ocasiones.

Es también director de cine y activista proderechos humanos. Empezó a ser conocido por aclamadas interpretaciones en películas y obras de teatro americanas en las cuales defendía los esteriotipos raciales. De esta manera dio una gran credibilidad a los actores de color en el mundo occidental.

En 1963, Poitier consiguió ser el primer actor negro en ganar el Oscar al mejor actor - por su interpretación en Los lirios del valle. El significado de su logro fue confirmado en 1967 cuando protagonizó tres películas muy bien recibidas - Rebelión en las aulas, En el calor de la noche, y Adivina quién viene esta noche.

Poitier también ha dirigido conocidas películas como Sucedió un sábado, y Let's Do It Again (con su amigo Bill Cosby), y Locos de remate (protagonizada por Richard Pryor y Gene Wilder). En 2002, 38 años después de recibir el oscar al mejor actor, Poitier fue elegido por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood para recibir el oscar honorífico.

De ascendencias haitiana, Sidney Poitier se crió en Miami (Florida). En 1943, se alista en el ejército para luchar en la Segunda Guerra Mundial. A su vuelta, se adentra en el mundo de la interpretación. Primero para actuar en Broadway y, posteriormente para hacer su debut en el cine de la mano de Joseph L. Mankiewicz en Un rayo de luz.
Su actuación en Furtivos, le valió la primera nominación de un actor negro a los Oscar y Los lirios del valle (1963), le dio por fin la preciada estatuilla;
convirtiéndose en el primer actor de color que consigue el Oscar en la categoría de mejor actor principal.

Poitier representaba papeles controvertidos y enfrentado constantemente a la lucha racial de la época. Es por ello, que Poitier era todo un referente en la comunidad negra de la época.

Poitier contrajo matrimonio por primera vez con Juanita Hardy el 29 de Abril de 1950. Esta relación duró hasta 1965. Posteriormente se casó con Joanna Shimkus, una actriz canadiense de descendencia lituana, el 23 de Enero de 1976. Tiene cuatro hijos de su primer matrimonio y dos de su segundo matrimonio, todas son chicas. Su quinta hija es la actriz Sydney Tamiia Poitier.

Ha escrito dos libros autobiográficos, This Life (1980) y The Measure of a Man: A Spiritual Autobiography (2000).

te felicito Leyla maravilloso foro, recuerda que en chambord ( cafe ) puedes charlar de lo que desees. ;
)

Dana Andrews




Dana Andrews (1 de enero de 1909 - 17 de diciembre de 1992) fue un actor estadounidense.

Carver Dana Andrews nació en una granja de Collins (Covington County, Misisipi, EE. UU.). Era el tercero de los trece hijos que tuvo el reverendo baptista Charles Forrest Andrews y su mujer Annis. La familia se trasladó a Huntsville (Texas). Allí el joven Carver acabaría sus estudios y estudiaría administración en Houston, trabajando durante una temporada en la empresa Gulf &
Western.

En 1931, Dana viaja a Los Ángeles, California para buscar oportunidades como cantante. Trabajó en diferentes trabajos para sobrevivir como dependiente en una gasolinera en Van Nuys a la espera de una oportunidad. ésta le llegó gracias a uno de sus clientes que le pagó las clases de ópera y del Pasadena Playhouse, una prestigiosa escuela de arte dramático. En 1940, Andrews firma un contrato con Samuel Goldwyn y nos llega su impresionante debut en la película de William Wyler El forastero protagonizada por Gary Cooper y Walter Huston.

En estos primeros años, Andrews intervino en algunas de las películas consideradas referentes del cine norteamericano de los años cuarenta. Así, el nombre de Andrews es habitual en Bola de fuego (1941) de Howard Hawks, encantadora actualización del cuento infantil "
Blancanieves y los siete enanitos"
junto a Gary Cooper y Barbara Stanwyck;
Aguas pantanosas (1941) de Jean Renoir con Anne Baxter, La ruta del tabaco (1941) de John Ford junto a Gary Cooper y Gene Tierney o el maravilloso western El incidente Ox-Bow (1943) de William A. Wellman.

Pero sin duda, sería su intervención en la película Laura (1944) de Otto Preminger la que le catapultó hacia la fama. Un estrellato que se confirmaría en 1946 con su papel de Fred Derry en la tan memorable como oscarizada Los mejores años de nuestra vida de William Wyler.

Durante la guerra participó en algunos de los clásicos del género bélico ("
The purple heart"
, "
Alas y una plegaria"
o "
A walk in the sun"
), buenos westerns y aventuras ("
Tierra generosa"
, "
Aguas profundas"
), comedias con estilo ("
La feria del Estado"
) o melodramas con toques de cine negro ("
Ángel o diablo"
, "
Daisy Kenyon"
, "
El justiciero"
), pasando luego al thriller con la guerra fría como tema de fondo ("
El telón de acero"
)

En los años cincuenta, comenzaría con la excelente Al borde del peligro (1950), una intriga criminal dirigida por Otto Preminger. Pero el alcoholismo y la mala elección de los papeles hicieron que su carrera cayera en picado. De hecho, los problemas de alcohol de Andrews casi le cuestan la vida en dos accidentes de coche.

Con esta serie de escándalos, Andrews se vio forzado a realizar papeles secundarios en películas de serie B. De todas maneras, aún haría películas de indudable valor como Tres horas para vivir (1954, Alfred Werker), junto a Donna Reed;
La senda de los elefantes (1954, William Dieterle) con Elizabeth Taylor;
La pelirroja indómita (1955, Mervyn LeRoy), actuando con Greer Carson;
Mientras Nueva York duerme (1956) de Fritz Lang, con Vincent Price y Rhonda Fleming, Más allá de la duda (1956, de Fritz Lang, junto a la inolvidable Joan Fontaine) o La noche del demonio (1958), una correcta película de terror del maestro Jacques Tourneur.

Durante los años sesenta, Andrews continuaría trabajando sin cesar en trabajos para televisión y películas cinematográficas de escasa categoría, aunque como secundario pudo acceder a superproducciones bélicas como estrella invitada: "
Primera victoria"
(1965) junto a Kirk Douglas y John Wayne;
"
La batalla de las ardenas"
(1965), con Henry Fonda;
o "
La brigada del diablo"
(1968) con William Holden y Cliff Robertson. De esta última etapa profesional destaca en su papel de presidente de colegio Tom Boswell en la serie de la NBC Bright Promise (1968-72).

En 1972, después de superar los problemas de adicción al alcohol, se convirtió en uno de los intérpretes cinematográficos más activos en el afán de convencer a la juventud de que se apartara del consumo excesivo de bebidas alcohólicas y fue uno de los primeros personajes famosos que hacía público su ingreso en la organización de los Alcohólicos Anónimos. Apareció, por último, en "
De oriente a occidente para matar"
junto a Stanley Baker y Geraldine Chaplin, "
El último magnate"
(1976) de Elia Kazan, y "
Los valientes visten de negro"
(1978) junto a Chuck Norris.

En lo que respecta a su vida privada, Dana Andrews se casó en dos ocasiones, la primera en 1932 con Janet Murray, de la que enviudó en 1935 y por último con la actriz Mary Todd en 1939, a la que dejó viuda en 1992.

En los últimos años de la vida de Andrews, se le diagnosticó la enfermedad del Alzheimer y en 1992 falleció a causa de una neumonía.

Joseph Cotten



Joseph Chesire Cotten (15 de mayo, 1905-6 de febrero, 1994), actor estadounidense, llegado al cine de la mano de Orson Welles, colaborando en películas como Ciudadano Kane o El tercer hombre, y dado a conocer al gran público por algunas de sus interpretaciones en películas de Alfred Hitchcock (La sombra de una duda y Atormentada).

Nació en Petersburg, Virginia, en el seno de una familia de la alta sociedad. Sus padres, Sally Bartlett y Joseph Cotten Sr. tuvieron otros 2 hijos, Whit y Sam, siendo Joseph el mayor de ellos. En 1931 se casó con su primera mujer, Leonore Kipp, una pianista, y su matrimonio duró hasta la muerte de ella en el año 1960. En el año 1960 se casó con Patricia Medina, y el matrimonio duró 34 años, hasta la muerte de él. Tras una larga lucha contra el cáncer, murió de neumonía en el año 1994.

Estudió interpretación en la Hickman School, en Washington D.C. Trabajó como crítico de cine para el Miami Herald, y se dedicó a la publicidad, a la radio y al teatro, teniendo lugar su debut en Broadway en el año 1930. Interpretó papeles principales en obras teatrales como Jezabel, Julio César, Historias de Filadelfia, (junto a Katharine Hepburn), y Sabrina Fair .

Fue en ese ambiente teatral donde conoció a Orson Welles, y con el cual fundó, en 1937, el Mercury Theatre.

Su debut en el cine fue en la primera producción de Orson Welles, Ciudadano Kane, en el papel de Jedediah Leland, en el año 1941. Debido a que la película se basaba en la vida real del magnate de la comunicación William Randolph Hearst, éste hizo todo lo posible para que no se distribuyera y la atacó sistemáticamente desde sus periódicos. Consiguió sabotear la película, que solo alcanzó una nominación a los Oscar. Sin embargo, es considerada una obra maestra y una de las mejores películas de la historia del cine, y fue decisiva para lanzar la carrera cinematográfica de Cotten y para darle el prestigio de gran actor que mantuvo durante toda su trayectoria. Para el reparto de la película Welles utilizó a varios actores de la compañía teatral Mercury Theatre, que fundó con Cotten. Su tercer papel en el cine, fue también en otra película de Orson Welles, El cuarto mandamiento, interpretando a Eugene Morgan, que le consolidó definitivamente en el mundo del cine. Sus últimas colaboraciones con Welles fueron en las producciones El tercer hombre, de Carol Reed, en el año 1949, aunque en este caso solo como compañeros de reparto, y en la película Sed de Mal, de Welles, en 1958, donde realiza un pequeño cameo. A pesar de no seguir colaborando juntos, siempre les unió una gran amistad.


Fue un actor muy versátil, y tras su gran éxito en Ciudadano Kane, colaboró en varias películas de Alfred Hitchcock. La primera de ellas fue La sombra de una duda, en 1943, junto a Teresa Wright, en la que interpretaba a un asesino en serie. La otra colaboración sería en la película Atormentada, de 1949, junto a Ingrid Bergman. Volvió a coincidir con Ingrid Bergman en la película de George Cukor Luz que agoniza, en 1944, como actor secundario. Este papel relanzó su carrera pese a que fue el único actor del reparto de la película que no estuvo nominado a ningún Globo de Oro ni a ningún Oscar de Hollywood.

Su trayectoria a lo largo de los años 1940 y los años 1950 fue muy fructífera, participando en un gran número de películas. Duelo al sol, con Jennifer Jones, en 1946 y Niágara, de Henry Hathaway, junto a Marilyn Monroe, en 1953, fueron dos de sus películas más conocidas.

En la década de los años 1960 y los años 1970, su carrera se tornó un tanto irregular, participando en películas como Canción de cuna para un cadáver de Robert Aldrich, con Bette Davis y Olivia de Havilland, pero también dedicándose a películas de serie B o a películas para televisión, con las excepciones de Aeropuerto 77 y Tora! Tora! Tora!.

A pesar de su extensa filmografía, y de haber participado en algunas de las películas más importantes de la historia del cine, nunca ganó ningún Oscar, de hecho ni siquiera llegó a estar nominado.

Robert Cummings

Robert Cummings y Helen Mack.

Robert Cummings (10 de junio de 1908 – 2 de diciembre de 1990), también conocido como Bob Cummings, fue un actor cinematográfico y televisivo estadounidense, conocido por su aspecto juvenil, incluso cuando ya era mayor.

Cummings trabajó principalmente en papeles cómicos, pero fue eficaz en los pocos dramas que rodó, especialmente en dos títulos de Alfred Hitchcock, Saboteur (Sabotaje) y Dial M for Murder (Crimen perfecto).

Cummings nació en Joplin, Missouri. Mientras se educaba en la Joplin High School, aprendió a volar gracias a su padrino, Orville Wright. Estudió en el Carnegie Institute of Technology en Pittsburg, Pennsylvania, y en la American Academy of Dramatic Arts de Nueva York. Tuvo una breve carrera teatral en Broadway con el nombre artístico de Blade Stanhope Conway, un supuesto inglés, antes de trasladarse a Hollywood, California, donde actuó en un principio con la personalidad ficticia de Bruce Hutchens, un rico tejano.

En los años treinta Cummings trabajó (ya con su verdadero nombre) bajo contrato y actuó en varios papeles menores. Consigió el estrellato en 1939 en Three Smart Girls Grow Up (Su última diablura) frente a Deanna Durbin. Entre sus mucha comedias se incluye: The Devil and Miss Jones (1941), con Jean Arthur, y The Bride Wore Boots (1946), junto a Barbara Stanwyck. Cummings tuvo actuaciones memorables en tres importantes dramas: Kings Row (1942), con su amigo Ronald Reagan;
Saboteur (Sabotaje) (1942), junto a Priscilla Lane y Norman Lloyd;
y Dial M for Murder (1954), con Grace Kelly y Ray Milland.

Cummings fue elegido por el productor John Wayne como coprotagonista con el papel del piloto Capitán Sullivan en The High and the Mighty, en parte debido a la experiencia de Cummings como piloto. Pero el director William A. Wellman desautorizó a Wayne y eligió a Robert Stack para el papel.

Cummings también trabajó en la serie radiofónica de la CBS Radio Those We Love. En el programa, que se radió de 1938 a 1945, Cummings interpretaba a David Adair, frente a Richard Cromwell, Francis X. Bushman y Nan Grey.

En 1952 inició una larga carrera televisiva con la comedia My Hero. Formó parte del reparto de la primera representación en TV de 12 Angry Men, una producción en directo emitida en 1955, en la que su interpretación del "
Jurado Número Ocho"
fue premiada con un Emmy. De 1955 a 1959, Cummings protagonizó el famoso programa The Bob Cummings Show, sustituido por The New Bob Cummings Show entre 1961 y 1962. También hizo una temporada de My Living Doll (1964), otra comedia de situación. Su último trabajo de relevancia fue en la película de 1973 para la TV Partners in Crime, junto a Lee Grant.

Durante la Segunda Guerra Mundial Cummings sirvió en la base de Oxnard, California, y posteriormente fue piloto de la Fuerza de Reserva de los Estados Unidos.

Se casó en cinco ocasiones y tuvo siete hijos. Sus esposas fueron: Emma Myers, con la que tuvo dos hijos;
Vivi Janiss, con la que se casó en 1933, y de la que se divorció;
Mary Elliott, con la que se casó en 1945 y se divorció en 1970, tras tener cinco hijos;
Regina Fong, casada con él en 1971;
y Jane Berzynsky, casada con él en 1989.

Fue un defensor de los alimentos naturales y de las dietas saludables, y escribió el libro Stay Young and Vital (1960) sobre los alimentos sanos y el ejercicio.

Cummings falleció a causa de un fallo renal en 1990, a los 82 años, y fue enterrado en el Gran Mausoleo del Cementerio Forest Lawn Memorial Park en Glendale, California.

Antonio Moreno




Antonio Garrido Monteagudo Moreno, Nació en Madrid el 26/Sep/1887. De muy niño quedó huérfano de padre que era militar y su infancia transcurre en Andalucía. Los motivos económicos y el deseo de apartarle de un amor temprano hacen que su madre acepte la propuesta de unos amigos para que emigre con ellos a USA.

En 1902, a los quince años, ya está en USA sin ningún interés por el mundo del espectáculo, se conformaba con aprender inglés, su atractivo físico y su simpatía le facilitaron las cosas, una viuda, Charlotte Morgan pagó sus estudios, trabaja en una compañía de gas y electricidad y en 1910 regresa a España de visita. A su regreso conoce a la actriz Helen Ware quien lo convence para probar fortuna en el teatro. Le ofrecen papeles secundarios, su acento español lo limita, pero obtiene buenos resultados y dos años más tarde debuta en papeles de reparto en el cine. En 1913 firma un contrato con Vitagraph y a partir de ese momento se convierte en el "
latin lover"
más cotizado del cine mudo. Durante este período compartirá pantalla con grandes estrellas de la época. En 1923 se casa con Daisy Canfield Danziger, una rica viuda, compran Crestmount , una lujosa vivienda, donde organizaron fiestas al mejor estilo hollywoodense y que llegaron a ser muy populares, Errol Flynn, Buster Keaton, Gilbert Roland, Mary Pickford, fueron asiduos a estas fiestas. Mientras tanto Antonio había firmado un contrato con la Paramount con la que protagonizaría 6 películas.

El punto álgido de su estrellato abarca de 1923 a 1928, la llegada del sonoro, a pesar de su buena voz, y el cambio de gustos significó el declive de la estrella pero se mantuvo en las "
spanish versions"
y posteriormente en el cine en español.

En 1933 el matrimonio se separa y poco después su esposa Dasy fallece en un controvertido accidente automovilístico.

En 1936 visita de nuevo España donde trabaja por única vez con el cine español en "
María de la O"
.

En 1967 falleció víctima de un ataque de aplopejía.

Antonio Moreno fue el primer español que triunfó en Hollywood, sólo comparable a otro Antonio, Antonio Banderas, muy posterior en el tiempo.

Jobyna Ralston



Jobyna Ralston (21 de noviembre de 1899 - 22 de enero de 1967) fue una notable actriz de la era del cine mudo. Muchos la consideran una de las más bellas actrices de la época.

Su verdadero nombre era Jobyna Lancaster Ralston, y nació en South Pittsburg, Tennessee, en 1899. Sus padres le dieron el nombre de una famosa actriz de la época, Jobyna Howland. La madre de Jobyna, fotógrafa, preparó cuidadosamente a su hija para que se dedicara al negocio del entretenimiento.

A los nueve años actuó por primera vez en un escenario con la obra Cenicienta, durante la inauguración del Wilson theatre/Opera House en 1909. Hacia 1915, Jobyna acudió a una escuela de interpretación en Nueva York. Posteriormente bailó en coros y cantó en producciones de Broadway, la primera de ellas Two Little Girls In Blue. Esta función supuso su debut en Broadway, a los 21 años. El comediante Max Linder la vio en escena y la persuadió para ir a Hollywood, donde Jobyna actuó en varios de sus filmes. También coprotagonizó la película Humor Risk, el corto, actualmente perdido, que supuso el debut cinematográfico de los Hermanos Marx. Pronto el director Hal Roach la hizo trabajar en sus comedias. Abandonó el teatro por la pantalla en 1922, cuando la salud de su madre empezó a declinar, ya que precisaba más dinero para afrontar las facturas médicas.

En 1923 fue nombrada por la industria cinematográfica como una de las WAMPAS Baby Stars. Este galardón se daba cada año a las estrellas femeninas del momento y a las más prometedoras. Ese mismo año trabajó con el cómico Harold Lloyd en Why Worry?, y en los siguientes cinco años actuó en seis de las películas de Lloyd, interpretando el papel femenino principal. Ralston dio profundidad emocional y talento cómico a esos títulos. Por estas interpretaciones y por su química en pantalla junto a Lloyd es por lo que hoy en día se la recuerda más.

Com actriz independiente, Jobyna trabajó con Richard Arlen en la primera película ganadora de un Oscar, Alas. En dicha película actuaban Clara Bow, Gary Cooper, y Buddy Rogers. Trabajaría en otras once películas, entre ellas Special Delivery (1927), junto a Eddie Cantor. Su carrera en el cine finalizó tras hacer dos películas sonoras, ya que ceceaba. Su primer título sonoro fue Rough Waters (1930), actuando con Rin Tin Tin.


Jobyna estuvo casada dos veces. La primera con John Campbell, pero el matrimonio no duró. En 1927 se casó con el actor Richard Arlen, a quien había conocido en el rodaje de Wings (Alas). Tuvieron un hijo, el actor Richard Arlen Jr. Ralston y Arlen se divorciaron en 1945. Los últimos cinco años de su vida sufrió reumatismo, y tuvo una serie de apoplejías. Falleció en 1967 a causa de una neumonía en el Motion Picture Country Home de Woodland Hills (Los Ángeles), California. Tenía 67 años de edad

Béla Lugosi



Béla Lugosi fue el nombre artístico del actor Béla Ferenc Dezső
Blaskó (20 de octubre de 1882 - 16 de agosto de 1956). Nació en Lugoj, Transilvania, región del Reino de Hungría que estaba anexionado al Austro-Húngara (hoy Lugoj, Rumania), siendo el más pequeño de los 4 hijos de un banquero.

Lugosi comenzó su carrera como actor en Europa, trabajando en distintas obras de Shakespeare. Sin embargo, se dio a conocer realmente con su papel de Conde Drácula en la adaptación cinematográfica de la clásica historia de vampiros de Bram Stoker llevada al cine por el director Tod Browning en 1931, papel que consiguió por su actuación en Broadway del mismo papel.

Durante la Primera Guerra Mundial participó como teniente de infantería y tras la contienda formó parte activa en la izquierda de su país y fundó el sindicato de actores. En 1917 contrajo matrimonio con Ilona Szmik de quien se separaría en 1920.

Tuvo que exiliarse debido a su actividad política primero a Alemania en 1919 y posteriormente abandonó Europa y se marchó a los Estados Unidos. Allí recibió el papel de su vida, el del Conde Drácula,que interpretó primero en los teatros de Broadway y en diversas giras y que posteriormente llevó a la pantalla de la mano de Tod Browning en Drácula (1931).

La película fue un éxito, pero Lugosi se encasilló en papeles de terror con películas como White Zombie (en España, La legión de los hombres sin alma)y Scared to Death. Rechazó interpretar al monstruo en Frankenstein pero realizó un buen trabajo interpretando al trastornado Ygor en dos secuelas, Son of Frankenstein y Ghost of Frankenstein antes de aceptar interpretar finalmente al monstruo en Frankenstein Meets the Wolf Man. Tuvo también un pequeño papel en la comedia clásica Ninotchka junto a Greta Garbo.

Muchos films, como The Black Cat y el anteriormente mencionado Son of Frankenstein equipararon a Lugosi con su mayor rival en el mundo del cine de terror, Boris Karloff. La actitud de Lugosi ante Karloff es tema de muchas y muy variadas opiniones entre los expertos e historiadores de cine. Muchos de ellos nos hablan de un Lugosi resentido por el éxito y la habilidad de Karloff de conseguir mejores papeles dentro de la escena del cine de terror, mientras que otras historias comentan que entre ambos actores -al menos durante un tiempo- existió una muy buena amistad.

Años más tarde, los papeles dejaron de llegarle y se volvió un adicto a la morfina, sustancia que comenzó a utilizar durante su estancia en el frente de guerra para apaciguar el dolor por la herida sufrida en su pierna. Recreó por última vez el papel de Drácula en la película Bud Abbott and Lou Costello Meet Frankenstein en 1948.

Ya casi al final de su vida, volvió de nuevo a aparecer en películas, aunque fuesen de pésima calidad. El, tras su muerte, histórico director Ed Wood, fue desde siempre un fan de Lugosi. Convencido el histriónico director de volver a recuperar al gran Lugosi, le ofreció numerosos papeles en sus películas, siempre interpretando alguna variante del clásico mad doctor (científico loco) o de Vampiro, incluso, en películas como Glen o Glenda en las que su papel no tenía sentido alguno. La película biográfica de Wood, (Ed Wood - 1994), dirigida por Tim Burton) refleja, entre otros aspectos, las relaciones del director con Lugosi, interpretado por Martin Landau. Como consecuencia de sus apariciones en películas de serie B, apareció en algunos episodios de la serie de televisión Mystery Science Theater 3000, especialmente en su film Bride of the Monster.

Uno de los papeles más infames de Lugosi fue el que interpretó en una película ya clásica que sería estrenada después de su muerte. Plan 9 from Outer Space de Ed Wood contenía metraje de Lugosi intercalado con escenas de un doble suyo que no se parecía para nada a él. Wood había tenido enormes dificultades para financiar el proyecto, y solo fue capaz de filmar escenas cortas y mudas que planeaba incorporar en el montaje final una vez hubiese encontrado el resto de su financiación. Sin embargo, Lugosi falleció tres años antes de que llegase la financiación total del proyecto (de la mano de la Iglesia Baptista de Beverly Hills, nada más y nada menos). Así que Wood contrató al quiropráctico de su esposa para doblar a Lugosi, al que podemos distinguir del auténtico Drácula por el hecho de que no se parece en nada a Lugosi y porque se cubre la cara con una capa en cada una de sus tomas.

Al contrario de lo que podemos ver en el Ed Wood de Tim Burton, Lugosi no recibió un trato de estrella en Plan 9. Sin embargo sí se le nombró como estrella invitada, debajo de Tor Johnson, Vampira y Kenne Duncan.

Falleció de un ataque al corazón a la edad de 73 años en Los Ángeles, California, mientras se encontraba sentado en una silla un 16 de agosto de 1956. La leyenda del terror nos abandonaba interpretando también en la muerte a su personaje más querido y que más satisfacciones le dio en vida, el Conde Drácula. Lugosi, como bien indicaba su testamento, fue incinerado llevando puesto su disfraz de vampiro, en el Holy Cross Cemetery de Culver City, California.

Lon Chaney



Lon Chaney (1 de abril de 1883 – 26 de agosto de 1930), apodado "
El Hombre de las Mil Caras"
, fue un actor estadounidense durante la era del cine mudo. Considerado uno de los actores más versátiles de los comienzos del cine, es recordado principalmente por sus interpretaciones de personajes torturados, a menudo grotescos y afligidos, y por su habilidad para el maquillaje.

Lon Chaney nació con el nombre de Leonidas Frank Chaney en Colorado Springs, Colorado, hijo de Frank Chaney y Emma Alice Kennedy;
su padre era de ascendencia principalmente inglesa con algún aporte francés, y su madre era descendiente de irlandeses. Ambos padres eran sordomudos por lo que Chaney aprendió desde niño a comunicarse por pantomima. En 1902 comenzó su carrera en los escenarios, viajando com actores populares del teatro y el vaudeville. En 1905 conoció y se casó con la cantante Cleva Creighton y en 1906 nació su primer y único hijo: Creighton Chaney (alias Lon Chaney Jr.). Los Chaney siguieron de gira hasta asentarse en California en 1910.

Desafortunadamente se produjeron problemas matrimoniales y, en abril de 1913, Cleva se dirigió al Teatro Majestic, ubicado en el centro de Los Ángeles, donde Lon estaba dirigiendo Kolb and Dill. Allí, ella trató de suicidarse ingiriendo bicloruro de mercurio. El intento de suicidio fracasó y arruinó su carrera como cantante;
el escándalo y divorcio resultantes obligaron a Chaney a abandonar el ámbito teatral y dedicarse a las películas.

Se ignora el tiempo que pasó allí, pero entre los años 1912 y 1917, Chaney trabajó bajo contrato para Universal Studios realizando pequeños papeles. En esta época, Chaney se hizo amigo de la pareja de directores Joe De Grasse e Ida May Parke, quienes le dieron papeles más importantes en sus producciones.

Chaney también se hizo amigo de William Dudley Pelley, quien luego formaría la Legión de Plata, una organización nazi estadounidense. Mientras estuvo en Hollywood, Pelley escribió dieciséis guiones de los cuales Chaney protagonizó dos. Además, Chaney se casó con una antigua colega de la gira Kolb and Dill, una chica llamada Hazel Hastings que cantaba en el coro de la obra. Es poco lo que se sabe de Hazel excepto que su matrimonio con Chaney fue sólido. Luego de casarse, la flamante pareja obtuvo la custodia del hijo de Chaney que ya tenía diez años y había residido en varios hogares e internados tras el divorcio de Chaney en 1913.

Para 1917, Chaney era un actor importante dentro del estudio aunque su salario no reflejara su estatus. Cuando Chaney solicitó un aumento, el ejecutivo del estudio William Sistrom contestó: "
jamás valdrás más que cien dólares a la semana"
.

Tras abandonar el estudio, Chaney luchó como actor durante todo su primer año. No fue sino hasta 1918, al realizar un papel considerable en la película Riddle Gawne de William S. Hart, que el talento de Chaney como actor fue realmente reconocido por la industria del cine.

En 1919, Chaney realizó una actuación importante como "
la Rana"
(un hombre que finge ser un lisiado que se cura milagrosamente) en El milagro (The Miracle Man) de George Loane Tucker. La película no sólo exhibió la habilidad actoral de Chaney sino también su talento como amo del maquillaje. El elogio de la crítica y una recaudación de más de 2 millones de dólares estadounidenses pusieron a Chaney en el mapa como el principal actor de carácter de Estados Unidos.

Chaney es recordado como pionero en películas mudas de terror como El jorobado de Notre Dame (The Hunchback of Notre Dame) y, en especial, por El Fantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera). Su habilidad para transformarse mediante técnicas de maquillaje de su propia invención le ganaron el apodo de "
El Hombre de las Mil Caras"
. En un artículo autobiográfico de 1925 publicado en la revista Movie, Chaney se refirió a su especialidad como "
caracterización extrema"
.


También demostró su adaptabilidad con el maquillaje en películas más convencionales, de crimen y aventuras, como por ejemplo The Penalty, donde interpretó a un gángster sin piernas. Apareció en varias películas dirigidas por Tod Browning, a menudo interpretando a personajes disfrazados o mutilados, entre ellos el lanzador de cuchillos Alonzo el Sin Brazos en Garras humanas (The Unknown) con Joan Crawford. En 1927, Chaney actuó junto a Conrad Nagel, Marceline Day, Henry B. Walthall y Polly Moran en el clásico del terror La casa del horror (London After Midnight) de Tod Browning;
esta película ahora se encuentra perdida y quizá sea la película perdida más famosa de la historia. Su última película fue un remake sonoro del clásico mudo El trío fantástico (The Unholy Three) (1930), su única película sonora y la única en que utilizó su voz tan versátil. Chaney firmó una declaración jurada donde establece que cinco de las voces principales en la película (el ventrílocuo, la anciana, el loro, el muñeco y la chica) son en realidad suyas.

Pese a que Chaney creó a dos de los personajes más grotescamente deformados de la historia del cine (Quasimodo, el campanero de Notre Dame, y Erik, el "
fantasma"
de la Ópera de París), sus representaciones buscaban una reacción de simpatía y tristeza entre la audiencia y no aterrarlos o hacerlos sentir rechazo hacia esos personajes desfigurados que tan sólo eran víctimas del destino.

"
Quería recordarle al público que incluso quienes se encuentran más abajo en la escala de humanidad puden tener en su interior la capacidad de sacrificio"
, escribió Chaney en la revista Movie. "
El pordiosero empequeñecido y deforme que vemos en las calles podría tener los más nobles ideales. La mayoría de mis papeles desde El jorobado de Notre Dame, como El Fantasma de la Ópera, He Who Gets Slapped, El trío fantástico, etc., han tenido incorporados el tema del sacrificio y la abnegación. Son estas historias las que quiero contar."


"
Él fue una persona que reflejó nuestras psiques. Entró de algún modo a las sombras que existen dentro de nuestros cuerpos;
pudo desenmascarar algunos de nuestros miedos íntimos y llevarlos a la pantalla"
, explicó el escritor Ray Bradbury en una ocasión. "
La historia de Lon Chaney es la historia de amores no correspondidos. Él pone al descubierto esa parte de uno, porque uno teme que no lo amen, uno teme que nunca lo amen, uno teme que una parte suya sea grotesca, que el mundo le de la espalda."


Los talentos de Chaney se extendieron más allá del género del terror genre y el maquillaje artístico. También fue un bailarín, cantante y comediante muy hábil. De hecho, muchas personas que no conocían a Chaney se sorprendían por su deliciosa voz de barítono y su aguda capacidad para la comedia.

Chaney y su segunda esposa, Hazel, llevaron una vida privada discreta lejos del círculo social de Hollywood. Chaney promocionaba mínimamente sus películas y los estudios MGM, alimentando así su imagen de misterio.

Durante los últimos cinco años de su carrera (1925-1930), Chaney trabajó bajo contrato de exclusividad para MGM, realizando algunas de sus interpretaciones más memorables. Su papel como un duro instructor de la marina en Tell it To the Marines (1926), una de sus películas favoritas, le ganó el cariño del Cuerpo de Marines de los Estados Unidos, quienes lo nombraron el primer miembro honorario de la industria cinematográfica.

Chaney desarrolló una neumonía mientras filmaba Thunder en el invierno de 1929. A fines de ese mismo año se le diagnosticó cáncer de pulmón. Su condición fue empeorando poco a poco y murió de una hemorragia en la garganta siete semanas después del lanzamiento de una nueva versión de El trío fantástico. Su muerte afectó profundamente a su familia, a la industria del cine y a sus admiradores. Fue sepultado en el Forest Lawn Memorial Park Cemetery, en Glendale, California. Su lápida ha permanecido sin escritura alguna por razones que se desconocen.

En 1957, se estrenó una película titulada El Hombre de las Mil Caras (Man of a Thousand Faces) que relataba su vida. James Cagney interpretaba a Chaney.


Lon Chaney posee una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. En 1994, fue homenajeado cuando el caricaturista Al Hirschfeld utilizó su imagen para una estampilla del correo estadounidense.

El teatro del Auditorio Cívico de Colorado Springs fue bautizado con el nombre Lon Chaney.

Chaney construyó una impresionante cabaña de piedra como retiro en lo remoto del bosque que se encuentra en la parte oriental de las montañas de Sierra Nevada, cerca de Big Pine, California. La cabaña (diseñada por el arquitecto Paul Williams) es conservada por el Servicio Forestal Nacional Inyo.

El hijo de Chaney, Lon Chaney Jr., también es conocido por su participación en películas de terror, en especial por El Hombre lobo (The Wolf Man, 1941). Los Chaney aparecieron en las estampillas del correo de EEUU en sus papeles distintivos del Fantasma de la Ópera y el Hombre Lobo;
el grupo se completa con Bela Lugosi como Drácula y Boris Karloff como el monstruo de Frankenstein y la Momia.

Padre e hijo son mencionados en la canción "
Hombres Lobo de Londres"
(Werewolves of London) de Warren Zevon.

Muchos de los colegas de Chaney lo tenían en gran estima ya que a menudo aconsejaba y ayudaba a los actores que recién empezaban sus carreras. También fue muy respetado por todas las personas con quienes trabajó.

Marceline Day



Marceline Day (24 de abril de 1908 - 16 de febrero de 2000) fue una actriz cinematográfica estadounidense cuya carrera inicio siendo niña en la década de 1910 y finalizó en los años treinta.

Su verdadero nombre era Marceline Newlin, y nació en Colorado Springs, Colorado. Creció en Salt Lake City, Utah, y era la hermana menor de la actriz Alice Day.

Marceline Day inició su carrera en el cine después de que su hermana Alice fuera elegida como una de las "
Bathing Beauty (Bellezas en Bañador)"
de Mack Sennett en comedias de una bobina (15 minutos de duración) y dos bobinas (20-25 minutos) rodadas para Keystone Studios. Day hizo su primera actuación junto a su hermana en la comedia de 1924 de Sennett Picking Peaches, antes de ser escogida para trabajar en una serie de cortos cómicos protagonizados por el actor Harry Langdon, además de un período en el que trabajó en algunos de los primeros western de Hollywood junto a estrellas cowboy del cine mudo tales como Hoot Gibson, Art Acord y Jack Hoxie. Gradualmente, Day fue actuando en papeles más dramáticos al lado de actores de la talla de Lionel Barrymore, John Barrymore, Norman Kerry, Ramón Novarro, Buster Keaton, y Lon Chaney.

En 1926, Marceline Day fue nombrada una de las trece WAMPAS Baby Stars, una campaña promocional patrocinada por la Western Association of Motion Picture Advertisers de los Estados Unidos, con la cual se premiaba anualmente a trece jóvenes prometedoras actrices. Otras de las galardonadas ese año fueron Joan Crawford, Mary Astor, Janet Gaynor y Dolores del Río. La publicidad de la campaña le dio aún más popularidad a Day, y en 1927 actuó con John Barrymore en la aventura romántica The Beloved Rogue.

Marceline Day es probablemente mejor recordada por su actuación en el ahora perdido título clásico de horror dirigido por Tod Browning London After Midnight (La casa del horror) (1927), con Lon Chaney y Conrad Nagel, por su papel de Sally Richards en la comedia de 1928 The Cameraman, junto a Buster Keaton, y por el drama de 1929 The Jazz Age, con Douglas Fairbanks. A finales de los años veinte, la carrera de Day había eclipsado a la de su hermana Alice, que ya era una actriz bastante popular. Las dos actuarían juntas de nuevo en el musical de 1929 The Show of Shows (Arriba el telón).

Aunque la transición al cine sonoro de Day no fue problemática, el número de papeles que hizo disminuyó gradualmente tanto en número como en calidad, por lo que acabó trabajando en películas de bajo coste. En 1933 Marceline Day volvió a trabajar en el género western, en películas de serie "
B"
junto a actores como Tim McCoy, Hoot Gibson, Ken Maynard, Jack Hoxie, y John Wayne. Su última película fue The Fighting Parson, con Hoot Gibson.

Marceline Day estuvo casada con el productor del cine mudo Arthur J. Klein. Tras divorciarse de él, se casó con John Arthur. No tuvo hijos, y falleció por causas naturales e Cathedral City, California, a los 91 años de edad. Fue incinerada, y las cenizas entregadas a su familia

Leyla, está muy bueno, hay muchos que no conocía, otros sólo de nombre y es bueno verles las caras. :smt038

Vilma Bánky



Vilma Bánky (9 de enero de 1898 – 18 de marzo de 1991), fue una actriz estadounidense, nacida en Hungría, y que destacó en el cine mudo, iniciando su carrera en Budapest, y continuándola en Francia, Austria y Alemania.

Su verdadero nombre era Vilma Konsics Bánky, y sus padres fueron Johann Konsics Bánky y Katalin Ulbert. Nació en Nagydorog, Imperio Austrohúngaro, y empezó a trabajar en el cine en 1919, siendo su primera aparición en el film Im Letzten Augenblick, dirigido por Carl Boese en Alemania. En un viaje a Budapest en 1925, el productor de Hollywood Samuel Goldwyn descubrió a la belleza rubia de ojos violeta y firmó un contrato. Poco después se trasladó a América.
Fue llamada "
La Rapsodia Húngara"
y conectó inmediatamente con el público americano. Tuvo como oponentes cinematográficos a grandes del cine mudo tales como Rodolfo Valentino en El Águila Negra (1925) y El hijo del caíd (1926) y Ronald Colman en una serie de fantásticas historias de amor, incluyendo The Dark Angel y The Winning of Barbara Worth. Valentino y Bánky fueron íntimos amigos y, a pesar de los rumores, no hubo entre ellos más que amistad. Bánky vio la necesidad de tener buenas amistades en Hollywood, y entre ellas estuvieron Victor Varconi, Gloria Swanson, Lya de Putti, Lily Damita, y Leatrice Joy.

Se ha dicho que su fuerte acento húngaro fue la causa de su corta carrera una vez llegado el cine sonoro, pero lo cierto es que en esa época fue perdiendo su interés por el cine y se centró en la vida familiar con su marido y, de hecho, en 1928 ya había anunciado su intención de retirarse. De sus 24 películas, siete se conservan en su totalidad. De otras tres solo se conservan fragmentos (Tavaszi Szerelem en pedazos dispersos, los cinco primeros rollos de The Magic Flame y una copia incompleta de Two Lovers).

Se casó con el actor Rod La Rocque el 26 de junio de 1927, durando el matrimonio hasta el fallecimiento de él el 15 de octubre de 1969. No tuvieron hijos.

Con su marido creó una fundación educativa para la infancia llamada "
The Banky - La Rocque Foundation"
.

Bánky falleció el 18 de marzo de 1991 por un fallo cardiopulmonar. Sus cenizas se dispersaron en el mar.

Theda Bara



Theodosia Burr Goodman (29 de julio de 1885 en Cincinnati, Ohio - 7 de abril de 1955 en Los Ángeles, California), actriz estadounidense.

Theodosia Burr Goodman nació a mediados de la década de 1880 en una familia de clase media baja de inmigrantes que vivían en el barrio judío de Avondale, en Cincinnati. Bernard Goodman (1853-?), el padre, era un comerciante judío procedente de Polonia, y su madre, Pauline DeCoppett (1861-?), una suiza. Tenía dos hermanas (una de ellas, Lori, en realidad llamada Esther, llegó a hacer pequeños guiones en algunas películas).

Desde joven, Theo mostró una gran inclinación a las artes escénicas, hasta el punto que, tras acabar sus estudios decidió encontrar trabajo en el mundo del espectáculo tras teñirse el pelo, originariamente rubio, de negro. No tuvo demasiado éxito al principio, encasillándose a principios de siglo en pequeñas obras de teatro ambulantes. Una vez en Los Angeles, en 1914, comenzó a trabajar como extra (la primera película fue The Stain, estrenada en 1915) hasta que llegó su gran oportunidad.

Ésta llevaba el nombre de A fool there was y estaba dirigida por Frank Powell. Aunque Theda ya estaba considerada como vieja para protagonizar un papel (tenía treinta años, en una época en la que no se concebía una protagonista mayor de veinticinco), su especial personalidad hizo que los productores se fijasen en ella y la "
creasen"
: Theo se convirtió en la primera estrella prefabricada por unos estudios cinematográficos, que explotaron su imagen de vamp y le cambiaron el nombre a Theda Bara, anagrama de Arab Death (muerte árabe). Para el gran público, Theda había nacido en 1890 hija de una concubina egipcia y su amante, un artista francés, en pleno Sahara, e incluso conocía misteriosos rituales mágicos orientales. Fue todo un éxito.

1915 dio lugar a seis películas más protagonizadas por Theda, que culminó el año con una de sus obras más famosas, Carmen, pero, sin duda, la película que la catapultaría a la fama absoluta sería Cleopatra de J. Gordon Edward en 1917, una de las primeras adaptaciones de la vida de la reina de Egipto.

En 1919, tras finalizar el rodaje de The lure of ambition, Theda fue despedida por la productora que la había creado, la Fox. La moda de las vamps había finalizado para dar paso a las alegres flappers. Dos años después, en 1921, y tras su matrimonio con Charles Brabin, Theda se retiró, aunque colaboró en el rodaje de Madame Mystery en 1926, poniendo entonces el punto y final definitivo a su carrera, que se hizo efectivo cuando, en la década de 1930, fracasaron todos sus intentos para volver al teatro y, en la de 1950, de crear una biopic con su vida. La razón de su retiro fue que Brabin no deseaba que ella actuase;
en efecto, todas sus colaboraciones en películas desde su matrimonio las hizo sin el consentimiento de su esposo, mientras éste se hallaba en el extranjero.

A la edad de 69 años, Theodosia falleció en un hospital de Los Angeles a causa de un cáncer abdominal

Roscoe Arbuckle




Roscoe Conkling Arbuckle, más conocido como Fatty Arbuckle (24 de marzo de 1887-29 de junio de 1933) fue un actor cómico estadounidense del cine mudo. Adoptó el apodo de Fatty, "
Gordito"
en inglés, a pesar de que dicho apodo sólo lo usó profesionalmente, ya que lo detestaba. Arbuckle fue uno de los actores más populares de su época, pero hoy es más conocido por "
El escándalo Fatty Arbuckle"
: fue acusado de violar y provocar la muerte a una actriz, y sus juicios se convirtieron en unos de los primeros "
juicios-espectáculo"
de Hollywood.

Nacido en Smith Center, California, hijo de Mollie y William Goodrich Arbuckle, ya acumulaba varios años de experiencia en el Vodevil, incluyendo trabajos en el Idora Park de Oakland, California, cuando empezó su carrera cinematográfica con la compañía Selig Polyscope. Allí adquirió el sobrenombre de Fatty (Gordito), a causa de su gordura.

Apareció esporádicamente en cortos de un rollo de Selig hasta 1913, y, después de una breve estancia en Universal, se convertiría en una de las estrellas de los Keystones Kops, del director-productor Mack Sennett.

Con el impulso de Sennet, Arbuckle alcanzó el estrellato con la serie serie de comedias Fatty and Mabel, donde hacía pareja con Mabel Normand, esposa de Sennett. En 1916 Arbuckle era una estrella tan conocida como Charles Chaplin, y la Paramount le ofreció el control total de sus películas, además de crear la Comique Film Corporation exclusivamente para él, acontecimiento único en la industria de la época.

El 6 de agosto de 1908 se casó con Araminta Estelle Durfee (1889-1975), hija de Charles Warren Durfee y Flora Adkins. Durfee interpretó el papel de esposa autoritaria en muchas de las primeras comedias, a menudo en compañía de Arbuckle.

A pesar de su gordura, Arbuckle era sorprendentemente ágil y gozaba de un gran dominio de su físico. Sus comedias son conocidas por su rapidez y dinamismo, llenas de escenas de persecuciones y muchos gags visuales. Arbuckle estaba particularmente encariñado con el momento llamado pastel en la cara, un cliché de la historia de la comedia muda.

Según la leyenda, Arbuckle creó este gag después de un encuentro con el ejército de Pancho Villa en Río Grande, durante una actuación en El Paso, Texas. La historia cuenta que los Arbuckle estaban haciendo un picnic cerca del río cuando ellos y los hombres de Villa, que estaban en la otra orilla, empezaron a arrojarse frutas a uno y otro lado del río. El momento estelar fue cuando Arbuckle derribó a uno de los hombres de su caballo arrojándole un manojo de plátanos, cosa que hizo que a Villa le entrara un ataque de risa.

Arbuckle proporcionó a Buster Keaton su primer papel en la industria del cine, con el corto de 1917, The Butcher Boy. Ambos cómicos forjaron una estrecha amistad, que no flaqueó cuando Arbuckle fue duramente golpeado por la tragedia, y la subsiguiente depresión y decadencia que vendría después. En su autobiografía, Keaton describió a Arbuckle como un hombre de naturaleza bromista, y artífice, junto al propio Keaton, de elaborados gags y esquemas cómicos que pusieron al servicio de figuras de la comedia del cine sonoro (que significó la casi desaparición de ambos cómicos como estrellas de cine).

En la cima de su carrera, Arbuckle cobraba en los estudios Paramount un millón de dólares al año, el mayor sueldo jamás pagado por un estudio. El 3 de setiembre de 1921, Arbuckle se tomó un descanso de su prolífica y vertiginosa producción fílmica, y se desplazó hasta San Francisco con sus amigos Lowell Sherman y Fred Fischbach. Se registraron en el hotel Saint Francis, dispuestos a dar una fiesta, para la cual invitaron a varias mujeres a su habitación. Durante el evento, una de ellas, una aspirante a actriz, de 26 años, llamada Virginia Rappe, cayó gravemente enferma y fue examinada por el doctor del hotel, que dictaminó que, probablemente, la mujer simplemente estaba intoxicada.

Rappe murió tres días más tarde de peritonitis . Maude Delmont, amiga y compañera de Rappe en la fiesta, implicó a Arbuckle en el suceso. Arbuckle, seguro de su inocencia, rechazó tales acusaciones. Entonces Delmont lo denunció a la policía con la esperanza de llegar a un acuerdo monetario con los abogados de Arbuckle, pero el asunto se le fue de las manos.

La carrera de Arbuckle está considerada por historiadores del cine como una de las grandes tragedias de Hollywood. El juicio se convirtió en un acontecimiento nacional y ocupaba las portadas de los periódicos, especialmente de los pertenecientes al imperio de William Randolph Hearst, que no dudaban en presentar en sus crónicas al actor como culpable, haciendo juicios anticipados y predisponiendo a mucha gente a prejuzgar a Arbuckle. Después de dos juicios nulos, el 12 de abril de 1922 Arbuckle fue declarado no culpable de la muerte de Virginia Rappe.

A pesar de que Arbuckle fue absuelto de las acusaciones, la infamia resultante destruyó la carrera y la vida personal del artista. Diversas asociaciones de vigilancia de la moral habían pedido la pena de muerte para el actor, y los dueños de los estudios prohibieron a los amigos de Arbuckle en la industria cualquier muestra de apoyo público. Charles Chaplin estaba en Inglaterra por entonces;
sin embargo, Buster Keaton, íntimo amigo de Arbuckle, hizo una declaración pública en apoyo de su amigo, resaltando que Arbuckle era una de las almas más amables y bondadosas que había conocido.

La Oficina Hays, organismo que controlaba y/o censuraba toda la producción cinematográfica, retiró y prohibió todas las películas de Arbuckle, aunque más tarde Will H.Hays declaró que deberían dejar al actor continuar trabajando en Hollywood. Irónicamente, una de las escasas películas que sobrevivieron a la prohibición, Leap Year, era uno de los dos únicos largometrajes acabados que la Paramount pensaba estrenar cuando se produjo el escándalo. Mientras que, en Europa, Arbuckle fue progresivamente rehabilitado tras su absolución, nunca lo fue en vida en Estados Unidos ni en Inglaterra.

Muchas de las películas de Arbuckle, incluyendo Life of the Party, solo sobreviven como meras impresiones con intertítulos en idiomas foráneos (no inglés). A pesar de que Life of the Party fue estrenada antes del escándalo, nadie se molestó en conservar las copias originales en lengua inglesa.

Recientemente, algunos de sus primeros cortometrajes (especialmente aquellos en los que aparecía junto a Charles Chaplin o Buster Keaton) han sido restaurados y estrenados en DVD.

Muchos detalles se comentaron durante los tres largos juicios a los que fue sometido Arbuckle, pero los más escabrosos fueron obra directa de los medios sensacionalistas, y, especialmente, de un hombre, William Randolph Hearst, que había encontrado una auténtica mina de oro con el escándalo del que era el más famoso actor cómico de su época.

Las historias (nunca comprobadas) sobre lo que pasó en las habitaciones 1219, 1220 y 1221 del Hotel Saint Francis, de San Francisco, el 5 de setiembre de 1921, hablaban de que Arbuckle, con sus más de 120 kilos de peso, había fracturado en dos a Virginia Rappe.

Según consta en las actas del juicio, Arbuckle llevó hasta su habitación del hotel un tocadiscos, varios discos, y abunante ginebra y whisky, desacatando directamente el Acta Volstead, que prohibía la producción y venta de bebidas alcohólicas. Después de 48 horas de fiesta, la joven Virginia Rappe se incorporó al evento, donde fue recibida por Arbuckle en pijama (lo que provocó las acusaciones de que el actor caminaba semidesnudo por los pasillos del hotel). Virginia empezó a ingerir grandes cantidades de alcohol, hasta que tuvo que ir al lavabo para vomitar, donde la encontró Arbuckle, encerrándose con ella durante quince minutos, tiempo suficiente, según la acusación, para cometer la violación.

Según los médicos que la examinaron poco después, los daños en la vejiga de Virginia Rappe podían haber sido consecuencia de un aborto practicado poco antes (algo que se obvió en los juicios), y agravados como consecuencia de la gran cantidad de alcohol ingerido mezclado con medicamentos. Fred Fischbach llenó una tina con agua fría, donde fue colocada la mujer en un intento por reanimarla.

Durante los juicios se presentó una versión totalmente idealizada de Virginia Rappe. Su oscuro pasado presentaba de tres a cinco abortos anteriores, prostitución, o de provocar una sífilis colectiva en los estudios de Mack Sennet. Pero todas estas historias entraban en la categoría de la rumorología, y de poco sirvieron en los tribunales.

El 27 de enero de 1925 Arbuckle se divorció, en París, de Araminta Estelle Durfee, tras las alegaciones de ella de abandono y deserción. El 16 de mayo de 1925 Arbuckle contraería matrimonio con Doris Deane.

Arbuckle intentó volver a la realización de películas, pero la prohibición inmediata de todas sus películas tras su absolución no se lo permitió, y cayó en el alcoholismo. En palabras de su primera mujer: Roscoe solo pareció encontrar consuelo en el fondo de una botella.

Buster Keaton intentó ayudar a Arbuckle permitiéndole trabajar en algunas de sus películas, llegando a escribir el guión del cortometraje de Keaton Day Dreams. Arbuckle alegó haber codirigido algunas escenas de la película de Keaton El moderno Sherlock Holmes, pero es difícil saber cuánto de ese material llegó al montaje final de la película. Arbuckle también dirigió algunos de los cortometrajes menos conocidos de Educational Pictures, bajo el seudónino de William Goodrich.

Una leyenda, nunca confirmada pero persistente, da una explicación inexacta del origen del seudónimo de Arbuckle. Según se dice, Keaton, bromista empedernido, sugirió que Arbuckle podría dirigir películas bajo el alias Will B. Good (literalmente "
seré bueno"
). Supuestamente, Arbuckle estuvo de acuerdo con él, pero reconociendo que el juego de palabras era demasiado obvio, y amplió el nombre para convertirlo en William B. Goodrich. Sin embargo, Arbuckle dirigió docenas de películas en las que su seudónimo aparecía en los créditos iniciales como William Goodrich, sin ninguna inicial entre el nombre y el apellido. El escritor e investigador británico David Yallop descubrió que el nombre completo del padre de Arbuckle era William Goodrich Arbuckle, con lo que dio una explicación mucho más razonable y plausible sobre el origen del seudónimo.

En 1929 Doris Deane solicitó el divorcio, en Los Ángeles, alegando abandono y crueldad. El 21 de junio de 1931 Arbuckle se volvería a casar con Addie Oakley Dukes McPhail, más tarde Addie Oakley Sheldon (1906-2003), en Erie, Pennsylvania. Poco antes de su matrimonio Arbuckle firmó un contrato con Jack Warner para protagonizar seis cortometrajes cómicos de dos rollos para Vitaphone, usando su nombre real. El 28 de junio de 1933, tras acabar la filmación del último de estos cortos, fue contratado por Warner Brothers para la realización de un largometraje;
unas horas después, Arbuckle fallecería.

Los seis cortometrajes de Vitaphone, rodados en Brooklyn, constituyen los únicos registros grabados de la voz del cómico. Los actores Al St. John (sobrino de Arbuckle), Lionel Stander y Shemp Howard, aparecieron con Arbuckle en algunos de estos cortos. Cuando la Warner Brothers intentó reestrenar el primero de ellos, Hey, Pop!, en Inglaterra, la academia británica, citando el escándalo ocurrido una década antes con Arbuckle, no lo permitió.


Roscoe Arbuckle murió de un ataque al corazón el 29 de junio de 1933, en Hollywood. Solo tenía 46 años. Buster Keaton declaró repetidas veces que Arbuckle había muerto porque le habían roto el corazón. Pocas horas antes había firmado un nuevo contrato con Warner, que le hizo declarar: Hoy es el día más feliz de mi vida. Fue incinerado y sus cenizas dispersadas en el Océano Pacífico (la supuesta tumba de Arbuckle, sita en el Cementerio Woodlawn, en el Bronx, Nueva York, pertenece a Macklin Arbuckle, actor y primo de Roscoe Arbuckle).

Charley Chase


Charles Chaplin, Mabel Normand y Charley Chase


Charley Chase (Baltimore, Maryland, 20 de octubre de 1893 - Hollywood, California, 20 de junio de 1940), actor, guionista y director del cine mudo y sonoro, de origen estadounidense.

Su nombre de nacimiento era Charles Joseph Parrott (hijo), y comenzó su carrera cinematográfica en 1912, para pasar a la Keystone poco después. Allí hizo su aparición en varias películas de Mack Sennett y de Charles Chaplin.

Comenzó a trabajar como director en 1920 en los estudios de Hal Roach, dirigiendo varias películas de la serie Our Gang (conocida en español como La pandilla), la cual era totalmente protagonizada por actores infantiles.

Poco después, Charley Chase pasó del otro lado de la cámara, protagonizando con este nombre una serie de varios cortometrajes que fueron dirigidos por Leo McCarey, con quien de hecho formó un equipo de trabajo. El personaje de Chase, un joven estadounidense medio básicamente inteligente pero que se metía en los enredos más insospechados, practicaba un humor que oscilaba entre la comedia y el slapstick o humor de golpe y porrazo. Algunos de ellos, como Mighty Like a Moose (1926), Fluttering Hearts (1927), y Limousine Love (1928) son ejemplos de su comicidad.

En 1929 Charley Chase pasó al cine sonoro, y a diferencia de otros cómicos o actores de su época, sorteó adecuadamente el paso, ya que su voz y su comicidad se adaptaron al cambio. En 1933, hizo una de sus apariciones estelares en la película Hijos del Desierto (Sons of the Desert) de Laurel y Hardy, pero poco después, en 1936, abandonaba los estudios de Hal Roach.

Pasó entonces a trabajar en la Columbia Pictures, donde protagonizó alguno de los cortos de dos rollos que esta empresa producía y donde actuaron cómicos como Buster Keaton, Harry Langdon y Los Tres Chiflados, a quienes incluso también dirigió.

Su vida desordenada y su alcoholismo, sin embargo, fueron minando su salud, falleciendo poco después, en junio de 1940.

En el Paseo de la Fama de Hollywood lo recuerda hoy una estrella colocada frente al 6630 del Hollywood Boulevard. Hoy la obra de Charley Chase ha conocido una extraordinaria revalorización, que lo ha llegado a proponer, con bastante acierto, como uno de los grandes cómicos estadounidenses de la época dorada de la comedia cinematográfica.

Charley Chase apareció en los créditos de sus películas y en las de otros de varias formas: con su nombre de nacimiento, Charles Parrott, y con variantes de su seudónimo, como Charles Chase, Charley Chan Chase y Charlie Chase.

En el mundo hispanoparlante, Charley Chase fue conocido bajo el nombre de Adriano en la década de 1920.

ZaSu Pitts


Mae West, Garbo y Zasu alrededor de 1930

ZaSu Pitts (3 de enero de 1894 - 7 de junio de 1963) fue una actriz estadounidense. En muchos de los créditos de las películas en las que participó y artículos contemporáneos, su nombre aparece como Zazu Pitts.

ZaSu Pitts nació en Parsons, Kansas y creció en Santa Cruz, California. Su inusual nombre viene de la unión de los nombres de dos familiares suyas, "
Eliza"
y "
Susan"
.

Pitts estuvo casada con el actor Tom Gallery desde 1920 hasta 1932. Tuvieron dos hijos: una niña, Ann Gallery, y un niño, Don Gallery (nacido Marvin Carville La Marr), que fue adoptado en 1926 a la muerte de su madre, la actriz de cine mudo Barbara La Marr.

Pitts debutó en el cine mudo en 1917, en varios papeles, incluyendo el de Becky en The Little Princess. Quizás su papel más famoso fue en Greed (1925), de Erich von Stroheim. Por su actuación en esa película, von Stroheim la calificó como "
su actriz dramática más grande"
. Von Stroheim la contrató también para The Wedding March (con Fay Wray), Walking Down Broadway, No, No, Nanette (1940 ), y Nurse Edith Cavell. Su último trabajo, poco antes de su muerte, fue como actriz de voz en la comedia, It's a Mad Mad Mad Mad World.

Cuando Mae Questel fue invitado a crear la voz en pantalla para el personaje de "
Olivia Oyl"
en la versión animada de la historieta de Fleischer "
Popeye"
, Questel se inspiró en la voz de ZaSu Pitts.

Entre las décadas de 1940 y 1960, ZaSu Pitts hizo numerosas apariciones en televisión, incluyendo su trabajo en Oh! Susanna (1956-1960), con Gale Storm como su sobrina.

ZaSu Pitts murió de cáncer en Hollywood, California a la edad de 69 años. Fue enterrada en el Holy Cross Cemetery de Culver City, California.

Posee una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y en 1994, la honraron incluyendo su imagen en un sello de Estados Unidos diseñado por el caricaturista Al Hirschfeld.

Laura La Plante



Laura La Plante (1 de noviembre de 1904;
14 de octubre de 1996) fue una actriz estadounidense que cosechó sus mayores éxitos trabajando en el cine mudo.

Su verdadero nombre era Laura La Plant, y nació en San Luis (Missouri). La Plante debutó en la interpretación a los 15 años de edad, y en 1923 fue nombrada como una de las WAMPAS Baby Stars. A lo largo de los años veinte actuó en más de sesenta películas. Entre sus primeras interpretaciones destacan Big Town Round-Up (1921), con la estrella cowboy Tom Mix, el serial Perils of
the Yukon (1922) y Around the World in 18 Days (1923).

La mayoría de sus filmes (de 1921 a 1931) fueron rodados para Universal Pictures. Durante este periodo fue la estrella más popular del estudio, "
un logro únicamente conseguido por Deanna Durbin años más tarde."
Su película más recordada es probablemente el clásico mudo The Cat and the Canary (El legado tenebroso) (1927), aunque también consiguió alabanzas por Skinner's Dress Suit (1926), con Reginald Denny, la parcialmente hablada The Love Trap (La trampa amorosa) (1929), dirigida por William Wyler, y la versión parcialmente sonora de Show Boat (Show Boat – Teatro flotante) (1929), adaptada de la novela del mismo nombre por Edna Ferber. Aunque esta última película fue una adaptación de la novela, y no del famoso musical en el que estaba basada, se incluyeron algunas canciones del mismo a fin de atraer más público. La Plante, sin embargo, realmente no cantó en la película;
sus canciones fueron dobladas por Eva Olivetti, siendo ésta una de las primeras ocasiones en que se llevó a cabo un doblaje de este tipo en el cine. Bastante inusual en su momento, una escena de La Plante en Show Boat fue transmitida en la primitiva televisión británica.

Su película más recordada es probablemente el clásico mudo The Cat and the Canary (El legado tenebroso) (1927), aunque también consiguió alabanzas por Skinner's Dress Suit (1926), con Reginald Denny, la parcialmente hablada The Love Trap (La trampa amorosa) (1929), dirigida por William Wyler, y la versión parcialmente sonora de Show Boat (Show Boat – Teatro flotante) (1929), adaptada de la novela del mismo nombre por Edna Ferber. Aunque esta última película fue una adaptación de la novela, y no del famoso musical en el que estaba basada, se incluyeron algunas canciones del mismo a fin de atraer más público. La Plante, sin embargo, realmente no cantó en la película;
sus canciones fueron dobladas por Eva Olivetti, siendo ésta una de las primeras ocasiones en que se llevó a cabo un doblaje de este tipo en el cine. Bastante inusual en su momento, una escena de La Plante en Show Boat fue transmitida en la primitiva televisión británica.

La llegada del cine sonoro acortó su carrera. Sin haber cumplido todavía los treinta años, La Plante demostró bastante naturalidad y una atractiva presencia en los primeros títulos hablados pero la gran cantidad de nuevas estrellas en aquellos años la eclipsó. Su última actuación para la Universal fue en el extravagante musical en Technicolor King of Jazz (El rey de jazz) (1930). Durante un tiempo fue una actriz independiente, trabajando en The Matrimonial Bed (Warner Bros., 1931), dirigida por Michael Curtiz, junto a Frank Fay, y Arizona (Columbia Pictures, 1931), con un joven John Wayne.

La Plante posteriormente fue a Inglaterra, donde actuó en varias películas, incluyendo Man of the Moment (1934), con Douglas Fairbanks, Jr.. Se pensó en La Plante para reemplazar a Myrna Loy en la serie de filmes The Thin Man (La cena de los acusados), al considerar Loy la posibilidad de abandonar la serie. Finalmente Loy continuó en la misma con el papel de "
Nora Charles"
[cita requerida], y la carrera de La Plante ya no se recuperó.

Se retiró de la pantalla en 1934, actuando solamente en dos filmes posteriores, siendo Spring Reunion (1957) el último. Su hermana, la actriz Violet La Plante, nunca consiguió la fama de Laura pero, al igual que ella, fue nombrada "
WAMPAS Baby Star"
, aunque su título lo obtuvo en 1925. A mediados de los años cincuenta, Laura La Plante intervino como invitada (y como ella misma) en el programa de Groucho Marx You Bet Your Life.

Estuvo casada con el cineasta William A. Seiter, desde 1926 hasta 1934, año en que se divorciaron. Ese mismo año se casó con el también cineasta Irving Asher. Permanecieron casados hasta el fallecimiento de él en 1985. Tuvieron dos hijos. La Plante falleció en Woodland Hills (Los Ángeles), California, a causa de una enfermedad de Alzheimer, a los 91 años de edad.

June Marlowe




June Marlowe (6 de noviembre de 1903 - 10 de marzo de 1984), fue una actriz cinematográfica estadounidense, conocida sobre todo por actuar en seis cortos del serial Our Gang, en el papel de la querida maestra 'Miss Crabtree'.

Su verdadero nombre era Gisela Goetten, y nació en St. Cloud, Minnesota, en una familia de origen alemán. Fue una prolífica actriz del cine mudo en los años veinte, actuando en películas frente a John Barrymore y Rin Tin Tin. Su carrera tuvo un buen ritmo hasta la llegada del cine sonoro. Marlowe no hizo una buena transición al cine hablado, y hacia 1930 empezó a retirarse de la actuación.

Sin embargo, por casualidad conoció al director de Our Gang, Robert F. McGowan, en un centro comercial de Los Angeles, California. Necesitaba una actriz para interpretar a la maestra del serial y, tras la sugerencia del productor Hal Roach para que Marlowe usara una peluca rubia a fin de hacer juego con el cabello de Jackie Cooper, obtuvo el papel.

Las tres películas de Our Gang que emparejaron a Marlowe con Jackie Cooper fueron Teacher's Pet (1930), School's Out (1930), y Love Business (1931), y son quizás las más famosas de la serie. Además, obtuvo un pequeño papel en el film de 1931 Little Daddy. Además de su trabajo en Our Gang, Marlowe también actuó en Pardon Us, la primera película de las estrellas de Roach Laurel and Hardy.

Tras dejar Cooper Our Gang en 1931 para actuar en producciones de MGM, el personaje de Miss Crabtree interpretado por Marlowe solo fue utilizado en otros dos cortos, Shiver My Timbers (1931) y Readin' and Writin (1932).

En 1933, Marlowe se casó con el empresario de Hollywood Rodney Sprigg, y se retiró del cine para dedicarse al cuidado del hogar. En sus últimos años sufrió la enfermedad de Parkinson, de cuyas complicaciones falleció en Burbank, California, el 10 de marzo de 1984, a los 80 años de edad.

Fue enterrada en la Catedral de Nuestra Señora de Los Ángeles en Los Angeles.

Virginia Valli




Virginia Valli (10 de junio de 1898 – 24 de septiembre de 1968) fue una actriz teatral y cinematográfica estadounidense cuya carrera se inició en el cine mudo y duró hasta los inicios del cine sonoro en los años treinta.

Su nombre real era Virginia McSweeney, y nació en Chicago, Illinois. Empezó a actuar en Milwaukee con una compañía teatral. También hizo algunos trabajos en el cine para los Estudios Essanay, en Chicago en 1917. De vuelta al teatro, trabajó en él tres años más, hasta conseguir un papel principal en Hollywood con Bert Lytell. Para ese momento ella ya había adoptado el nombre de Virginia Valli.

Valli continuó apareciendo en películas a lo largo de la década. También llegaría a ser una estrella dentro de los Universal Studios a mediados de los años veinte. La mayor parte de sus películas tuvieron lugar entre 1924 y 1927. En 1925 Valli actuó en The Man Who Found Himself con Thomas Meighan. La producción se llevó a cabo en el estudio de Long Island, Nueva York. Entre esas películas destaca Paid To Love (1927), con William Powell, y Evening Clothes (1927), con Adolphe Menjou.

Su primera película sonora fue The Isle of Lost Ships en 1929, pero su carrera cinematográfica no duraría mucho más al ir declinando su fama. Incapaz de encontrar unos estudios apropiados, filmó su última película con los estudios Tiffany, The Lost Zeppelin, en 1929.

Valli estuvo casada con George Lamson y, en segundas nupcias en 1931, con el actor Charles Farrell, matrimonio que duró hasta la muerte de ella. Se trasladaron a Palm Springs, donde tuvo una intensa vida social durante años. Sufrió un accidente cerebrovascular en 1966, y falleció dos años más tarde, a la edad de 70, en Palm Springs. Fue enterrada en el Cementerio Welwood Murray de esa ciudad. No tuvo hijos.

Carmelita Geraghty



Carmelita Geraghty (21 de marzo de 1901 - 7 de julio de 1966) fue una actriz estadounidense del cine mudo.

Nacida en Rushville, Indiana, su padre era el guionista Tom Geraghty, el cual había escrito historias para Douglas Fairbanks. Era hermana de los escritores Maurice Geraghty y Gerard Geraghty. Aunque nacida en Indiana fue educada principalmente en Nueva York. Posteriormente se graduó en la Hollywood High School. Contra el deseo de sus padres, se trasladó a Hollywood con la esperanza de convertirse en una estrella de cine.

Empezó a trabajar como extra a principios de los años veinte, usando un nombre ficticio hasta que le llegó su gran oportunidad. Fue seleccionada como una de las WAMPAS Baby Stars de 1924. Pronto se convirtió en una de las protagonistas femeninas favoritas de los directores. En un a crítica de una de sus primeras películas en el New York Times se comentaba que Geraghty "
da la única actuación digna de mención"
.

Cuando llegó el cine sonoro, la carrera de Carmelita empezó a declinar. Sus papeles fueron haciéndose cada vez más pequeños. Su última actuación en el cine fue en Phantom of Santa of Fe (1936). Después se retiró del cine para siempre.

Diez años después de haber dejado el cine, llegó a ser una artista dotada. Su estilo de pintura era reminiscente del Impresionismo francés. En sus últimos años su producción fue expuesta en la Galería Weil de París.

Se casó con el guionista y productor de la MGM Carey Wilson, matrimonio que duró hasta la muerte de él en 1962. Carmelita Geraghty falleció a causa de un ataque cardiaco en 1966 en el Hotel Lombardy en Manhattan, Nueva York, a los 65 años de edad.

Patsy Ruth Miller




Patsy Ruth Miller (17 de enero de 1904 - 16 de julio de 1995) fue una actriz cinematográfica estadounidense nacida en San Luis (Missouri).

Tras ser decubierta por la famosa actriz Alla Nazimova en una fiesta en Hollywood, Patsy Ruth Miller tuvo su primera oportunidad con un pequeño papel en Camille, la cual protagonizaba Rodolfo Valentino. A partir de aquí empezó lentamente a progresar en Hollywood, siendo elegida como una de las WAMPAS Baby Stars en 1922.

En 1923 interpretó el papel por el cual es mejor recordada, el de Esmeralda en El jorobado de Notre Dame, junto a Lon Chaney, Sr., papel que le brindó grandes elogios.

En los últimos años de la década Patsy actuó principalmente en comedias románticas, junto a actores como Clive Brook y Edward Everett Horton. Entre sus películas de esa época están Broken Hearts of Hollywood (Los dos huérfanos de Hollywood) (1926), A Hero for a Night (1927), Hot Heels (1928), y The Aviator (1929).

Se retiró de la pantalla en 1931. Patsy hizo un cameo en el film de 1951 Quebec, el cual protagonizaba John Barrymore Jr.. En su autobiografía admitía que esa actuación la hizo como divertimento. Patsy salió de su retiro para filmar la película Mother en 1978.

Posteriormente la actriz decidió escribir. Ganó tres premios O. Henry por sus cuentos, escribió una novela, guiones radiofónicos y obras de teatro. También actuó durante un breve tiempo en Broadway.

Miller estuvo casada en tres ocasiones, acabando las dos primeras en divorcio. Su primer marido fue el director cinematográfico Tay Garnett, y el segundo el guionista John Lee Mahin. Su tercer marido, el hombre de negocios E.S. Deans, falleció en 1986.

Patsy Ruth Miller murió en su domicilio en Palm Desert (California) en 1995.

Quizas encontreis en algunas biografias de actrices esta denominación: "
WAMPAS Baby Stars"
.

Os explico de que se trata:
Fue una campaña promocional financiada por la Western Association of Motion Picture Advertisers en los Estados Unidos, con la cual se galardonaba a trece jóvenes actrices cada año, escogidas por ser las más prometedoras del panorama cinematográfico del momento. Fueron elegidas entre 1922 y 1934 y premiadas en un evento llamado el "
WAMPAS Frolic"
. A las elegidas se les dio una amplia cobertura publicitaria.

Los premios no se dieron en 1930 y 1933, y finalizaron después de 1934 debido a las objeciones presentadas por los estudios sobre la independencia de los galardones.
Lista de WAMPAS Baby Stars

1922: Marion Aye, Helen Ferguson, Lila Lee, Jacqueline Logan, Louise Lorraine, Bessie Love, Kathryn McGuire, Patsy Ruth Miller, Colleen Moore, Mary Philbin, Pauline Starke, Lois Wilson, Claire Windsor

1923: Eleanor Boardman, Evelyn Brent, Dorothy Devore, Virginia Brown Faire, Betty Francisco, Pauline Garon, Kathleen Key, Laura La Plante, Margaret Leahy, Helen Lynch, Derelys Perdue, Jobyna Ralston, Ethel Shannon

1924: Clara Bow, Elinor Fair, Carmelita Geraghty, Gloria Grey, Ruth Hiatt, Julanne Johnston, Hazel Keener, Dorothy Mackaill, Blanche Mehaffey, Margaret Morris, Marian Nixon, Lucille Ricksen, Alberta Vaughn

1925: Betty Arlen, Violet La Plante, Olive Borden, Anne Cornwall, Ena Gregory, Madeline Hurlock, Natalie Joyce, June Marlowe, Joan Meredith, Evelyn Pierce, Dorothy Revier, Duane Thompson, Lola Todd

1926: Mary Astor, Mary Brian, Joyce Compton, Dolores Costello, Joan Crawford, Marceline Day, Dolores del Rio, Janet Gaynor, Sally Long, Edna Marion, Sally O'Neil, Vera Reynolds, Fay Wray

1927: Patricia Avery, Rita Carewe, Helene Costello, Barbara Kent, Natalie Kingston, Frances Lee, Mary McAllister, Gladys McConnell, Sally Phipps, Sally Rand, Martha Sleeper, Iris Stuart, Adamae Vaughn

1928: Lina Basquette, Flora Bramley, Sue Carol, Ann Christy, June Collyer, Alice Day, Sally Eilers, Audrey Ferris, Dorothy Gulliver, Gwen Lee, Molly O'Day, Ruth Taylor, Lupe Vélez

1929: Jean Arthur, Sally Blane, Betty Boyd, Ethlyne Clair, Doris Dawson, Josephine Dunn, Helen Foster, Doris Hill, Caryl Lincoln, Anita Page, Mona Rico, Helen Twelvetrees, Loretta Young


1930: (ninguna)

1931: Joan Blondell, Constance Cummings, Frances Dade, Frances Dee, Sidney Fox, Rochelle Hudson, Anita Louise, Joan Marsh, Marian Marsh, Karen Morley, Marion Shilling, Barbara Weeks, Judith Wood

1932: Lona Andre, Lilian Bond, Mary Carlisle, June Clyde, Patricia Ellis, Ruth Hall, Eleanor Holm, Evalyn Knapp, Dorothy Layton, Boots Mallory, Toshia Mori, Ginger Rogers, Marian Shockley, Gloria Stuart, Dorothy Wilson

1933: (ninguna)

1934: Judith Arlen, Betty Bryson, Jean Carmen, Helen Cohan, Dorothy Drake, Jean Gale, Hazel Hayes, Ann Hovey, Lucille Lund, Lu Ann Meredith, Gigi Parrish, Julie Bishop, Katherine Williams.