ACTORES Y ACTRICES DE TODOS LOS TIEMPOS

Alla Nazimova




Alla Nazimova, (22 de mayo de 1879 – 13 de julio de 1945) fue una actriz y productora cinematográfica y teatral ruso americana, además de guionista y productora cinematográfica. A menudo es conocida únicamente como Nazimova, y también fue llamada Alia Nasimoff.

Su verdadero nombre era Mariam Edez Adelaida Leventon , y era hija de Yakov Leventon y Sonya Horowitz, familia de origen judío, que vivía en Yalta, Crimea, entonces parte del Imperio Ruso (y parte de Ucrania desde 1954). Sus padres se separaron y, como consecuencia de ello, pasaba el tiempo entre la escuela, hogares ajenos y parientes. Esto le produjo una alteración emocional que la rebeló contra la autoridad como un medio de ganar la atención. Fue una niña precoz, y a los siete años tocaba el violín. Siendo adolescente empezó a interesarse por el teatro y siguió clases en la academia de interpretación de Moscú, antes de entrar en el Teatro del Arte de Moscú de Konstantín Stanislavski, con el nombre de "
Alla Nazimova,"
y posteriormente con el de "
Nazimova"
únicamente. Su nombre artístico derivaba de la combinación de Adelaida con Nadezhda Nazimova (la heroína de la novela rusa Niños de las calles), a quien ella admiraba. Se casó con Sergei Golovin, un compañero actor, en 1899;
el matrimonio erá "
únicamente nominal"
, y los dos nunca llegaron a divorciarse legalmente.

La carrera teatral de Nazimova floreció pronto, y en 1903 era una estrella en Moscú y San Petersburgo. Viajó por Europa, actuando en Londres y Berlín, junto a su amigo Pavel Orlenev, un actor y productor. En 1905, ambos se trasladaron a Nueva York, y fundaron un teatro en lengua risa en el Lower East Side. La aventura no tuvo éxito y Orlenev volvió a Rusia, aunque Nazimova se quedó en Nueva York.

Firmó contrato con el productor Henry Miller y debutó en Broadway en 1906 con éxito tanto de crítica como de público. Se hizo extremadamente popular con rapidez (un teatro recibió su nombre), y siguió brillando en Broadway durante años, a menudo actuando en obras de Henrik Ibsen y Antón Chéjov.

Nazimova debutó en el cine mudo en 1916, gracias a la notoriedad conseguida en una obra de 35 minutos de duración de 1915 titulada War Brides. Ésta llamó la atención de Lewis J. Selznick. En los años siguientes rodó un gran número de filmes muy exitosos que le proporcionaron unos ingresos considerables. En 1917, ganaba 30.000 dólares por película, con un premio de 1.000 dólares por cada día filmado. Con ello conseguía 13.000 dólares a la semana. En esa época, la actriz Mary Pickford ganaba únicamente 3.000 dólares semanales.

En 1918, con 39 años, Nazimova tenía bastante experiencia para empezar a producir y escribir películas en las cuales también actuaba. En sus adaptaciones de autores tan importantes como Oscar Wilde e Ibsen, desarrolló sus propias técnicas fílmicas, consideradas atrevidas para la época. Sus proyectos, incluyendo Casa de muñecas (1922), basada en la obra de Ibsen, y Salomé (1923), basada en Wilde, tuvieron poco éxito de público, y perdió con ellos una cantidad importante de dinero.


En 1918, con 39 años, Nazimova tenía bastante experiencia para empezar a producir y escribir películas en las cuales también actuaba. En sus adaptaciones de autores tan importantes como Oscar Wilde e Ibsen, desarrolló sus propias técnicas fílmicas, consideradas atrevidas para la época. Sus proyectos, incluyendo Casa de muñecas (1922), basada en la obra de Ibsen, y Salomé (1923), basada en Wilde, tuvieron poco éxito de público, y perdió con ellos una cantidad importante de dinero.

Hacia 1925, ya no pudo afrontar la inversión económica que suponía la producción cinematográfica, motivo por el cual dejó el cine y volvió a actuar en Broadway hasta los primeros años cuarenta, en que volvió a trabajar en unos pocos filmes, presumiblemente por necesidades económicas. Dos de sus papeles más conocidos actualmente son el de la madre de Robert Taylor en Escape (1940) y el de la madre de Tyrone Power en el film Blood and Sand (1941).

Su vida privada dio paso a muchos rumores sobre fiestas estrafalarias y libertinas en su mansión de Sunset Boulevard, conocida como El Jardín de Alá, construida en 1919, la cual en 1927 se convirtió en un complejo de hotel y apartamentos. En años posteriores, ella continuó viviendo en una de las viviendas. Nazimova vivió un matrimonio de conveniencia con Charles Bryant (1879-1948), un actor de Nueva York, entre 1912 y 1925.

Entre los años 1917 y 1922, Nazimova tuvo una considerable influencia y poder en Hollywood. Era extremadamente generosa con las jóvenes actrices de talento, y en ocasiones llegó a mantener relaciones sentimentales con algunas de ellas. Un ejemplo notable fue Anna May Wong, cuyo primer papel llegó en la película The Red Lanterncomo extra a los catorce años de edad. Ayudó a iniciar las carreras de las esposas de Rodolfo Valentino, Jean Acker y Natacha Rambova. Nazimova tuvo una relación sentimental con Acker, pero se debate si su amistad con Rambova llegó alguna vez a una aventura amorosa. Hubo rumores acerca de una relación homosexual entre Nazimova y Rambova – se mencionan en Dark Lover, la biografía de Rodolfo Valentino escrita por Emily Leider – aunque nunca llegaron a confirmarse. Nazimova quedó impresionada por el trabajo de Rambova como directora artística, y Rambova diseñó los innovadores decorados de las producciones de Nazimova Camille y Salomé. Entre los que tuvieron una aventura amorosa confirmada con Nazimova están Eva Le Gallienne, la directora Dorothy Arzner, la escritora Mercedes de Acosta, y la sobrina de Oscar Wilde, Dolly Wilde.

En 1927 se nacionalizó ciudadana de los Estados Unidos. Nazimova vivió con Glesca Marshall desde 1929 hasta su muerte en 1945. Amiga de la actriz Edith Luckett y de su marido, Loyal Davis, Nazimova fue la madrina de la futura Primera Dama Nancy Reagan, hija de un anterior matrimonio de Luckett.

Aunque estuvo afectada por un cáncer de mama, Nazimova falleció por una trombosis coronaria a los 66 años de edad en 1945, en el Hospital Good Samaritan de Los Ángeles, California, y fue enterrada en el cementerio Forest Lawn Memorial Park de Glendale, California.

Su contribución a la industria cinematográfica fue reconocida con la concesión de una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

Nazimova ha sido retratada en el cine en tres ocasiones. Las primeras dos fueron películas biográficas sobre Rodolfo Valentino, The Legend of Valentino (1975), en la cual Alicia Bond hacía el papel de Nazimova, y Valentino (1977), en la cual su personaje era interpretado por Leslie Caron. La más reciente fue Return to Babylon (2004), un film sobre el cine mudo de Hollywood, interpretado por Laura Harring.

Constance Cummings



Constance Cummings CBE (15 de mayo de 1910 – 23 de noviembre de 2005) fue una actriz cinematográfica y teatral británica, aunque nacida en los Estados Unidos.

Su verdadero nombre era Constance Halverstadt, y nació en Seattle, Washington, siendo sus padres Dallas Halverstadt y Kate Cummings. Se inició como actriz en el teatro, haciendo su primer papel en Broadway a los 18 años. Mientras actuaba en Broadway, fue descubierta por Sam Goldwyn, que la llevó a Hollywood en 1931.

Entre 1931 y 1934, Cummings actuó en 21 filmes, destacando entre ellos la película de Harold Lloyd Movie Crazy, así como American Madness, dirigida por Frank Capra. Cummings se casó con el guionista y dramaturgo Benn Levy (7 de marzo de 1900 -7 de diciembre de 1973) el 3 de julio de 1933, permaneciendo unidos hasta la muerte de él. Levy escribió y dirigió filmes para Cummings, tales como The Jealous God (1939). Tuvieron un hijo y una hija.

Cummings no se encontraba a gusto en Hollywood, por lo que se mudó a Inglaterra, donde continuó actuando, tanto en el cine como en el teatro. De esos filmes pocos se hicieron populares en Estados Unidos, aunque entre ellos se incluía Blithe Spirit, adaptación de una obra de Sir Noel Coward.

En 1974, Cummings, que residía desde hacía varias décadas en el Reino Unido, fue nombrada Comandante del Imperio Británico por su contribución a la industria británica del entretenimiento. No hay registro de que hubiera renunciado a la ciudadanía estadounidense, por lo que el nombramiento habría sido honorario. Sin embargo, en el The Sunday Times de 22 de diciembre de 2003 se decía que en 1975 le fue ofrecido un título nobiliario vitalicio, honor que ella declinó. Dado que un honor de ese tipo solo es posible si se tiene la nacionalidad británica, surge la duda sobre si dejó de ser ciudadana estadounidense.

Interpretó a Mary Tyrone en la representación en el Royal National Theatre de la obra de Eugene O'Neill Long Day's Journey Into Night, junto a Sir Laurence Olivier, función que obtuvo un gran éxito. Posteriormente recreó el mismo papel en una versión televisiva. En 1979 ganó un Tony a la Mejor Actriz por su interpretación de Emily Stilson en la obra Wings (escrita por Arthur Kopit).

Fue miembro del comité del Royal Court Theatre y del Arts Council of Great Britain. A pesar de su truncada carrera en los Estados Unidos, tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 6211 de Hollywood Boulevard.

Claire Windsor



Claire Windsor (14 de abril de 1897 – 24 de octubre de 1972) fue una notable actriz cinematográfica de la primera era del cine mudo.

Su verdadero nombre era Clara Viola Cronk (su mote era "
Ola"
), y nació en Cawker City, Kansas, en el seno de una familia de ascendencia escandinava. Tuvo una boda precoz con un hombre llamado William Bowes, del cual tuvo un hijo, finalizando pronto el matrimonio en divorcio. Claire se trasladó a Seattle, Washington, con sus padres, ganando allí un concurso de belleza. Siguiendo el consejo de un amigo, Claire fue a California con la esperanza de trabajar como actriz en la naciente industria cinematográfica. Inicialmente solo recibía pequeños papeles, pero pronto fue descubierta por Lois Weber, un director y productor de prestigio de los estudios Paramount Pictures. Weber inmediatamente firmó un contrato con Windsor, que trabajó junto a Louis Calhern en The Blot (1921), film de Weber.

El debut cinematográfico de Claire Windsor fue en la película estrenada en 1920 To Please One Woman, la cual tuvo un éxito modesto. Para promover a la naciente estrella, Paramount Pictures a menudo emparejó a Windsor con el legendario actor Charlie Chaplin en fotografías publicitarias. La publicidad funcionó;
en 1922 la recién formada Western Association of Motion Picture Advertisers (WAMPAS) empezó a dar sus galardones anuales WAMPAS Baby Stars y nombró a Claire Windsor, junto a Bessie Love, Lila Lee, Mary Philbin y Colleen Moore, como las estrellas más prometedoras. Ese mismo año Claire firmó un contrato con Goldwyn Pictures Corporation.

En 1923, la anteriormente llamada Ola Cronk empezó a usar oficialmente el apodo Claire Windsor, más adecuado para su actividad. A lo largo de los años veinte, Windsor se consolidó como una muy reconocida actriz cinematográfica. Fue elegida a menudo para interpretar la figura de una "
exclusiva chica de sociedad"
, papeles de princesa, o de ricas mujeres de la alta sociedad. Los críticos alababan su elegante sentido en el vestir, y Windsor marcó tendencia en la moda de la época.

Windsor fue posteriormente una de las estrellas de la nueva Metro-Goldwyn-Mayer. Más adelante, con los estudios Tiffany, la película de 1925 Souls for Sables fue un éxito de taquilla para ella.

Windsor fue ligada románticamente con frecuencia a sus compañeros actores. Tuvo una aventura muy publicitada con el actor Charles "
Buddy"
Rogers, y en 1924 se casó con el ídolo de matiné Bert Lytell. La pareja se divorció en 1927. Aunque Windsor nunca volvió a casarse, tuvo unas pocas aventuras amorosas que causaron cierto escándalo en la prensa, incluyendo la demanda presentada contra ella por la joven esposa de corredor de Boston que la acusaba de haberle robado su marido.

A finales de los años veinte, Claire Windsor (al igual que otros actores de la época) tuvo dificultad para hacer la transición al cine sonoro. Hizo varias películas habladas en los años treinta pero ya no consiguió alcanzar el éxito obtenido años antes como actriz del cine mudo. Estuvo durante un breve periodo de tiempo de gira con Al Jolson trabajando en la producción de The Wonder Bar. En sus últimos años, Windsor se dedicó a la pintura.

Claire Windsor falleció a causa de un infarto agudo de miocardio en 1972, a los 75 años de edad, en Los Ángeles, California. Fue enterrada en el cementerio Forest Lawn Memorial Park en Glendale, California.

Por su contribución a la industria cinematográfica, Claire Windsor recibió una estrella en el legendario Paseo de la Fama de Hollywood, en el 7021 de Hollywood Boulevard, en Hollywood, California.

Jacqueline Logan

Ann Pennington, Jacqueline Logan y Billie Dove


Jacqueline Logan (30 de noviembre de 1901 - 4 de abril de 1983) fue una estrella del cine mudo, que se encontraba a bordo del yate de William Randolph Hearst The Oneida en 1924, cuando el director cinematográfico Thomas Ince falleció. La joven actriz estaba contratada en esa época por él. Nació en Corsicana, Texas. Su padre era un notable arquitecto, y su madre fue durante un breve tiempo cantante de ópera.

Jacqueline viajó a Colorado Springs por motivos de salud. Mientras se encontraba allí, siguió un curso de periodismo impartido por Ford Frick. Trasladada a Chicago, Logan encontró trabajo como bailarina en una producción teatral. Para conseguir el trabajo mintió sobre su edad y, cuando se descubrió, tuvo que abandonar la representación.

Dejó Chicago y fue a Nueva York. En esta ciudad se unió a un grupo teatral ambulante, consiguiendo un pequeño papel en Flora Dora, un musical de Broadway representado en 1920. En esa época Flo Ziegfeld se fijó en ella y la contrató para bailar en su Ziegfeld Roof. Reemplazó a Billie Donovan, que dejaba ese trabajo para actuar en el cine en Hollywood. Además del trabajo con Ziegfeld, Jacqueline posó como una prestigiosa Dobbs Girl en las fotografías de Alfred Cheney Johnston. También trabajó para una comedia de Johnny Hines.

Jacqueline consiguió una prueba cinematográfica con el entonces desconocido actor Ben Lyon. Lyon fue el marido de la actriz Bebe Daniels, y llegó a ser una importante figura del cine de la época. Trabajando para Associated Producers, Logan fue escogida junto a Jane Peters, la futura Carole Lombard, para trabajar en la película de 1921 The Perfect Crime. Ese mismo año trabajó con Mabel Normand en Molly O.

Entre otros papeles importantes que hizo en los años veinte están los de Burning Sands (1922), Sixty Cents an Hour (1923), Java Head (1923), y A Man Must Live (1924). Entre sus compañeros de reparto se incluyen Thomas Meighan, Milton Sills, Ricardo Cortez, Leatrice Joy, Richard Dix, y William Powell. En 1926 Jacqueline rodó Footloose Widow, con Louise Fazenda, y Blood Ship, en 1927 junto a Richard Arlen. Otros de los grandes actores con los que trabajó fueron Lionel Barrymore, John Barrymore, Antonio Moreno, y Lon Chaney, Sr.

Jacqueline fue seleccionada por Cecil B. De Mille para el papel de María Magdalena en el clásico The King of Kings (Rey de Reyes) (1927), en un papel codiciado por muchas actrices de la época. La película rompió el récord de taquilla. Cuando se inició el cine sonoro, la voz de Jacqueline fue grabada para acompañar a su papel en la película muda original.

Logan, actriz del cine mudo, no tuvo gran éxito con el nuevo medio, el cine sonoro. Rodó un temprano musical, Show of Shows (1929), dentro de un reparto con varias estrellas. A ello siguió su trabajo en algunos de los primeros títulos del sonoro realizados por Columbia Pictures.
Fue a Inglaterra a hacer trabajo teatral, como por ejemplo, Smoky Cell. Este trabajo le reportó buenas críticas. Tras completar el film inglés Middle Watch, Jacqueline fue recompensada con un Command Performance. British International la contrató como guionista y directora. Escribió Knock-Out (1931), y escribió y dirigió Strictly Business (1931). Ambas fueron películas de éxito.

Desafortunadamente, la nueva guionista y directora encontró poco trabajo tras la cámara a su vuelta a. El directivo de Columbia Pictures Harry Cohn, elogió su trabajo, pero no deseaba contratar a una mujer en funciones de dirección.

Logan se retiró del cine enteramente tras su matrimonio en 1934. Justo antes de ello trabajó en Broadway en obras tales como Merrily We Roll Along y Two Strange Women.

Tras divorciarse de su marido en 1947, Jacqueline residió en Westchester (Nueva York), hasta finales de los años sesenta. Pasaba los inviernos en Florida, donde visitaba a amistades tales como Lila Lee y Dorothy Dalton, antiguas actrices. El resto del año lo pasaba en Bedford Hills, Nueva York.

Jacqueline Logan se convirtió en una campeona de las causas políticas conservadoras una vez finalizada su carrera, y fue miembro de la John Birch Society.

Falleció en Melbourne, Florida, el 4 de abril de 1983.

Excelente foro Leyla, muy bueno, interesante saber de estas estrellas que se han olvidado.
Gracias!!!!!!! ;
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Yvonne De Carlo




Yvonne De Carlo (nacida Peggy Yvonne Middleton) (Vancouver, Canadá, 1 de septiembre de 1922 - Los Ángeles, EE. UU., 8 de enero de 2007) fue una actriz de cine y televisión canadiense, conocida por su papel como Lily Munster en la serie La familia Munster (1964-1966), de la cadena CBS.

De niña recibió clases de danza y abandonó la escuela secundaria para trabajar en clubes nocturnos y teatros locales. Su pasión por el baile continuó cuando se mudó con su madre a Los Ángeles.

Paramount Pictures la contrató en 1942, y fue entonces cuando adoptó el apellido de soltera de su madre. Tras una veintena de pequeños papeles dejó la Paramount por Universal. La actriz interpretó en sus inicios pequeños guiones en producciones cinematográficas como Ruta a Marruecos o Por quién doblan las campanas, la adaptación de la novela de Hemingway, gracias, en parte, a su exótica fotogenia. Sin embargo, la fama no llegaría hasta 1945, por medio de la película Salomé, la embrujadora.

En 1955, De Carlo contrajo matrimonio con Bob Morgan, un doble de primera categoría con quien tuvo dos hijos, Bruce y Michael;
la pareja sufrió varias separaciones y reconciliaciones.

En 1956 participa en Los diez mandamientos, en el papel de Sephora. Durante la filmación de una escena peligrosa en un tren en movimiento para La conquista del oeste, Morgan cayó bajo las ruedas en un accidente que le costó una pierna. De Carlo abandonó su carrera para cuidar de su marido, pero la pareja terminó por divorciarse.

A mediados de los sesenta, y cuando sus trabajos en la gran pantalla comenzaban a languidecer, Yvonne consiguió, mediante la serie de televisión La familia Munster, convertirse en Lily, la madre vampiresa más famosa. La grabación de la serie sólo duró dos años (de 1964 a 1966), pero tuvo mucho éxito.

En la década de los 70, Yvonne consiguió un papel muy importante en el musical de Broadway Follies de Stephen Sondheim, por el que ganó el premio Tony.

En sus últimos años, De Carlo vivió cerca de Solvang, al norte de Santa Bárbara. Su hijo Michael murió en 1997 y la actriz sufrió un ataque de apoplejía al año siguiente. De Carlo falleció el 8 de enero del 2007 por causas naturales en el asilo de Motion Picture &
Television Fund, en el suburbio Woodland Hills, de Los Ángeles, a los 84 años de edad.

que bonito leyla.......me encanta esta historia

Robert Young

Robert Young, Joan Crawford y Franchot Tone.

Robert Young (22 de febrero de 1907 - 21 de julio de 1998) fue un popular actor estadounidense, muy conocido por su papeles protagonistas en dos series de larga duración, el de Jim Anderson, el padre de Father Knows Best, y el del Doctor Marcus Welby en Marcus Welby, M.D.

Tras actuar en el teatro, Young firmó un contrato con la Metro-Goldwyn-Mayer—el estudio que tenía más estrellas que el cielo—y a pesar de tener un status de "
nivel B"
, trabajó con algunas de las más ilustres actrices del estudio, tales como Margaret Sullavan, Norma Shearer, Joan Crawford, Helen Hayes, Luise Rainer, y Helen Twelvetrees, entre otras muchas. Sin embargo, la mayoría de sus trabajos eran en películas de serie B, también conocidas como programadoras, y que requerían únicamente dos o tres semanas de rodaje. Los actores relegados a las mismas actuaban, tal y como hizo Young, en unos seis a ocho títulos anuales.

Recibió uno de sus papeles más agradecidos al final de su carrera con la MGM, en la película H.M. Pulham, Esq. (Cenizas de amor), en la cual Hedy Lamarr consiguió una de sus pocas reconocidas actuaciones. Dicho papel se le asignó ya que actores de la serie A tales como Robert Montgomery lo habían rechazado.

Tras la finalización de su contrato con MGM, su carrera siguió prosperando, y Young protagonizó comedias ligeras así como dramas mordaces para estudios tales como 20th Century Fox, United Artists, y RKO Pictures. A partir de 1943, Young asumió papeles más desafiantes, los cuales revelaron una profundidad dramática y una versatilidad no explotadas por MGM. Claudia, The Enchanted Cottage (Su milagro de amor), They Won't Believe Me, The Second Woman, y Crossfire (Encrucijada de odios) estaban entre sus muchas películas posteriores, en las cuales no solo fue bien aceptado por el público, sino que también recibió elogios de la crítica. Su retrato de personajes poco simpáticos en varias de estas películas fue aplaudido por numerosos críticos.

Young actuó en 100 películas en una carrera cinematográfica que comprendió desde 1931 a 1952.

Tras su paso por el cine, inició su carrera televisiva, la cual se extendió hasta 1988. Es conocido por su papel en la serie Father Knows Best (1949-1954 en la radio, 1954-1960 en televisión), por la cual él y su compañera de reparto, Jane Wyatt, ganaron varios Emmy. Posteriormente Young creó, produjo y protagonizó la serie Window on Main Street (1961-1962), la cual solamente duró seis meses.

Más adelante se hizo famoso por Marcus Welby, M.D. (1969-1976), con la que ganó un Emmy para el mejor actor en una serie dramática. Young llegó a estar tan bien identificado con el papel que se hizo célebre con el anuncio de un medicamento, en el que aparecía con una bata y decía "
No soy médico, pero interpreto a uno en la TV"
.Siguió haciendo anuncios de televisión hasta finales de los años ochenta.

Robert Young tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood, uno por su contribución al cine en el 6933 de Hollywood Boulevard y otro por su trabajo televisivo en el 6358.


Los padres de Young eran un inmigrante irlandés y una estadounidense. Se graduó en la Abraham Lincoln High School de Los Ángeles.

Estuvo casado con Betty Henderson desde 1933 hasta la muerte de ella en 1994. Tuvieron cuatro hijas.

A pesar del hecho de que siempre representó a personajes felices y bien adaptados, Young sufrió depresión y alcoholismo, lo cual contribuyó a su intento de suicidio de 1991. Posteriormente hablaba llanamente de sus problemas en un esfuerzo para animar a gente en situación similar. El Robert Young Center for Community Mental Health, en Rock Island, Illinois, es un extenso centro de salud mental, llamado así en su honor.

Young falleció en su casa de Westlake Village, California, a los 91 años, a causa de un fallo respiratorio. Fue enterrado en el cementerio Forest Lawn Memorial Park, en Glendale, California.

Margaret Sullavan

Joan Crawford y Margaret Sullavan.


Margaret Brooke Sullavan (n. 16 de mayo de 1909 - m. 1 de enero de 1960) fue una actriz estadounidense nacida en Norfolk, el 16 de mayo de 1909, aunque, por error, en muchos archivos aparece como fecha de su nacimiento el año 1911.

Desde su juventud sintió inclinación por la interpretación y la danza. Debutó en los escenarios a la edad de 17 años con la compañía University Players, en la que también se encontraban, entre otros, James Stewart, con quien mantendría una duradera amistad y con quien trabajó en algunas películas;
y Henry Fonda, con quien estuvo casada durante un breve periodo de tiempo, siendo también compañeros en la película "
The Moon Is Our Home "
. Con 20 años debuta en Broadway y en 1933 comienza su carrera cinematográfica siendo actriz principal desde su primera película "
Parece que fue ayer"
, dirigida por John M. Sthal.

A finales de los años 40 su salud empezó a debilitarse, perdiendo audición, a pesar de lo que siguió con su exitosa carrera teatral, aunque disminuyendo considerablemente sus apariciones cinematográficas.

Entre otros, se casó cuatro veces, tuvo por maridos a Henry Fonda, William Wyler y Lelan Hayward. El 1 de enero de 1960 murió por una sobredosis de barbitúricos en un hotel de New Haven, sin que se sepa a ciencia cierta si se trató de una muerte accidental o de un suicidio.

Leyla: manejas la vida de estas personas al "
dedillo, estas para concursar, sumamente interesante, continua !!!

Max Linder

Chaplin y Linder.


Max Linder (Saint-Loubés, Gironde, 16 de diciembre de 1883 - París, 31 de octubre de 1925), actor cómico francés, de la época del cine mudo.

Su verdadero nombre era Maximilien Gabriel Leuvielle, e hizo su aparición por primera vez en el cine en el año 1905. Fue el cómico más exitoso de su país y de Europa en el período anterior a la Primera Guerra Mundial y al surgimiento de Charles Chaplin, quien luego se reconociera como discípulo suyo.

Encarnó a un personaje de aspecto distinguido, de atildada vestimenta (lo que lo hizo también muy apreciado por el público femenino de aquella época, que más de una vez protagonizó algún tumulto durante sus apariciones), que se veía atrapado en los más insólitos enredos. Su gran éxito lo llevó tan pronto como en 1912 a ser el actor cinematográfico mejor pagado de Francia. Ya incluso por esos tiempos ensayó la dirección de algunas películas, actividad en la que también se mostró igualmente diestro.

Fue llamado a filas por el ejército de su país durante la Primera Guerra Mundial, y en ella, como tantos miles de soldados más, fue víctima de los gases asfixiantes que se utilizaron en la contienda. Su participación en el conflicto le dejó secuelas físicas y emocionales que alteraron su salud y empañaron su carrera cinematográfica posterior. El rumor de su muerte en las trincheras había provocado en su público, en tanto, una verdadera histeria.

En 1916 marchó a los Estados Unidos contratado por los Estudios Essanay, que por entonces también contaban entre su personal a Charles Chaplin, a quien conociera entonces. Sin conseguir el éxito que esperaba, retornó a Francia en 1918.

Protagonizó tres largometrajes en un segundo retorno a Hollywood en 1919, entre ellos "
L'etroit mosquetaire"
(conocida en los Estados Unidos como The Three Must-Get-Theres, ambos juegos de palabras con el título de la obra de Alexandre Dumas (padre), Los Tres Mosqueteros).

De retorno a su país, Max Linder fue dirigido entre otros por Abel Gance en una curiosa película de 1924 que combinaba comicidad y terror: Au secours! (Socorro!), donde pueden apreciarse sus amplias dotes actorales.

Víctima de frecuentes estados depresivos, que lo llevaron al consumo de drogas, trabó un pacto suicida con su esposa, la joven Jean Peters, con la que se había casado en 1923. El 31 de octubre de 1925 Max Linder le abrió las venas a su esposa, antes de hacerlo consigo mismo.

Condenado por las generaciones posteriores a un olvido casi absoluto, la presentación, en 1963, de la película En compagnie de Max Linder, reivindicó su obra a partir de los esfuerzos de su hija Maud Linder. La película, narrada por el famoso director francés René Clair, significó el principio de una justa revalorización que puso a Max Linder entre los grandes nombres del cine mudo.

Un millon de gracias por vuestros animos. Y un millon de abrazos. Sinceramente pensaba que el tema no era interesante para vosotros.

Vereis siempre me ha gustado mucho el cine de los años 30,40, 50 y 60. Y poco a poco he ido confeccionando una buena coleccion de biografias de estrellas olvidadas que en su epoca fueron muy importantes y que hoy en dia nadie conoce.

Creo que se merecen un poco de nuestro tiempo y un momento de recuerdo, porque alla donde esten se sentiran por un rato los mejores actores y actrices del firmamento.

Gracias.............

Anthony Quinn

Anthony Quinn, Pamela Brown y Kirk Douglas

Anthony Quinn (21 de abril de 1915 - 3 de junio de 2001) fue un consagrado actor del cine clásico y moderno mexicano.

Nació el 21 de abril de 1915 en Chihuahua, México, de padre irlandés y madre mexicana, con el nombre de Antonio Rodolfo Quinn Oaxaca. Según el actor, sus padres fueron: Francisco Quinn de origen medio irlandés y medio mexicano, su madre era una mexicana descendiente de aztecas llamada Manuela Oaxaca. Su padre había participado en la Revolución Mexicana y allí conoció a la soldadera que iba a ser su madre.

Algunas fuentes afirman que su verdadero apellido era Antonio Quiñones o Quintana . A muy temprana edad, su familia se trasladó a Texas y posteriormente a Los Ángeles, California;
viviendo su primera infancia en Boyle Heights y en Echo Park en medio de una abismante pobreza de medios económicos. Su madre estuvo mucho tiempo tras los pasos de su marido, participante de las huestes de Pancho Villa, y con una gran abnegación y sacrificio realizó labores de lavandera para mantener a su retoño Antonio en haciendas de Texas y Juárez.

Por fin en 1919, marido y mujer se reunieron y se trasladaron como inmigrantes a California. Antonio ya cumplido los cinco años comenzó a trabajar como recolector de frutas y jornalero.

En 1920, los Quinn se trasladaron a Los Angeles para tentar mejor suerte;
su padre hacía grandes esfuerzos para mantener a su familia sin poder despegar de la pobreza. Antonio realizó labores de lustrabotas y vendedor callejero de periódicos.

Estudió en establecimientos educacionales de su barrio, sin alcanzar a terminar sus estudios, por el fallecimiento de su padre en 1926, lo que lo obligó a buscar trabajos informales para ayudar a su familia. La pérdida de su padre lo marcó profundamente, pues le admiraba por su tesón.

Acicateado por la pobreza y con un espíritu de superación desbordante, trabajó haciendo diversos oficios tales como peón de hacienda, friegaplatos o mensajero de correo. Para esa época era un mozalbete inteligente, rudo, belicoso y rudimentario en su modales, pero ya se había propuesto surgir al precio que fuese necesario.

En su adolescencia, empezó a interesarse en el arte e intentó ser retratista de estrellas de Hollywood. Dibujaba a las estrellas de su elección desde fotos de periódicos y les enviaba sus trabajos por correo. Solo Douglas Fairbanks le respondió y de vuelta de correo recibió 10 dólares por su boceto.

Intentó ganarse la vida como imitador de estrellas tales como Bing Crosby, Louis Armstrong entre otros, haciendo las veces de bufón en fiestecillas, pero no tuvo el éxito que esperaba por lo que volvió a trabajar como obrero de construcción y carnicero.

A los 16 años, aprovechando su complexión y su altura (1,88 m), practicó el boxeo profesional con el mismo fin. Ganó 16 peleas;
pero en la 17a. pelea fue destrozado por un rival mejor y se retiró del oficio.

A los 17 años de edad se casó con una hermosa latina de nombre Silvia, una mujer mayor en 17 años, que lo introdujo en el estudio del arte y la filosofía. Para esa edad aún era una trabajador de construcción y Silvia le hizo tomar clases de dicción para mejorar su capacidad de expresión oral y mejorar sus rústicos modales.

Más tarde, en 1935, cursó estudios, especialmente de pintura y de interpretación, en el Polytechnic High School, y arquitectura con Frank Lloyd Wright, obteniendo el primer premio por un diseño arquitectónico que realizó. Sin embargo, se sintió atraído por la carrera cinematográfica gracias al apoyo de la estrella de ese momento, Mae West que lo avaló como extra y luego de incursionar en el ambiente teatral, realizó su debut a los 21 años, como extra en la película The Milky way (1936) y con un rol en el film Parole (1936).

Terminado el film llevó a su abuela enferma de cáncer a ver el estreno y esta dijo al terminar: -"
Ahora puedo morir en paz"
-. En ese tiempo conoció y quedó prendado de la hija del director Cecil B.De Mille y decidió terminar su unión de 4 años con Silvia.

En 1937 se casó con Katherine De Mille, hija del director Cecil B. De Mille;
sin embargo su suegro no lo ayudó mayormente en su carrera y su aceptación como yerno fue muy condicionada, debido a su precariedad económica. De hecho, no pudo invitar a ningún familiar o amigo a su fiesta de bodas, para evitar el bochorno a De Mille de tener que alternar con personas que no pertenecían a su encumbrado círculo social.

En 1939, nació su hijo Cristopher;
sin embargo, a la edad de 4 años este falleció por inmersión en una piscina, lo que golpeó duramente al naciente actor. Sus otros hijos con Katherine De Mille son Christina Quinn, Kathleen Quinn, Valentina Quinn (actriz) y Duncan Quinn.

Por su apariencia "
multiétnica"
y su paso por el boxeo en sus facciones, siguió interpretando roles secundarios como nativo americano, mafioso italiano, gángster, chinos, árabes, filipinos e hispanos durante la década de 1940. Rodó alrededor de 15 filmes, encasillándose en papeles de hampón, villano y personajes de dudosa reputación. Esto trascendió en la vida real, y la alta sociedad del Hollywood la época no lo admitía en sus círculos, discriminándolo.

Consiguió su nacionalización estadounidense solo en 1947, por lo que no participó en la Segunda Guerra Mundial.

A fines de la década volvió al teatro, obteniendo éxito en Broadway, en la obra Un tranvía llamado deseo del autor Tennessee Williams.

En 1947, consigue su primer papel estelar en el film Black Gold donde personifica a un nativo americano que se convierte en millonario petrolero, contando además con la participación de su esposa Katherine en el film.

Continuó su carrera en algunas series de televisión entre 1949 y 1951, volviendo al cine en la película ¡Viva Zapata! (1952) del director Elia Kazan, donde recibió su primer Oscar al mejor actor de reparto, por su excelente interpretación como Eufemio Zapata, siendo el primer actor hispano en lograr el premio. Sin embargo, su apariencia lo siguió encasillando en papeles de macho o duro, interpretando a piratas y aventureros en sus siguientes filmes.

Una de sus principales características, era el "
robarse"
el protagonismo del actor principal, al destacar desde papeles secundarios. Su talento innato era tan evidente en consistencia, simpleza y credibilidad, que ninguno de estos filmes tuvo mala taquilla.

Para esa fecha trabó amistad con el famoso muralista mexicano David Alfaro Siqueiros, quien intentó aconsejarlo de abandonar los foros;
pero acicateado por su pasado de pobreza, se obstinó en permanecer en los platós.


En 1953 viajó a Italia, donde después de participar en algunas películas, logró el papel principal en la película La Strada (1954) de Federico Fellini, que ganó numerosos premios internacionales. Con éste film, inició una nueva faceta interpretativa, marcada por el dramatismo y la intensidad en los roles que actuó en sus siguientes películas, bajo la dirección de importantes directores como George Cukor, Martin Ritt, Edward Dmytryk, John Sturges y Nicholas Ray, entre otros. También el paso a la madurez (cumplió 40 años en 1955) cambió su aspecto físico, lo que lo ayudó a conseguir roles de carácter.

Recibió en 1957 su segundo Oscar como mejor actor de reparto por su rol en la película El loco del pelo rojo del director Vincente Minnelli, sobre la vida de Vincent Van Gogh. Es destacable mencionar que él solo aparece 8 minutos en la película. El rol principal lo interpretó Kirk Douglas, con quien había colaborado en el film Ulises en 1955 y lo haría en 1959 en el film El Último Tren de Gun Hill.

En 1956 hizo una notable interpretación de Cuasimodo en el film El Jorobado de Notredame. En 1958 dirigió una nueva versión de la película El Bucanero (The Buccaneer), en la cual había participado en un papel secundario en 1938. Esta segunda versión sería su única participación como director de cine.

A comienzos de la década de 1960, y dentro de la moda “histórica” de Hollywood, interpretó destacados roles en las películas Los cañones de Navarone, Barrabás y Lawrence de Arabia.

En 1962, su matrimonio con Katherine De Mille estaba muy deteriorado y se enamoró de Iolanda Addolari, una ayudante de vestuario, mientras rodaba Barrabás. Se divorció de De Mille y se casó en 1965 con Addolari.

En 1964 realizaría el papel que lo marcaría el resto de su vida, en la interpretación del viejo Alexis Zorba en Zorba el griego (1964), del director chipriota Michael Cacoyannis, por el que fue nominado al Oscar como mejor actor principal. La música del film fue creada por el compositor griego Mikis Theodorakis. Participó además como coproductor de la película.

En los últimos años de la década de 1960, interpretó memorables roles en las peliculas La Hora 25, La Batalla de San Sebastián, Las Sandalias del Pescador y El Secreto de Santa Victoria, en el cual lució sus mejores dotes histriónicas. La década de 1960 fue sin duda la mejor etapa de su carrera.

En las siguientes décadas volvió a ser encasillado en roles, esta vez basados en sus anteriores filmes. Sin embargo en la película Los Amigos o El Sordo Smith y su amigo Orejas (1973), del género Spaghetti western junto al actor italiano Franco Nero, logró un muy convincente rol como sordomudo.

Del matrimonio con Addolari nacieron tres hijos: Francesco, Lorenzo y Daniele.

En la década de 1980 participó en una decena de películas, sin mayor notoriedad, salvo aquella llamada El León del Desierto en la que interpreta magistralmente al lider libio Omar Mukhtar. En esta época se dedica principalmente a su gran pasión, la pintura y la escultura en bronce y mármol, donde gana dinero en sus exposiciones.

En la década de 1990 actuó en TV en la serie Hércules y comenzó a aparecer haciendo “cameos” en varios filmes, es decir, apariciones especiales para reforzar la publicidad de aquélla.

Actuó también en una nueva versión para TV de El Viejo y el Mar (1990) junto a su hijo Francesco. Ese mismo año aparece junto a los actores Kevin Costner y Madeleine Stowe en el film Revenge, donde interpreta magistralmente a un marido engañado.

En 1997, su matrimonio con Addolari termina por motivos de su propia infidelidad y se casa son su secretaria, Kathy Benvin.

En 1999 actuó en el filme brasileño Oriundi, junto a su hijo Lorenzo, participando además como coproductor. Su último rol lo interpretó como jefe mafioso en la película Vengando a Angelo (2002) junto a Sylvester Stallone.

Fue un gran actor que realizó con un talento innato numerosas películas a lo largo de su carrera;
como actor secundario solía opacar al actor principal "
robándose"
la pantalla"
, fue calificado también como actorazo. Como actor principal su participación era simplemente proverbial, muchas de las cuales tuvieron gran éxito y positivas críticas.

Otras de sus facetas artísticas fueron la escultura, la pintura y el diseño de joyería, sus obras son apreciadas y valoradas por su calidad.

También puede mencionarse su participación como cantante en las versiones registradas de las presentaciones teatrales de Zorba, el Griego, conjuntamente con Lila Kedrova, y un registro titulado Life Itself Will Let You Know, un diálogo con un niño y el fondo musical de armónica de Jean Toots Thieleman. Viajo muchas veces a Barcelona, ciudad que le gustaba mucho.


A los seis hijos de sus tres matrimonios, hay que sumar otros siete hijos más que el actor tuvo con otras tres compañeras. En total suman trece sus hijos. Su hijo Lorenzo Quinn heredó su talento como escultor y vive en Barcelona, España.

En enero de 1982, la casa donde vivió su niñez fue transformada en la Biblioteca Anthony Quinn. El actor donó cerca de 3000 objetos tales como fotografías, guiones, esbozos y borradores relacionados con su vida.

Fue entrevistado por la ex-Miss mundo chilena Cecilia Bolocco casi como la última de sus entrevistas en el 2000.

Falleció en Boston en 2001, a los 86 años, como consecuencia de una grave neumonía.

Kirk Douglas


Brigitte Bardot y Kirk Douglas.


Kirk Douglas, (nacido el 9 de diciembre de 1916 en Amsterdam, Nueva York) es un legendario actor y productor de cine estadounidense. También es el padre del actor Michael Douglas.

Sus padres eran judíos rusos, siendo su nombre real Issur Danielovitch Demsky. Desde pequeño se destacó en los deportes y en las lides actorales donde gustaba de dirigir y actuar. Se graduó en Letras en la Universidad de St. Lawrence.

Despues de graduarse se marchó a Nueva York, donde consiguió una beca en la Academia Americana de Arte Dramático, donde permaneció hasta 1939, con 23 años de edad. En 1941 ingresa, gracias a la consagrada actriz Lauren Bacall, en Broadway, pero luego es llamado al servicio militar en la Armada de los Estados Unidos, que cumple en 1942-1943, durante la Segunda Guerra Mundial, para después regresar a Broadway. Al ser licenciado con honores, vuelve a New York y en casa de una amiga hojea una revista de modelos, donde aparece una hermosa modelo y actriz llamada Diana Dill, la cual acabará por ser su esposa en 1943, y con la que tendrá dos hijos: Michael Douglas y Joel.

En 1946, a los 30 años de edad, y ya con una cierta fama cosechada en Broadway, Lewis Milestone le propone como primer actor en el film El extraño amor de Martha Ivers, donde se revela como un actor de carácter. En 1949, interpreta un boxeador en la película Ídolo de Barro de M. Robson ,donde por su realista interpretación es nominado al Oscar al mejor actor. Kirk se hizo conocido por su temperamental caracter y sus ideas de tendencia izquierdistas que le granjearon enemistades.

En 1951, Diana Douglas solicitó el divorcio a Kirk Douglas debido a las incontables infidelidades del actor, que eran además públicas. No obstante, siempre mantuvieron excelentes relaciones amistosas y le concedió una pensión acomodada.

En 1954 se casa por segunda vez con Anne Buydens , quien le da dos hijos. Fue nominado en tres ocasiones para un Oscar de la Academia aunque nunca lo ganó pero fue galardonado en 1996 con uno honorífico por sus 50 años de dedicación a la industria del cine.

Muchos filmes que el realizó son épicos pero el que más lo destaca es su proverbial actuación es Espartaco de Stanley Kubrick junto con la no menos magistral actuación de Peter Ustinov.

Otra de sus famosas actuaciones y para el que fue nominado para Mejor Actor por tercera vez fue en "
El Loco del pelo rojo"
donde carateriza al pintor Vincent Van Gogh donde actúa Anthony Quinn.

Su fama es comparable a la de actores como Sir Laurence Olivier y Anthony Quinn, dio a cada uno de sus films una marca distintiva donde la fuerza de sus actuaciones daban a cada film un renombre. Además co-dirigió varias películas y sostuva un singular pleito con Stanley Kubrick por la producción de algunas de sus películas lo que le restó fuerza en Hollywood y de hecho le sesgó en todas las nominaciones a premios.

Intervino tanto en comedias como en dramas y ha encarnando personajes duros pero de fondo muy vulnerable (El ídolo de barro, M. Robson, 1949;
Brigada 21, W. Wyler, 1951;
Cautivos del mal, V. Minnelli, 1952;
Otra ciudad, otra ley, J. Kanew, 1986;
Oscar, J. Landis, 1991;
Diamonds, 1999;
Colegialas y Kirk, 2005). Ha participado en numerosas producciones para televisión y en 1988 publicó su autobiografía (El hijo del trapero).

En 1991 sobrevivió a un accidente en helicóptero donde dos personas resultaron fallecidas y en 1994 le sobrevino una trómbosis leve que le provocó serios problemas psicomotrices.

Lucille Ball




Lucille Désirée Ball Morton (6 de agosto de 1911 - 26 de abril de 1989), fue una actriz cómica estadounidense. Gracias a la serie de televisión I Love Lucy se convirtió en una de las estrellas más populares de los Estados Unidos.

En 1925 decidió ingresar en una escuela de arte dramático. Ahí coincidió con otra futura estrella, la actriz Bette Davis. Ball dejó la escuela pocos días después de ingresar ya que su profesor consideró que era demasiado tímida y que no tenía futuro en la interpretación.

En 1930 se fue a vivir a la ciudad de Nueva York donde se convirtió en modelo. En 1933 se trasladó a Hollywood y apareció en diversos filmes como bailarina o actriz secundaria en pequeños papeles: "
Damas del teatro"
(1937, Gregory La Cava) junto a Katharine Hepburn y Ginger Rogers o "
El hotel de los líos"
(1938, William A. Seiter), con los Hermanos Marx. En 1940 firmó un contrato con Metro Goldwin Mayer pero no llegó a intervenir en demasiadas películas de relieve salvo "
Dance, girl, dance"
(1940) de Dorothy Arzner junto a Maureen O´Hara, y "
Ziegfield follies"
(1945) de Vincente Minnelli junto a Judy Garland, Fred Astaire y Gene Kelly, llegando a ser conocida como la "
reina de las películas de serie B"
. En 1940 se casó con el músico cubano Desi Arnaz.

El éxito le llegó en 1948 con un programa de radio llamado My favorite husband ("
Mi esposo favorito"
) que terminó convirtiéndose en un programa de televisión con el nombre de I love Lucy en el que trabajaba junto a su marido Desi Arnaz. La serie fue un éxito y estuvo en pantalla desde 1951 hasta 1957. En 1953 la actriz fue investigada por el Comité de actividades Americanas ya que en 1936 votó por el Partido Comunista.

Gracias a esta popularidad, volvió al cine con desigual fortuna. Entre lo mejor están las comedias "
Los apuros de Sally"
(1950, Lloyd Bacon, "
Un remolque larguísimo"
(1954, Vincente Minnelli o "
Los milagros de la vida"
(1960, Melvin Frank.

Después de I love Lucy, Ball apareció en el musical de Broadway Wildcat así como en algunas películas como Tuyos, míos, nuestros (Yours, mine and ours)en 1968 junto a Henry Fonda y Van Johnson, o Mame, su última película en 1974. Además, intervino en dos series más de televisión The Lucy show y Here's Lucy.

Lucille Ball murió el 26 de abril de 1989 tras una rotura de aorta. Tenía 77 años.

Anita Ekberg




Kerstin Anita Marianne Ekberg (Malmö, 29 de septiembre de 1931) es una actriz y modelo sueca. Fue Miss Suecia en 1951 y compitió en el concurso de Miss Universo. Su papel más destacado en el cine es el de Sylvia en la película La dolce vita de Federico Fellini.

Su debut cinematográfico fue en la película Abbot and Costello go to mars a principios de los años 50. Después vendrían títulos como Loco por Anita (1945), Guerra y paz (War and Peace) de King Vidor (1956) o Paris Holiday (1958). En 1960 interpretó su papel más recordado, el de la rubia despampanante que toma un baño en la "
Fontana de Trevi"
en la película La dolce vita.

En 1962 protagonizó Boccacio 70 junto a Sofia Loren;
en 1967 trabajó con Shirley MacLaine en Siete veces mujer (Woman times seven). Hizo también un pequeño papel en 1969 en la película Si hoy es martes, esto es Bélgica (If it's Tuesday this must be Belgium). Ekberg se fue retirando paulatinamente del cine para dedicarse más a su trabajo como modelo. Realizó diversos reportajes para la revista Playboy. En 1997 trabajó junto a Bigas Luna en la película Bámbola.

Estuvo casada con el actor británico Anthony Steel desde 1956 a 1959. Desde 1963 a 1975 fue la esposa del también actor Rik Van Nutter. Se le han atribuido romances con diversos actores como Tyrone Power, Marcello Mastroianni, Errol Flynn o Frank Sinatra. Mantuvo también un romance con Gianni Agnelli de la firma italiana Fiat. Actualmente (2005) vive sola en Roma.

Ann-Margret


Ann-Margret (28 de abril de 1941) es una actriz y cantante estadounidense nacida en Suecia. Nacida con el nombre de Ann-Margret Olsson en Valsjöbyn, Jämtland, Suecia, se trasladó a los Estados Unidos en su juventud, y creció en Wilmette, Illinois, donde acudió a la Northwestern University. Como cantante, fue descubierta en un club nocturno por el actor y cómico George Burns.

Ann-Margret comenzó a grabar discos con la compañía RCA en 1961. Su voz, suavemente ronca, estaba considerada como una de las más sexys, y se la comparaba con las de Eartha Kitt o Nancy Sinatra. La compañía RCA intentó hacer de ella la "
Elvis femenina"
preparando un disco con una versión de la canción de Elvis "
Heartbreak Hotel"
y otras canciones de un estilo muy similar al del "
Rey de Rock"
. Tuvo un pequeño éxito con la canción "
I Just Don't Understand"
(entró en el Top 40 en la lista del Billboard la tercera semana de agosto de 1961, donde permaneció durante 6 semanas, llegando al número 17). Su único disco destacable es "
The Beauty and the Beard"
(1964) que realizó con el trompetista Al Hirt. El contrato con la RCA terminó en 1966.

Sin embargo, su carrera discográfica no fue tan exitosa como su carrera cinematográfica. Su primera experiencia en el cine fue en la película "
Un gángster para un milagro"
en 1961, a la que siguió "
State Fair"
al año siguiente. Pero fue su papel protagonista en "
Un beso para Birdie"
(1963) el que le lanzó al estrellato. Después de rodar "
Cita en Las Vegas"
con Elvis Presley, ambos comenzaron una relación que atrajo la atención de la prensa del corazón. Esta relación provocó un enfrentamiento con la entonces esposa de Elvis, Priscilla. Aunque la relación terminó poco después, Presley siguió siendo gran amigo de la actriz hasta su muerte. De todas las estrellas de Hollywood con las que Elvis había trabajado, Ann-Margret fue la única que asistió a su funeral.

En 1963, Ann-Margret fue la estrella invitada en un episodio de la serie de dibujos animados "
Los Picapiedra"
, cuyo personaje se llamaba "
Ann-Margrock"
.

En marzo de 1966, Ann-Margret, junto con los artistas Chuck Day y Mickey Jones, hizo un viaje para apoyar a las tropas estadounidenses que se encontraban en Vietnam y otros países del Sureste Asiático.

En 1971, protagonizó la cinta de Mike Nichols "
Conocimiento carnal"
, película que dio un giro a la carrera interpretativa de la actriz. Por esta película obtuvo una candidatura a los Oscar, en la categoría de Mejor actriz de reparto. A lo largo de los años 70, Ann-Margret compaginó sus actuaciones en directo con una serie de películas, muchas de ellas aclamadas por la crítica.

En 1975 participó en "
Tommy"
, papel por el que fue candidata al Oscar a la mejor actriz. Además de sus dos candidaturas a los Oscars, Ann-Margret ha sido candidata a 10 Globos de Oro, ganando cinco de ellos, incluyendo el de Mejor actriz de comedia o musical por "
Tommy"
.

Además de trabajar en el cine, Ann-Margret ha protagonizado algunos especiales de televisión de mucho éxito, comenzando con "
The Ann-Margret Show"
para la cadena NBC en 1968.

En 1994, publicó su autobiografía titulada "
Ann Margret: My Story"
. Ha estado casada con el actor Roger Smith desde 1967. Smith sufre de miastenia gravis, y Ann-Margret ha dedicado parte de su vida a su cuidado.

En 1995, fue elegida por la revista Empire como una de las 100 estrellas más atractivas en la historia del cine;
concretamente, estaba situada en el puesto décimo.

Ann-Margret tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood situada en el 6501 de Hollywood Blvd.

Foto de Ann-Margret :

Pauline Garon



Pauline Garon (9 de septiembre de 1900 – 30 de agosto de 1965) fue una actriz canadiense del cine mudo, con una imagen personal coincidente con las flapper (mujeres jóvenes, poco convencionales tanto en su conducta como en su vestimenta) de la época.

Su verdadero nombre era Marie Pauline Garon, y nació en Montreal, Québec (Canadá). Sus padres eran Pierre y Victoria Garon. Pierre era de ascendencia francesa y Victoria de origen irlandés. Garon tenía diez hermanos. Fue educada a lo largo de siete años en el Convento Sacre-Coeur en Montreal, una de las escuelas más prestigiosas de la ciudad. Fue la primera graduada de la institución en actuar en el teatro. Garon no aprendió inglés hasta cumplir los diez años de edad.

Tenía unos 20 años cuando se trasladó a Nueva York, donde empezó a trabajar en Broadway, actuando en obras tales como Buddies y Sonny.

Garon debutó en el cine con Remodeling Her Husband, sustituyendo a Dorothy Gish. Por este motivo se dijo que era protegida de Lillian Gish. Se asoció con D.W. Griffith cuando llegó a Hollywood en 1920. Su primer papel importante llegó en 1921 con The Power Within. También fue sustituta de Sylvia Breamer en Doubling for Romeo (1921).

En 1923, fue aclamada como en nuevo descubrimiento de Cecil B. DeMille. Él la eligió para trabajar únicamente en dos películas. Una fue Adam's Rib (La costilla de Adán) (1923). Ese mismo año fue seleccionada como una de las WAMPAS Baby Stars. Ya antes de su "
descubrimiento"
, Garon había sido una estrella en ascenso. Había actuado junto a Owen Moore en Reported Missing (1922). Garon fue muy alabada por su papel en la adaptación por el director Henry King de Sonny (1922). Fue elegida para el papel por King tras haberla visto en un retrato relativo a la producción teatral de la obra en Broadway. En dicha película, estrenada por First National Pictures, actuó con Richard Barthelmess. Se papel de Florence Crosby casi la llevó al estrellato. Sin embargo, la ingenua no tenía un deseo real de convertirse en una celebridad. Garon admitía que pensar en las responsabilidades que conllevaba el estrellato la atemorizaba.

En su momento de mayor popularidad Garon rodaba al menos cinco películas anuales. Hizo muchos papeles principales en cine de serie B y papeles secundarios en filmes de mayor entidad. Los años veinte fueron una época maravillosa para la actriz. Trabajó junto a Gloria Swanson y John Boles en The Love of Sunya (El amor de Sonia), obra que inauguró el lujoso Teatro Roxy de Nueva York el 11 de marzo de 1927.

Hacia 1928 la carrera de Garon empezó a declinar dramáticamente. Al final, actuó principalmente en versiones francesas de películas de Paramount Pictures. Así mismo, fue escogida para trabajar en películas inglés, aunque menos populares. En los años treinta Garon solo recibía pequeños papeles sin aparecer en los títulos de crédito. De esta manera, Garon actuó en ¡Qué verde era mi valle! (1941) y en dos westerns, Song Of The Saddle (1936) y The Cowboy and the Blonde (1941).


Garon se casó en tres ocasiones. La primera con el actor Lowell Sherman en febrero de 1926. La influencia de Sherman sobre ella la llevó a rechazar un contrato a largo plazo con Paramount. En febrero de 1928 se hizo ciudadana de los Estados Unidos. Se separó de Sherman en agosto de 1927. En febrero de 1940 se fugó con la estrella de la radio y actor Clyde Harland John Alban, a Yuma, Arizona. Garon y Alban se divorciaron en 1942. Finalmente se casó con el comediante Ross Forester, matrimonio que duró hasta el fallecimiento de ella.

Garon falleció en el Hospital Patton State, una institución psiquiátrica de San Bernardino, California, en 1965. La causa de la muerte fue una enfermedad cerebral. La salud de Garon hacía tiempo que era precaria. Llegó a tener un colapso en los estudios de la 20th Century Fox en junio de 1952.

Kathleen Key



Kathleen Key (1 de abril de 1903 - 22 de diciembre de 1954) fue una actriz estadounidense que consiguió un breve período de fama en la época del cine mudo. Probablemente es más recordada por interpretar el papel de Tirzah en la película de 1925 Ben-Hur. Kathleen fue también tataranieta de Francis Scott Key, compositor de The Star Spangled Banner.

Su verdadero nombre era Kitty Lanahan, y nació en Búfalo (Nueva York). Debutó en el cine en 1920 con la película The Jackeroo of Coolabong, interpretando un papel principal. Desde entonces hasta el final de los años veinte, Kathleen Key, llamada a veces Kathleen Keys en los créditos, protagonizó varios títulos, pero nunca llegó realmente a alcanzar el estrellato.

A principios de los años veinte, Kathleen tuvo una bien conocida aventura amorosa con el actor Buster Keaton, que estaba casado en esa época. Según se explica en la biografía de Keaton, el actor intentó suspender la relación pero Key, en un ataque de celos, saqueó el vestuario de Keaton en la MGM, lo cual supuso para ella ser puesta en la lista negra de la industria del cine.

En 1922 Key fue escogida para trabajar en Omar Khayyam y en Where's My Wandering Boy Tonight. Ese mismo año firmó actuar con Charles Buck Jones en Vamoos, para Fox Film. En este papel llevaba el vestido que lucía Sara Sothern en la producción teatral de Smilin Through, representada en el Majestic Theater de Los Ángeles, California. En esa época, la actriz pasó un año en Australia trabajando en primeros papeles en obras de Snow Baker. Antes de hacer Vamoos, Kathleen trabajó con John Gilbert en St. Elmo, también para la Fox. En 1923, a medida que la carrera de Kathleen progresaba lentamente, fue seleccionada como una de las WAMPAS Baby Stars. En 1929, Key actuó en The Phantom of the North, que fue la última película en la que apareció en los créditos. Tras la misma, tuvo papeles muy pequeños, sin créditos, en 1930, 1935, y 1936. El último de ellos fue de bailarina en el film Klondike Annie.

En 1941, Key fue incapaz de pagar una multa por conducir bebida, lo cual probaba a qué situación había llegado la actriz tras su retiro. Sus últimos días los pasó con una comodidad moderada en la Motion Picture Country House en Woodland Hills (Los Ángeles), California, donde falleció a los 51 años de edad en 1954.

Charles Laughton




Charles Laughton (nacido el 1 de julio de 1899 en Scarborough, Yorkshire, Inglaterra - muerto el 15 de diciembre de 1962 en Los Angeles, California, Estados Unidos) fue un actor y director de cine y teatro nacido en el Reino Unido y nacionalizado ciudadano estadounidense en 1950.

Más conocido por el público de hoy en día como el director de "
La Noche del cazador"
, Charles Laughton fue también un actor grande entre los grandes, tanto en el teatro como en el cine. Billy Wilder dijo de él que era el mejor actor con quien nunca había trabajado... de hecho, añadía Wilder con entusiasmo, en su opinión, Laughton era "
el más grande de todos los actores"
.

Laughton era conocido por su intensa implicación en el trabajo, que él consideraba, más que una profesión, un arte creativo a la altura de las creaciones musicales, pictóricas o literarias. James Mason, comentando la revolución en el arte de la actuación que supuso la irrupción de Laughton, le definió como "
un actor del método sin sus tonterías"
. El mismo Laughton diría respecto al Actors Studio: "
Un actor del Método te ofrece una fotografía: yo prefiero hacer una pintura al óleo"
.

Charles Laughton nació el 1 de julio de 1899 en la villa costera de Scarborough. Sus padres eran hosteleros y planeaban que Charles, el primogénito de sus tres hijos, los sucediera en el negocio familiar. Pero Charles se sintió atraído por el mundo del espectáculos desde temprana edad.

La madre de Laughton era de familia irlandesa y católica, y envió a sus hijos a estudiar a Stonyhurst College (Lancashire, Inglaterra), una "
Public School"
jesuita, hasta que en 1915 Charles dejó sus estudios y sus padres le enviaron a aprender el negocio hotelero desde la base, en Londres, donde trabajaba en diversas ocupaciones en el hotel Claridges, y donde tiene la ocasión de disfrutar de los espectáculos teatrales de la capital, hecho que le enamora todavía más del mundo de la escena.

El 1917 es llamado a filas y lucha en el frente occidental durante la Primera Guerra Mundial, donde sufre los efectos del gas mostaza. De vuelta a la vida civil, trabaja en el negocio familiar mientras participa en producciones teatrales amateurs, hecho que su familia no ve con buenos ojos, hasta que en 1925 (y después de no pocas fricciones con su conservadora familia debidas a su afición a la escena), llega a un acuerdo con sus padres y hermanos y se va a estudiar a la Royal Academy of Dramatic Arts (RADA), en Londres, donde tendrá profesores como Claude Rains, Alice Gachet o Theodore Komisarjevsky.

Rellenito y de rostro no demasiado agraciado -según el canon establecido-, Laughton teme no tener posibilidades como actor;
por suerte, sus profesores le saben transmitir que lo que cuenta es el talento y la pasión por el trabajo;
bajo su guía, Laughton trabajará incansablemente y con entusiasmo en su aprendizaje. En 1926 obtiene la Bancroft Medal como mejor estudiante de la RADA y seguidamente comienza su carrera profesional bajo la guía de Komissarjevski, a las órdenes del cual debutará en el pequeño Barnes Theatre (en las afueras de Londres) con la obra "
The Government Inspector"
de Nicolai Gogol en el papel de Osip, el criado bergante. También aparece en dos de las inventivas escenificaciones de obras de Antón Chéjov con las cuales Komisarjevsky popularizó a este autor en Inglaterra, que desde entonces se convirtió en el autor extranjero más representado en la escena británica. Laughton representó un melancólico Epidohof en "
El jardín de los cerezos"
y un amenazador capitán Solyoni en "
Las tres hermanas"
. Otra vez con Komisarjevsky, interpreta con gran éxito el papel de Ficsur el ladrón en "
Liliom"
, donde definitivamente capta la atención de crítica y público.

Estas obras son seguidas por multitud de papeles de importancia creciente con los cuales el joven Laughton adquiere confianza y versatilidad: el tiránico y flemático gobernador militar ruso en "
The Greater Love"
;
Cantavalle, un protopaparazzi caradura en "
Vestire gli ignudi"
;
un marido excesivamente celoso en "
The Happy Husband"
;
el maquiavélico conde Pahlen en "
Paul I"
, y finalmente llega su primer papel como protagonista en "
Mr. Prohack"
de Arnold Bennet, que interpreta con éxito y donde trabaja con la actriz Elsa Lanchester, la cual se convertiría en su esposa en 1929.

Durante este tiempo se inicia en el cine participando en cortometrajes experimentales con guión de H. G. Wells protagonizados por su compañera y dirigidos por Ivor Montagu: "
Bluebottles"
, "
The Tonic"
y "
Daydreams"
. También aparece en filmes de cuota (apresuradas producciones para cubrir la cuota de filmes ingleses establecida por el gobierno británico), como "
Comets"
, "
Wolves"
o "
Down River"
, y más notablemente, aparece brevemente como cliente impertinente de un night-club en la notable "
Piccadilly"
de Ewald Andrea Dupondt.

Mientras tanto, continúa su ascendente carrera escénica con el papel del siniestro y torturado Mr. Crispin en "
A Man With Red Hair"
y es el primer actor en interpretar a Hércules Poirot en "
Alibi"
, la primera adaptación teatral de una obra de Agatha Christie. Hace el papel de Mr. Pickwick en una escenificación de la obra de Charles Dickens e interpreta a un sensible astrónomo en "
Beauty"
. Seguidamente encarnará la trágica figura de Harry Heegan, un futbolista mutilado en la Gran Guerra, en el estreno mundial de la obra de Sean O'Casey "
The Silver Tassie"
, polémica por su tratamiento nada sentimental del conflicto y su innovador y estilizado segundo acto. Seguidamente interpreta a un cómico general de brigada en "
French Leave"
y su poderosa interpretación del gángster Toni Perelli, en "
On the Spot"
de Edgar Wallace, convierte la obra en un éxito fenomenal. Interpreta seguidamente en "
Payment Deferred"
a un contable de banco, y asesino circunstancial, que vive torturado por el remordimiento. En ésta obra, su esposa Elsa Lanchester interpretó el papel de su hija. Su éxito en este papel hace que el empresario Gilbert Miller le llame para repetir su rol en Broadway.


Su paso por los escenarios de Nueva York y Chicago llama la atención de los cazadores de talentos de Hollywood, y Laughton firma un contrato con la Paramount, que lo quiere para interpretar a un capitán de submarino enloquecido por los celos en "
Entre la espada y la pared"
, aunque antes hace una película para la Universal, "
The Old Dark House"
, como uno de los viajeros atrapados por el mal tiempo en una decrépita mansión. Interpreta notablemente un afeminado y decadente Nerón en "
The Sign of the Cross"
, un amoral doctor Moreau en "
Island of Lost Souls"
(la adaptación de la obra de H.G. Wells "
La isla del doctor Moreau"
), y un apocado oficinista favorecido por el azar, en el episodio dirigido por Ernst Lubitsch (el más corto, aunque, a decir de muchos, el mejor de la película) en "
If I Had A Million"
. Para la Metro-Goldwyn-Mayer recrea su papel escénico en "
Payment Deferred"
, producida por Irving Thalberg, quien se convertiría en un buen amigo del actor.

Laughton vuelve a Londres con la intención de volver a hacer teatro pero un joven cineasta húngaro, Alexander Korda lo convence para hacer una película, "
La vida privada de Enrique VIII"
(The Private Life of Henry VIII), que se convierte en la primera película británica en tener un gran éxito en los Estados Unidos, y que comienza la colaboración entre actor y productor. Laughton gana el Oscar al mejor actor por su interpretación del rey Enrique y Korda consigue con esta película ser el productor cinematográfico más importante de Inglaterra.

Mientras "
La vida privada de Enrique VIII"
se exhibe con gran éxito en las pantallas de todo el mundo, Laughton vuelve momentáneamente a Hollywood para interpretar en "
White Woman"
al tosco y despiadado amo de una plantación de caucho en Malasia.

Aunque sus servicios son muy demandados en Hollywood, vuelve a Inglaterra para actuar durante la temporada 1933 - 1934 en el Old Vic bajo la dirección del innovador director teatral escocés Tyrone Guthrie, con un sueldo notablemente inferior al que habría cobrado haciendo películas en América. Durante esta temporada aparece en obras de William Shakespeare, Oscar Wilde, Antón Chéjov y William Congreve. Interpreta al reverendo Chasuble en "
La importancia de llamarse Ernest"
y al rey Enrique en "
Enrique VIII"
. Sus interpretaciones de Macbeth y Prospero (en "
La tempestad"
) fueron discutidas por la crítica, pero su Angelo en "
Medida por medida"
se considera una de las mejores interpretaciones nunca hechas de este personaje;
y también fueron bien recibidas sus Lopakhin ("
El huerto de los cerezos"
) y Tattle ("
Love for Love"
).

La temporada del Old Vic supone una experiencia que mejora, todavía más, su voz y su rendimiento como actor. Vuelve a América para trabajar de nuevo con Irving Thalberg en "
The Barretts of Wimpole Street"
, interpretando el reprimido y represor padre de la poeta Elizabeth Barrett Browning. Para la Paramount interpreta a un estirado mayordomo inglés trasplantado en el salvaje Oeste en la comedia "
Nobleza obliga"
y al inflexible inspector Javert en "
Los miserables"
(basada en la novela de Victor Hugo "
Los miserables"
), para la 20th Century Fox. De nuevo producido por Thalberg, interpreta al tiránico capitán Bligh en "
Rebelión a bordo"
(Mutiny On the Bounty), según la novela de Nordhoff y Hall sobre el histórico motín del Bounty. Todas estas interpretaciones consiguen un extraordinario éxito de público y crítica.

Vuelva a Inglaterra donde su amigo Alexander Korda le propone una serie de ideas para películas que no se acaban de materializar. Durante este período aparece con la Comédie Française en París en "
Le Medecin Malgré Lui"
de Molière interpretando (en francés) a Sganarelle. Después de descartar una adaptación de "
Cyrano de Bergerac"
de Edmond Rostand, Korda se decide finalmente por una biografía del pintor Rembrandt, de quien Laughton, un gran amante de la pintura, ofrece un retrato sutil y sensible. Su mujer Elsa Lanchester hace en esta película un delicado retrato de Hendricke Stoffels, la amante del pintor. En este mismo año, el matrimonio vuelve al teatro para aparecer en una producción navideña de "
Peter Pan"
, con Elsa en el papel de Peter y Charles como el capitán Hook.

El siguiente proyecto de Korda parece destinado al éxito: una adaptación de la novela de Robert Graves "
Yo, Claudio"
, el rodaje de la cual se cancela cuando la coprotagonista Merle Oberon sufre un accidente de tránsito. Pero esa razón fue una excusa de Korda para clausurar un rodaje que, a su parecer, era demasiado tenso y problemático para llegar a buen puerto, y de paso cobrar la indemnización de la Prudential, la compañía que aseguraba el rodaje. El director, Joseph Sternberg, declararía en sus memorias que todo fue culpa de Laughton y su errático comportamiento, pero un documental hecho en 1966, por la BBC, que incluye varias escenas acabadas de la película, demuestra en ellas que Laughton, pese a su inseguridad, ofrecía una actuación soberbia del personaje. Asimismo, varios participantes en el rodaje declaran en el documental que la falta de empatía y apoyo de Sternberg respecto al actor (que afrontaba un trabajo delicado) era total y, por lo tanto, el director también tiene una buena parte de la responsabilidad en la no finalización del film.

"
Yo, Claudio"
supone el final de sus obligaciones profesionales con Korda, y Laughton se plantea establecerse por su cuenta. El actor tenía planes para crear una productora con su amigo Irving Thalberg, quien quería dejar la Metro-Goldwyn-Mayer y convertirse en productor independiente, pero la prematura muerte de Thalberg lo impide. Entonces aparece en Londres el productor Eric Pommer (exiliado de la Alemania Nazi) y junto con Laughton crean la Mayflower Pictures con la intención de hacer películas en Inglaterra que resulten atractivas también para los americanos, pero que no sean exclusivamente comerciales, sino que tengan calidad artística.

La compañía produce "
Vessel of Wrath"
a partir de una historia de Somerset Maugham, donde Laughton interpreta a un vago autoexiliado en los trópicos redimido por una reprimida misionera (Elsa Lanchester). En "
St. Martin's Lane"
, según un guión de Clemence Dane, Laughton es un artista de calle que descubre a una ladronzuela (Vivien Leigh) con talento para la danza. Y posteriormente interpreta la adaptación de la novela de Daphne Du Maurier "
Jamaica Inn"
sobre contrabandistas en Cornualles, el guión de la cual tuvo que ser modificado porque la censura no admitía que un capellán fuese líder de la banda, y este personaje (el que tenía que interpretar Laughton) fue transformado en un terrateniente. Esta última película descubrió a una jovencísima Maureen O'Hara.

Las películas de la Mayflower, a pesar de tener sus puntos de interés y buenas interpretaciones por parte de Laughton y los otros actores, no acaban de ser exitosas y no funcionan en taquilla. La productora de Laughton y Pommer está en quiebra: forzosamente, la RKO ofrece a ambos socios un contrato a cambio de subsanar las deudas de Mayflower. Además, ofrecen a Laughton un papel irresistible: Quasimodo en un espectacular remake del éxito del cine mudo "
The Hunchback of Notre Dame"
y que se llamará "
Esmeralda la zíngara"
(sobre la novela de Victor Hugo "
Nuestra Señora de París"
). Su interpretación del papel resulta memorable.
La guerra estalla durante el rodaje de "
''Esmeralda la zíngara"
, y definitivamente acaba con los planes de Laughton y Pommer de continuar produciendo películas por su cuenta, aunque los dos socios todavía harán una película juntos para la RKO "
They Knew What They Wanted"
. Laughton es "
prestado"
por la RKO a otras productoras, que sin productores con el genio de Thalberg, a menudo desaprovechaban el talento de Laughton en películas mediocres. Así mismo, y pesar de esto, Laughton ofrecerá interpretaciones notables y más todavía cuando se encuentra con un guión decente y buenos directores. Como en el caso de "
Esta tierra es mía"
un drama dirigido por Jean Renoir sobre la resistencia contra los nazis, donde Laughton ofrece un excelente retrato psicológico de un intelectual cobarde que se ve forzado a tomar parte ante la ocupación alemana. En "
The Suspect"
, un thriller de Robert Siodmak ambientado en el Londres victoriano, Laughton borda el papel de un resignado marido que se convierte en criminal de una manera inesperada.

Otros roles del período incluyen dos comedias musicales con Deanna Durbin, quien se convertirá en una buena amiga del actor: en "
It Started with Eve"
hace de millonario viejo y un poco trapacero, y en "
Because of Him"
interpreta, con un punto de autoparodia, un vanidoso actor-productor teatral. En uno de los episodios de "
Tales of Manhattan"
interpreta a un compositor que por fin tiene la oportunidad de estrenar una obra suya en una sala de conciertos, pero debe aparecer en público con un frac pedazado. En "
The Canterville Ghost"
interpreta al fantasma creado por Oscar Wilde. Y también hace un breve cameo en "
Forever and A Day"
una película con objetivos benéficos que hacen los británicos que trabajan en California, que no cobrarán sus salarios para atraer las simpatías de los americanos hacia Gran Bretaña. En "
Captain Kidd"
retrata sin piedad al pirata como un arribista social.

Aparte del cine, Laughton se dedica a leer en voz alta clásicos de la literatura tanto para los amigos como para soldados convalecientes en los hospitales. También trabaja en muchos programas dramáticos de radio. Su trabajo más notable en este medio es el que realiza para Norman Corwin. Laughton había colaborado por primera vez con Corwin en dos adaptaciones literarias en el programa de Corwin "
The Pursuit of Happiness"
: durante la década de los 40 ambos trabajarán juntos en diversas ocasiones, muy notablemente en "
American trilogy"
, tres programas sobre la obra de los poetas Walt Whitman y Carl Sandberg y el novelista Thomas Wolfe, con textos adaptados por Corwin, recitados por Laughton y musicados por Bernard Hermann.

Durante la guerra, conoce al dramaturgo Bertolt Brecht (exiliado de la Alemania nazi) y ambos consideran la posibilidad de trabajar juntos. Después de considerar, por ejemplo "
Schweick en la Segunda Guerra Mundial"
, deciden trabajar en una adaptación al inglés de "
Galileo"
que se estrenará en 1947 en Los Ángeles, y más tarde en Nueva York, con Laughton en el papel principal. Desgraciadamente, la paranoia anticomunista posterior a la Segunda Guerra Mundial provoca que Brecht vuelva a Alemania, de modo que "
Galileo"
es una colaboración única e irrepetible en el teatro norteamericano. Durante el periodo de "
Galileo"
, Laughton trabaja además en diversas películas, no siempre de calidad, con tal de poder permitirse tomar parte en un proyecto teatralmente ambicioso, pero arriesgado comercialmente.

Después de "
Galileo"
, a Laughton sólo le ofrecen pequeños papeles en películas de serie "
A"
o papeles más importantes en series decididamente "
B"
(y a menudo de productoras pequeñas o independientes). A pesar de eso, destacan interpretaciones como la de un dictatorial editor de prensa sin escrúpulos en "
The Big Clock"
, un chantajista torpe en "
The Bribe"
o un estricto y concupiscente juez en "
El proceso Paradine"
. También aparece como el inspector Maigret en "
El hombre de la Torre Eiffel"
(The Man on the Eiffel Tower) y como un sádico SS en la mala adaptación de la obra de Erich Maria Remarque "
Arch of Triumph"
.

En 1950, Charles Laughton y Elsa Lanchester se convierten en ciudadanos americanos. Esta decisión personal, perfectamente legítima, parece que no es bien recibida por algunos representantes de la alta sociedad británica: Laughton no recibirá nunca ningún honor del establishment británico.

Durante este tiempo, Laughton entra en contacto con un grupo de jóvenes actores interesados en escenificar clásicos del teatro, y este será el origen de su actividad como profesor de arte dramático. A su clase asisten actores como William Cottrell, Shelley Winters, William Phipps, Belita o Richard Lupino. Aunque los respectivos compromisos profesionales de maestro y alumnos dejan poco tiempo para actividades extras, encuentran tiempo para organizar representaciones teatrales, como la producción de "
The Cherry Orchard"
de Antón Chéjov, representada en 1950 en Los Ángeles con Éugenie Leontovich como Madame Ranewsky.

La carrera de Laughton vuelve a tomar impulso cuando un emprendedor agente, Paul Gregory, huele el potencial escénico de las veladas literarias que Laughton ha hecho hasta el momento de manera desinteresada para amigos o para convalecientes en los hospitales, y le propone hacer una gira de lecturas por América del Norte. El éxito de esta iniciativa es tal, que Gregory anima a Laughton para emprender proyectos más ambiciosos.

Así, Laughton dirige "
Don Juan In Hell"
, una "
lectura a cuatro voces"
: en realidad, una representación sobria en elementos escénicos pero hábilmente dramatizada del tercer acto de la obra de George Bernard Shaw "
Man and Superman"
, en la cual Don Juan se encuentra en los infiernos filosofando con el Diablo, Doña Anna y el Comendador. Este acto no se acostumbraba a representar en el teatro a causa de su extensión e independencia respecto de la trama principal de la obra. Laughton como actor y director, en compañía de Agnes Moorehead, Charles Boyer y Cedric Hardwicke convierten la representación en un gran éxito. De una manera similar, Laughton dirige a Raymond Massey, Tyrone Power y Judith Anderson en una dramatización del poema "
John Brown's Body"
, que tiene una muy buena acogida. También resulta un éxito su adaptación teatral de "
The Caine Mutiny Court Martial"
la novela de Hermann Wouk, que será adaptada más tarde al cine.

Durante este tiempo, el trabajo en el cine de Laughton pasa a un plano secundario, y a veces, como en "
The Strange Door"
actúa de modo deliberadamente histriónico.

Repite su rol como Enrique VIII en "
Young Bess"
y es el rey Herodes en una versión muy sui generis de la Historia Sagrada en "
Salome"
, con Rita Hayworth haciendo la danza de los siete velos. En algunos filmes, su actuación es breve pero notable: en "
The Blue veil"
ofrece un matizado retrato de un amable viudo que se quiere casar con la cuidadora del su hijo (Jane Wyman) y en "
O. Henry's Full House"
lo vemos como un mendigo que al llegar el frío se dedica a hacer todo tipo de fechorías para pasar el invierno en una calentita celda de la prisión (Marilyn Monroe aparece con Laughton en un breve pero eléctrico cameo).

Vuelve a Inglaterra donde se le propone trabajar en el film "
El déspota"
(Hobson's Choice), dirigido por David Lean. Laughton había interpretado en sus días como amateur, el personaje de Willie Mossop y, en esta ocasión, interpreta a Hobson, un zapatero viudo con afición al porrón que domina con mano de hierro sus tres hijas.

Charles Laughton decide ponerse, a los 55 años, detrás de la cámara. Él y Paul Gregory escogen la novela de Davis Grubb "
The Night of The Hunter"
. Laughton trabaja febrilmente en los preliminares con el novelista, los hermanos Sanders (directores de la segunda unidad) y el diseñador de escenarios Hillyard Brown, potenciando, como hará después en el rodaje, una atmósfera altamente participativa, creativa y democrática con actores y técnicos. Cuenta con otras colaboradores de altura, como el fotógrafo Stanley Cortez o el músico Walter Schumann. El equipo de actores tiene gente de estilos tan diversos como Robert Mitchum, Shelley Winters o Lilian Gish, y todos producen interpretaciones excelentes. La película tiene un lenguaje propio y bebe tanto de las fuentes de Griffith como de las del expresionismo alemán.

Desgraciadamente, el film no es comprendido por la crítica y falla en taquilla. Laughton no vuelve a dirigir ninguna película más y el fracaso de "
La noche del cazador"
supone el fin del tándem Laughton-Gregory. La adaptación de "
The Naked and the Death"
, en la cual Laughton ya había comenzado a trabajar con Norman Mailer, será finalmente producida por Paul Gregory en solitario y dirigida rutinariamente por Raoul Walsh.

Desde "
La noche del cazador"
hasta su muerte, Laughton sólo hizo cuatro películas, y esto suele dar la idea equivocada de que estuvo relativamente inactivo en este período. Nada más alejado de la realidad: Laughton continuó con sus giras de lecturas a lo largo de toda la geografía norteamericana;
trabajó en televisión tanto en programas dramáticos como presentador (fue él, sustituyendo a un enfermo Ed Sullivan, quien presentó a Elvis Presley por primera vez en la televisión);
colaboró en diversos proyectos, a menudo desinteresadamente, como por ejemplo, en representaciones shakesperianas dirigidas por el innovador Paul Baker en la Baylor University, entre otros. Además preparó dos antologías literarias a partir de textos que leía en sus giras (ver bibliografía), y grabó el doble disco "
The Storyteller"
, una recreación de sus veladas literarias que fue también una especie de testamento vital.

Todo esto, compaginado con sus actividades más conocidas en los escenarios y platós. El 1956 dirige una adaptación de la obra de Shaw "
Major Barbara"
, donde interpreta el papel de Undershaft, el fabricante de armas. En la obra participa su amigo Burgess Meredith. En 1957 trabaja con Billy Wilder en la adaptación de la obra de Agatha Christie "
Testigo de cargo"
, por la que es nominado al Óscar por su interpretación de un viejo abogado enfermo y gruñón dispuesto a defender a su cliente a conciencia. En la película, su mujer Elsa Lanchester, interpretó a su enfermera, cosa que le valió también una nominación. Seguidamente, interpreta al astuto y ligeramente corrupto senador plebeyo Gracchus en la película de Stanley Kubrick "
Espartaco"
.

Laughton se dedica durante este tiempo a preparar un papel que le obsesionó desde joven, el rey Lear, que finalmente interpretó en Stratford en 1959. Laughton, a quien ya le comenzaba a pesar la edad, ofrece una interpretación poco ortodoxa del personaje. Aunque la crítica inglesa le es declaradamente hostil (y por algunas razones claramente extrateatrales), testimonios de la interpretación declararon que, si bien esta sufría de irregularidades, ofrecía de todos modos momentos teatrales extraordinarios. En la misma temporada interpretó a Bottom en "
El sueño de una noche de verano"
.

Después de hacer el film "
Sotto Dieci bandiere"
, un trabajo rutinario en Italia pero económicamente necesario para compensar los meses de trabajo no remunerado en la preparación de "
El rey Lear"
, Laughton trabaja en el drama político de Otto Preminger "
Advise and Consent"
, haciendo el papel de un conservador, intrigante y pícaro senador del sur. Laughton debía hacer el rol de Moustache en el film de Billy Wilder "
Irma La Douce"
, pero se le diagnosticó cáncer de huesos. Wilder, que consideraba a Laughton el mejor actor con quien nunca había trabajado, retardó el rodaje para mantenerle la ilusión, y recordó conmovido cuando visitó a Laughton, poco antes de su muerte y este le "
actuó"
su buen estado de salud, diciéndole que estaba fuerte y era capaz de hacerse cargo del papel. Laughton murió poco después, con el bigote que se estaba dejando para interpretar a Moustache.

Años después de su muerte, la viuda de Laughton, Elsa Lanchester, reveló en sus memorias que él era homosexual, hecho que ella descubrió después de un año de matrimonio (más un año de vida en común anterior a la boda). Ambos optaron por continuar casados: hay que entender que en aquellos tiempos la actitud de la sociedad hacia los homosexuales era muy hostil, y consecuentemente, su inclinación no fue de dominio público en vida, aunque era un hecho conocido por amigos de confianza y algunos colegas.

Sería una simplificación decir que su matrimonio fue únicamente una tapadera: Laughton y Lanchester se entendían en muchos aspectos y tenían aficiones en común más allá de la vida conyugal. Su relación les daba protección ante el escrutinio público y libertad personal de puertas adentro. Su entendimiento desde el punto de vista profesional era excelente y se nota en el trabajo que hicieron juntos en filmes como "
La vida privada de Enrique VIII "
, "
Rembrandt"
, "
Bandera amarilla"
, "
Seis destinos"
o "
Testigo de cargo"
.

Elsa Lanchester adoptó respecto a su marido una actitud protectora, aunque en ocasiones también muy posesiva y hostil hacia los que ella consideraba "
intrusos"
entre los dos. Al juzgar su relación, hay que tener en cuenta que de su vida en común sólo tenemos la versión que ella dio, ya que Laughton nunca escribió una autobiografía (comenzó a trabajar en ella poco antes de su muerte, pero no pudo finalizarla).

A menudo, cuando un escritor o periodista tan sólo se documenta de una fuente, y su trabajo se convierte en referencia para posteriores autores, se generan conceptos y generalizaciones que no se corresponden con los hechos o bien resultan parciales. Gracias a autores que retoman las fuentes primarias, o que contrastan los hechos con diversos testimonios, hay algunas percepciones negativas sobre Laughton que afortunadamente se pueden refutar y/o ofrecer con una perspectiva más equilibrada.


Algunos historiadores cinematográficos, desde el punto de vista de la teoría crítica vigente, (según la cual el director es el autor indiscutible de un film) clasifican a Laughton como un actor caprichoso y difícil de trabajar con él. Básicamente, estas afirmaciones se basan en los testimonios de Joseph Sternberg y Alfred Hitchcock, que le dirigieron en "
Yo, Claudio"
y en "
Jamaica Inn"
, respectivamente. Hay que mencionar entonces que directores como, por ejemplo, Ernest Lubistch, Jean Renoir, James Whale, Leo McCarey, Robert Siodmak, Billy Wilder u Otto Preminger quedaron muy satisfechos de su trabajo con Laughton y que, en muchos casos su colaboración dio paso a una gran amistad.

Evidentemente, de esto se puede deducir que según el grado de congenialidad y del método de trabajo de cada director, Laughton podía ser un actor muy "
difícil"
o todo lo contrario.

Finalmente, hay que recordar que cuando Laughton pasó al otro lado de la cámara, en "
La noche del cazador"
, trató a los actores y a los miembros del equipo técnico con gran respeto por su trabajo y potenciando su creatividad: una actitud claramente democrática en claro contraste con los métodos más autocráticos de algunos directores cinematográficos

Desde sus memorias, Miss Lanchester dio la idea de que el rodaje de "
La noche del cazador"
fue problemático y que Laughton odiaba dirigir a los niños que salían en el film (hasta el punto de que, según ella, los niños fueron dirigidos por Robert Mitchum) y que odiaba a los niños en general.

La reciente publicación de "
Heaven and Hell to Play with"
y el documental de Robert Gitt desmontan esta afirmación con evidencia fílmica y la voz de diversos testimonios presenciales dan a entender que durante el rodaje se respiraba un ambiente cordial y creativo.

Laughton, a pesar de su homosexualidad, fue un padre frustrado, ya que, según explica la misma Elsa, al descubrir ella su doble vida, se negó a tener hijos con él. Muchos amigos de Laughton, entre ellos Maureen O'Hara o el fotógrafo Stanley Cortez, testimoniaron su deseo de ser padre. Posiblemente, diciendo que Laughton "
odiaba a los niños"
Miss Lanchester quería enmascarar su propia negativa a tener hijos. Hay que añadir que Elsa Lanchester nunca estuvo presente en el set de "
La noche del cazador"
.

Marion Davies




Marion Cecelia Douras nació en la ciudad de Brooklyn, New York el 3 de enero de 1897. Era la más joven de cinco hijos, su padre, Bernard J. Douras, un abogado que se movía dentro de los círculos políticos en New York y su madre Rose Reilly, oriunda de New Jersey.

Sus hermanos mayores eran Rose, Reine y Ethel. Su hermano Charles falleció ahogado en 1906. Su nombre fue dado posteriormente al sobrino favorito de Marion, el guionista Charles Lederer, el hijo de la hermana de Marion, Reine Davies.

La familia Douras vivía cerca de Prospect Park, en Brooklyn, pero las luces brillantes de Manhattan sedujeron a sus hermanas quienes cambiaron su apellido Douras por Davies. Incluso en un momento en que New York se había convertido en la meca de los inmigrantes, su apellido las ayudó grandemente en sus perspectivas.

El insecto del biz de la demostración la había mordido temprano, mientras que ella miraba a sus hermanas realizarse en producciones locales de la época, ella deseó hacer igual. Marion fue asignada como corista en New York City en los espectáculos famosos de Ziegfeld Follies. Pero ella deseó más que bailar. Así que apuntó su dirección al cine. Su primera actuación fue en la película Romany the Fugitive en 1917 cuando tenía 20 años, la película fue dirigida por su cuñado. No era exactamente una rotura violenta de la caja-oficina, sino que para Marion era un comienzo. La película era el escalón para la fama. El año siguiente Marion protagonizó tres películas: The burden of proof, Beatrice Fairfax y Cecilia of the pink roses.

Fue esta última película la que llamó la atención del magnate de la prensa, William Randolph Hearst, con quien Marion comenzaría una relación romántica que se mantuvo por 30 años. Debido al imperio periodístico de Hearst, promoverían a Marion como ninguna actriz antes de ella. Apareció en numerosas películas en los siguientes años como Murder of the cinema, en 1919. En 1922, Marion apareció como María Tudor en la epopeya romántica histórica, When knighthood was in flower, una película en la cual Hearst vertió millones de dólares para hacerla estrella de cine.

Incluso durante su carrera, su vida social del alto-perfil obscureció a menudo sus logros profesionales. Al final de los años 20, Hearst se preocupó, era obvio que las películas sonoras estaban a punto de substituir las mudas;
estaba nervioso porque Marion cuando se ponía nerviosa tartamudeaba y le preocupaba que ella no hiciera una transición acertada al nuevo medio. Ella era una profesional verdadera que no tenía ningún problema con el cambio. En 1930, dos de sus mejores películas sonoras fueron So dumb y The florodora girl.

Antes de 1934, las películas de Marion habían perdido su fama en las salas de cine y el declive comenzó. Si no hubiera estado en el foco de Hearst, su carrera no hubiese declinado. Él fue más un obstáculo que una ayuda. Hearst había intentado empujar ejecutivos de MGM para emplear a Marion para el papel de Elizabeth Barrett en The Barretts of the Wimpole Street. Louis B. Mayer tenía otras actrices para el papel.

Hacia finales de los años 30, Hearst sufría reveces financieros y fue Marion quien lo sacó a flote vendiendo $1 millón de su joyería. Sin ella la Hearst Corporation no hubiera podido estar donde está hoy. Los problemas financieros de Hearst también significaron el final de su carrera. Aunque ella había hecho la transición al sonido, otras estrellas se presentaban al mejor precio. Los papeles para ella fueron cada vez menos.

Antes de 1937, Marion tenía 40 y filmó su última producción para la pantalla de plata, Since then Eve. A partir de las películas y las intensas presiones de su relación con Hearst, Marion recurrió al alcohol. A pesar de esos problemas, Marion era una mujer de negocios muy aguda y lista a pesar del declive de su carrera.

Después de la muerte de Hearst en 1951, Marion se casó por primera vez a la edad de 54, con Horace Brown. La unión duraría hasta que ella murió de cáncer el 22 de septiembre de 1961 en Los Ángeles, California. Ella tenía 64 años.

Helen Ferguson



Helen Ferguson (23 de julio de 1900 {aunque podría también ser 1901} - 14 de marzo de 1977) fue una actriz estadounidense, dedicada posteriormente a la publicidad.

Nació en Decatur, Illinois. Se graduó en la Nicholas High School de Chicago y en la Academia de Bellas Artes. Antes de dedicarse al cine, Ferguson trabajó como reportera de prensa.

Probablemente debutó en el cine en 1914, aunque sus primeros créditos no aparecen hasta 1917. Pronto brilló en papeles para la Fox Film Corporation en 1920, que es el año en que su carrera realmente despegó. Fue escogida para hacer principalmente westerns, comedias, y seriales. En 1922 fue seleccionada como una de las WAMPAS Baby Stars.

Se casó con el actor William Russell en 1925, pero él falleció en 1929. Al año siguiente se casó con el rico banquero Richard L. Hargreaves. Tras su segundo matrimonio, dejó el cine para concentrarse en el trabajo teatral, aunque tuvo poco éxito en este medio.

En 1933 dejó la interpretación para dedicarse al mundo de la publicidad, un trabajo en el que tendría gran éxito y que le dio un gran poder en Hollywood, ya que representaba a grandes estrellas tales como Henry Fonda, Barbara Stanwyck, y Robert Taylor, entre otras. Así mismo, representó durante más de diecinueve años a la actriz Loretta Young.

En 1941 falleció su segundo marido, y se retiró de la publicidad en 1967.

Falleció en Clearwater, Florida, en 1977. Está enterrada en el cementerio Forest Lawn Glendale de Glendale, California.

Helen Ferguson tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por su contribución al cine, en el 6153 de Hollywood Boulevard.

Robert Wagner





Robert Wagner es un actor cinematográfico estadounidense nacido en Detroit el 10 de febrero de 1930. En los años cincuenta fue una estrella juvenil y en los setenta y ochenta una estrella televisiva, aunque lo que mayor fama le dio fueron sus dos matrimonios con la actriz Natalie Wood. A principios de carrera

Nacido en Detroit, Michigan, hijo de un ejecutivo de acero, Wagner se trasladó con su familia a Los Ángeles, California, cuando tenía siete años. Wagner se convirtió en un aspirante a actor y fue empleado con éxito en una variedad de puestos de trabajo, entre las que destacan como un caddy para el actor Clark Gable. Sin embargo, no fue hasta que fue comer con su familia en un restaurante de Beverly Hills que fue "
descubierto"
por un descubridor de talentos. Haciendo su debut en The Happy Years (1950), que desempeñaría varios personajes secundarios en películas de tema militar hasta su desempeño en "
Con una canción en mi corazón"
(1952) protagonizada por Susan Hayward, que daría lugar a un contrato con 20th Century Fox.

Su firma, el de Fox daría lugar a una serie de papeles como protagonista en películas incluyendo "
el subsuelo de la 12-Mile Reef"
(1953) y Prince Valiant (1954), así como menor, a pesar de impresionantes actuaciones, en un Beso Antes de Morir (1956) y Entre Cielo y el Infierno (1956).

Fue durante su temprana carrera que se convirtió en el protegido de veterano actor Clifton Webb, que aparecen con él en Stars and Stripes Forever (1952). Su actuación le valió una nominación para el Golden Globe Award, Los más prometedores Newcomer en películas de cine. Según Robert Hofler en El hombre que Inventado Rock Hudson: El Boys y Dirty Pretty Ofertas de Henry Willson, su biografía de talento de Hollywood agente de Henry Willson, Wagner fue el más destacado cliente de romper con Willson después de la homosexualidad de Willson y su cliente top, Rock Hudson, se convirtió en tema de chismes en Hollywood.


Nacido en Detroit, cuando tiene pocos años se traslada a vivir a Los Ángeles. En la ciudad californiana el joven Robert desempeña diversos trabajos hasta que a principio de los cincuenta comienza a trabajar como figurante y más tarde en pequeños papeles. En 1952 por su papel en la película Con una canción en mi corazón (de Charles Walters) llama la atención de los productores y la 20 Century Fox le firma un contrato y comienza su lanzamiento como estrella, tras trabajar en alguna película (como Titanic) protagoniza Duelo en el fondo del mar de Robert D. Webb.

Tras el éxito de esta primera película al año siguiente rueda Principe Valiente de Henry Hathaway, adaptación cinematográfica del cómic de Hal Foster, que compartía protagonismo con importantes intérpretes como James Mason, Sterling Hayden, Janet Leight, Debra Paget y Victor McLaglen.

En ese mismo año 1954 trabaja en Lanza rota de Edward Dmytrick compartiendo protagonismo con Spencer Tracy, Richard Widmark, Katy Jurado y Jean Peters en una adaptación al western de la película de Mankiewitz, Odio entre hermanos.

En 1955 protagoniza un western de nuevo con el director Robert D. Webb en la película titulada Plumas blancas y en la que volvía a tener como compañera de reparto a Debra Paget y donde tenía como rival a Jeffrey Hunter, actor que sería rival suyo en el corazón de las adolescentes en aquellos años tras la muerte del mítico James Dean.

En 1956 protagoniza Bésame antes de morir de Gerd Oswald, en la primera adaptación de la novela homónima de Ira Levin. Tras protagonizar el drama bélico Los diablos del Pacífico de Richard Fleisher, en 1957 protagoniza La verdadera historia de Jesse James de Nicholas Ray, en la que interpretaba al famoso pistolero mientras que su hermano Frank era interpretado por Jeffrey Hunter.

En 1957 protagoniza el romance del año en Hollywood y contrae matrimonio con la bella y joven Natalie Wood con la que estaría casado hasta 1962, y con la que volvería a casarse en 1972 hasta la muerte de ella en 1981. Tras su primer divorcio Robert Wagner se va a Europa a trabajar en una superproducción bélica, El día más largo, donde era una de las muchas estrellas que intervenía. Por aquella época se casaría con Marion Marshall, de quien se divorciaría en 1970 después de haber tenido una hija.

En los años sesenta la carrera de Wagner se estanca, aunque trabaja en algunas películas destacadas, como La Pantera Rosa de Blake Edwards, Harper, investigador privado de Jack Smight, no pasa de papeles secundarios a la sombra de estrellas que relucen más que la suya.

En los años setenta comienza a trabajar en capítulos de series destacadas como Las calles de San Francisco y como protagonista de Atrapa a un ladrón (llamado Ladrón sin destino en Latinoamérica) Alexander Mundy.

Su nuevo matrimonio con Natalie Wood le devuelve parte de la popularidad perdida y por ello es una de las estrellas que aparecen en la superproducción de catástrofe El coloso en llamas de John Guillermin y en la superproducción bélica La batalla de las Midway de Jack Smight. En 1974 trabaja también en la serie La fuga de Colditz. En 1975 y hasta 1978 protagoniza la serie Enchufado junto con Albert Finn y en 1979 hasta 1983 será Jonathan Hart en la serie Hart to Hart, que protagonizaba junto con Stephanie Powers, en la que encarnaban a un matrimonio de detectives multimillonarios.

Durante los años ochenta continúa trabajando en telefilmes e incluso en los noventa vuelve a retomar el papel de Jonathan Hart en telefilmes basados en nuevas aventuras del matrimonio detectivesco. En cuanto al cine aparece en la película sobre la vida de Bruce Lee, Dragón: la verdadera historia de Bruce Lee e interpreta el personaje de Número Dos en las distintas aventuras de Austin Powers.

Jeanne Carmen




Nacida un mes de agosto en Paragould (Arkansas), la actriz se fue de casa en plena adolescencia. Tenía 13 años. Su primera parada fue en Nueva York, donde buscó fortuna en Broadway. Para abrirse camino en el mundo del espectáculo explotó su belleza como modelo y bailarina, antes de dedicarse a hacer giras de exhibición junto al golfista Jack Reed. Era fina y certera con el hierro.

En una parada en Hollywood decidió probar con el cine. Era una chica más de la América profunda, sin experiencia, que quería ser estrella. Y como Marilyn, con la ayuda de su pelo rubio platino, su belleza y atractiva figura (91-66-91) se convertiría pronto en una de las protagonistas de las películas de bajo presupuesto.

Entre los filmes que protagonizó destacan los títulos Guns don't argue (1957), dirigida por Richard Kahn, o The Monster of Piedras Blancas (1959), de Irvin Berwick. La propia Carmen decía haber tenido un romance con Sinatra y otras celebridades del mundo del espectáculo, como Clark Gable o el propio Elvis Presley. Y siempre cuestionó las causas de la muerte por suicidio de su amiga Marilyn. En 1978 se estableció en Orange County. Brando James, su hijo, escribió la historia de esta pin-up girl. Carmen ya dijo en el pasado que le gustaría que Scarlett Johansson fuera la que interpretara su papel en la gran pantalla. La actriz deja dos hijas y tres nietos.

Jeanne Carmen se consideraba la mejor amiga de Marilyn Monroe. Y a pesar de no salir del cajón de las películas de bajo coste, llegó a codearse con otros grandes del mundo de Hollywood, como Frank Sinatra. La actriz, una de las pin-up girls -modelos de revista- de los años cincuenta, murió el pasado 20 de diciembre del 2007 en su casa de Orange County (California) por un linfoma. Tenía 77 años de edad.

Jayne Mansfield





Nombre Real: Vera Jayne Palmieri
Nacimiento: 19 de Abril de 1933 en Bryn Mawr (Pensilvania)
Fallecimiento: 29 de Junio de 1967 en Nueva Orleans

Su celebre silueta 102-53-90, que hicieron decir al propio Ernest Hemingway que era la unica mujer en el mundo que no se mojaba los pies al ducharse, le abrio las puertas a la fama. Primero al ser elegida "
Miss Photoflash"
y salir desnuda en un calendario y mas tarde al parodiar a Marilyn Monroe en una comedia en Broadway que le facilito su regreso al cine. Sin embago, Jayne Mansfield, era una actriz 'superdotada' en todos los sentidos, pues a su impresionante figura hay que añadirle un coeficiente de 163 -muy por encima de algunos genios- que utilizo para promocionar su carrera cinematografica, aprovenchandose del impacto que habian obtenido otras actrices, especialmente Marilyn Monroe y Mae West. Su carrera cinematografica comprende generalmente titulos mediocres, que utilizaron su exhuberante y descomunal silueta de forma entre insinuante y burlesca. En este sentido las peliculas de Tashlin "
The girl can't help it"
y "
Una mujer de cuidado"
, resultan ejemplares y establecen su mitologia hasta el pundo de atraer la atencion de cineastas como Raoul Walsh ("
La Rubia y el Sheriff"
) o Stanley Donen ("
Besalas por mi"
). Con lo sesenta su estrella cinematografica comienza a languidecer y Jayne Mansfield opta por alternar peliculas muy mediocres con intervenciones televisivas y shows teatrales. Un par de titulos ingleses se sirven de su mito con cierta inteligencia ("
El Reto"
y "
Too hot to handle"
) y una aventura fantastica propia del cine italiano de la epoca la emparejaba con su entonces marido Mickey Hargitay, "
Las Aventuras de Hercules"
. El resto es mediania o mas mediania todavia.

En 1967 Jayne Mansfield murio decapitada, al estrellarse el automovil en el que circulaba a ciento cuarenta kilometros por hora. Las relaciones sentimentales de Jayne Mansfield fueron utilizadas por esta, como un medio mas de alcanzar y/o mantener su status de estrella cinematografica. Se caso en tres ocaciones y tuvo un elevado numero de amantes. Su primer matrimonio fue el que contrajo con Paul Mansfield, un compañero de estudios que adopto a su hija Jayne Marie, nacida el 8 de noviembre de 1950, como fruto de una borrachera juvenil de la futura actriz con el empleado de una gasolinera. De Paul Mansfield de quien tomo su nombre artistico, se divorcio en 1958, para casarse con el musculoso Mister Universo de 1956, Mickey Hargitay, con el que tuvo a sus hijos: Miklos (1958), Zoltan (1960) y Maria (1963). En septiembre de 1964, el mismo año en el que se divocio de Hargitay, se caso con el director Matteo Ottaviano Thomas Vitale (Matt Cimber), con el que tiene a su hijo Antonio en 1965 divorciandose tambien la pareja ese mismo año. Entre los amantes de Jayne Mansfield hay que destacar a Elvis Presley, al cineasta Nicholas Ray y al mismisimo presidente de los Estados Unidos John F. Kennedy, en este orden de cosas, debemos señalar que su romance con Elvis se produjo cuando la actriz supo que este iba a ser el protagonista del filme "
The Girl can't help it"
. Para asegurarse su intervencion en esta pelicula, Jayne se presento en la casa del cantante con el objetivo de seducirle (aunque finalmente no intervendria en el largometraje en cuestion). Por su parte, el romance con Kennedy, permitio a Jayne elaborar uno de sus mas conocidos chascarrillos, al manifestar: "
EL SOLO SERA PRESIDENTE DURANTE OCHO AÑOS COMO MAXIMO. ¡YO SERE ESTRELLA DE CINE SIEMPRE!. El cantante brasileño Nelson Sardelli;
el productor italiano Enrico Boniba;
el director de orquesta Ivan Morice;
el piloto de aviacion Robby Robertson, que años mas tarde se casaria con Linda Darnell;
el astrologo David Sturgis y el abogado yanqui Sam Brody, que falleciera a su lado fueron tambien amantes destacables de Jayne Mansfield

Una foto muy ilustrativa de dos grandes estrellas de Hollywood:



Sofia Loren y Jayne Mansfield

Jane Russell




Jane Russell nació el 21 de junio de 1921 en Bemidji, Minnesota (Estados Unidos). Su nombre real era el de Ernestine Jane Geraldine Russell y era hija de una actriz y de un militar. La influencia de su madre hizo que Jane fuese a estudiar interpretación con la famosa Maria Ouspenskaya, instruyéndose también en canto y piano. Mientras trabajaba como modelo y secretaria de un médico, Jane fue descubierta gracias a la amplitud de su pecho por el magnate Howard Hughes, quien buscaba a una mujer despampanante para interpretar el polémico western "
Fuera de la ley (The Outlaw)"
(1943), film, conocido también como "
El forajido"
, que sirvió para que Jane alcanzara el estrellato cinematográfico con su película debut. Su etapa más prolífica sería la primera mitad de la década de los 50, período en el cual intervino en títulos que principalmente aprovechaban su espléndido físico. His Kind of Woman (Las fronteras del crimen, 1951), Macao (1952), Gentlemen Prefer Blondes (Los caballeros las prefieren rubias, 1953), Gentlemen Marry Brunettes (Los caballeros se casan con las morenas, 1955) y Hot Blood (Sangre caliente, 1956). Aunque continuó actuando durante los años 60, sus películas se hacían cada vez más escasas, apareciendo en títulos bastante olvidables. Tras "
Más oscuro que el ámbar"
(1970), un film de Robert Clouse, Jane se retiró definitivamente del mundo del cine dedicándose a la televisión, al teatro musical en Broadway y al mundo de la publicidad, apareciendo en promociones de sujetadores.

Russell contrajo matrimonio en tres ocasiones. La primera con el jugador de fútbol americano Bob Waterfield, quien intervino en la película "
Jungle Manhunt"
(1951), en un enlace que duraría desde 1943 hasta 1968. Su segundo marido sería Rober Barrett, quien moriría el mismo año de su boda (1968), y el tercero y último fue John Calvin Peoples, con el que se casó en 1974.

:-) muy buena tu labor, no sabia que jane mansfield habia tenido tantos hijos.

:-) interesante la vida de jeanne carmen y de max linder, no los conocia, me interesa todo lo relativo al cine mudo y a la epoca dorada de holywood, años treinta, cuarenta, cincuenta y sesenta del siglo xx.
te felicito.

Gracias Sebastopol.
Un beso enorme, seguiremos adelante.

William Desmond Taylor



William Desmond Taylor (26 de abril de 1872- 1 de febrero de 1922) era actor y director de películas de cine mudo, contaba con una gran popularidad en Hollywood durante los años 1910 y principios de 1920. Su asesinato el 1 de febrero de 1922, con otros escándalos de Hollywood como el jucio de Roscoe Arbuckle, conducida a un frenesí de sensationalista, e informes a menudo fabricados por la prensa.

En 1950 en la película El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard), Gloria Swanson en el papel Norma Desmond se hace referencia tanto al segundo nombre de Taylor como a uno de sus amigos de actriz, Mabel Normand.

A mediados de 1960 el asesinato de Taylor oficialmente se lo consideraba como no resuelto, una confesión en lecho de muerte 1964 por la actriz Ella Margaret Gibson, indicaban que ella "
pegó un tiro y lo mató"
al director, fueron publicados en 1999 y extensamente son considerados como creíbles.

Wallace Reid





Wallace Reid (15 de abril de 1891 – 18 de enero de 1923) fue un actor del cine mudo, al cual se describe en el Motion Picture Magazine como el más perfecto amante de la pantalla.


Su verdadero nombre era William Wallace Reid. Nació en St. Louis (Misuri) en el seno de una familia ligada al mundo del espectáculo, pues su madre, Bertha Westbrook, era actriz, y su padre, Hal Reid, trabajó con éxito en varios trabajos teatrales, viajando por todo el país. Ya de niño Wallace Reid actuaba en el teatro, aunque la actuación se postergó para darle educación en la Freehold Military School en Freehold, New Jersey. Atleta bien dotado, Reid participó en numerosos deportes, a la vez que se interesaba por la música, aprendiendo piano, banjo, percusión y violín. Reid fue atraído por la incipiente industria cinematográfica gracias a su padre. En 1910, con 19 años, Wallace Reid apareció en su primera película, The Phoenix, una adaptación de una obra de Milton Nobles filmada en los Selig Polyscope Studios en Chicago. Enganchado al cine, Reid usó el guión de una obra de su padre y tanteó a los Estudios Vitagraph a la espera de conseguir una oportunidad para dirigir. En vez de ello, los ejecutivos de Vitagraph se fijaron en su atractivo físico, por lo que además de dejarle dirigir, le eligieron para interpretar un papel importante. Aunque el físico de Reid le hacía un perfecto "
ídolo de matiné,"
también le satisfacía el trabajo tras las cámaras, por lo que a menudo ejerció como escritor, cameraman, y director.

Wallace Reid apareció en varias películas con su padre y, al florecer su carrera, pronto actuó y dirigió para el magnate Allan Dwan. En 1913, mientras trabajaba para Universal Studios, Reid conoció y se casó con la actriz Dorothy Davenport (1895-1977). Actuó en El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916), ambas dirigidas por David Wark Griffith, y trabajó junto a estrellas como Florence Turner, Gloria Swanson, Lillian Gish, Elsie Ferguson, y Geraldine Farrar, convirtiéndose en uno de los mayores rompecorazones de Hollywood.

Con experiencia en la creación de más de cien cortos, Reid firmó para el productor Jesse L. Lasky y brillaría en otras sesenta películas para la compañía de Lasky Famous Players, posteriormente llamada Paramount Pictures. El tono de esas películas puede asumirse por un comentario en el libro de Gilbreath y Carey Cheaper by the Dozen, sobre que un temerario "
iba a morir con una sonrisa en los labios, como Wallace Reid."
Frecuentemente emparejado a la actriz Ann Little, su papel como un gallardo piloto de carreras en cintas de acción, hizo que el público femenino acudiera a los cines para verle en títulos tales como The Roaring Road (1919), Double Speed (Relámpago) (1920), Excuse My Dust (El ciclón) (1920), y Too Much Speed (1921).

Sin embargo, mientras trabajaba en Oregón en la película The Valley of the Giants (1919), Reid resultó herido en un accidente de tren y, para poder seguir la filmación, recibió morfina para paliar el dolor. La droga le produjo adicción, pero Reid siguió trabajando a un ritmo frenético en películas que cada vez le exigían más esfuerzo físico, y con una duración de las mismas que pasó a ser cercana a la hora. Su dependencia a la morfina se producía en una época en la que no existía asistencia correcta a los enfermos. A finales de 1922, su salud se había deteriorado y, tras haber contraído la gripe, cayó en un coma del cual nunca se recuperó.

Fallecido a los treinta y un años de edad, Wallace Reid fue enterrado en el cementerio Forest Lawn Memorial Park en Glendale, California.

A diferencia de la conducta autodestructiva de otras estrellas de la época, tales como Barbara La Marr, Jack Pickford, y Jeanne Eagels, cuyas muertes tuvieron su origen en el abuso de las drogas y/o el alcohol, el caso de Wallace Reid se debió a la ignorancia médica. Fue un hombre feliz, equilibrado, cercano a sus padres y amante de su mujer y sus hijos. Más allá de la admiración de los espectadores, Wallace Reid fue respetado por sus compañeros de profesión, así como por los ejecutivos de los estudios que le emplearon. Muertes como la suya eran casi siempre disimuladas por los estudios cinematográficos. Sin embargo, su viuda Dorothy Davenport coprodujo y apareció en Human Wreckage (1923), haciendo una gira nacional con la película a fin de exponer al público los peligros de la adicción a las drogas.

La contribución de Wallace Reid a la industria cinematográfica fue reconocida otorgándole una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

Jack Pickford




Jack Pickford (18 de agosto de 1896 – 3 de enero de 1933), fue un actor estadounidense nacido en Canadá.

Su verdadero nombre era John Charles Smith. Nació en Toronto, Ontario (Canadá). Era el hermano menor de las actrices Mary Pickford y Lottie Pickford. Al igual que a ellas, su madre, Charlotte Hennessy, le hizo actuar en el escenario siendo niño. En 1910, con solo catorce años y con la ayuda de su hermana Mary, firmó un contrato con Biograph Studios para trabajar en el cine.

Cuando Biograph abrió sus estudios en Hollywood, California, la familia Pickford se trasladó al oeste. Jack consiguió un lucrativo contrato con First Nacional Pictures, y se ganó el respeto por su interpretación del papel de Pip en la adaptación de la obra de Charles Dickens' Grandes Esperanzas y por el papel principal en la película de 1917 Tom Sawyer, basada en la obra de Mark Twain.

A pesar de su imagen de un chico normal y agradable, la vida privada de Jack Pickford estaba unida al alcohol, las drogas y las mujeres, todo lo cual finalizó con el alcoholismo y con el contagio de la sífilis, la cual sería finalmente el motivo de su muerte. En aquella época, los estudios cinematográficos ocultaban la conducta de sus estrellas, pero en el ambiente de Hollywood las “hazañas” privadas de Jack Pickford le hicieron famoso.

Gastó dinero de manera frívola, y con frecuencia sufrió la humillación de tener que pedir ayuda a su familia. Según empeoraba su conducta, hacía menor número de películas, disminuyendo sus ingresos.

A principios de 1918, una vez los Estados Unidos entraron en la Primera Guerra Mundial, Jack Pickford se alistó en la Armada. Utilizando su famoso apellido, se vio involucrado en una trama que permitía a los jóvenes adinerados pagar sobornos para evitar el servicio militar, así como para procurar mujeres a los oficiales. Por todo ello, Jack Pickford estuvo a punto de ser licenciado con deshonra;
se ha especulado que su hermana (en esa época una actriz famosa y poderosa) influyó para que la licencia fuera por motivos médicos.

Su primer matrimonio, en 1916, con Olive Thomas (nacida Olive Duffy, ex esposa de Bernhard Krugh Thomas, 1894-1920), una actriz nacida en Pennsylvania, antigua corista y modelo y conocida adicta a la heroína, fue tormentosos desde el inicio, aunque ella fue el amor de su vida. Sin embargo, durante una filamción en París, Francia, salieron una noche a divertirse por los locales de Montparnasse. De vuelta a su habitación en el Hotel Ritz, sobre las tres de la madrugada, Olive falleció tras ingerir una gran dosis de cloruro de mercurio, el cual había sido prescrito a su marido para tratar su enfermedad venérea;
infectado en 1917, había transmitido la enfermedad a Thomas, así como el medicamento usado para tratarla. La investigación policial de esta muerte se centró en Pickford, pero no llegó a haber acusación formal. Casado dos veces más sin éxito, incluyendo el matrimonio con la célebre bailarina de Broadway Marilyn Miller desde 1922 a 1927, en 1932 Jack Pickford se encontraba nuevamente solo, con su salud empeorando a causa de la sífilis y las secuelas de su adicción a las drogas y el alcohol.

El último trabajo de Jack para el cine fue en Gang War (1928), una película independiente hecha para FBO Pictures.

Jack falleció en el Hospital Americano de París el 3 de enero de 1932, a los treinta y seis años de edad, de lo que se llamó una “neuritis progresiva múltiple que atacó todos sus centros nerviosos.” Desde la habitación en la que murió podía verse la ventana de la habitación en la que falleció trece años antes Olive Thomas. Su hermana, Mary Pickford, repatrió el cuerpo a Los Angeles, California, donde fue enterrado en el cementerio Forest Lawn Memorial Park en Glendale, California.

Jack Pickford tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 1523 de Vine Street

Fotos de la esposa de Jack Picford, Olive Thomas: