ACTORES Y ACTRICES DE TODOS LOS TIEMPOS

Lottie Pickford






Lottie Pickford, nacida como Charlotte Smith el 9 de junio de 1895 en Toronto, Ontario, Canada fallecida el 9, de diciembre de 1936 en Los Angeles, California, famosa actriz del cine mudo. Hermana de la actriz Mary Pickford y del actor/director Jack Pickford.
Casada con el actor Allan Forrest el 7 de enero de 1922 fue madre de una niña llamada Gwynne.

Falleció en 1936 debido a un infarto de miocardio y esta enterrada en Forest Lawn Memorial Park, en Glendale, California, USA.

hay gente de la cual jamas he oido nombrar , pero es gente interesante, como todo es cultura todo sirve, para ampliar el horizonte.

se fijaron en la mirada de la Loren ?
¡ que increible ¡ en ese tiempo no habia pechugas falsas...
se ve plana al lado de la mansfield

Hermanos Marx

Los cinco hermanos Marx, Chico, Groucho, Harpo, Zeppo y Gummo con sus padres.


Los Hermanos Marx fueron un grupo de cómicos estadounidense que originalmente estaba compuesto por cinco hermanos, Leonard (Chico), Adolph (Harpo), Julius (Groucho), Milton (Gummo), y Herbert (Zeppo).

El éxito masivo les llegó gracias a las obras I'll Say She Is (1923-1925), The Cocoanuts (1925-1928) y Animal Crackers (1928-1929). The Cocoanuts sería el primer título en ser llevado al cine para la Paramount bajo el nombre (en España) de Los cuatro cocos (1929). Groucho aceptó un óscar honorario para los Hermanos Marx en 1974, tres años antes de su muerte.

El talento musical de los hermanos se basaba en que pertenecían a una familia de tradición artística. Harpo estaba especialmente dotado, de modo que podía tocar prácticamente cualquier instrumento, aunque su especialidad era el arpa, de cuyo nombre, según una teoría, se derivaba el suyo;
en varias películas podemos ver a Harpo tocando el arpa. Chico fue un excelente e histriónico pianista, y Groucho tocaba la guitarra.

Sus inicios fueron en espectáculos de vodevil;
Groucho debutó en 1905, básicamente como cantante. En 1907 él y Gummo cantaron juntos, y con Mabel O’Donnell formaron Los Tres Ruiseñores. Al año siguiente, Harpo se convirtió en el cuarto Ruiseñor. En 1910 el grupo se amplió, y en él participaron la madre y la tía Hannah, cambiando su nombre por Las Seis Mascotas.

Durante una actuación en la Opera House de Nacogdoches (Texas), se produjo una interrupción a causa del sonido de fuertes golpes producidos en el exterior, en la carretera. La audiencia se precipitó afuera para ver lo que pasaba, y cuando regresó, Groucho comenzó a insultar al público, diciendo “Nacogdoches está lleno de cucarachas”, y otras lindezas contra ese pueblo y el estado de Texas. Pero lejos de enfadarse, el público estalló en carcajadas, por lo que la familia empezó a barajar la posibilidad de emplear las posibilidades cómicas del grupo.

Poco a poco las actuaciones evolucionaron, y junto con las canciones aparecían algunos números cómicos, generalmente pequeñas comedias musicales, como el número de la escuela en el que Groucho encarnaba a un profesor con marcado acento alemán, y los alumnos eran Harpo, Gummo, y desde 1912, Chico. La última versión del número de la escuela, llamada “De nuevo a casa”, fue escrita por Al Shean. En esta época Gummo se vio obligado a dejar el grupo para luchar en la Primera Guerra Mundial. Zeppo lo reemplazó en los últimos años de espectáculos de vodevil, y se incorporó a la nueva etapa en Broadway, y a las películas que vinieron a continuación.

Durante la Primera Guerra Mundial el sentimiento antigermánico creció en EEUU, por lo que la familia intentó ocultar su origen alemán. Harpo cambió su auténtico nombre de pila de Adolph a Arthur, y Groucho dejó de hacer papeles de personajes “alemanes”.

Por aquel entonces los hermanos, llamados ahora “Los Cuatro Hermanos Marx” empezaron a desarrollar su estilo único de comedia, y a desarrollar cada uno un personaje característico. Tanto Groucho como Harpo reconocen en sus memorias que los ahora famosísimos personajes que encarnaban fueron creados por Al Shean. Groucho se empezó a pintar un grueso bigote con betún, y adoptó un extravagante andar a zancadas, Harpo se puso una peluca roja, tocaba una bocina y simuló ser mudo, Chico empezó a hablar con un falso acento italiano (que copiaba de unos vecinos), y Zeppo adoptó los ademanes juveniles de un gentil galán.

Las personalides artísticas de Groucho, Chico y Harpo se dice que estuvieron basadas en la auténtica personalidad de cada uno (aunque desde luego Harpo podía hablar perfectamente). Zeppo, por otra parte, era el más gracioso de los hermanos fuera del escenario, a pesar de que sus papeles artísticos eran serios y poco lucidos. Era el más joven de todos, y creció bajo la supervisión de sus hermanos;
aprendió a imitarlos a la perfección, de modo que en caso de necesidad podía reemplazarlos. “Hizo tan bien de Capitan Spaulding en El Conflicto de los Marx, que le habría dejado seguir haciendo ese papel de modo indefinido, siempre que me hubieran permitido fumar en escena”, dijo Groucho.

En la década de 1920 los Hermanos Marx se convirtieron en un grupo favorito del teatro norteamericano. Con su duro y extraño sentido del humor hicieron agudas sátiras de la alta sociedad y la hipocresía humana. También se hizo famosa su capacidad de libre improvisación en escena. Pongamos un célebre ejemplo: En una ocasión Harpo pidió a una chica del coro que cruzase la escena mientras él mismo la perseguía, para ver si Groucho, que estaba en ella, quedaba desconcertado. Sin embargo, y para deleite del público, este simplemente dijo con serenidad mirando el reloj: “caramba, es la primera vez que veo a un taxi persiguiendo a un pasajero”, y cuando Harpo cambió de dirección durante la persecución de la chica añadió: “puedes poner tu reloj en hora en las 9:20”.

Bajo la dirección de Chico y la dirección creativa de Groucho, el vodevil de los hermanos alcanzó un éxito tal que los convirtió en las estrellas del teatro musical de Broadway, primero con la revista musical I'll Say She Is (1924 - 1925), seguida de dos comedias musicales, Los Cuatro Cocos (1925 - 1926) y Los Conflictos de los Marx (1928 - 1929). El libretista George S. Kaufman trabajó en los dos últimos espectáculos citados, y ayudó a mejorar la definición de los personajes de los Hermanos Marx.



La leyenda subyacente de los nombres de los Hermanos Marx explica que un "
monologuista"
llamado Art Fisher creó los nombres de los hermanos en el transcurso de una partida de poker, pero ningún historiador o biógrafo ha descubierto nunca la más mínima pista del tal Art Fisher. Otra teoría, apuntada por Groucho, era que los nombres se cogieron de una famosa tira cómica llamada Sherlocko el monje. Desgraciadamente esta tira solo apareció de 1911 a 1913, y los nombres no aparecieron hasta 1919. Más allá de las evidencias (Harpo:arpa) hay que atribuir los nombres a la costumbre de la época de acabar los nombres en -o para hacerlos cómicos. Y la paternidad ha de ser atribuida casi con segiridad a Alexander Woollcott. Las razones por las que Chico, Harpo y Gummo se llamaron así son claras, pero para Groucho y Zeppo no está tan claro. Arthur se llamó Harpo porque tocaba el arpa, y Leonard fue Chico porque iba detrás de las chicas (“chiks” en inglés coloquial significa “chicas”). En su autobiografía ¡Harpo habla! (1985), Harpo explicó que Milton se llamó Gummo en alusión a la goma, ya que había interpretado en el teatro a varios detectives, con su típico calzado de goma. Pero, según otras fuentes, Gummo era el hipocondríaco de la familia, y en su infancia estaba enfermo a menudo, por lo que llevaba siempre unas botas de goma para estar protegido de la humedad. En todo caso, y sea cual sea la historia verdadera, se trata siempre de una alusión a la goma del calzado.

La razón por la que Julius se llamó Groucho suele ser la más discutida. Hay tres explicaciones posibles:

1ª El carácter de Julius. Según Maxine, hija de Chico y por tanto sobrina de Groucho, dice en el documental “Los desconocidos Hermanos Marx” que Julius se llamó Groucho por la sencilla razón de que estaba gruñendo todo el rato (“grouchy” es “gruñón” en inglés). Robert B. Weide, un director conocido por su “Historia de los Hermanos Marx”, un documental incluido como material extra en el DVD de Una Noche en La Ópera, opina que esta es la explicación más plausible.

2ª La “bolsa salvavidas” (“grouch bag” en inglés). Esta explicación aparece en la biografía de Harpo, y fue también mencionada por Chico en un programa de televisión. Una bolsa salvavidas es un pequeño bolsillo que se cuelga del cuello y generalmente se usa para guardar dinero a fin de que quede seguro durante los viajes y no lo puedan robar. Muchos amigos de Groucho afirmaban que este era extremadamente tacaño, especialmente después de perder su dinero en el crack bursátil de 1929, por lo que la comparación con la “bolsa salvavidas” era muy apropiada. A este respecto, en el capítulo sexto de su autobiografía, “Groucho y yo”, este afirma: “Guardo mi dinero en un “grouch bag” (bolsa salvavidas”). Esta es una encantadora bolsita que los actores nos ponemos al cuello para evitar que otros actores puedan sisarnos la pasta. Naturalmente, ustedes creerán que este nombre y mi nombre artístico tienen el mismo origen. Pero no es así. Muchos pechos lucieron una “grouch bag” mucho antes de que hubiera ningún Groucho.

3ª La explicación de Groucho. Comprensiblemente descontento con ser descrito como perpetuamente gruñón o excesivamente tacaño, Groucho siempre insistió en que su nombre coincidía con un personaje de la historieta “Sherlocko el Monje”, que tenía la manía de presentar personajes cuyo nombres siempre terminaba en o. Y, de hecho, había un personaje de esta historieta que se llamaba Groucho. Pero él era el único hermano Marx que defendía esta teoría, y teniendo en cuenta que su opinión no era imparcial, pocos biógrafos la tienen en cuenta.

El nombre artístico de Herbert: como en el caso de Groucho, hay tres explicaciones acerca de por qué Herbert se llamaba Zeppo:

1ª Explicación de Harpo. Según dice Harpo en “¡Harpo habla!”, los hermanos mayores decidieron que Herbert se llamara Zippo, por un chimpancé que participaba en algunos números de vodevil. Cuando Herbert se unió al grupo estuvo en total desacuerdo con este nombre y se plantó, así que sus hermanos accedieron a cambiarlo por Zeppo.

2ª Explicación de Chico: Chico nunca escribió su autobiografía, y concedió menos entrevistas que sus hermanos, pero su hija, Maxine, en Los Desconocidos Hermanos Marx cuenta que cuando los Hermanos Marx vivían en Chicago había un estilo de humor popular llamado “Zeke y Zeb”, en el que se parodiaba el acento del medio oeste. Un día, al llegar Chico a casa, estaba Herbert sentado en la valla de afuera y Herbert lo saludó diciendo “Hola, Zeke”, a lo que Chico contestó “Hola Zeb”, y en adelante los hermanos llamaron Zeb a Herbert. Cuando se unió al espectáculo barajaron el nombre de “Zebbo”, pero finalmente prefirieron “Zeppo”.

3ª Explicación de Groucho: En una entrevista grabada en cinta y más tarde extractada en Los Desconocidos Hermanos Marx, Groucho dijo que lo llamaron así porque nació cuando los primeros zeppelines cruzaron el atlántico. El primer zeppelín voló en julio de 1900, mientras que Herbert nació siete meses después, en Febrero de 1901;
el primer zeppelín que cruzó el Atlántico no lo hizo hasta 1924, cuando Herbert era ya un hombre joven.



El grupo de los Los Hermanos Marx se hizo célebre cuando Hollywood pasó de hacer películas mudas a sonoras. Los hermanos firmaron un contrato con la Paramount, y dieron un giro a sus carreras profesionales con su participación en varias películas. Las dos primeras películas que hicieron fueron sendas adaptaciones de sus revistas en Broadway: Los Cuatro Cocos (1929) y Animal Crackers (1930), con adaptaciones de George S. Kaufman y Morrie Ryskind;
en realidad antes habían filmado una película muda, Humor Risk, pero no llegó a estrenarse nunca. Su tercer largometraje, Monkey Bussiness (1931) fue el primero que no se basó en un espectáculo anterior. Siguió Plumas de Caballo (1932), en el que los hermanos hacían una sátira tanto del sistema estudiantil universitario norteamericano como de la “ley seca”, y se convirtió en su película más popular, llegando incluso a ocupar la portada de la revista Time. Incluía un “gag” que sería recurrente en otras películas, en el que Harpo demuestra que de su gabardina puede extraer cualquier clase de objeto;
de hecho, en esta película se saca un mazo de madera, un pez, una cuerda, un lazo, un cartel de una mujer en ropa interior, una taza de café caliente, una espada, y una vela encendida por los dos extremos. La última película que hicieron para la Paramount, Sopa de Ganso (1933), dirigida por el director más prestigioso de cuantos trabajaron con los Marx, Leo McCarey, está considerada actualmente como una de las mejores: es el único de sus largometrajes incluido entre los 100 películas más importantes por el Instituto Americano del Cine. El público consideró que la película era irregular, pero actualmente no se piensa de este modo. En todo caso, y aunque no funcionó tan bien como Plumas de Caballo, hizo la sexta mejor taquilla de 1933. Los Hermanos Marx dejaron la Paramount sobre todo por diferencias creativas y financieras. Posteriormente Zeppo dejó de actuar y se convirtió en agente de sus hermanos, cargo que desempeñó hasta el final de sus carreras. Los tres Hermanos Marx que ahora formaban el conjunto pasaron a la Metro-Goldwyn-Mayer, y , siguiendo la sugerencia de Irvin Thalberg, decidieron dar un giro a su fórmula humorística. Así, para sus siguientes películas intercalaron entre las escenas de humor otras de tipo romántico, y números musicales no cómicos. Además, el blanco de sus iras fueron en adelante villanos declarados, por lo que se considera que solo las películas de la Paramount muestran su genio en estado puro. Las tres películas filmadas con Thalberg fueron Una Noche en la Ópera (1935), una sátira del mundo de la ópera, en la que los hermanos ayudan a dos cantantes enamorados mientras provocan el caos en la representación de Il Trovatore. La película alcanzó un enorme éxito, y durante décadas (hasta que público y crítica echaron un segundo vistazo a las películas de la Paramount), fue considerada su mejor obra. Dos años más tarde rodaron Un Día en las Carreras (1937), donde los Marx ponían patas arriba una carrera de caballos. Pero en 1936 murió Thalberg repentinamente, por lo que se quedaron de pronto sin su mejor contacto en la MGM

Tras una corta experiencia con la RKO (El hotel de los líos, 1938), los Hermanos Marx hicieron tres películas más antes de abandonar la MGM, Una Tarde en el Circo (1939), Los Hermanos Marx en el Oeste (1940) y Tienda de locos (1941). Antes del rodaje de Tienda de Locos el grupo anunció que se retiraban del cine, pero la situación económica de Chico era tan desastrosa, y sus deudas de juego tan elevadas que los Hermanos Marx hicieron posteriormente dos películas más: Una noche en Casablanca (1946) y Amor en Conserva (1949), ambas producidas por United Artists. Además también participaron en La historia de la humanidad (1957), aunque aparecían en escenas separadas. Más tarde hicieron un programa especial de televisión, El increíble robo de la joya (1959). Chico y Harpo actuaron ocasionalmente en casinos y locales nocturnos, a veces juntos. Groucho comenzó una carrera como animador de radio y televisión. Desde 1947 y hasta casi 1960 presentó el concurso de humor You Bet Your Life en televisión. También publicó algunos libros, incluyendo su autobiografía Groucho y yo (1959), y Memorias de un Amante Sarnoso (1964).

En 1957 se produjo la única aparición televisiva de los cinco Hermanos Marx, en el programa Tonight! America After Dark. En 1970 se emitió un programa de dibujos animados donde se ofrecían números de cómicos famosos, y los Hermanos Marx prestaron sus voces para sus personajes, a excepción de Chico, que había fallecido en 1961, y de Harpo, que había muerto en 1964. Su número era una recreación de una graciosa parodia sobre Napoleón que en su día había formado parte del espectáculo de Broadway I’ll Say She Is, probablemente recreada por el mismo Groucho.

Zeppo Marx




Herbert Marx (25 de febrero de 1901 - 29 de noviembre de 1979), más conocido como Zeppo, fue uno de los Hermanos Marx.

Zeppo fue el último de los Marx en escoger su apodo y las razones por las que eligió éste son todavía poco claras. Groucho Marx dijo en una ocasión que su hermano había escogido este apodo en referencia al zepelín, artilugio volador probado por primera vez hacia la fecha de su nacimiento. No obstante, la idea más aceptada es que su nuevo nombre era una referncia al de otro actor de vaudeville de la época, conocido como Mr. Zippo, al que Herbert se parecía físicamente. Es posible, claro está, que ambas teorías sean ciertas. Menos seguida es la historia que sugiere que durante la época en que los Hermanos Marx se hacían pasar por granjeros para evitar servir en la I Guerra Mundial, éstos se llamaban entre sí con nombres de palurdo como Zeke o Zeb, y que en este caso, Zeb acabó transformándose en Zeppo. En cualquier caso, la terminación del nombre artístico en "
o"
se hizo siguiendo el ejemplo de sus hermanos Groucho, Harpo, Chico y Gummo.

Zeppo aparece como un personaje recto, romántico y poco cómico en las primeras cinco películas de los hermanos Marx, antes de abandonar el cuarteto (Gummo ya había dejado la actuación antes de la entrada de los Marx en el cine). De acuerdo con un artículo periodístico publicado en 1925, Zeppo tuvo un papel en la comedia A Kiss in the Dark de Adolphe Menjou, pero no se conoce qué clase de personaje tuvo en ella ni la importancia de éste, ya que todas las copias del film se han perdido. A pesar de que Zeppo contaba con habilidades cómicas suficientes incluso para sustituir a su hermano Groucho en algunas representaciones y era conocido por sus chistes entre bastidores, nunca creó un gran personaje cómico que pudiese rivalizar con los de Groucho, Harpo y Chico.

Fuera de la actuación, Zeppo poseía un gran talento para el mundo de la mecánica, por lo que se ocupaba de que el coche de la familia Marx siguiera en funcionamiento. En 1941 fundó la empresa Marman Products, dedicada al diseño y ensamblaje de diversas piezas y material armamentístico requeridos por el ejército estadounidense durante la II Guerra Mundial. Las propias argollas con las que se amarró al Enola Gay a Little Boy, la bomba atómica lanzada sobre Hiroshima, fueron un diseño suyo y se construyeron en sus fábricas. Así mismo, fundó una compañía teatral junto con su hermano Gummo e inventó un tipo especial de reloj de pulsera capaz de medir el pulso a personas afectadas de problemas cardíacos y lanzar una señal de alarma cuando éste no registrase sus valores normales.

Zeppo se había casado el 12 de abril de 1927 con Marion Brenda, con quien no tuvo hijos. La pareja adoptó un niño, Timothy, en 1944 y se divorció finalmente en 1954. Cinco años después contrajo matrimonio nuevamente con Barbara Blakeley y adoptó al hijo de ésta, Bobby Oliver, al que dio su apellido. Zeppo y Barbara se divorciaron a su vez en 1972 o quizá en 1973. Él no volvió a casarse, mientras que ella se uniría posteriormente al cantante Frank Sinatra.

Víctima de un cáncer de pulmón, murió en 1979 siendo el último de los Hermanos Marx en hacerlo

Gummo Marx




Milton Marx (23 de octubre, 1892 - 21 de abril, 1977), más conocido como Gummo, fue uno de los Hermanos Marx. Nacido en Nueva York, trabajó junto a sus hermanos durante un breve periodo de tiempo en el vaudeville, pero finalmente dejó el mundo de la actuación al no ser una actividad de su agrado. Esta decisión fue tomada antes de que los Hermanos Marx comenzasen a ser conocidos por sus películas.

Gummo fue el único de los Hermanos que sirvió como soldado en la I Guerra Mundial. Tras licenciarse, entró en el mundo de la moda y más tarde fundó junto a su hermano Zeppo Marx una agencia teatral. Después de venderla, Gummo se convirtió en el representante de Groucho Marx y ayudó al resto de sus hermanos en la realización de su programa de televisión The Life of Riley.

Murió el 21 de abril de 1977 en Palm Springs, California.

El gordo y el flaco



El gordo y el flaco fue el nombre que se le puso en español al famoso dúo cómico Laurel &
Hardy, formado por el actor inglés Stan Laurel (el flaco) y el actor estadounidense Oliver Hardy (el gordo). Su carrera como pareja se inició en el cine mudo, en la tercera década del Siglo XX, y se alargó hasta la segunda mitad de ese mismo siglo. Considerados como una de las mejores parejas cómicas del cine, consiguieron aunar sus diversos estilos de comedia en una sincronía casi perfecta.


El primer encuentro de los dos cómicos, como dos actores que participaban en la misma producción pero sin formar pareja, fue en la película muda The Lucky Dog, producida en 1918 por Sun-Lite Pictures y estrenada en 1921. Años más tarde volverían a aparecer, sin compartir ninguna escena, en la producción de Hal Roach 45 Minutes from Hollywood (1926). Su primera película oficial como dúo cómico establecido fue The Second Hundred Years en junio de 1927, dirigida por Fred Guiol y supervisada por Leo McCarey, al que se considera con toda probabilidad como padre de la idea del dúo.

A partir de 1927 desarrollaron su carrera bajo los auspicios del productor Hal Roach;
participaron en cortometrajes mudos, sonoros y largometrajes. La aparición del sonoro conllevó la desaparición de muchos actores de la época silente, Laurel y Hardy, sin embargo, tuvieron una relativamente fácil transición al cine sonoro, con el corto Unaccustomed As We Are, en 1929. El acento inglés de Laurel y el acento sureño de Hardy le dieron una nueva dimensión a sus personajes. La pareja demostró su capacidad para el humor verbal y visual, usando los diálogos para enfatizar, más que para desplazar, su tipo de humor visual.

Los cortos de Laurel y Hardy, producidos por Hal Roach y estrenados por Metro Goldwyn Mayer, fueron producciones de mucho éxito en la industria del cine de aquellos años. La mayoría de los cortos eran de dos rollos (veinte minutos) pero hubo muchos de tres rollos e incluso uno, Beau Hunks, llegó hasta los cuatro rollos. En 1929 aparecieron por primera vez en un largometraje, en una de las escenas de Hollywood Revue of 1929. En 1930 aparecerían por primera vez en color en La canción de la estepa, donde hacían el papel de contrapunto cómico a una historia dramática. La película se considera como perdida, pues solo sobreviven algunos fragmentos y su banda sonora completa. En 1931 Laurel y Hardy hicieron su primer largometraje como protagonistas, Pardon Us. Dado el éxito de la película, la pareja decidió reducir el número de cortometrajes para concentrarse más en la realización de largometrajes. En esta época realizarían, entre otras, Pack Up Your Troubles en 1932, Fra Diavolo (o The Devil's Brother), Sons of the Desert (Compañeros de Juerga en español) en 1933, Babes in Toyland en 1934. Con el corto clásico The Music Box de 1932 ganaron el premio Óscar de la academia al mejor cortometraje de comedia.

A raíz del sistema de presentar películas en programas dobles, Hal Roach decidió cancelar los cortometrajes de la pareja y dedicarse a hacer solo largometrajes. El último cortometraje de la serie de Laurel y Hardy fue en 1935, Thicker than Water. Las siguientes películas ya entrarían en la categoría de largometrajes;
las más destacadas serían obras como Bonnie Scotland en 1935, The Bohemian Girly Our Relations, ambas de 1936, Way Out West (Laurel y Hardy en el Oeste) de 1937 (con la famosa canción On the Trail of the Lonesome Pine), o Swiss Miss y Block-Heads, rodadas en 1938.



El humor de Laurel y Hardy era por naturaleza Slapstick, un tipo de humor donde se exagera la violencia física, muy común en los dibujos animados. Una típica secuencia de ejemplo: la pareja está trabajando en la construcción de una casa, Hardy aguanta unos clavos en su boca, Laurel le da una palmada amistosa en la espalda y Hardy se traga los clavos. La mayor parte de sus películas siguieron un proceso que ellos llamaron ordeñar. Una idea simple es usada para enlazar varios situaciones o momentos cómicos (llamados gags en inglés). Muchas de sus películas generan todas sus secuencias alrededor de los problemas concretos de la pareja en una situación determinada. A partir de esa situación se construye toda la película.

En algunos casos sus películas bordan el surrealismo por sus componentes casi mágicos. Por ejemplo: Laurel chasquea el pulgar como si encendiera un mechero y de sus dedos sale una llama con la que enciende una pipa. Hardy, herido en su orgullo, intenta hacerlo también, y después de varias tentativas fallidas consigue encender sus dedos pero, a diferencia de Laurel, Hardy empieza a quemarse la mano y la intenta apagar entre gritos de dolor.

Una famosa rutina cómica era la conocida como tit-for-tat (esto por aquello) en sus peleas con un oponente. Al principio Laurel y Hardy empiezan destrozar algún objeto muy querido por su enemigo mientras éste observa sin intención de defenderse. Cuando la pareja acaba su destrozo su enemigo, con calma, empieza a destrozar otro objeto querido por el dúo mientras ellos observan. Y así sucesivamente, primero unos y después el otro, se va intensificando el destrozo, hasta que al final todas las propiedades de los contendientes acaban en ruinas. Uno de los primeros ejemplos de este tipo de películas ya se ve en el clásico mudo de Laurel y Hardy Big Bussiness, cortometraje que fue incluido en la Biblioteca del Congreso en 1992.

Los personajes de Laurel y Hardy representan a dos tipos a menudo muy tontos, eternamente optimistas, casi valientes en su perpetua inocencia. Su humor es físico, pero su tendencia a sufrir todo tipo de accidentes queda compensada por su gran amistad, sus tiernas personalidades y su devoción el uno por el otro. Son dos niños adultos;
un gordo y un flaco, cuya inocente forma de ver la vida les sitúa siempre a merced de "
furiosos propietarios, pomposos ciudadanos, policías airados, mujeres dominantes y jefes apopléticos"
.

Laurel y Hardy usaron su propio físico para ayudar a crear sus personajes, potenciando sus poses, algo ridículas, pero siendo muy cuidadosos de no volverlas irreales. Stan siempre aparecía con el pelo corto por los lados, pero algo más largo encima de la cabeza, para conseguir su famoso efecto de pelo de asustado como consecuencia de rascarse la cabeza o tirarse de los pelos en momentos de miedo o tensión. Para conseguir sus andares de persona con pies planos, le quitó a sus zapatos,normalmente del ejército, los talones. Cuando hablaba con Oliver siempre le miraba a la frente, y no a los ojos, para crear la impresión de que sus pensamientos estaban muy lejos de allí en aquel momento.

La imagen de Laurel y Hardy era la de dos tipos con sombrero bombín. La cuasi británica formalidad de esta prenda de vestir está en plena consonancia con su habitual cortesía y cautela al hablar. Por encima de todo son dos auténticos caballeros: el Sr Laurel y el Sr Hardy.

En la vida real Laurel y Hardy eran bastante diferentes a lo que se ve en la pantalla. Laurel era ambicioso y dinámico, el líder natural de la pareja, mientras que Oliver era algo más tolerante que su personaje. A pesar de que Roach contrató a escritores y directores como H.M. Walker, Leo McCarey, Frank Capra, James Parrotto James W. Horne, entre otros, la mayoría de los guiones eran retocados, total o parcialmente, por el propio Laurel. Reescribía secuencias enteras, escogía actores, y supervisaba meticulosamente todas las fases de la película hasta el punto de que prácticamente asumía todos los roles de una producción. Hardy, en cierta medida, también contribuía, pero se sentía más cómodo siguiendo el liderazgo natural de su compañero y así disponer de tiempo libre para sus grandes aficiones, como, por ejemplo, jugar al golf.

Por iniciativa de Roach empezaron a doblar sus películas a otros idiomas;
con sus propias voces y con la ayuda de profesores de dicción. Era un proceso largo y costoso ya que había que repetir todas las escenas en las que ellos participaban en los diferentes idiomas y el resto de escenas se completaban con actores foráneos de los diversos países. Pero reportó grandes beneficios en esos países. Se adaptaron al alemán, francés, italiano y español. Como curiosidad, Hardy tenía mucha más facilidad para hablar lenguas foráneas que Laurel, con su cerrado acento inglés.



Hacia 1936 la relación entre Laurel y Hardy era algo tensa, y estaban muy distanciados de Hal Roach. Las disputas entre Laurel y Roach fueron muy habituales a finales de los años 30. Hal Roach abandonó la MGM (que distribuía sus películas) y firmó por la United Artists en 1938. En 1939 Roach, cansado de las constantes quejas, decidió despedir a Laurel. Entonces intentó formar una nueva pareja cómica con Hardy y Harry Langdon, antigua estrella del cine mudo cuya carrera había casi desaparecido en el sonoro, llegando a rodar una película, Zenobia. Roach tuvo que admitir que no era lo mismo y readmitió de nuevo a Laurel después de varios episodios de demandas y contra-demandas. Juntos harían dos películas más para Roach antes de abandonar el estudio en 1940.

Esperando mayor libertad artística, Laurel y Hardy se fueron a los grandes estudios, la Fox primero y MGM después. Sin embargo en los métodos de producción, menos artesanos y mucho más sofisticados, de estas grandes compañías la pareja era considerada como un producto antiguo y fueron relegados a los estudios de películas de serie B. Sin poder ejercer casi ningún poder creativo sobre estas películas, siendo producciones menos elaboradas y con guiones menos proclives a explotar el sentido del humor propio que les había hecho famosos, las ocho películas que rodaron hasta 1944 no fueron recordadas con mucho cariño por los artistas. Tuvieron malas críticas en general, aunque una de ellas, Jitterbugs (Fox), fue revalorizada años más tarde. Se notaba que en esta película en concreto habían tenido algo de libertad creativa y se valoraba el buen trabajo de Hardy,en un papel algo diferente al que el público se había acostumbrado, junto a la actriz Lee Parker.

En 1943 rodaron una secuencia muda para un cortometraje patriótico del Departamento de Agricultura, The Tree in a Test Tube;
la pareja enseñaba el uso de la madera, especialmente en tiempos de guerra. Lo más destacado de este corto, narrado por el hombre de MGM Pete Smith, es que fue realizado en color, usando el sistema Kodachrome, siendo la segunda y última película en color del dúo, aunque algunas de las películas que hicieron con Hal Roach se colorearon para su salida en vídeo).

Oliver Hardy hizo dos apariciones sin su compañero Laurel en 1949. John Wayne, amigo de Hardy, le preguntó si quería actuar como actor de reparto en la película republicana The Fighting Kentuckian. Hardy ya había trabajado con Wayne y John Ford unos años antes, en una producción benéfica de la obra What Price Glory? mientras Laurel se recuperaba de un tratamiento para su diabetes. Escéptico al principio, Hardy al fin aceptó alentado por Laurel. En 1950 Frank Capra proporcionó a Hardy un pequeño papel (no acreditado) en la película Riding High con Bing Crosby. Hardy demostró que era un buen actor, aunque no tan bueno como Laurel, y da una idea de lo que hubiera sido su carrera si hubiera tomado otras vías de actuación.

En 1951 rodaron su ultima película, Robinsones Atómicos (también conocida como Utopía). El argumento era simple: Laurel hereda un barco y los chicos se hacen a la mar, descubriendo una nueva isla, rica en uranio, que los hace poderosos, desencadenado una guerra de poder con los nuevos visitantes de la isla. La película estaba producida por un consorcio de intereses europeos y con un reparto internacional que eran incapaces de entenderse entre ellos. Se ve a un Hardy sensiblemente mas obeso y a un Laurel visiblemente enfermo que, por añadidura, tuvo que reescribir el guión para adaptarlo al estilo de comedia del dúo. Fue un rodaje difícil, recibió muy malas críticas y acabó siendo una muestra de la decadencia final de la famosa pareja.

Después de Robinsones Atómicos Laurel y Hardy se tomaron un largo descanso para que el primero se recuperara. En su gira europea de principios de los años 50 disfrutaron de un agradable éxito con varias representaciones de un corto de Laurel llamado Birds of a Feather. En diciembre de 1954, el dúo hizo su única aparición en un programa de televisión estadounidense. Fue una sorpresa que les preparó Ralph Edwards para su programa en directo This is your Life, en la NBC-TV. El programa consistió en una serie de apariciones de viejos amigos de la pareja. Un murmullo de sorpresa corrió entre el público cuando la pareja hizo su aparición ya que, a diferencia de los europeos, mucha gente pensaba que los cómicos ya habían fallecido.

A mediados de los 50, y debido en parte al éxito del programa de televisión, negociaron un nuevo contrato con Hal Roach Jr (hijo de Hal Roach, que le había comprado los estudios a su padre) para rodar unos especiales para televisión que se llamarían Laurel &
Hardy's Fabulous Fables;
pero la mala salud de los cómicos no permitió su realización. En 1955 tuvo lugar la que sería la última aparición de Stan Laurel y Oliver Hardy en la televisión. Fue en un programa de la BBC sobre la Grand Order of Water Rats, la nueva organización de espectáculos de variedades británica. En el programa, llamado This is Music Hall, la pareja incorporó una filmación en la cual recordaron a sus viejos amigos de la escena inglesa. Concluyeron con un agradecimiento y una emotiva despedida para todos sus admiradores. Resultó ser su adiós definitivo, y resultó también ser el más apropiado.

Hardy, preocupado por su excesivo peso decidió, por consejo médico, someterse en 1956 a una dieta estricta y bajó de 159 kilos a 95. Su transformación física fue absoluta e incluso provocó el estupor de sus amigos, que no reconocían a Oliver en aquella esbelta figura. Esto perturbó a Hardy, que a partir de entonces se recluyó en su casa, aquejado de depresión. En la mañana del 14 de septiembre de 1956 sufrió un derrame cerebral masivo que le inmovilizó todo el cuerpo. Hardy falleció tras una serie de derrames cerebrales convulsivos a las 7:25 de la mañana del 7 de agosto de 1957. La causa de la muerte se registró como Accidente vascular grave. Laurel no fue al entierro, dijo que Babe, apodo por el que se conocía a Hardy, lo entendería.

Durante los ocho años que le quedaban de vida Laurel no quiso volver a actuar, rechazando incluso la oferta de Stanley Kramer para un breve papel en su película de 1963 El mundo está loco, loco, loco. En 1960 Laurel recibió un premio Óscar honorífico por su contribución a las comedias. Rechazó ir a la gala (su premio lo recogió Danny Kaye) y cuando le entregaron el premio en su casa afirmó que el galardón le recordaba a Mister Proper;
Stan se había vuelto un telespectador compulsivo.

Decidido a no volver a actuar, Laurel, sin embargo, escribió chistes y guiones para otros cómicos. También recibió muchas visitas de la nueva generación de cómicos entre los que estaban Dick Cavett, Jerry Lewis, y Dick Van Dyke. Éste último, protegido de Laurel, hizo una imitación de Stan en su programa de televisión a principios de los 60, que Laurel vio, e incluso le recomendó una serie de gestos para perfeccionar su imitación. Vivió hasta 1965, y pudo ver como el trabajo del dúo era reivindicado en especiales de televisión y festivales de cine clásico.

Stan Laurel murió de un ataque al corazón en su casa de Santa Mónica y está enterrado en el cementerio Forest Lawn-Hollywood Hills en Los Ángeles, California.



Pocos meses después de la muerte de Laurel tuvo lugar, en Nueva York, la inauguración de Sons of the Desert, el club de "
fans"
oficial de Laurel y Hardy. El nombre se adoptó de la película Sons of the Desert (Compañeros de juerga en español, 1933 ). Posteriormente el club tendría secciones en el resto de Estados Unidos, Europa y Australia.

Larry Harmon adquirió los derechos de imagen de la pareja a mediados de los 60 y, en 1966, produjo la serie de animación Laurel and Hardy, con Hanna-Barbera Productions. Las versiones animadas de Laurel y Hardy también aparecieron en un episodio de Las Nuevas Aventuras de Scooby-Doo, en 1972, con Harmon poniendo la voz de los dos personajes. En la serie televisiva Harmon dobló a Laurel y Jim MacGeorge a Hardy.

En 1999 Larry Harmon produjo un largometraje directamente para vídeo titulado The All-New Adventures of Laurel and Hardy: For Love of Mummy. El argumento presentaba a dos ficticios sobrinos de la pareja que cometían los mismos errores y meteduras de pata que sus legendarios tíos. Fue interpretada por Bronson Pinchot y Gailard Sartain.

Las películas de Laurel y Hardy se emiten frecuentemente por televisión y en canales por cable como American Movie Classics, Turner Classic Movies, The Family Channel, y Hallmark Channel. La mayoría de sus películas se pueden encontrar en vídeo o DVD.

Curiosidades de Oliver y Hardy:



1º Como en muchos equipos cómicos, por ejemplo Los tres chiflados, Laurel y Hardy usaban sus verdaderos nombres en sus películas.

2º Durante toda su carrera el auténtico conductor y líder de la pareja fue Stan, que escribió, produjo y a veces dirigió muchos de sus trabajos. Es por ello que Laurel siempre cobró el doble que Hardy.

3º La famosa melodía de Laurel y Hardy, la conocida Canción del CuCu ("
The Cuckoo Song"
, "
Ku-Ku"
, o "
The Waltz of the Cuckoos"
) fue compuesta para Roach por Marvin Hatley para un programa de radio. Laurel la escuchó y pidió a Hatley usarla como canción de Laurel y Hardy. Para Laurel la melodía de la canción representaba el carácter de Hardy: pomposo y dramático, mientras que la armonía era el propio Laurel: despistado e incapaz de pensar más de dos notas: Ku Ku. El tema original fue usado por primera vez en Night Owls (1930), y en 1935 fue grabado y registrado con una orquesta completa.

4º El club de "
fans"
oficial de Laurel y Hardy es Sons of the Desert, basado en la película del mismo nombre. Fue fundado, con el beneplácito de Stan Laurel, en 1965.

5º Existen dos museos dedicados a Laurel y Hardy. Uno está en Ulverston, Inglaterra, lugar de nacimiento de Stan Laurel. El otro está situado en Harlem, Georgia, donde nació Oliver Hardy.

6º En una encuesta de 2005, promovida por Comediantes de Comedias, el dúo fue elegido en el séptimo lugar de los mejores números cómicos y en el primer lugar como pareja cómica. Votaban cómicos.

7º En 1980 se colorearon muchas de las películas de la pareja. Al ser todas en blanco negro muy poca gente sabía que Laurel en realidad era pelirrojo, ya que las que coloreó Hal Roach presentaban a Laurel con el pelo color castaño. Curiosamente las versiones de March of the Wooden Soldiers, tanto la de Roach como la re-edición de 1980, reflejan el color correcto.

8º Stan Laurel reconoció que odiaba llorar cuando Hardy le regañaba por su incompetencia, pero Roach le obligó a hacerlo porque al publico, al parecer, le encantaba.

9º La canción Trail of the Lonesome Pine es el éxito póstumo más grande de un dúo ya fallecido. Ocupó el número dos en las listas británicas en 1975.

10º En 2006 la BBC Four presentó una ficción en la que se veía a Laurel en el lecho de muerte de Hardy, rememorando los viejos tiempos. Se tituló Stan.

11º Un pequeño dúo de vodevil estadounidense de principios del siglo XX, llamados Zuhn &
Dreis, pudieron ser la fuente de inspiración de Laurel y Hardy.

12º Laurel y Hardy aparecieron como legionarios romanos en el cómic de Astérix, Obélix y compañía.

13º Josh Ritter, un cantante de Folk estadounidense, habla de la pareja en las canciones Girl in the War y Thin Blue Flame de su álbum The Animal Years.

14º El conocido ilustrador estadounidense, Maurice Sendak, que creció con las películas de Laurel y Hardy, ha usado la imagen de Hardy en dos ocasiones. Primero, por triplicado, en su clásico ilustrado In The Night Kitchen, y más recientemente en Brundibar, escrito por Tony Kushner.

Grace Kelly



Grace Patricia Kelly (n. 12 de noviembre de 1929 - m. 14 de septiembre de 1982) fue una actriz estadounidense quien al contraer matrimonio con el príncipe Rainiero III de Mónaco, se convirtió en Su Alteza Serenísima la Princesa Grace de Mónaco.

Nació en Filadelfia, en el estado de Pennsylvania, como Grace Patricia Kelly, en el seno de una familia de origen irlandés y católica. Su padre era un hombre de negocios de fortuna y además un buen deportista que había ganado una medalla de oro olímpica en remo.


A pesar de que su familia se opuso a que fuese actriz, Kelly quiso realizar el sueño que había tenido desde niña. Se fue a Nueva York donde trabajó como modelo y estudió interpretación en la academia nacional de arte dramático.

En 1949 consiguió su primer papel en Broadway, la zona de teatros más prestigiosa de Nueva York. Seguidamente hizo algunas apariciones en televisión, hasta que decidió trasladarse a Los Ángeles para probar fortuna en el cine.

Ya en 1951, a los 22 años, Kelly hizo su primera película, actuando en un papel secundario. Su elegancia y delicada belleza llamaron poderosamente la atención en Hollywood, de forma que al año siguiente se le ofreció el papel principal en el western "
Solo ante el peligro"
, junto a Gary Cooper.

Su siguiente film fue "
Mogambo"
, junto a Clark Gable y Ava Gardner, por el cual fue candidata al Oscar como mejor actriz de reparto.

En su corta carrera cinematográfica, Kelly fue una de las actrices favoritas de Hitchcock, con quien trabajó en tres películas, "
Crimen perfecto"
con Ray Milland, "
La ventana indiscreta"
con James Stewart, y "
Atrapa a un ladrón"
con Cary Grant. Esta última se rodó en Mónaco, donde Kelly conoció a su futuro marido, el príncipe Rainiero. Tambien trabajó al lado de Sir Alec Guinness en el "
El Cisne"
, un anticipo de la vida futura que le esperaba (1956).

En 1954 ganó un Oscar como mejor actriz principal por "
La angustia de vivir"
, co-protagonizada por Bing Crosby.

Su última película fue "
Alta sociedad"
, nuevamente con Bing Crosby. Después ya se trasladó a Mónaco para casarse con Rainiero, quien le había manifestado, muy a pesar de Kelly, que si se convertía en princesa de Mónaco debía dejar el cine.

En los años de soltería en que fue actriz, Kelly vivió varios romances, principalmente con los actores con los que había trabajado, como Clark Gable, William Holden, Bing Crosby y Cary Grant.

Su boda con Rainiero en 1956 fue como en un cuento de hadas y Kelly adoptó el nombre Gracia Patricia. A partir de entonces su vida y su trabajo estuvo dedicada por entero a su familia y al Principado.

Su figura y estilo dieron un nuevo impulso al principado de Mónaco, el cual creció económicamente gracias al turismo y al impulso de inversionistas atraídos por las concesiones económicas impulsadas por Rainiero.

Tuvo tres hijos con Rainero, Alberto, Carolina y Estefanía.

En 13 de septiembre de 1982 la Princesa Grace sufrió un accidente cuando conducía con su hija la Princesa Estefanía por una carretera de Mónaco con muchas curvas y una fuerte pendiente. Su hija salió ilesa. Al dia siguiente, la Princesa Grace murió sin recobrar el conocimiento en el Centro Hospitalario Princesa Grace, tenía 52 años. El principe Rainiero nunca pudo superar la pérdida de su esposa.

Es la misma carretera que aparece en la película Atrapa a un ladrón, donde la Princesa y Cary Grant hacen un picnic.

El cantante de origen libanés Mika la considera su mujer ideal. Por esto le dedicó una canción con su propio nombre : "
Grace Kelly"
.

Bing Crosby


Bing Crosby, Grace Kelly y Frank Sinatra, en una escena de la película "
Alta Sociedad"
.


Harry Lillis "
Bing"
Crosby (n. 3 de mayo, 1903 - m. 14 de octubre, 1977) fue un cantante y actor estadounidense cuya carrera comenzó en 1926 y terminó con su muerte en 1977.

Fue uno de los primeros artistas multi-media, desde 1934 hasta 1954 Bing Crosby tuvo un casi imbatible éxito de ventas con sus discos, grandes ratings en las radios y películas mundialmente vistas. Es usualmente considerado como uno de los actores musicales más populares de la historia y es actualmente la voz humana más grabada electrónicamente. Se da crédito también a Crosby por ser una de las mayores inspiraciones para los cantantes masculinos que lo siguieron, incluyendo a Frank Sinatra, Perry Como, y Dean Martin.

Harry Lillis Crosby nació en Tacoma, Washington el 3 de mayo 1903 en una casa construida por su padre (1112 North J Street, Tacoma, Washington). Su familia posteriormente se mudó a Spokane, Washington en 1906 con el objetivo de conseguir algún trabajo. Fue el cuarto de siete hijos;
cinco hombres,, Larry (n. 1895-1975), Everett (born 1896), Ted (n. 1900), Harry (n. 1903) y Bob (1913-1993);
y dos mujeres, Catherine (n. 1905) y Mary Rose (n. 1907). Su padre Harry Lowe Crosby (1871-1950) un contador de ascendencia inglesa-estadounidense, y su madre Catherine Harrigan (1873-1964) hija de un constructor de County Mayo en Irlanda de ascendencia irlandesa-estadounidense. Sus ancestros paternos, Thomas Prence y Patience Brewster nacieron en Inglaterra y emigraron a los Estados Unidos en el siglo XVII;
La familia Brewster arrivó al contienete en el Mayflower.

Bing Crosby no tenía certificado de nacimiento y su fecha de nacimiento se mantuvo en secreto hasta que la Iglesia Católica Romana de su juventud en Tacoma, Washington, reveló su certificado de bautismo en el cual se contenía su fecha de nacimiento.

En 1910, Harry Lillis de seis años de edad descubrió una página completa en la que aparecía un artículo en la edición del Spokesman-Review en un domingo, "
The Bingville Bugle"
. El "
Bugle"
, escrito por el humorista Newton Newkirk, era una parodia de un periódico, del cual su vecino de quince años de edad, Valentine Hobart, compartió el entusiasmo de Crosby por el artículo y lo llamó Bingo por Bingville. La última vocal no sería utilizada terminando su sobrenombre como Bing.

En 1917, Crosby tomó un trabajo de verano en el Auditorium de Spokane en donde fue testigo de los mejores actos del día, incluyendo una actuación de Al Jolson de quien Crosby diría que "
Para mi él fue el mejor artista que ha vivido."


En el otoño de 1920, Bing se matriculó en la Universidad jesuita Gonzaga College en Spokane, Washington con la intención de gradurse como abogado. Mantuvo un promedio de B+. Estando en Gonzaga, compró un set de batería por carta. Luego de una ardua práctica sus habilidades crecieron manifiestamente y fue invitado a unirse a una banda local compuesta en su mayoría por niños escolares llamada "
Musicaladers,"
conducida por Al Rinker. Logró ganar tanto dinero con este trabajo que decidió dejar los estudios durante su último año para dedicarse al mundo del espectáculo.


Aunque parcialmente eclipsado por la fuerza de otros intérpretes, sobre todo por Frank Sinatra, Bing Crosby fue con toda probabilidad la figura más popular e influyente de la música popular a lo largo de toda la primera mitad del siglo XX;
sus ventas son multimillonarias y su impacto en otros cantantes, aparte de Sinatra, es indiscutible: Perry Como, Dean Martin, Michael Buble, etc.

Bing Crosby fue, ante todo, una estrella de la radio, a través de la cual se hizo presente en el hogar de millones de estadounidenses materializando una forma nueva de contacto, más íntima, más individualizada, entre el cantante y su público. El uso del novedoso micrófono le permitió amoldar su voz a las letras y no preocuparse de la fuerza como era lo habitual hasta el momento.

La voz de Crosby es cálida y basada en los graves, próxima a la de un barítono, y su forma de interpretar es ligeramente enfática en cuanto al tono. Su repertorio, vinculado solo ocasionalmente al jazz, incluye temas de musicales, música para películas, country, canciones del oeste, estándares patrióticos, himnos religiosos, baladas étnicas (irlandesas y hawaianas) y, por supuesto, los temas de los grandes compositores estadounidenses: Kern, Porter, Van Hauesn, G. y I. Gershwin...

La novedad que introduce Crosby en sus comienzos está en que, lejos de seguir el patrón rítmico de la música europea, asume las innovaciones del jazz emergente y aporta a la canción popular el sentido del swing.

Crosby admiraba y emulaba a Louis Armstrong, como es evidente en muchas de sus primera grabaciones, como por ejemplo "
Just One More Chance"
(1931). El 'New Grove Dictionary Of Jazz' describe la deuda de Crosby con Armstrong de forma detallada, aunque no cite explícitamente a Armstrong: "
Crosby...fue importante al introducir en la tradición del canto popular un concepto afroamericano de la canción, consistente en entender el canto como una extensión lírica del habla...Sus técnicas -alivio del peso del aliento sobre los acordes vocales, pasar de una voz predominante a una voz de registro bajo, emitir una dicción avanzada para ayudar a una enunciación distinta, cantar sobre las consonantes (una práctica de cantantes negros), y hacer un uso discreto de cualquier forma de enfatizar el texto - fueron emuladas por casi todos los cantantes populares siguientes."

Ray Milland


Ray Milland, Gary Cooper y Robert Preston.

Ray Milland es un actor británico (n. Neath Gales, 3 de enero de 1907- Torrance, California, 10 de marzo de 1986) con 79 años de cáncer de pulmón. Su verdadero nombre era Reginald Alfred Tuscott Jones, y su gran versatilidad y calidad como intérprete le permitieron trabajar en todo tipo de películas.

Comenzó trabajando en el teatro en Londres, para luego pasar a protagonizar en 1929 varias producciones británicas, de estas películas fue descubierto por Hollywood que no tardó en reclutarle, a partir de mitad de los años 30 ya es una estrella, y protagoniza películas importantes como tres diablillos de Henry Kostner, Una chica afortunada de Mitchell Liesen ó la cinta de aventuras Beu Geste de William A. Wellman, donde compartía protagonismo con Gary Cooper.

En los años cuarenta su estrella continua creciendo y trabaja con grandes directores como Cecil B. DeMille con quien trabaja en Piratas del Caribe donde se tiene que enfrentar con John Wayne y con Billy Wilder con quien trabaja en El mayor y la menor. En la primera mitad de los años cuarenta está en el apogeo de su estrellato y trabaja en buenas películas como Alondra del cielo de Mark Sandrich, Los intrusos de o La bribona de Sidney Lanfield. Este gran momento culmina con una nueva película de Billy Wilder, Días sin huellas, con la que gana el oscar de la academia y el galardón a la mejor actuación masculina en el festival de Cannes. Sin embargo este éxito en lugar de consolidar su carrera le hacen comenzar su declive. A pesar de ello continua protagonizando títulos importantes como el reloj asesino de John Farrow, ó el Western titulado Califronia también dirigida por John Farrow. Los cincuenta se mantiene en buenos títulos si bien su estrella sigue cayendo, de esta época son películas como Cerca de mi corazón de William Keighley, Círculo de peligro de Jacques Tourner, y sobre todo destaca su gran interpretación en crimen perfecto de Alfred Hitchkock donde es el marido que planea matar a su esposa interpretada por Grace Kelly.

En 1955 dirige su primera película, que también protagoniza, se trata de un western títulado Un hombre solo. Por esta época comienza a trabajar en televisión protagonizando la serie conoce a Mr McNulty, con la que está dos años en antena.

En 1956 dirige su segunda película, Lisbon, de nuevo protagonizándola, y sin conseguir el éxito comercial deseado, igual que con Ladrón de manos de seda, donde de nuevo era director y protagonista en 1958. Al final de los cincuentas su interpretaciones televisiva aumenta, aunque todavía protagonizara una película de Allan Dwan, el Filo del río, con Anthony Quinn como compañero de reparto. Al empezar los años sesenta es más habitual de la televisión que del cine, sin embargo, comienza a colaborar con el rey de la serie B, Roger Corman, para el que va a protagonizar dos películas, La Obsesión basado en un relato de Edgar Allan Poe, y el Doctor con rayos X en los ojos. De esta misma época es Páncio infinito su cuarta película como director y actor. El resto de los años sesenta son más televisivos que cinematográficas si bien hace películas en Europa concretamente en Francia, Alemania, Italia y España.

En 1970 trabajará en una de la últimas películas importantes, Love Story, una película que fue todo un éxito en su momento basado en el best seller de Eric Segal y dirigida por Arthur Hiller, sirvió para convertir en estrellas momentanes a Ryan O'Neal y a Ali MacGraw, teniendo Milland que conformarse con interpretar al despótico padre del protagonista. La década de los sententa se le puede ver en producciones menores haciendo papeles secundarios.

También es villano en un par de capítulos de Colombo, y es uno de los muchos actores destacados que trabjan en la miniserie de éxito mundial Hombre rico, hombre pobre basado en la novela Irwin Shaw. Tanto como actor secundario como protagonista invitado en series de tanto éxito como Vacacinoes en el mar ó Hotel, Milland continua trabajadon hasta 1986, cuando el cáncer que padecía le produce la muerte.

Katy Jurado



Katy Jurado (Guadalajara, Jalisco;
16 de enero de 1924 - Cuernavaca, Morelos;
5 de julio de 2002). Actriz mexicana.

Nacida como María Cristina Estela Marcela Jurado García en Guadalajara empezó trabajando en Hollywood para regresar luego a su tierra natal y seguir ahí su carrera.

Su papel en la película Nosotros los pobres junto al actor Pedro Infante le llevó a la fama. Posteriormente apareció en numerosas películas de Hollywood como Tarde de toros (The bullfighter and the lady), Solo ante el peligro (High Noon) por la que ganó el Globo de Oro a la mejor actriz de reparto en 1952, El bruto (de Luis Buñuel), Lanza rota (Broken Lance), por la que recibió una nominación al Oscar a la mejor actriz de reparto en 1955, Trapecio, Pat Garrett y Billy The Kid, Los hijos de Sánchez o Bajo el volcán (Under the volcano). De su última etapa sobresale su actuación en El evangelio de las maravillas dirigida por Arturo Ripstein. Su última película fue la producción mexicana Un secreto de Esperanza en 2002 de Leopoldo Laborde.

Katy Jurado contrajo matrimonio en dos ocasiones, primero con actor mexicano Víctor Velázquez con el que tuvo dos hijos y en segundas nupcias con el también actor Ernest Borgnine de 1959 a 1963.

Los padres de Katy Jurado García, no querían que fuera actriz cuando ella ambicionaba serlo. Nadie de su familia pensó que aquella chiquilla morena, de rasgos medio moros -hernecia de su abuelo, un español descendiente de moros-, se saldría con la suya. Y aún más: su color de piel que tanto le disgustara, fuera lo que propiciaría su éxito en el cine de Hollywood, y de otros países del mundo, incluyendo México.

Katy tuvo una infancia bonita, económicamente deshaogada. Era una chica hermosa, pues aún no dejaba la niñez cuando llamaba la atención de la gente. Su tipo sensual pronto interesó a los productores y directores de cine, ya que muchos se acercaron para hacerle ofertas. Uno de ellos fué Emilio "
El Indio"
Fernández, quién le ofreció un papel en el film "
La isla de la pasión"
(1941).

A los 15 años de edad, frecuentaba mucho el Junior Club, un lugar de divertimento muy exclusivo en aquellos años, ubicado en la colonia Condesa. Ahí acostumbraba ir acompañada de sus primas. La sensual morena soñaba también con ser torera y mientras lo hacía, récibía infinidad de ofertas para debutar como actriz pero sus padres nunca dieron el consentimiento. Ni siquiera porque su mamá era cantante y trabajaba en la XEW. La señora llegó a cantar en el Palacio de Bellas Artes, acompañando a su hermano, el afamado compositor y músico don Belisario de Jesús García.

Falleció en Cuernavaca a la edad de 78 años por insuficiencia renal y problemas neumológicos.

Hasta la nominación al Oscar de Salma Hayek en 2002, Katy Jurado fue la única intérprete mexicana en aspirar a dicho galardón. Fue homenageada en el festival internacional de cine de Guadalajara. Luego nominaron a Adriana Barraza por Babel en el 2006.

Otra imagen de Katy Jurado, actriz que desde aqui reivindico, como alguien injustamente olvidado. Una gran actriz, que como otras muchas no fue reconocida en su momento ni despues:



Un saludo Katy alla donde estes, te recordamos.

Ernest Borgnine

Grace Kelly y Ernest Borgnine.

Ernest Borgnine (nació en Hamden, Connecticut, el 24 de enero de 1917) es un actor estadounidense ganador de los premios Oscar y Globo de Oro.

Ermes Effron Borgnino nace en la modesta familia de inmigrantes italianos conformada por Carlo Borgnino y Anna Boselli, procedentes de Módena, Italia. Sus padres se divorciaron y volvió con su madre de nuevo a Italia cuando tenía tan solo dos años de edad. Pero a los cinco, Ermes volvió a Hamden, Connecticut debido a la situación sociopolítica que vivía Italia después de la Primera Guerra Mundial.

En 1935, Borgnine se alistó en la marina de los Estados Unidos y, aunque se desvinculó de ella, volvió en 1941, para servir al país en la Segunda Guerra Mundial hasta 1945.
Después de diez años de deambular, fue su madre quien le sugirió probar con la actuación, ya que Ernest tenía una fuerte personalidad. Borgnine entra en el Randall School de Drama de Hartford, Connecticut. Después de graduarse, es contratado por el Barter Theatre de Abingdon, Virginia. En 1949, debuta en Broadway en el papel de enfermero de la pieza Harvey.

En 1952, se traslada a Los Angeles, California para probar suerte en el cine, pero hizo su debut en una serie televisiva llamada "
Captain Video and his Video Rangers"
. Al poco tiempo, recibe un papel importante en De aquí a la eternidad (1953), donde interpreta al cruel sargento "
Fatso"
Judson, que mata a Maggio (personaba encarnado por Frank Sinatra). Poco después, también entraría en el reparto de otros grandes clásicos como Johnny Guitar (1954), "
Veracruz"
y Conspiración de silencio (1955).

En 1955, Borgnine protagoniza Marty, versión de una serie de televisión y por la cual gana el Oscar de la Academia mejor actor. A partir de ahí, la cara de Borgnine se hace habitual en muchas películas en las que participa como secundario. Así, la enorme lista de Borgnine en esta época incluye Los vikingos (1958);
El vuelo del Fénix (1965);
Doce del patíbulo (1967);
Grupo salvaje (1969) and El abismo negro (1979).

Paralelamente, de 1962 hasta 1966, protagonizó la popular sit-com McHale's Navy, en el que recibe una nominación premio Emmy como mejor actor principal de comedia en 1963 y de la que también filmó dos versiones cinematográficas de igual título, en 1964 y 1997. Posteriormente, Borgnine vuelve a introducirse en la televisión en la serie de acción Airwolf (1984 a 1986).

En 1972, protagoniza al decadente detective Mike Romo en La aventura del Poseidón donde se consagra como actor.

En 1977, Ernest Borgnine es aceptado por Franco Zeffirelli para actuar como un Centurión romano en la película Jesús de Nazaret (1977).

Por su contribución en el mundo del cine, Ernest Borgnine recibió una estrella en el Paseo de la fama de Hollywood sityuada en el 6324 de Hollywood Boulevard. En 1996, Borgnine viajó por todos los estados Unidos para encontrarse con sus fans. El viaje fue grabado y editado bajo el nombre de Ernest Borgnine on the Bus. Cuando no está trabajando en alguna película, Borgnine se mantiene sumamente activo realizando obras de caridad u organizando actos de beneficencia alrededor de todo Estados Unidos.

Desde 1999, Borgnine ha donado su voz a la serie de Bob Esponja e incluso ha aparecido en un episodio de Los Simpsons haciendo de sí mismo.

Marcello Mastroianni



Marcello Mastroianni (28 de septiembre de 1924 – 19 de diciembre de 1996), actor italiano.

Nacido en Fontana Liri, una pequeña población de los Apeninos, Mastroianni creció en Turín y Roma. Durante la Segunda Guerra Mundial fue recluido en un campo de concentración nazi, pero logró escapar y permaneció escondido en Venecia hasta que hubo pasado el peligro.

En 1945 comenzó a trabajar como figurante para una compañía cinematográfica a la vez que tomaba lecciones de interpretación, pero hasta 1947 no debutó en la gran pantalla;
fue con I Miserabili, adaptación de la novela de Víctor Hugo.

En muy poco tiempo Marcello Mastroianni se convirtió en una estrella gracias a sus interpretaciones en I Soliti Ignoti, de Mario Monicelli y, sobre todo, a que Federico Fellini le escogió para protagonizar su La Dolce Vita junto a Anita Ekberg que, a pesar de su pequeña presencia en la película, fue un considerable reclamo publicitario. La colaboración con Fellini, a la larga tan fructífera, continuó en Ocho y Medio, en la que Mastroianni interpretaba a un director de cine frustrado y mujeriego, Guido Anselmi, marcado con inequívocos rasgos autobiográficos del propio Fellini.

En 1948 se produjo su boda con la actriz italiana Floriana Clarabella, de la que tuvo una hija —Bárbara— y que le acompañó hasta el fin de sus días, como también lo hizo Catherine Deneuve, su famosísima amante y madre de Chiara Mastroianni, la segunda de sus hijas.

Imperio Argentina



Magdalena Nile del Rio (n. Buenos Aires, Argentina, 26 de diciembre de 1906 - m. Torremolinos, Málaga, España, 22 de agosto de 2003), más conocida como Imperio Argentina, fue una actriz, cantante y bailarina argentina.

Hija de padre gibraltareño y madre española, desde muy niña empezó a cantar y a bailar. Pastora Imperio la descubre y la rebautiza con el nombre de Petite Imperio. Pero fue Jacinto Benavente quien, viéndola actuar, decide que su arte está a la altura de Pastora Imperio pero también del de La Argentinita y la rebautiza con el nombre de Imperio Argentina.

De gira por España la descubre el director Florián Rey para la versión muda de "
La Hermana de San Sulpicio"
. Y es con este director con quien obtine sus mayores éxitos cinematográficos. "
Nobleza Baturra"
y "
Morena Clara"
, así como la versión hablada de "
La Hermana de San Sulpicio"
catapultan a Imperio al estrellato. Firma un contrato con la Paramount y en París trabaja con los mejores directores y actores internacionales.

En 1932, filma junto a Carlos Gardel en París para la Paramount "
La casa es seria"
y "
Melodía de Arrabal"
. Habiendo sido una de las cuatro cantantes que hizo dúo junto a Carlos Gardel.

Años después es requerida por Hitler para rodar una película sobre la vida de Lola Montes. Este proyecto fracasa pero rueda en Alemania "
Carmen la de Triana"
. En Alemania coincide con Estrellita Castro, otro mito del cine y la canción española. Tras la noche de los cristales rotos abandona Alemania.

Rueda en Argentina "
Lo que fue de la Dolores"
con Benito Perojo y compagina, como siempre, el cine con sus espectáculos musicales. En la década de los 60 rueda "
Con el viento solano"
y "
Ama Rosa"
.

Tras años de escasa actividad es redescubierta en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y a partir de ese momento comienza para ella otra época dorada de trabajo y merecidos homenajes.

Rueda con José Luis Borau "
Tata Mía"
y con Javier Aguirre "
El polizón de Ulises"
y trabaja en el espectáculo de la Expo 92 "
Azabache"
. En el año 1996 es elegida para ser pregonera de las fiestas del Pilar de Zaragoza, por celebrarse en esta ciudad los actos del centenario del cine.

Falleció en Torremolinos (Málaga), el 22 de agosto de 2003, a los 96 años, en su casa. Fue enterrada en el cementerio malagueño de Benalmádena (Málaga).

Como dato curioso, vivió en la calle "
Imperio Argentina"
, de dicha ciudad.

Anita Garvin

Anita Garvin a la izquierda.


Alcanzó la fama por sus apariciones en las películas de Stan Laurel y Oliver Hardy (aquí conocidos como El Gordo y El Flaco), pero participó en más de 150 producciones de diversa índole hasta que se retiró, en 1942.Comenzó en el mundo del espectáculo a temprana edad en el teatro como una de las bellezas de Mark Sennet, pero, tras unos años en el escenario, en los que llegó a actuar en Broadway, fue descubierta por Hal Roach, el productor de Laurel y Hardy, y su carrera tomó un giro que habría de resultar definitivo. Para Roach, Garvin constituía el perfecto contrapunto femenino a la disparatada pareja. Su primera película juntos fue Why girls love sailors, de 1927, en la que interpretaba a la esposa de Oliver Hardy.


A ésta siguieron otras muchas en las que Garvin dio vida a multitud de personajes, desde anfitriona perpleja hasta esposa malhumorada;
From soup to nuts (1928), Blotto (1930) o Chump at Oxford (1939) son algunas de ellas. Garvin también rodó películas fuera de la tutela de los dos famosos comediantes, como fueron The right watch (1928) o The Charlatan (1929), pero siempre en papeles secundarios.

Tras su boda con el músico Red Stanley, conocido director y editor musical, disminuyó mucho su ritmo de trabajo hasta dejar de actuar en 1942. La llegada del cine sonoro y el cambio del cine de Laurel y Hardy contribuyeron también a su retirada.

Redescubierta en los últimos años por los fans de las viejas películas de Laurel y Hardy, se llegó a realizar una colecta para que su nombre se incluyera en el paraíso de los mitómanos, el Walk of fame, donde los famosos estampan sus huellas, enfrente del Teatro Chino, en Hollywood.

Falleció en Los Angeles en 1991 a la edad de 88 años.

Mona Maris



Mona Maris (1903-1991) fue una acriz de películas argentinas que nació en Buenos Aires, Argentina.

Su nombre de nacida fue Mona María Emita Cap de Vielle. Su madre era vasca española y su padre vasco francés.

A los diecinueve años, Mona hablaba cuatro idiomas. Había sido educada en Inglaterra, Francia, y Alemania.

Fue conocida en Argentina como Orgullo de las Pampas. Arribó a Hollywood con un contrato para la United Artists el 31 de diciembre de 1928. Mona fue a EE.UU. de la mano de Joseph Schenck, Pte. de United Artists. Tenía veinte años.

Maris llega a EE.UU. desde Berlín donde había aparecido en filmes germanos. Su popularidad en Sudamérica fue rápida.

La ambición de Mona de ser actriz se originó durante la Primera Guerra Mundial cuando era pupila en Luders, Francia. Ella y sus compañeras escribían, dirigían, y presentaban pequeñas obras para entretener a soldados que estaban estacionados cerca del colegio.

Después del colegio, Mona se encuentra con su madre en Londres. Luego encuentra una mujer que daba mucha libertad frente a las tradiciones españolas o sudamericanas. Ella viaja bajo esta "
chaperona"
. Lo que iba a durar seis meses se completó en dos años.

De Inglaterra, Maris viaja a Alemania donde participará en Producciones U.F.A.. Primero una carta del embajador argentino en Berlin, que logra que Mona sea vista por el Pte de U.F.A. Le hacen una audición y "
prueba de pantalla"
. Así la Srta. Maris se anoticia que el Estudio le ofrece con un prominente director a la joven un contarto por cinco años. Mona pide consejo a su abuela, quien finalmente logra que su familia lo acepte. Luego de cuatro filmes en Alemania, Joe Schenck le ofrece una carrera en Hollywood.

Tuvo un fulgurante matrimonio que fracasó.

Con el "
cine parlante"
, Mona tenía un inglés ininteligible. En cambio, castellano, francés, y alemán los hablaba con soltura.

Peggy Ryan



Peggy Ryan (su nombre verdadero era Margaret O'Rene Ryan) nació el 28 de agosto de 1924 en Long Beach, California y falleció el 30 de octubre de 2004 en Las Vegas, Nevada. Fue una bailarina estadounidense que protagonizó diversas películas musicales de la productora Universal Studios, bailando claqué y haciendo números cómicos junto a Donald O'Connor.

Sus padres fueron el conjunto de vodevil "
The Merry Dancing Ryans,"
y Peggy se unió a ellos a los dos años de edad. Su aptitud para el canto, la actuación y la danza fue advertida por George Murphy, quien le dio un papel en la película de 1937 Top of the Town. Su primer emparejamiento con O'Connor tuvo lugar en 1942, en la película What's Cookin'?, y trabajaron juntos en diversas películas a lo largo de la Segunda Guerra Mundial.

Se casó con James Cross en 1945 y se divorciaron en 1952.

Dejó Universal Studios y fue emparejada con el bailarín Ray McDonald en las películas There's a Girl in My Heart y Shamrock Hill, ambas de 1949, y en All Ashore (Marino al agua), de 1953. Se casaron en 1953 y viajaron juntos con una representación de sala de fiestas antes de divorciarse en 1957.

Su tercera boda, en 1958, fue con el columnista de Hawai Eddie Sherman, en la época en que dejó el cine para dedicarse a la coreografía y el semi-retiro. Volvió de nuevo, pero a la pequeña pantalla, interpretando el papel de la secretaria Jenny Sherman, en Hawaii Cinco-O, desde 1969 a 1976.

En sus últimos años enseñó claqué a coristas de Las Vegas. Su última actuación pública, el día de su 80 cumpleaños, fue un hilarante número de baile y canción, dedicado a sus antiguas colegas de la Universal. Continuó enseñando claqué hasta dos días antes de su fallecimiento a causa de un accidente cerebrovascular

Simone Simon




Nacida el 23 de abril de 1911 en Bethune, en el norte de Francia, Simone Simon creció en Marsella y llegó a París en 1930, donde trabajó como modelo y diseñadora de moda antes de lanzarse al cine, en 1931.

Ese año, Simone rodó cinco cintas: 'La chocolaterita' y 'Mam'zelle Nitouche', de Marc Allégret;
'El cantor desconocido', de Victor Tourjansky;
'Durand contre Durand', de Léo Joannon;
y 'Pour vivre heureux', de Claudio de La Torre.

Las dos primeras películas supusieron también el debut en el cine de Allégret, el mismo que descubriría años después a la actriz Brigitte Bardot, uno de los grandes símbolos eróticos del siglo XX.

Precisamente, Simone Simon anticipó ese ideal de mujer inocente y fuertemente sensual que décadas más tarde explotaría Bardot.

Su frescura, su sonrisa y mirada felina y su pequeña talla, en la que destacaba un curioso rostro triangular y una pizpireta nariz, fueron reveladas también en 'El lago de las damas' (1934) y 'Días de sol' (1935), que rodó de nuevo de la mano de Allégret.

Además de esas cintas, Simon actuó en otras siete películas antes de que en 1935 la industria cinematográfica estadounidense la tentase con un contrato, que firmó con los estudios Fox, lo que la propulsó como una de las primeras actrices francesas en Hollywood.

Su primer trabajo en Estados Unidos fue 'Aula de señoritas' (1936), de Irving Cummings, al que siguieron cuatro filmes más durante ese año y el siguiente, pero sin mucho relumbre, salvo 'El séptimo cielo' (1937), de Henry King.

Fue Jean Renoir quien salvó su carrera al ofrecerle en 1938 un papel en 'La bete humaine', en el que dio la réplica a Jean Gabin y que le supuso la invitación del director y productor William Dieterle para interpretar a la heroína de 'El hombre que vendió su alma' (1941).

Su interpretación en este último filme le sirvió, entre otras cosas, para que el productor Val Lewton le ofreciera el papel de su vida, en 'La mujer pantera' (1942), de Jacques Tourneur, que la marcó definitivamente a ojos del público estadounidense.

Antes de dejar Hollywood, Simone Simon rodó 'Mademoiselle Fifi', 'Johnny Doesn't Live Here Anymore' y 'The Curse of the Cat People' (1944) y 'Brumas de tentación' (1946).

Terminada la II Guerra Mundial, la actriz regresó a Europa, donde aún trabajó en obras de renombre, como 'Petrus' (1946), de Allégret;
'La ronde' (1950), de Max Ophuls;
'Olivia' (1951), de Jacqueline Audry;
y 'Le plaisir' (1952), de nuevo con Ophuls.

La última aparición en escena de Simone Simon data de 1967, cuando actuó en 'La courte paille', de Jean Meyer, en el teatro de la Potiniere, de París.

Falleció el 23 de febrero del 2005.

Eleanor Powell

Fred Astaire y Eleanor Powell.


Eleanor Powell (1912-1982), bailarina y actriz. Eleanor Torrey Powell nació el 21 de noviembre de 1912 en Springfield, Massachusetts (Estados Unidos).

Desde muy pequeña se sintió atraída por el baile de claqué, siendo contratada por el empresario de vodevil Gus Edwards. Poco después se trasladó a Nueva York en donde alcanzaría el estrellato en las míticas tablas de Broadway.

A mitad de los años 30 debutaría para la Fox con "
Escándalos de 1935"
(1935) y posteriormente firmaría un contrato con el gran estudio de los musicales, la Metro Goldwyn Mayer, en donde triunfaría en estupendos musicales del estilo de "
Melodías de Broadway 1936"
(1935), "
Nacida para la danza"
(1936) y "
Melodías de Broadway"
(1937) de Roy Del Ruth;
"
Rosalie"
(1937) de W. S. Van Dyke, "
Honolulu"
(1939) de Edward Buzzell, "
La nueva melodía de Broadway"
(1940) de Norman Taurog con el genial Fred Astaire de partenaire;
"
Lady Be Good"
(1941) de Norman Z. McLeod o "
Sensations"
(1944) de Andrew L. Stone.

Tras su boda con el conocido actor Glenn Ford en 1943, Eleanor Powell se retiró casi definitivamente del cine (sólo aparecería en "
Sensations"
y como estrella invitada en "
Serenata en el valle del sol"
). La boda con Ford duraría hasta 1959, año de su divorcio, quedando tras un disputado pleito, Eleanor, en precaria situación económica. Para solucionar esto, Eleanor Powell volvió al baile y triunfó de nuevo en los escenarios de Las Vegas y Broadway. Posteriormente se dedicó a la televisión y a obras de beneficiencia hasta su muerte, acaecida por culpa de un cáncer el 11 de febrero de 1982 en Los Ángeles. Tenía 69 años.

Al Jolson




Asa Yoelson (Seredzius, Lituania, 26 de mayo de 1885 ó 1886 - San Francisco (EE. UU.), 23 de octubre de 1950, fue un cantante, actor, guionista y director de música estadounidense de origen lituano.

Hijo de un rabino que en 1893 se trasladó con toda su familia a Norteamérica. Allí desarrollaría una gran variedad artística, primero como animador en bodeviles, cafés, plazas y circos, y luego en teatro, donde hacía repertorios burlescos en obras como La Belle Parée (1911), El Hijo de Robinson Crusoe (1916) y Simbad el Marino (1918-1920).

Asa y su hermano Hirsch, rebautizados como Al y Harry, iniciaron su carrera teatral muy jóvenes. Al tomó entonces la costumbre de teñirse el rostro de negro, lo que le valió su primer éxito.

En 1920, interpretó «Swanee», un tema de George Gershwin que le dará fama en todo el mundo. Después, presenta «Bombo», un espectáculo con el que continúa el éxito. En 1925 conoce un nuevo éxito con «Big Boy» y la canción «California, here I come».

En el año 1927 tuvo una actuación cinematográfica en The Jazz Singer (El Cantor de Jazz) cuya trama era muy parecida a su vida real, como hijo de un rabino. Fue la la primera película sonora, de allí lo catapultó definitivamente a la fama, lo cual luego interpretaría la versión original en teatro con éxitos rotundos en todo el país y en Europa. Su famosa frase "
Un momento, un momento, aún no has escuchado nada!"
quedó en los anales de la Historia del Cine.

Esta película dirigida por Alan Crosland marcó el advenimiento del cine sonoro. Al canta en ella varios temas («Mammy», «Toot, toot, tootsie, goodbye», «Dirty hands, dirty face», «Blue Skies», «Mother, I still have you», etc), convirtiéndose en una estrella del séptimo arte, al que regresa poco después interpretando «The Singing Fool» (1928), una cinta dirigida por Lloyd Bacon con la que alcanza una popularidad mayor si cabe que con «The Jazz Singer». En ella interpreta «Sonny Boy», uno de los más grandes éxitos de su historia artística.

La carrera de Al Jolson en el cine continúa en los años siguientes con «Say it with songs» (1929), «Mammy» (1930) y «Hallelujah, I'm a bum» (1933, bajo la dirección de Lewis Milestone), si bien estos trabajos no consiguen ni mucho menos el éxito de público de los precedentes.

La Warner intenta entonces relanzar la carrera de Al con «Wonder Bar» (1934);
los compañeros de reparto de Jolson son en esta ocasión Dolores del Río, Kay Francis y Dick Powell, pero el film es un fracaso.

El músico contrae matrimonio con Ruby Keeler, una estrella de las revistas musicales, con la cual interpretará «Go into your dance» en 1935. Al año siguiente interpreta «The singing kid» antes de volver a los escenarios de music-hall.

Retorna a la gran pantalla en 1939 con «Rose of Washington Square». En «Rhapsody in blue» (1945), un filme que repasa la vida del gran Gershwin, Al se interpreta a sí mismo, interpretando canciones del gran compositor que le había proporcionado su primer gran éxito en 1920.

En 1946, se produce la la película «The Jolson Story», dirigida por Alfred Green y en la que el cantante presta su voz al actor Larry Parks, encargado de interpretar su vida en la pantalla. Esta película fue un gran éxito que permitió a Al relanzar su carrera como cantante.

Todavía en vida de Jolson se estrenó una segunda película-homenaje a su carrera («Jolson sings again», 1949, dirigida por Henry Levin), lo que prolongó esta segunda época de éxito del artista.

Pocos meses antes de su muerte, acaecida el 23 de octubre de 1950 en San Francisco debido a un ataque al corazón, montó un espectáculo musical destinado a las tropas estadounidenses destinadas en la Guerra de Corea.

George Burns


George Bursn y Gracie Allen.

George Burns, nacido como Nathan Birnbaum, (20 de enero de 1896 - 9 de marzo de 1996), fue un cómico y actor estadounidense. Su amplia carrera incluye participaciones en teatro, cine, radio y televisión, incluyendo algunos con su esposa, Gracie Allen. Sus rasgos más característicos durante sus casi 75 años de carrera fueron sus cejas arqueadas y el puro con el que siempre aparecía en escena. Pero más destacable es su resurrección artística a una edad en la que la mayoría de las personas están retiradas o ya han fallecido. A partir de los 79 años, y hasta que falleció a los 100 años, George Burns conoció un nivel de fama que ya había perdido y que no conocía desde sus años en la radio.

Nathan Birnbaum fue el noveno de doce hijos nacidos del matrimonio entre Louis y Dorothy Birnbaum en Nueva York. Su padre fue cantor sustituto en la sinagoga local. A causa de la epidemia de gripe de 1903 su padre murió, lo que obligó que Nattie (como era conocido por su familia) empezará a trabajar limpiando zapatos, haciendo recados o vendiendo periódicos.

Burns dejó el colegio en cuarto grado para dedicarse al mundo del espectáculo. Como muchos intérpretes de su generación, probó prácticamente todos los ámbitos del espectáculo, desde el patinaje, el baile, el canto y el teatro. Durante esa época comenzó a fumar puros, y adoptó el nombre por el que se le conocerá el resto de su vida.

Burns casi siempre actuaba con una mujer, a veces bailando, y en ocasiones, como pareja cómica. Fue con una de ellas, Gracie Allen, con la que se casó en 1926 en Cleveland, Ohio, y con la que estuvo durante 38 años, hasta la muerte de ella en 1964. Allen pertenecía a una familia del espectáculo (su madre fue la actriz Ronnie Burns) de origen irlandés y católica.

Burns comenzó en el mundo del cine en los años 30, con películas como "
Ondas musicales"
(1932);
"
Casa internacional"
(1933);
"
Viaje de placer"
(1934);
"
The Big Broadcast of 1936"
(1935);
"
The Big Broadcast of 1937"
(1936);
"
Señorita en desgracia"
(1937) o "
College Swing"
(1938), donde Bob Hope hacía una de sus primeras apariciones en el cine.

Burns y Allen fueron responsables indirectos de la aparición en el mundo del espectáculo de una de las parejas cómicas más famosas de la historia, Bob Hope y Bing Crosby. En 1938, William LeBaron, productor y director ejecutivo de la Paramount, tenía un guión preparado por Don Hartman y Frank Butler para ser protagonizado por la pareja Burns y Allen, junto a un joven llamado Bing Crosby. La historia no convencía mucho a la pareja, por lo que LeBaron pidió a los guionista que reescribieran el guión para que fuera protagonizado por una pareja masculina. La película se llamó "
Ruta de Singapur"
(1940), fue protagonizada por Bob Hope y Bing Crosby, y ha pasado a la historia como la primera película de la pareja Hope-Crosby.

Por aquella época, Burns y Allen también comenzaron a hacer radio. Su primera aparición fue en 1932, y durante años fueron una de las parejas radiofónicas más populares de los Estados Unidos, con programas en los que representaban situaciones cómicas o tenían música en directo (durante un corto periodo de tiempo, el director musical de su programa fue la leyenda del swing Artie Shaw). Su programa más conocido , el "
George Burns &
Gracie Allen Show"
contaba con la participación de intérpretes como Mel Blanc, Bea Benaderet o Hal March. La mayor parte de la carrera radiofónica la hicieron en la cadena NBC, aunque en 1948 se trasladaron a la CBS, donde en 1950 hicieron el salto a la televisión. Con un programa que se llamaba igual que el de radio, The George Burns &
Gracie Allen Show, la pareja siguió cosechando el mismo éxito que habían tenido hasta ese momento.

Siguiendo un consejo de Lucille Ball y Desi Arnaz, formaron una compañía propia, McCadden Corporation, con la que comenzaron a producir programas y anuncios de televisión. Además de su show, la compañía produjo series como "
The Bob Cummings Show"
;
"
The People's Choice"
, protagonizada por Jackie Cooper;
"
Mona McClusky"
, con Juliet Prowse;
o "
Mister Ed"
, protagonizada por Alan Young y su caballo "
parlante"
.

"
The George Burns &
Gracie Allen Show"
estuvo en antena hasta 1958, cuando Gracie se retiró debido a sus problemas cardiacos. Es en ese momento, cuando Burns comete uno de los mayores errores de su carrera: continuar el programa sin ella. Todo el reparto se volvió a reunir para hacer el "
The George Burns Show"
, pero el resultado no fue el mismo sin Allen y el programa duró sólo un año.

En 1964, Gracie Allen muere a causa de una ataque cardiaco, lo que hace que Burns se vuelque en el trabajo para intentar sobrellevar el dolor. McCadden Productions coproduce la serie de televisión "
No Time for Sergeants"
, basada en una obra de Broadway, mientras que él se embarca en una serie de actuaciones en teatros y clubs a lo largo de todo Estados Unidos, donde trabaja con compañeras como Carol Channing, Dorothy Provine, Jane Russell, Connie Haines o Berle Davis.

Ya en 1974, Jack Benny firma un contrato para interpretar uno de los papeles principales en la versión cinematográfica de la obra de Neil Simon "
La pareja chiflada. La salud de Benny comienza entonces a fallar, y tiene que renunciar al papel. Su gran amigo Burns, es quien le sustituye en la película y constituye el renacimiento de su carrera. Su interpretación del actor marchito Al Lewis le otorgó el Oscar de la Academia al Mejor actor de reparto. Hasta que Jessica Tandy subió al escenario del Dorothy Chandler Pavilion en 1990 para recoger su Oscar por "
Paseando a Miss Daisy"
, George Burns fue la persona de más edad que había recibido este premio.

A partir de ese momento, Burns vuelve al cine, protagonizando películas como "
Oh, God!"
(1977), "
Oh, God! Book Two"
(1980) o "
Oh, God! You Devil"
(1984). En 1988 protagoniza "
Plantón al cielo"
, donde interpreta a un millonario que intercambia su cuerpo con el de su nieto de 18 años después de un accidente de coche.

Su última película es "
Muerte en las ondas"
(1994) ya con 98 años de edad.

Burns falleció el 9 de marzo de 1996, cuarenta y nueve días después de celebrar su centenario, por causas naturales.

Curiosidades:

1ª Cuando Gracie Allen fue enterrado, en su lápida se podía leer "
Gracie Allen Burns - Amada esposa y madre"
. Después de la muerte de George Burns, la inscripción fue reemplazada por "
Gracie Allen y George Burns - Juntos otra vez"
.

2ªEn la película "
Star trek IV - Misión: salvar la Tierra"
, las dos ballenas jorobadas se llaman George y Gracie en homenaje a Burns y Allen.

3ª En un episodio de "
Los Simpsons"
, se sugiere que el personaje ficticio de Montgomery Burns es en realidad el hermano de George Burns ya que tienen el mismo apellido.

Jessica Tandy




Jessie Tandy (n. 7 de junio de 1909 - m. 11 de septiembre de 1994) fue una actriz de teatro, cine y televisión británica.

Jessica Tandy nació en Londres en 1909 y fue educada en el Dame Alice Owen's School de Islington.

Se casó dos veces: la primera, entre 1932 y 1942, con el actor británico Jack Hawkins con quien tuvo una hija, Susan Hawkins (nacida en 1934);
la segunda, entre 1942 y hasta el día de su muerte, con el actor canadiense Hume Cronyn. De este matrimonio nacieron sus hijos, Christopher Cronyn y la actriz Tandy Cronyn.

En 1990 se le detectó un cáncer de ovario, contra el que combatió durante cuatro años, pero que al final acabó con su vida en 1994. A pesar de estar enferma, continuó trabajando hasta el final de sus días.

Después de trabajar en el mundo de la interpretación durante 65 años, Tandy llegó al estrellato cinematográfico en sus últimos años, interpretando papeles en películas de grandes estudios y dramas intimistas.

Ya desde joven, Tandy tenía la determinación de dedicarse al mundo de la interpretación, y su primera actuación fue en 1926 en el teatro en Londres. Sobre las tablas, dio la réplica a actores de la talla de Sir Laurence Olivier en la obra de William Shakespeare "
Enrique V"
, o a Sir John Gielgud en "
El rey Lear"
.

Después de separarse de su primer marido se trasladó a Nueva York, donde conoció al que sería su segundo esposo Hume Cronyn, actor canadiense con el que compartió escenario y pantalla en múltiples ocasiones. En 1944 hizo su debut cinematográfico en Estados Unidos en la película "
The Seventh Cross"
, y apareció en películas como "
El valle del destino"
(1945), "
Los años verdes"
(1946), en la que interpretaba a la hija de Cronyn, o "
Ambiciosa"
(1947). Después de ganar un premio Tony por la interpretación de Blanche DuBois en la producción original de la obra de Tennessee Williams "
Un tranvía llamado deseo"
, se concentró en el teatro y sólo hizo apariciones esporádicas en películas como "
The Light in the Forest"
(1958) o "
Los pájaros"
(1963).

El comienzo de los años 80 contempló el resurgir de la carrera de Tandy, con papeles en películas como "
El mundo según Garp"
, "
Amigos muy íntimos"
, "
Bajo sospecha"
(todas en 1982), "
Las bostonianas"
(1984), o el éxito "
Cocoon"
(1985), junto a su marido, con quien volvió a coincidir en "
Nuestros maravillosos aliados"
(1987) y Cocoon: El regreso (1988). En 1987 ganó un premio Emmy, por su papel en la película de televisión Foxfire. Sin embargo, el papel que la llevó a ocupar uno de los lugares de honor en la historia de Hollywood llegó en 1989. Ese año interpretó a Daisy Werthan, una testaruda anciana sureña judía en la película "
Paseando a Miss Daisy"
, que la hizo acreedora del Oscar a la mejor actriz. Ha sido la persona más anciana que ha ganado nunca ese premio, batiendo en casi un año la anterior marca que tenía en su poder el actor George Burns. Tres años más tarde consiguió una nueva nominación, esta vez en la categoría de mejor actriz de reparto, por su papel en "
Tomates verdes fritos"
(1992). Ese mismo año protagonizó "
Used People: romance otoñal"
(donde interpretaba a la madre judía de Shirley MacLaine), y posteriormente, "
Ni un pelo de tonto"
(1994) y "
Camilla"
también en 1994, y en la que coincidió por última vez con su marido. Camilla fue su última interpretación, y fue tan audaz como para, a sus 84 años y sabiendo que se estaba muriendo, tener una breve escena desnuda.

En 1991, coprotagonizó el telefilme "
The Story Lady"
(1991) junto a su hija Tandy Cronyn.

Murió en su casa de Easton, Connecticut el 11 de septiembre de 1994, a la edad de 85 años

Marilyn Maxwell



Marilyn Maxwell (n. 3 de agosto de 1921, Clarinda, Iowa;
m. 20 de marzo de 1972, Beverly Hills, California), nacida como Marvel Marilyn Maxwell, fue una actriz de cine y comediante que, además de aparecer en muchas películas y programas de radio, sirvió como atracción para las tropas estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial y la Guerra de Corea en las giras de la USO con Bob Hope. También apareció en muchos de los espectáculos de Hope como una sexy aunque graciosa acompañante.

Comenzó su carrera profesional como cantante de radio cuando aún era una adolescente, antes de firmar en 1942 un contrato con MGM. Entre los programas en los que apareción estuvo The Abbott and Costello Show. El jefe de MGM, Louis B. Mayer, insistió en que eliminase de su nombre la palabra "
Marvel"
. Algunas de sus películas más recordadas son Lost in a Harem (1944), Champion (1949), The Lemon Drop Kid (1951) y Rock-A-Bye Baby (1958).

Bob Hope

Bog Hope y su esposa Dolores.

Bob Hope KBE, KCSG, (n. 29 de mayo de 1903 - m. 27 de julio de 2003), nacido como Leslie Townes Hope, fue un famoso artista Británico-Estadounidense que apareció en teatro, radio y televisión, en películas de cine, y en actuaciones para el ejército de los Estados Unidos.

Hope nació en Eltham, Inglaterra, siendo el quinto de siete hermanos. Su padre William Henry Hope, Inglés, era cantero de Weston-super-Mare y su madre Avis Townes, Galesa, era cantante de opereta aunque tuvo que dejarlo para dedicarse a limpiar. La familia vivió en Weston-super-Mare, en Whitehall y en St. George in Bristol, antes de trasladarse a Cleveland, Ohio en 1907. Hope se convirtió en ciudadano estadounidense en 1920 cuando tenía 17 años.

Antes de dedicarse al mundo del espectáculo, Hope trabajó como boxeador (con el nombre de Packy Easte), aunque no tuvo mucho éxito. Es entonces cuando participa en algunos concursos, imitando al Charles Chaplin. En uno de ellos le ve el comediante Fatty Arbuckle y en 1925 le da trabajo. Un año después, Hope forma parte de un número llamado "
The Dancemedians"
con las Hermanas Hilton. Después de cinco años en el mundo del vodevil, vuelve a Nueva York y comienza a aparecer en algunos musicales de Broadway. Sus actuaciones eran bien recibidas y los críticos comenzaron a destacar su sentido del humor.

Mediados los años 30, Hope vuelve a Hollywood, donde comienza con algunas películas de serie B para la Warner Brothers. En 1938, en la película "
The Big Broadcast of 1938"
, aparece cantando la canción que se convertirá en su sello, "
Thanks for the Memory"
, y que se convertirá en un gran éxito de ventas y de crítica.

A partir de ese momento, las regulares apariciones de Hope en películas de Hollywood y en la radio, le hacen uno de los mñas conocidos artistas de Norteamérica.

En el cine, es recordado por películas como "
Morena y peligrosa"
y por las películas que protagonizó junto a Bing Crosby y Dorothy Lamour. Lamour es la artista femenina que más trabajó junto a Bob Hope, aunque también lo hizo con actrices como Lucille Ball, Jane Russell o Katharine Hepburn.

También actúo en la televisión, donde debutó en 1932, durante un test de transmisión en los estudios de la CBS en Nueva York. Su carrera en este medio transcurrió a lo largo de 64 años, trabajando principalmente para la NBC.

Nunca ganó un Oscar por sus interpretaciones, pero la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas le otorgó varios premios especiales y actúo como maestro de ceremonias en varias ediciones de los Premios de la Academia entre los años 50 y los 80.

En el ámbito personal, se casó dos veces. La primera fue con su compañera de vodevil Grace Louise Troxell con quien se casó el 25 de enero de 1933, de la que muy pronto se divorció. Hope se casó posteriormente con Dolores DeFina el 19 de febrero de 1934. Dolores, cantante en un nightclub y conocida profesionalmente como Dolores Reade, a la que conoció dos meses antes, fue su esposa durante 69 años, siendo el matrimonio más duradero en la historia de Hollywood hasta la fecha. Adoptaron cuatro hijos, todos ellos de un orfanato en Evanston, Illinois.

Debido a su longevidad, Hope sufrió dos "
muertes prematuras"
. En 1998, un obituario preparado por la Asociación de la Prensa fue publicado en internet por error. En 2003, su obituario estaba entre los que fueron publicados en la CNN por error.

Hope celebró su 100 cumpleaños el 29 de mayo de 2003. Para celebrar este evento, el cruce entre Hollywood Boulevard y Vine street en Los Ángeles, California fue llamado Bob Hope Square y su centenario fue declarado el Día de Bob Hope en 35 estados de Estados Unidos. Hope murió dos meses después a causa de una neumonía, el 27 de julio de 2003 en su casa del Lago Toluca, al norte de Hollywood

Mary Brian




Mary Brian (17 de febrero de 1906 – 30 de diciembre de 2002) fue una actriz cinematográfica estadounidense que trabajó en la época del cine mudo, y que hizo con éxito la transición al cine sonoro.

Su verdadero nombre era Louise Byrdie Dantzler, y nació en Corsicana, Texas. Sus padres eran Taurrence J. Dantzler (diciembre de 1869 – 18 de marzo de 1906) y Louise B. (12 de agosto de 1876 – 3 de abril de 1973). Su hermano fue Taurrence J. Dantzler, Jr. (9 de agosto de 1903 – 6 de abril de 1973).

Su padre falleció cuando ella tenía un mes de edad, tras lo cual su familia se trasladó a Dallas, Texas. A principios de los años veinte se mudaron a Long Beach, California, donde a los 16 años de edad fue descubierta durante un concurso local de bellezas en traje de baño. Uno de los jueces era la famosa actriz cinematográfica Esther Ralston (que más adelante interpretaría a su madre en Peter Pan, y con la que hizo una amistad duradera). No llegó a ganar el premio de 25 dólares, pero sí consiguió de Paramount Pictures una entrevista con el director Herbert Brenon, tras la cual obtuvo el papel de Wendy Darling en la versión de 1924 de la obra de J. M. Barrie Peter Pan (1924). El estudio firmó un contrato de larga duración con la actriz, cambió su nombre por el de Mary Brian, y dijo que ella tenía 16 años en vez de 18, para así parecer más joven para el papel.

Posteriormente Brian fue Fancy Vanhern, hija de Percy Marmont, en el film de Brenon The Street of Forgotten Men (1925), en el cual actuaba la recién llegada Louise Brooks en el papel de una prostituta, sin aparecer en los créditos.

Brian fue apodada "
La chica más dulce del cine."
Con una cesión a la MGM, hizo el papel de Mary Abbott, junto a William Haines y Jack Pickford en Brown of Harvard (1926). Fue nombrada una de las WAMPAS Baby Stars de 1926, junto a Mary Astor, Dolores Costello, Joan Crawford, Dolores Del Rio, Janet Gaynor, y Fay Wray.

A lo largo de sus años con Paramount, Brian actuó en más de 40 películas, haciendo el papel de ingenua y joven coprotagonista. Trabajó nuevamente con Brenon en 1926 cuando interpretó a Isabel en la película basada en la obra de P. C. Wren Beau Geste, protagonizada por Ronald Colman. Ese mismo año rodó Behind the Front y Harold Teen. En 1928 fue la ingenua Alice Deane de Forgotten Faces (Caras olvidadas), con Clive Brook como su sacrificado padre, Olga Baclanova como su madre y William Powell en el papel de Froggy. Como muchas de sus películas en Paramount, Forgotten Faces, que fue un éxito de taquilla, no se conservó, y se presume que se ha perdido para siempre.

Su primera película hablada fue Varsity (1928), la cual fue rodada parcialmente sonora, y en la que trabajó con Charles Rogers. Tras su éxito en la transición al sonoro, ella actuó con Gary Cooper, Walter Huston y Richard Arlen en uno de los primeros westerns hablados, The Virginian (1929), película ésta ya totalmente sonora. En ella interpretaba a una heroína de la frontera, la profesora Stark Wood, de la cual se enamoraba el Virginiano (Cooper).

Brian coprotagonizó varios éxitos a lo largo de los años treinta, incluyendo su papel como Gwen Cavendish en la comedia de George Cukor The Royal Family of Broadway (1930), con Ina Claire y Fredric March, el papel de Peggy Grant en la comedia de Lewis Milestone The Front Page (Un gran reportaje) (1931), con Adolphe Menjou y Pat O'Brien, y el personaje de Hope Wolfinger, la hija de W. C. Fields, en The Man on the Flying Trapeze (1935).

Entre otros papeles se incluyen los de Murial Ross en Shadows of Sing Sing (1933), película en la que encabezó el reparto, Gloria Van Dayham en College Rhythm (1934), Yvette Lamartine en Charlie Chan in Paris (1935), Sally Barnaby en Spendthrift (1936), con Henry Fonda, y Doris en Navy Blues (1937), en la que también encabezó el reparto.

Tras finalizar su contrato con Paramount en 1932, Brian se hizo independiente. Ese mismo año actuó en el vodevil, en el Teatro Palace de Nueva York. En 1936 viajó a Inglaterra, donde hizo tres películas. Se retiró de las pantallas entre 1937 y 1943.

También trabajó en el teatro, e hizo una gira representando la comedia Mary Had a Little... en los años cuarenta. Durante la Segunda Guerra Mundial entretuvo a los militares estadounidenses en el Pacífico Sur y en Europa. Pasó la Navidad de 1944 con los soldados que luchaban en la Batalla de las Ardenas.

Su última actuación en el cine fue en Dragnet (1947), una película de serie B en la cual trabajaba con Henry Wilcoxon. A lo largo de 22 años, Brian actuó en más de 79 películas.

Durante los años cincuenta Brian actuó ocasionalmente para la televisión, incluyendo los programas Meet Corliss Archer (1954) y Strike It Rich (1955). En sus años de retiro también dedicó tiempo a la pintura de retratos.

Aunque tuvo varias relaciones sentimentales, algunas de ellas con personalidades de Hollywood tales como Jack Pickford, Brian se casó solamente dos veces. La primera con el ilustrador Jon Whitcomb (casados el 4 de mayo de 1941 – divorciados en 1941) y la segunda con el cineasta George Tomasini (1947 – fallecimiento de él en 1964). Tras retirarse del cine, se dedicó a apoyar la carrera de su segundo marido. Tomasini trabajó en el montaje de los clásicos de Alfred Hitchcock Rear Window (La ventana indiscreta) (1954) y Psicosis (1960).

Mary Brian falleció por un fallo cardiaco a los 96 años de edad en Del Mar, California. Está enterrada en el cementerio Forest Lawn Memorial Park de Los Angeles.

Mary Brian tiene una estrella por su contribución al cine en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 1559 de Vine Street, en Hollywood.

:-) muy interesante , no conocia a mary brian.

Angela Lansbury

Angela y sus hijos: Deidre y Andrew .

Angela Brigid Lansbury, (n. 16 de octubre de 1925), es una actriz y cantante inglesa ganadora de los premios Tony, Globo de Oro.

Nieta del candidato a Primer Ministro Laborista George Lansbury, Angela Lansbury nació en Londres el 16 de octubre de 1925.

Abandonó Reino Unido al estallar la guerra en el último buque que permitía atravesar el Atlántico, instalándose en Estados Unidos en 1941. Allí aceptó papeles de reparto que pronto le darían fama. En National Velvet (1944) encarnó a la hermana de Elizabeth Taylor. En Luz que agoniza (George Cukor 1944), interpretó al ama de llames de Ingrid Bergman, papel que le valió su primera candidatura a los Oscar. Al año siguiente repetiría la hazaña al ponerse en la piel de una joven actriz que se suicidaba al ser abandonada por su novio en El retrato de Dorian Gray. Ese mismo año se casó con Richard Cromwell, de quien se divorciaría doce meses después. Pronto contraería segundas nupcias con el productor Peter Shaw (1949). En lo profesional guardaba un contrato con la Metro Goldwyn Mayer, compañía bajo la cual rodó El estado de la unión — en la que encarnó a una mujer amargada por el recuerdo de su padre difunto — Sansón y Dalila (Cecil B. DeMille, 1949), interpretando a Semadar, la hermana mayor de Dalila;
y Los tres mosqueteros (George Sydney, 1948), donde apareció ataviada como Ana de Austria.

Dos años más tarde obtendría la nacionalidad estadounidense.

El nacimiento de su hijo Anthony Shaw en 1952 la apartó del cine durante la década, en la que apenas intervino en algún filme como Mamá nos complica la vida (Vincente Minnelli, 1957), y El largo y cálido verano, donde interpretó a la amante alcohólica de Orson Welles. En 1962 se produjo su regreso con El mensajero del miedo (John Frankeheimer). Su papel de madre posesiva, ferviente anticomunista, casi le proporciona un Oscar a la mejor actriz de reparto que cayó en el último momento en las manos de la actriz Patty Duke.

Con la popularidad recuperada, Angela Lansbury volvió al teatro donde representó obras como Mame y espaciando sus intervenciones cinematográficas, entre ellas la llevada a cabo en La historia más grande jamás contada (1965).

La década de los setenta arrancó con el estreno de La bruja novata (Robert Stevenson, 1971), cinta de la Disney en la que Lansbury interpretó a la Señorita Price, una solterona que emplea sus conocimientos de brujerías para combatir -con la ayuda de unos niños huérfanos que acoge en su casa- a las tropas nazis que asolan Reino Unido. Doce meses después recibía una candidatura a los Globos de Oro.

En 1978 reverdeció laureles al encarnar a Salomé Otterbourne en Muerte en el Nilo (John Guillermin), protagonizada por su ex cuñado Peter Ustinov. Las condiciones precarias de rodaje — la actriz tuvo que compartir camerino con Maggie Smith y Bette Davis — pronto se vieron recompensadas. Su papel de escritora de novelas eróticas alcoholizada y que tenía que afrontar una posible demanda de difamación le llevó a las puertas de los BAFTA. Por su parte la National Board of Review la proclamó la mejor actriz de reparto del año. La crítica incidió en la preferencia de Angela Lansbury por los papeles con mayor edad que ella misma.

Los productores de Muerte en el Nilo, John Brabourne y Richard Goodwin, satisfechos con su trabajo le ofrecieron la posibilidad de interpretar a Mrs. Marple en El espejo roto (1980), donde compartió cartel con Tony Curtis, Elizabeth Taylor, Kim Novak, Rock Hudson, Geraldine Chaplin y Edward Fox. A partir de entonces se consolidó su imagen de señora mayor, rebosante de sabiduría y humanidad, capaz de comprender los problemas de los demás de un sólo golpe de vista y disminuirlos a base de buenos consejos, vitalidad, serenidad, humor, paciencia y afecto.

Cuando su marido Peter Shaw produjo la serie Murder, She Wrote en que se acentuó esa imagen. Su papel de Jessica Fletcher, escritora de novelas policiacas aficionada a resolver asesinatos, le proporcionó una notable flecha que se tradujo con múltiples candidaturas a los Premios Emmy — ninguna traducida en una estauilla — así como varios Globos de Oro.

En pleno éxito profesional, Neil Jordan la llamó para encarnar a Angela Carter en el título de culto En compañía de lobos. A pesar de ello decidió avanzar en su carrera televisiva compaginando su trabajo en la serie con algún telefilme como Mrs. Harris goes to Paris, junto a Omar Sharif, el doblaje de películas de animación — cf. La bella y la bestia, Anastasia — y algunas apariciones públicas como la que llevo a cabo en 1993 cuando entregó el Premio Jean Hershoft a Elizabeth Taylor por su labor humanitaria.

En 1995 finalizó la emisión de Murder, She Wrote, volcándose en la enseñanza del oficio de actor. Entre sus alumnos podemos destacar a Mathew Goode. Así mismo tuvo que atender a varios problemas familiares.

En 2002 falleció su marido. Para sobrellevar la pérdida, Angela Lansbury retomó su carrera, protagonizando más telefilmes sobre Jessica Fletcher y regresando a la gran pantalla con La niñera mágica (Kirk Jones), sobre un guión de Emma Thompson. Empero una rotura de la rodilla le impidió participar en la adaptación de The Last Unicorn.

En Muchachada Nui es la hija adolescente que aparece en Los Klamstein.

Gwen Lee




Gwen Lee (12 de noviembre de 1904 - 20 de agosto de 1961) fue una actriz cinematográfica estadounidense.

Nacida en Hastings, Nebraska, su verdadero nombre era Gwendolyn Lepinski. Empezó su carrera como modelo, y fue descubierta por un director de reparto. Gwen fue elegida una de las WAMPAS Baby Stars de 1928.

Gwen firmó un contrato con MGM en agosto de 1925. Casi inmediatamente fue escogida para participar en dos películas, I'll Tell The World y A Little Bit of Broadway, producida por Robert Z. Leonard. Al final de mes actuó con Mae Murray en The Masked Bride, dirigida por Christy Cabanne. En septiembre de 1925 Gwendolyn fue seleccionada por los directivos de Metro-Goldwyn-Mayer para representar al estudio en un concurso de belleza de la Eastern Star Fashion and Home Exposition, el cual tuvo lugar en octubre. Ocasionalmente Gwen actuó brevemente en películas, peor llamó la atención gracias a su elegancia. Una de esas ocasiones fue la interpretación por MGM de la obra de Edmund Goulding Sally, Irene and Mary (1925). Solo aparecía en dos escenas, pero era embelesadora.

La carrera cinematográfica de la actriz continuó casi una década, ya dentro de la era del cine sonoro. Lee interpretó el papel de Marjory en Untamed, (1929), con Joan Crawford y Robert Montgomery. Actuaría nuevamente al año siguiente con Crawford y con Marie Prevost en el drama carcelario Paid. Otro éxitos de los años treinta en el que participó fueron The Galloping Ghost, con el famoso jugador de fútbol americano Red Grange, en 1931. El mismo año Lee actuó en el drama criminal The Lawless Woman, con Vera Reynolds. Rodó un western, Broadway To Cheyenne (1932), con Rex Bell. Sus últimos papeles los hizo en Man-Proof y Paroled From The Big House, ambas en 1938.

Gwen Lee falleció en Reno (Nevada) en 1961.

Mae Murray




Mae Murray (10 de mayo de 1889 – 23 de marzo de 1965) fue una actriz y bailarina estadounidense, que fue conocida como "
The Girl with the Bee-Stung Lips"
y "
La Gardenia de la Pantalla"
.

Su verdadero nombre era Marie Adrienne Koenig, y nació en Portsmouth, Virginia. Se inició en la interpretación en el teatro de Broadway en 1906 con la bailarina Vernon Castle. En 1908, se unió al coro de las Ziegfeld Follies, siendo cabeza de cartel en 1915.

Murray se convirtió en una estrella tanto en los Estados Unidos como en Europa, actuando junto a Clifton Webb, Rodolfo Valentino, y John Gilbert, entre otros muchos compañeros de baile.

Su debut cinematográfico fue en To Have and to Hold (1916). Se convirtió en una gran estrella de la Metro-Goldwyn-Mayer, trabajando junto a Rodolfo Valentino en The Delicious Little Devil y Big Little Person en 1919. En el cenit de su popularidad, Mae formó su propia compañía productora con el director John M. Stahl. Tuvo algunas críticas sobre sus ropas exageradas y su enorme emotividad, pero sus películas fueron un éxito financiero.

En esa época, en los primeros años veinte, Murray, junto con otras importantes personalidades de Hollywood tales como Cecil B. DeMille, Douglas Fairbanks Sr., William S. Hart, Jesse L. Lasky, Harold Lloyd, Hal Roach, Donald Crisp, Conrad Nagel e Irving Thalberg, fue miembro del Consejo de Administración de la Motion Picture &
Television Fund – Una organización caritativa que ofrece asistencia y cuidados a los integrantes sin recursos de la industria cinematográfica y televisiva. Cuatro décadas más tarde, Mae también hubo de recibir ayuda de la esta organización.

El papel más famoso de Murray fue probablemente el que interpretó en La viuda alegre (1925), de Erich von Stroheim, junto a John Gilbert. Sin embargo, cuando el cine mudo dio paso al sonoro, la voz de Murray se mostró incompatible con el nuevo cine, y su carrera empezó a marchitarse. En 1931 fue escogida para trabajar junto a la estrella del cine mudo Norman Kerry en el film sonoro titulado Bachelor Apartment. La película fue criticada duramente en el momento del estreno y la carrera de ambos en el nuevo medio fue cada vez a menos.

Su trayectoria se vio aún más afectada cuando su cuarto marido, "
Príncipe"
David Mdivani (un falso noble de origen georgiano cuyo hermano, Serge, se casó con la actriz Pola Negri y la heredera Barbara Hutton), se convirtió en su mánager y sugirió a su nueva esposa que dejara la MGM. Desafortunadamente, Mae siguió el consejo de su marido y rompió el contrato, consiguiendo la enemistad del poderoso jefe del estudio Louis B. Mayer. Posteriormente, Mae rogó volver al estudio, pero Mayer no quiso saber nada de ello. Finalmente Mae y David, que se habían casado en 1926, se divorciaron;
tuvieron un niño, Koran David Mdivani (febrero de 1927). Anteriormente había estado casada con William M. Schwenker Jr. (1908-1909), con el corredor de bolsa y campeón olímpico de bobsleigh J. Jay O'Brien (1916-1917), y con el director cinematográfico Robert Z. Leonard (1918-1925).

Durante un breve período de tiempo, Murray escribió una columna semanal para el magnate de la prensa William Randolph Hearst.

En los años cuarenta Murray actuó con regularidad en el club Billy Rose's Diamond Horseshoe, en el cual a menudo se presentaban con nostalgia antiguas estrellas. Sus actuaciones recogieron críticas variadas: su baile (en particular el vals de la Viuda Alegre) era bien recibido, pero Murray no quería reconocer su edad, y se maquillaba en exceso y llevaba ropa poco adecuada para una mujer madura.

En sus últimos años posiblemente se vio afectada por una demencia. Richard Griffith escribió en The Movie Stars, “Su apariencia finalmente fue la caricatura estrafalaria de la superestrella, más que una caricatura peligrosa. Caminaba por la Quinta Avenida con la cabeza hacia atrás, con la mirada fija hacia el cielo. Un observador preocupado vería que ella intentaba presentar una barbilla juvenil a los transeúntes, y esperaría que no tropezara con un bordillo y se cayera al suelo. Se decía que conseguía invitaciones gratis a bailes benéficos, y una vez en ellos pedía a la orquesta que tocara el tema de La Viuda Feliz, que bailaba sola, obligando a los asistentes a retirarse de la pista de baile”.

El único hijo de Murray, Koran David Mdivani, fue educado por Sara Elizabeth "
Bess"
Cunning de Averill Park, Nueva York, quien empezó a cuidarle en 1936, cuando el niño se estaba recuperando de una doble operación de mastoides. Cuando Murray intentó conseguir la custodia de su hijo en 1939, Cunning y sus hermanos, John, Ambrose, y Cortland, se negaron, según el New York Times, teniendo Murray una amarga disputa por la custodia con su anterior marido, Mdivani. Todo finalizó en 1940, consiguiendo Murray la custodia legal del niño, y ordenando el juzgado que Mdivani pagara 400 dólares como pensión alimenticia. Sin embargo, Koran Mdivani siguió siendo criado por Bess Cunning, quien le adoptó en 1940, llamándolo Daniel Michael Cunning.[1]

El hijo de Murray se casó en 1950 con Patricia Ann Maloney de Cohoes, Nueva York. Tuvieron dos hijos, Pamela y Cynthia. La bisnieta de Mae, hija de Cynthia, se llama Elizabeth Mae como homenaje a su bisabuela.
Las finanzas de Murray se hundían, y la mayor parte de su vejez la vivió en la pobreza. Finalmente se trasladó al Motion Picture &
Television Country House and Hospital en Woodland Hills (Los Ángeles), una comunidad de retiro para los profesionales de Hollywood.

Mae Murray falleció a los 75 años. Está enterrada en el cementerio Valhalla Memorial Park, en North Hollywood, California.

Vanessa Redgrave



Vanessa Redgrave nació el 30 de enero de 1937 en Londres fruto del matrimonio entre los actores Michael Redgrave (1908-1985) y Rachel Kempson (1910-2002). De ellos, como su hermano Corin Redgrave y su hermana Lynn Redgrave, heredó cierto gusto por el mundo de la interpretación así como una afinidad a las ideas progresistas. El primero lo canalizó ingresando en el Central School of Speech and Drama en Londres y en la Royal Shakespeary Company, estrenando obras como La dama del mar y La gaviota. Lo segundo se materializaría en una larga trayectoria de militancia política y filiación con organizaciones marxistas. Por esas fechas Vanessa se casó con el director Tony Richardson, quien le convertiría en madre de Joely y Natasha Richardson.

En 1964 obtuvo un papel en la serie Adiós a las armas que le facilitaría obtener más roles en películas como "
Un hombre para la eternidad"
. Michelangelo Antonioni se fijó en ella para interpretar a Jane, la mujer que David Hemmings fotografió desnuda en Blow up (1966). En ella Vanessa posaba expuesta a sus semejantes, desafiándolos con sus poderosos brazos y una melena indomable, y que a su vez mantenía su independencia sirviéndose de su cuerpo para ocultar sus senos: Vanessa Redgrave se convertiría gracias a esa secuencia en el prototipo de mujer que abrazaba la causa de la revolución sexual, dispuesta a tambalear todas las instituciones que hiciesen falta. El año finalizó con la obtención del premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes por Morgan, un caso clínico, en la que interpretó a una mujer burguesa que descubría el vacío de su mundo así como el potencial de su propia sexualidad. En enero la academia de Hollywood anunció que Vanessa optaba al Oscar a la mejor actriz y que compartaría terna con...Lynn Redgrave. Finalmente Elizabeth Taylor se erigió en la ganadora. Para entonces, en palabras del crítico Mirito Torreiro, Vanessa Redgrave pasó a encarnar a un prototipo de mujer "
responsable de su propio destino"
, comprometida en toda causa social, luchadora y enormemente activa.

No todo serían mieles. En esas fechas Vanessa se divorció de Tony Richardson, debido al affaire que éste mantenía con la actriz Jeanne Moreau. De dicho fracaso sentimental se rehizo en 1967 cuando conoció en el rodaje de Camelot (Joshua Logan) a Franco Nero, padre de su hijo, Carlo Nero. En ella se intentó hacer una metáfora sobre la necesidad de establecer estados justos y democráticos. Ahora bien la cinta fue masacrada, aunque las críticas no afectaron a Vanessa habida cuenta de su triunfo de una nueva versión de La gaviota, obra que también representó el año siguiente bajo las órdenes de Sidney Lumet, en la que encarnó a Nina, la hija de un terrateniente que se casa con un hombre mayor para desgracia de su enamorado Kostia.

Por esas fechas Vanessa se puso en la piel de la bailarina Isadora Duncan en Isadora (1968), en la que se consideraba la danza una oportunidad de transgresión, y que le valió otra candidatura al Oscar y otro premio del Festival de Cannes. Como protagonista de los movimientros contraculturales de los años sesenta, Vanessa Redgrave fue absorbida por la cultura oficial, participando en obras de teatro y en películas con visos académicos: María, reina de Escocia -donde compartía plantel con Glenda Jackson- así como Las Troyanas -junto a Irene Papas- son sintomáticas al respecto. En teatro representó La ópera de tres peniques, de Bertold Brecht, dirigida por Tony Richardson;
y Noche de reyes, en la que encarnó a Viola, una joven aficionada al travestismo.

En pleno éxito profesional se presentó entre 1974 y 1979 a las elecciones generales por el Partido Revolucionario Trotskista. Su hija Joely Richardson dijo en público: Mi madre dio mucho dinero y durante años no trabajó. siempre estábamos mudándones de casa porque no podía pagar el alquiler. Así es como crecimos con mi madre, con la sensación de que a nuestro alrededor se agotaba. Compaginó dicha actividad po´lítica con su participación en filmes como Asesinato en el Orient Express (1974). En 1977 Fred Zinnerman le otorgó un papel que se ajustaba a su propio ideario personal: Julia, la mejor amiga de Lillian Hellman, una revolucionaria asesinada que pretendía que su compañera se hiciese cargo de su hijo, fue el papel por el cual Vanessa obtuvo el Oscar al quedar enteramente fusionado el perfil del personaje con su imagen pública. Semanas previas a la ceremonia la actriz se había proclamado simpatizante de la causa palestina y miembros de la comunidad judía había quemado una efigie suya. Cuando aceptó su premio, Vanessa, vestida con una túnica vaporosa inspirada en modelos medievales, ofreció un discurso que sacudió el patio de butacas: Queridos colegas: quería daros las gracias. Pienso que Jane Fonda y yo hemos hecho el mejor trabajo de nuestra vida. Desde aquí os saludo y rindo tributo por no dejaros intimidar ante las amenazas de un grupo de sionistas matones, cuyo compartamiento es un insulto a la verdadera talla de los judíos de todo el mundo. Y os prometo que seguiré luchando contra el antisemitismo, la opresión y el fascismo. Parte del público la vitoreó y Paddy Chayefsky la amonestó en el transcurso de la ceremonia. Finalizada la misma, Marsha Mason -candidata ese año por La chica del adiós- dijo que Vanessa era muy valiente.

A pesar del escándalo su ritmo de trabajo no decreció. En 1979 rodó Yankis bajo las órdenes de uno de los protagonistas del Free Cinema, John Schlesinger. En ella Vanessa incorporó a una enfermera cuyo marido se encuentra combatiendo a los nazis, cuyo hijo es maltratado en la escuela privada a la que acude, y sobrelleva sus desgracias manteniendo un romance con un militar americano (William Devane) asentado en tierra británica para planear el asalto a Normandía. Ese mismo año encarnó a Agatha Christie en el filme Agatha, en el que presentaba una imagen de la escritora poco conocida: la de una mujer cuyos valores victorianos quedan derrumbados ante su inminente proceso de divorcio del Coronel Christie (Timothy Dalton: actor con el que compartía su vida personal) y que abraza la idea del suicidio. La panorámica que muestra sus medias rotas ofrece la visión de una mujer madura cuyo mundo se ha desvanecido.

Así mismo James Ivory la contrató para encabezar el plantel de Las bostonianas (1984). En ella Vanessa interpretó a Olive Chancellor, una sufragista enamorada de una de sus protegidas y que no puede luchar contra los valores y modales de su primo Basil (Christopher Reeve). Aunque la actriz consiguió su quinta candidatura, la Academia tenía miedo de premiarla, a pesar de que para entonces ya pertenecía al menos radical Partido Laborista. Repitió con Reeve en la obra teatral Los papeles de Arspen.

En 1985 Michael Redgrave falleció mientras ella representaba sobre las tablas La gaviota y protagonizaba The Wetherby junto a Ian Holm y Judi Dench. Los años siguientes centró su actividad en el teatro, seleccionando sus intervenciones para el cine. Entre éstas se encontraba Regreso a Howards End, en la que interpretó a un personajes en las antípodas de su imagen: su Ruth Wilcocks era una mujer apegada a su marido, feliz con su jardín y declaraba estar en contra de toda actividad sufragista. Llegó su sexta candidatura y aunque ella no recogió una segunda estauilla, aplaudió fervientemente a su compañera oscarizada, Emma Thompson.

A estos títulos se sumaría Un mes en el campo (1995), donde demostraba ser una mujer mayor rebozante de vitalidad y con capacidad para seducir tanto a gales como jóvenes (Alessandro Gassman) como a miembros de su propia generación (Edward Fox);
y Mrs. Dallaway, en la que se puso en la piel de una mujer que optaba por la vida tras reflexionar sobre su propio vacío y frustración vital. Estos dos títulos lograron que la prensa destacase su belleza otoñal, convirtiéndose en una secundaria de lujo en filmes como La casa de los espíritus , Lulú en el puente, Inocencia interrumpida, Misión: Imposible o Wilde. En la primera encarnaba a una matriarca argentina que fallecía el día que nacía su nieta. En la tercera a la directora firme de un psiquiátrico. En la cuarta a una villana que luchaba contra el agente Ethan Hunt. En la última a la madre del escritor Oscar Wilde y que sufría el escándalo público y linchamiento llevado a cabo contra este.

En 1998 abandonó su militancia en el Partido Laborista, indignada ante los abusos policiales en las manifestaciones. De ahí que siguiera interviendo en películas de corte progresista como Abajo el telón, en la que interpretó a la mujer de William Randolph Hearst, una millonaria hastiada de su existencia y que ayudaba entusiasmadas a la izquierda acusada durante la Caza de Brujas.

Mientras tanto seguía obteniendo reconocimientos. En el Festival de Cine de San Sebastián recibió de manos de Núria Espert el Premio Donostia en 1998, obligando a cantar a la platea la letra de John Lennon, Imagine. En 2000 recibió el Globo de Oro por su papel en el telefilme Si las paredes hablasen II.

El cambio de siglo significió el regreso a una intensa actividad política. En 2002 declaró que Guantánamo era un campo de concentración. Al año siguiente, enfadada por la Guerra de Irak, rehusó ir a la Ceremonia de los Oscar para recibir un homenaje conjunto a todos los intérpretes galardonados y se quedó en Reino Unido fundando The Peace and Progress Party con su hermano Corin Redgrave.

Compaginó tal actividad con la representación de obras de teatro como El abanico de Lady Windermre en la que interpretó a la madre de Joely Richardson. Ante tanto trabajo, rechazó varias ofertas cinematográficos como Té con Mussolini , La vida secreta de las palabras y Las horas, la cual le vino dada a raíz de su protagonismo en Mrs. Dallway como en la obra teatral Vita and Virginia, en la que encarnó a Virginia Wolff.

En lo personal fueron años dramáticos: en 2002 falleció Rachel Kempson en casa del marido de Natasha, Liam Neeson;
en 2002 diagnosticaron un cáncer de mamá a Lynn -a la que acogió en su casa durante el periodo que duró la quimioterapía-;
y en 2005 Corin sufrió un infarto del cual se recuperó.

En 2005 obtuvo otro rol importante en el cine en la película La condesa blanca, de nuevo bajo la batuta de Ivory, y en la que compartió protagonismo con Natasha, Lynn y Ralph Fiennes. En ella interpretó a una Princesa desterrada por la Revolución Rusa que usaba sus contactos en la embajada para poder abandonar Shanghai. A es título le sumería Evening -donde encarnaba a una enferma terminal- y Atonement.

Lynn Redgrave


Vanessa y Lynn.


Lynn Rachel Redgrave OBE (Londres, Reino Unido, 8 de marzo de 1943), actriz estadounidense de origen británico perteneciente a la conocida familia de intérpretes. Sus padres son Sir Michael Redgrave y Rachel Kempson, Lady Redgrave, su hermano es Corin Redgrave y su hermana es Vanessa Redgrave. Es tía de las actrices Natasha Richardson, Joely Richardson y Jemma Redgrave.

El primer papel de Lynn Redgrave en una película fue una pequeña aparición en "
Tom Jones"
(1963). En 1966 fue nominada al Oscar a la mejor actriz por "
La soltera retozona"
. Ha trabajado en televisión, en los teatros de Londres y en Broadway. Ha sido nominada dos veces a los premios Tony y ha gando dos veces el premio Sarah Siddons (1977 y 1995) por su trabajo en los teatros de Chicago.

Otras películas en la que ha participado son "
La prostituta feliz"
, "
Every Little Crook and Nanny"
, "
Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo pero temía preguntar"
, "
El autobús atómico"
, "
Sunday Lovers"
y "
Morgan Stewart's Coming Home"
. Entre 1979 y 1981, participó en la serie de televisión americana "
House Calls"
. En 1998 apareció en "
Strike!"
y fue nominada al Oscar a la mejor actriz de reparto por su papel en "
Dioses y monstruos"
. En su última película, "
Kinsey"
, que protagoniza Liam Neeson, tiene un breve pero conmovedor y ampliamente elogiado papel.

En 2000, Redgrave se divorció de su marido durante 33 años, el productor John Clark, cuando se descubrió que había tenido un hijo con su asistenta. Hace algunos años, Redgrave anunció que sufría un cáncer de pecho. Ha escrito una obra, "
The Mandrake Root"
, la cual protagonizará. Ha escrito también un libro en el que narra su batalla contra el cáncer que padece, titulado "
Journal: A Mother and Daughter's Recovery from Breast Cancer"
con fotos realizadas por su hija Annabel Clark.

Redgrave fue nombrada Oficial de la Orden del Imperio Británico, aunque posteriormente se convirtió en ciudadana americana.

Ian McKellen



Sir Ian Murray McKellen (nacido el 25 de mayo de 1939), es un famoso actor británico de teatro y cine, nominado al Óscar en dos ocasiones, una de ellas por su papel de Gandalf en El señor de los anillos. Sus papeles más conocidos han sido en obras de teatro de Shakespeare o en películas de gran éxito, como las trilogías de X-men o El Señor de los Anillos. Es abiertamente gay y también un conocido activista en favor de los derechos de los homosexuales. En 1991, la Reina Isabel II de Inglaterra lo nombró Caballero del Imperio Británico, otorgándole el título de Sir Ian McKellen.

Ian Murray McKellen nació en Burnley, Inglaterra, aunque pasó la mayor parte de su infancia en la localidad de Wigan, cerca de Manchester. Sus cuatro primeros años de vida transcurrieron bajo la amenaza de los bombardeos nazis de la Segunda Guerra Mundial, que según sus propias declaraciones, tuvieron un fuerte impacto psicológico en él. Estudió en la Bolton School, en el área metropolitana de Manchester.

La familia McKellen profesaba una fuertemente arraigada fe cristiana, aunque no excesivamente puritana. Su madre (Margery Lois) falleció teniendo él 12 años y su padre(Denis Murray) se volvió a casar. Éste falleció cuando Ian contaba con 24 años, tras lo cual siguió manteniendo una buena relación con su madrastra, a la que confesó su homosexualidad. Según las palabras de McKellen, la viuda de su padre se mostró más contenta que disgustada, ya que sabía que Ian había dejado de mentir sobre su orientación sexual. Comenzó una relación con su primer compañero sentimental en 1964, con quien vivió en Londres hasta 1972, cuando la relación terminó. En 1978 conoció al hombre con el que tendría su segunda relación seria en el Festival de Edimburgo. Su nombre era Sean Mathias, también actor, y tuvieron una relación algo agitada. Sus discusiones parecían tener muchas veces su raíz en la, por alguna razón, menos aclamada carrera de Mathias, que achacaba su poco éxito a su relación con Ian McKellen;
aun así, también reconocía que él había intentado ayudarle siempre. Esta relación duró 10 años.

Ian McKellen debutó en la ciudad inglesa de Coventry en 1961. Su debut en West End, el equivalente londinense al Broadway neoyorkino, fue tres años más tarde. Cuando ya era conocido en el teatro inglés, hizo algunas apariciones en televisión y cine. Pero el papel que realmente le dio la fama fue su caracterización de Eduardo II de Inglaterra, en la obra Eduardo II, del autor del siglo XVI Christopher Marlowe.

En 1972, cofundó junto a su amigo Edward Petherbridge la Actors' Company, lo que le convirtió, a los ojos de los actores de su país, en algo parecido a un portavoz oficial. Entre los años 1974 y 1978, creció considerablemente su reputación como actor, al ingresar en la Royal Shakespeare Company. Allí protagonizó obras como Romeo y Julieta(en la que compartió cartel con Francesca Annis), Macbeth(esta vez con Judi Dench), y The Alchemist, escrita por Ben Jonson. Más tarde, en 1979, protagonizó en Broadway, en la Ciudad de Nueva York, la obra Bent (cuya traducción podría ser gay), que hablaba de la persecución de los homosexuales en la Alemania Nazi. McKellen todavía no había hecho pública su orientación sexual, por lo que dudó en principio si aceptar o no el papel. Finalmente, Sean Mathias, su pareja por entonces, le instó a que lo hiciese. Años más tarde (1990), McKellen volvió a protagonizar esa obra, esta vez en Londres, y tuvo una pequeña actuación en su adaptación al cine en 1997;
en ambas ocasiones actuó bajo la dirección del susodicho Sean Mathias, ya tras haber hecho pública su homosexualidad. Broadway le brindó una nueva oportunidad de éxito al conseguir el papel del músico del Clasicismo Antonio Salieri, en la obra Amadeus (que comenzó en 1980), la cual trataba sobre la vida de Wolfgang Amadeus Mozart. Gracias a este papel consiguió un Premio Tony, uno de los más prestigiosos del teatro estadounidense. Otros trabajos suyos en los EE. UU. le dieron a conocer parcialmente en ese país, donde la mayoría de la gente aún no había oído hablar de él. Así, en 1982 participó en la televisión estadounidense, interpretando a una persona con problemas mentales. Otras de sus apariciones teatrales de relevancia fueron en Richard II(1969), Hamlet (1970), Acting Shakespeare, A Knight Out (proyecto en el que continúa trabajando en 2006), etc

McKellen realizó trabajos en el cine durante toda su carrera como actor, comenzando en 1969 con A Touch of Love. Aun así, fue en la década de los 90 cuando sus apariciones en este medio comenzaron a ser más reseñables y significativas, con participaciones en proyectos que consiguieron gran fama mundial. En 1993, McKellen interpretó un papel secundario en Seis grados de separación, donde trabajó junto a Donald Sutherland, Will Smith y Stockard Channing.

En el 2000 aceptó trabajar en la Trilogía de El Señor de los Anillos interpretando a Gandalf, el mago. Durante unos años trabajó en el cine en películas como la trilogía de X-Men de Bryan Singer (con quien ya había participado unos años antes en Verano de corrupción) y Brett Ratner, basado en los famosos comics del mismo nombre, también en El código Da Vinci (2006) de Ron Howard, basado en el libro de Dan Brown, interpretando a Sir Leigh Teabing, un hábil y obsesionado historiador.

La homosexualidad de Ian McKellen nunca fue un secreto para los compañeros que trabajaban con él, pero no fue hasta 1988 cuando tomó la decisión de hacer pública su condición sexual. Tal decisión fue motivada especialmente por el hecho de que en esa época se estuviese debatiendo en el Parlamento Británico una controvertida enmienda (que prohibía entre otras cosas, hablar de la homosexualidad en las escuelas) conocida popularmente como el Artículo 28. De hecho, la declaración de su homosexualidad la realizó en un programa de radio de la BBC, mientras criticaba dicha enmienda en un debate que mantenía con un periodista conservador.

McKellen ha continuado con su activismo a favor de los derechos de los homosexuales. Participa en varias organizaciones británicas que realizan esfuerzos en ese campo, tales como Stonewall (de la cual es cofundador), LGTB History Month, o The Albert Kennedy Trust.

Michael Caine




Maurice Joseph Micklewhite, Jr. (n. 14 de marzo de 1933), conocido como Michael Caine es un actor británico ganador de los premios Oscar y Globo de Oro.

Bautizado como Maurice Joseph Micklewhite, nació en el East End, un barrio obrero de Londres. En ese barrio se habla inglés con un acento denominado cockney, que se considera vulgar;
curiosamente, en su primera película, Zulu, tuvo que interpretar a un oficial británico de clase alta, como buen actor, Caine disimuló su acento en esta y otras producciones, aunque nunca lo abandonó del todo y se sintió orgulloso de él, así como de su origen humilde.

El padre de Caine transportaba pescado en el mercado de Londres. A los 15 años, Caine dejó la escuela y realizó diversos trabajos de poca importancia, hasta que fue llamado a filas y destinado a Corea, donde llegó a entrar en combate.

A su regreso, Caine comenzó a trabajar como asistente de producción en un teatro. Allí desarrolló su vocación de actor y pronto actuó en pequeños papeles, hasta que logró abrirse camino. Uno de sus trabajos en el teatro fue el de sustituto de Peter O'Toole, papel que interpretó cuando la compañía realizó una gira. Al comenzar a trabajar como actor, Caine adoptó el nombre artístico de Michael Scott, ya que el suyo le pareció inadecuado. En una ocasión estuvo hablando por teléfono con su agente desde una cabina. Debía comenzar en breve una nueva obra y su agente le dijo que tenía que cambiar inmediatamente su nombre artístico debido a que otro actor ya estaba usando el mismo nombre. Ante las prisas, Caine miró a su alrededor y vio en un cine los grandes carteles que anunciaban la película que se estaba proyectando y que era El motín del Caine. Le gustó el nombre y se quedó con él.

En estos primeros años de su carrera, Caine trabajó intensamente e intervino también en películas y series de televisión, lo que le sirvió de preparación para el cine. Después de su primera película Zulu, realizada en 1964, Caine rodó dos películas que le convirtieron en un famoso actor. La primera fue The Ipcress Files, en la que interpretó al espía Harry Palmer, personaje que volvería a representar en otras dos ocasiones. La segunda fue Alfie, menos apreciada en los países no angloparlantes, ya que uno de los principales atractivos del film son los monólogos de Caine hablados con el acento cockney. Las gruesas gafas que llevaba al interpretar a Harry Palmer se convirtieron en marca de identidad de Caine y, a pesar de ellas, el público consideró a Caine como uno de los actores más atractivos de la época.

A lo largo de los años, Caine ha ido incrementando su prestigio como actor, haciendo papeles más complejos y exigentes. Ha interpretado una gran diversidad de personajes, desde el profesor de universidad en Educando a Rita, hasta el empresario de boxeo que ha visto mejores tiempos y que usa la violencia para recomponer su situación en Shiner.

En su dilatada carrera, Caine ha ganado tres Globos de Oro como mejor actor, ha sido nominado al Oscar como mejor actor principal en cuatro ocasiones, ha recibido dos Oscar como mejor actor de reparto por Hannah y sus hermanas y Las normas de la casa de la sidra, y ha obtenido un premio de la Academia de Cine Británica al mejor actor por Educando a Rita.

En 1997 reencarnó al ex-Presidente de Sudáfrica, Frederik de Klerk, que sacó a Nelson Mandela de la cárcel en la película Mandela and de Klerk.

En 2000 la Corte Real británica le nombró caballero, lo que le convirtió en Sir Maurice Micklewhite. Contrariamente a la costumbre generalizada entre los actores, Caine siempre ha utilizado su nombre verdadero en la vida real.

Caine se casó dos veces. Su primer matrimonio duró sólo tres años (Patricia Haines). En 1973 se volvió a casar, (Shakira Caine). Tiene dos hijas, una de cada matrimonio.