ACTORES Y ACTRICES DE TODOS LOS TIEMPOS

Alida Valli



Alida Maria Laura von Altenburger, baronesa de Markenstein Frauenberg, nombre real de Alida Valli (nacida el 31 de mayo de 1921 en Pola, Italia, que actualmente pertenece a Croacia, y fallecida el 22 de abril de 2006 en Roma, Italia), era una gran actriz cinematográfica italiana.

Nacida en el seno de una familia aristocrática e intelectual, su padre era el barón Gino Altenburger de Trentine, profesor de Filosofía, y su madre era Silvia Obrekar, pianista. Desde pequeña le llamó la atención la interpretación, participando, desde los 8 años, en funciones de teatro benéficas. Cuando cumplió los 13 años comenzó a trabajar en el cine, a través del Centro Experimentale de Cinematografía de Roma, en películas como Il capello a tre punte (El sombrero de tres puntas, de Mario Camerini, 1934) o Il due sargenti (Los dos sargentos, 1936). En el año 1942, realizó su primera gran interpretación en la película Piccolo mondo antico (Pequeño mundo antiguo), que le valió un premio a la mejor interpretación en el Festival de Venecia. Ese mismo año, estrena uno de los clásicos del cine italiano de los 40: el drama "
A través de las nubes"
de Goffredo Alessandrini, que adapta una famosa novela de Ayn Rand ("
El manantial"
) y en el que la Valli realiza una de sus mejores interpretaciones junto al injustamente olvidado pero entonces en apogeo Fosco Giachetti.

Durante la Segunda Guerra Mundial dejó de hacer películas para evitar ser usada como propaganda fascista por parte del gobierno italiano, y por ese motivo tuvo que esconderse para evitar ser detenida. En el año 1944 se casó con el músico Oscar de Mejo, con el que tuvo dos hijos, y del que se divorció en el año 1952 y se vio envuelta, en el año 1954, en un escándalo de drogas, asesinato y sexo en los que estaba involucrado el hijo del ministro de Asuntos Exteriores italiano de la época y cuya coartada fue ella. Esto prácticamente arruinó su carrera.

Terminada la Segunda Guerra Mundial decidió intentar abrirse un hueco en Hollywood, donde solo se la conocería por su apellido, Valli. Contratada por David O. Selznick, protagonizó la película El Proceso Paradine, de Alfred Hitchcock en el año 1947, en un papel pensado para el regreso a la pantalla de Greta Garbo, junto a Gregory Peck y Ethel Barrymore;
En 1949 rueda en Inglaterra y protagoniza la que probablemente es su película más conocida internacionalmente, El tercer hombre de Carol Reed, junto a Orson Welles y Joseph Cotten. Y termina su estancia en Hollywood con el memorable melodrama "
El milagro de las campanas"
(1948, Irving Pichel) junto a Fred MacMurray y el magnífico pero olvidado drama de escaladores "
La montaña trágica"
(1950, Ted Tezlaff) haciendo aquí uno de sus mejores trabajos al lado de Glenn Ford. Posteriormente, participa en otras películas que le dieron prestigio, ya afincándose en Europa, como la magistral Senso (1953, Luchino Visconti), donde se enamoraría de su compañero de reparto Farley Granger;
la inconmesurable El grito (1957, Michelangelo Antonioni), junto al norteamericano Steve Cochran;
la terrorífica Los ojos sin rostro, (1959, Georges Franju), en compañía de Edith Scob;
una interesante versión del Edipo Rey de Sófocles en (1967 realizada por Pier Paolo Pasolini), junto a Silvana Mangano y Franco Citti;
o la monumental Novecento (1976) y el obsesivo drama de culto La Luna, (1979), ambas de Bernardo Bertolucci. Estuvo dedicada al cine hasta pocos años antes de morir, siendo una de sus últimas apariciones destacadas Un mes en el lago de John Irvin, estrenada en 1995, donde compartía protagonismo con Vanessa Redgrave y Uma Thurman. En el año 1997 consiguió un León de oro del Festival de Venecia a toda su carrera cinematográfica. Murió el 22 de abril de 2006 a la edad de 84 años.

Actriz versátil, de inconfundible mirada y con una fascinante presencia en la pantalla, convivió con el cine de evasión (en los años 40), el estrellato internacional (en los 50) y una espléndida madurez interpretativa (en los 60). Su paso por Hollywood empezó siendo prometedor pero, al igual que pasó con otras actrices europeas en esa época ([[Viveca Lindfords, May Britt, Diana Dors), tras la novedad inicial pasó a engrosar la lista de bellezas exóticas en papeles de poca enjundia. Pero, pese a que no estuvo demasiado aprovechada para el cine es uno de esos personajes que han pasado, merecidamente, a la historia del séptimo arte aunque el gran público no se haya enterado.

Alida y Frank Sinatra:

Alida en una de sus imagenes mas conocidas:

QUE LINDA MUJER, UNA BELLEZA..
LA VERDAD QUE UNO SE ACOMPLEJA LUEGO DE VER TANTA CHICA GUAPA..
LEYLA... ME HAS DEJADO SOLITA EN EL FORO DE BAVIERA... :smt102

Ingrid Bergman



Ingrid Bergman (29 de agosto de 1915 - 29 de agosto de 1982) fue una actriz sueca ganadora de los premios Oscar y Globo de Oro. Según la lista realizada por el American Film Institute, es la cuarta estrella más importante en la historia del cine.

Quedó huérfana de madre cuando tenía dos años y su padre murió 10 años después, por lo que fue criada por unos familiares. Decidió hacerse actriz para combatir su extrema timidez y dio sus primeros pasos en el teatro. A los dieciocho años fue elegida entre cientos de aspirantes para estudiar en la Real Escuela de Teatro dramático (donde también estudió Greta Garbo).

En 1937 se casa con el dentista Petter Lindström, relación de la que nace su hija Pia Lindström. En 1939, y después de protagonizar una docena de películas en Suecia, se traslada a los Estados Unidos para protagonizar la película de David O. Selznick "
Intermezzo"
.

En 1942 se convierte en una de las estrellas de la época al protagonizar junto a Humphrey Bogart la película de Michael Curtiz "
Casablanca"
. 1943 supone el año en el que recibe su primera candidatura a los Oscar, en este caso por su papel en la película "
Por quién doblan las campanas"
, aunque no consigue finalmente el premio. Al año siguiente se puede resarcir de esa desilusión, pues gana el Oscar a la mejor actriz, esta vez por su papel en "
Luz que agoniza"
. En 1945 recibe su tercera candidatura consecutiva a los Oscar, este vez por la película "
Las campanas de Santa María"
. La actriz recibiría su cuarta candidatura a los Oscar en la categoría de mejor actriz en 1948, por su papel en "
Juana de Arco"
.

En 1949 se traslada a Italia para rodar a las órdenes de Roberto Rossellini la película "
Stromboli"
. Durante el rodaje de la película comienza una relación con el director italiano. Fruto de esta relación, Bergman queda embarazada de su hijo Roberto, (nacido el 7 de febrero de 1950), lo que provoca un gran escándalo en los Estados Unidos. El escándalo fue tal que incluso provocó que la actriz fuera declarada persona non grata en territorio americano, lo que hizo que se exiliara en Italia, dejando a su marido y a su hija en los Estados Unidos. Después de separarse de Lindström y tras el nacimiento de su hijo, la actriz y el director se casan el 24 de mayo de 1950. Con el director italiano tiene además otras dos hijas, las gemelas Isabella e Isotta. Finalmente, se separara de Rossellini en 1957. De su época en Italia destaca su trabajo en seis películas dirigidas por su entonces marido, entre ellas "
Giovanna d'Arco al rogo"
(1954).

En 1956 vuelve a ganar el Oscar a la mejor actriz por su interpretación en la película "
Anastasia"
, siendo su amigo Cary Grant quien recoge el premio en su nombre. En 1958 vuelve por primera vez a Hollywood después del escándalo de su matrimonio para presentar el Oscar a la mejor película en la 31ª Edición de la ceremonia de entrega de los Premios de la Academia. La sala la recibe con una cerrada ovación. Ese mismo año se casa con el productor sueco Lars Schmidt, del que se separará en 1975.

A partir de entonces comienza a alternar películas en Estados Unidos y en Europa, así como apariciones ocasionales en dramas televisivos y en obras de teatro.

En 1974, Bergman recibe su tercer Oscar, esta vez en la categoría de mejor actriz de reparto, por su participación en la película "
Asesinato en el Orient Express"
.

Su última candidatura a los Oscar la recibió en 1978 por su papel en "
Sonata de otoño"
, del director sueco Ingmar Bergman.

A lo largo de su vida, tres directores marcaron su carrera cinematográfica: Gustaf Molander, quien la dirigió en siete películas y con el que fue proclamada mejor promesa del cine sueco en 1935;
Rosellini, quien la dirigió en seis películas y fue su marido;
y Alfred Hitchcock, que la dirigió en tres ocasiones siendo ya una consolidada actriz.

Recibió el galardón italiano Ruban d'Argento a la mejor actriz extranjera en dos ocasiones por las películas "
Stromboli"
, de 1951, y "
Europa 51"
, de 1953.

También ganó el Premio Emmy (Oscar televisivo) por sus trabajos en "
Turn of the screw"
(1959) y "
Una mujer llamada Golda"
(1982). Por esta miniserie (su último papel) obtuvo además el Globo de Oro a la mejor actriz en miniserie o telefilme.

Murió de cáncer en Londres el día de su 67º cumpleaños.

ASI QUE ALIDA vALLI ERA BARONESA, INTERESANTE, NO LO SABIA. ;
)

Leslie Caron



Leslie Caron es una actriz y bailarina franco-estadounidense nominada a los Oscar, ganadora de un Globo de Oro y un Emmy. Caron dijo de sí misma: "
No soy una bailarina. Me defiendo."

Leslie Claire Margaret Caron nació en Boulogne-Billancourt, Francia, hija del químico Claude Caron, y la bailarina nortemaericana Margaret Petit. Caron se preparó para su futura carrera de bien pequeña gracias a la ayuda de su madre.

Caron fue descubierta por Gene Kelly mientras bailaba con un ballet. El afamado bailarín la escogió para ser su pareja en en el clásico Un americano en París (1951). El éxito de Caron fue tan elocuente que firmó un contrato de larga duración con MGM, cosa que le permitió aparecer en otros títulos como La zapatillas de cristal (1955) o Lili (1953). Precisamente por esta actuación, le permitió a Caron conseguir la primera nominación a los Oscars en 1953. En la segunda parte de los 50, aparecería en títulos tan inolvidables como Papá piernas largas (1955) con Fred Astaire o Gigi (1958) con Louis Jourdan y Maurice Chevalier.

Como quiera que los musicales empezaban a entrar en un lento declive a principios de los 60, Caron dio un giro a su carrera con la interpetación de un preñada esperando a abortar en La habitación en forma de L (1962), un papel que le llevó a ser nominada a los Oscar en la categoría mejor actriz principal y ganar esa misma categoría en los Premios BAFTA.

Sus otras apariciones en los últimos años incluyen Operación whisky (1964) junto a Cary Grant, la obra de Ken Russell sobre Valentino (1977), sobre el mítico actor Rodolfo Valentino y donde Caron hace el papel de Alla Nazimova o la obra de Louis Malle Herida (1992). También hay que destacar su participación en el aclamado film de Lasse Hallström Chocolat (2000) o más recientemente Le Divorce (2003) de James Ivory junto a Kate Hudson y Naomi Watts.

Caron se casó con Geordie Hormel, nieto del fundador de la empresa alimenticia Hormel en septiembre de 1951. Se divorciaría en 1954.

Su segundo marido sería el actor y director británico Peter Hall con el que tendría dos hijos, Christopher (productor de televisión) en 1957 y Jennifer (actriz) en 1962. Cuando se divorciaron en 1965, se culpó a Warren Beatty de ser el responsable y se le ordenó por la justicia británica a pagar los costes del caso. Caron tuvo un romance con Beatty (1961).

En 1969, se casaría con el productor Michael Laughlin con el que estaría unida hasta 1980.

A estos, hay que añadirles los diferentes novios que tuvo Caron como Peter Lawford, Frank Sinatra, el guionista Jean-Pierre Petrolacci o Robert Wolders (ex marido de Merle Oberon y amante de Audrey Hepburn).

Por último se casaría con Paul Magwood (trabajador en productoras como backstage y con el que estaría hasta 2003, viviendo en Wisconsin. En semiretiro del mundo del cine, tiene un confortable hotel (Auberge La Lucarne aux Chouettes) en Villeneuve-sur-Yonne, a unos 100 km al sur de París)

Kim Novak



Kim Novak (13 de febrero de 1933) es una actriz estadounidense.
Nació en Chicago como Marilyn Pauline Novak. Su padre, que había sido profesor, era funcionario municipal de tráfico, y su madre también había sido profesora. No fue una buena estudiante en el colegio. No se sentía a gusto y le molestaba que se le dijese lo que debía hacer. Cuando terminó sus estudios escolares se dedicó a presentar como modelo vestidos de adolescentes en unos grandes almacenes de la ciudad. Más adelante consiguió una beca para ingresar en una escuela de modelos.

Unos años después Novak realizó diversos trabajos intentando encontrar su camino para el futuro. Hizo de ascensorista, empleada de tienda e incluso de asistente de un dentista. Pero todo ello no le satisfizo, por lo que volvió a su profesión de modelo, que según ella consideraba había desempeñado bien. Se marchó a Los Ángeles para buscar suerte como modelo en esa ciudad. Comenzó a trabajar y un directivo de los estudios RKO le ofreció un papel muy pequeño en una película de 1954. Aún siendo su papel insignificante, un agente se fijó en ella y le consiguió una prueba ante la cámara en los estudios Columbia, de la que resultó un primer contrato de seis meses.

Siendo su nombre Marilyn, el estudio decidió cambiarlo, para evitar comparaciones entre Novak y Marilyn Monroe. Ella insistió que su apellido fuese el verdadero, de manera que finalmente todos se pusieron de acuerdo en Kim Novak. Tomó unas clases de interpretación, que el estudio no quiso pagar, y Novak apareció en ese mismo año de 1954 en su primera película, Pushover, con Fred MacMurray. Aunque su actuación no fue digna de mención, los críticos y las audiencias se fijaron en su atractivo físico y en la expresividad de sus ojos, de forma que unos meses después volvió a actuar en otra película, esta vez con Jack Lemmon.

Novak comenzó a ser popular a raíz de estas dos películas. Recibía gran cantidad de escritos de sus admiradores y admiradoras. Después de su siguiente película, rodada en 1955 y que también resultó un éxito para la joven actriz, llegó en ese mismo año su gran oportunidad con Picnic, film que protagonizó ella con William Holden y que tuvo un éxito rotundo. Novak se había convertido en un actriz, e hizo una interpretación realmente excelente, al igual que Holden. Desde entonces se sucedieron sus apariciones como protagonista en películas co-protagonizadas por actores famosos, como Frank Sinatra en Pal Joey o James Stewart en Vertigo.

Después de rodar The Amorous Adventures of Moll Flanders en 1965, Novak decidió retirarse del cine por un tiempo, y volvió tres años después. Intervino en The Legend of Lylah Clare, que fue un fracaso. A pesar de ello, Novak pudo elegir sus papeles en los siguientes años, debido a su enorme popularidad entre el público, que la consideraba una de las actrices más atractivas del cine. Sin embargo, las películas en las que actuó en los años siguientes no eran buenas, motivo por el cual se fue orientando hacia la televisión, aprovechando las oportunidades que se le ofrecían en este medio de participar en películas de mayor calidad o de mayor audiencia. Así, por ejemplo, en 1981 actuó en la serie Falcon Crest. Diez años más tarde, en 1991, hizo su última película para la gran pantalla, Liebestraum.

Novak se casó en 1965. Ese matrimonio duró sólo un año, y acabó en divorcio. En 1976 se casó de nuevo. Vive con su marido en sus casas de California y Oregon, donde cría caballos y llamas.

Charlie Chaplin



Charles Spencer Chaplin Jr., KBE (Londres, 16 de abril de 1889 – Corsier-sur-Vevey, 25 de diciembre de 1977) fue un actor, director, escritor, productor y compositor británico ganador del Premio Oscar. A través de sus casi 90 películas de cine mudo y sonoro, ha llegado a convertirse en la figura más representativa del cine mudo, el cual le ha dado su fama mundial y la consideración de uno de los grandes genios de la historia del cine. Su cine abunda de imágenes clásicas tan conocidas como su propio personaje. Su hija, Geraldine Chaplin, se dedicó también a la actuación.

El personaje en torno al cual construyó gran parte de su carrera cinematográfica, y que le dio fama universal, fue aquel del vagabundo (The Tramp, en inglés;
Charlot, en español, italiano y francés): un hombre con las maneras refinadas y la dignidad de un caballero, vestido con una estrecha chaqueta, pantalones y zapatos más grandes de su talla, un sombrero bombín, un bastón y un característico bigote. Su inconfundible caminar oscilante, una acentuada emotividad sentimental, y un desencanto melancólico frente a la impiedad y a la injusticia de la sociedad moderna, le hicieron emblema de la alienación humana — en particular de las clases sociales emergentesCharles Spencer Chaplin nació en East Street, Walworth, Londres el 16 de abril de 1889, Inglaterra, según dijo él mismo, ya que en ningún sitio consta documentación oficial de su nacimiento. Su madre fue una actriz de teatro que vio truncada su carrera debido a que padecía esquizofrenia. Su padre era alcohólico, por lo que la familia vivía sumida en la terrible pobreza urbana de esa ciudad a finales del siglo XIX. Creció en el barrio de Kennington, rodeado de muchos actores del music-hall. Su padre fue un cantante del music-hall. Charlie quedó al cuidado de su madre cuando sus padres se separaron, poco después de su nacimiento. Su padre murió cuando Charlie tenía 12 años, y junto con su hermano Sidney pasó largos períodos de tiempo en orfanatos. Charlie era zurdo, al igual que su hija Geraldine Chaplin y sus nietos Tania Chaplin, Suso Chaplin y Dolores Chaplin

Charles, con su hermano Sidney, dos años mayor, habían heredado el talento artístico de la familia y comenzaron a trabajar en ello desde niños. Cuenta el propio Charlie que su primera aparición pública fue a la edad de 5 años, sustituyendo a su madre en un teatro londinense. Ahí empezó a trabajar como actor infantil en el teatro, y recibió buenas críticas. Mientras, su hermano se había convertido en una de las estrellas del grupo cómico de Fred Karno, y convenció a éste para que contratara a su hermano para hacer un sketch, y posteriormente, lo envió de gira por Estados Unidos, a comienzo de la década de los años 1910.
Con estas giras, Mack Sennett le ofreció un contrato, y se fue con él a California. Fue allí donde Chaplin descubre el mundo del cine y pronto recibe propuestas que lo llevan a probar suerte en Hollywood. Al llegar a la meca del cine ya tenía una buena reputación como comediante y rápidamente se encontró protagonizando películas que tuvieron un éxito inmediato. En su primera película, Charlot periodista, todavía no tenía la imagen que le caracterizaría siempre, pero ya en la segunda Carreteras sofocantes, en 1914, llevaba su indumentaria de vagabundo. Parece ser que el famoso traje se lo compuso mediante aportaciones de cómicos amigos: la chaqueta de Charles Avery, los pantalones de Fatty Arbuckle, las botas de Ford Sterling, y el bigote de Mack Swain.

En todas sus posteriores películas interpretó a un vagabundo que buscaba mejorar su vida sin conseguirlo nunca. La población que buscaba el «sueño americano» se identificaba con estas historias y las aventuras del vagabundo tuvieron éxito continuo durante más de diez años, aunque el personaje fue evolucionando.
En la compañía Keystone, rodó más de 30 películas, y a partir de la vigésima empezó también a dirigirlas.

En febrero de 1915 cambió de compañía, esta vez se unió a la Essanay, donde dirigió y protagonizó algunos de sus mejores cortometrajes, y empezó a usar una serie de actores fijos para sus películas, como Edna Purviance o Eric Campbell. En sus últimas películas para esta productora, empezó a hacer un cine con una gran crítica social.

Por aquel entonces, Chaplin ya cobraba 10.000 dólares a la semana, más extras. Empezó a rodar películas cada vez más complejas y con unos gags mucho más elaborados que en sus películas anteriores, como Charlot en la playa (1915), The Cure, 1917), o Charlot a la una de la madrugada (One A.M., 1916), y tocó temas muy críticos con la realidad norteamericana, como El emigrante (The Inmigrant, 1917) o Charlot músico ambulante (The Vagabond, 1916).
En otoño de 1917 volvió a cambiar de productora, esta vez firmó para la First National, con la que colaboraría en los siguientes años, y que le consiguió su estudio en el que rodaría la mayor parte de sus películas. Allí hizo películas como Vida de perro (A Dog's Life, 1918) o Armas al hombro (Shoulder Arms, 1918).

Fue entonces cuando rodó El chico (The Kid, 1921), con el niño Jackie Coogan, que acabó por convertir a Charlot en uno de los iconos, no ya del cine, sino de la historia. Este largometraje es una de las piezas más fascinantes en la historia del cine y sin duda es de las mejores que haya realizado Chaplin. Tal es así que en el año 1971 él volvió a componer la música de la misma. La película tiene como eje central la importancia del amor humano, de los afectos y como siempre una alta crítica social. La misma cuenta la historia de un hombre que encuentra, adopta y decide criar a un bebé que fue abandonado por su madre. La relación entre ellos dos (Charlot y el niño) es fantástica y muy enternecedora, a tal punto que lleva al espectador al llanto. Esta cinta fue tan importante para él porque buscó mostrar en el niño, lo que había sido su propia infancia. La filmación duró más de un año y en la misma Chaplin tuvo que afrontar varios sucesos importantes que marcaron su vida.

Siendo ya millonario, regresó a Europa sólo para buscar y llevarse a su madre a América, que se encontraba recluida en un sanatorio mental. Pese a esto, ella nunca sería consciente del triunfo de su hijo debido a su estado mental.
Cuando acabó su contrato, junto con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David W. Griffith fundó la United Artists, el 5 de febrero de 1919, y pudo rodar su primer largometraje, Una mujer de París (A Woman of Paris, 1923). Fue un fracaso comercial, ya que intentó que fuera una película dramática y no acabó de gustar al gran público, pero sin embargo, sus dos siguientes películas, La quimera del oro (The Gold Rush, 1925) y El circo (The Circus, 1928), se convertirían en dos de las películas más taquilleras del periodo mudo, y son consideradas como dos de las mejores de toda su filmografía, de hecho la segunda es la única en haber conseguido un premio Oscar, que se le otorgó varios años después como un acto de disculpas hacia el gran Chaplin por tantos años de persecución y castigo por parte de la prensa norteamericana. La United Artists produjo otras muchas películas, y en el año 1952 fue comprada por Arthur Krim. Sigue funcionando como productora en la actualidad.

Chaplin fue renuente a abandonar el cine mudo, por lo que sus películas perdieron un poco el atractivo frente a las nuevas producciones sonoras que empezaron a producirse a finales de los años 1920. No quería que su personaje, Charlot, que había creado con tanto trabajo, hablara, porque pensaba que eso lo estropearía. De hecho, por más que en el Gran Dictador y en Candilejas Chaplin sí habla, el personaje del vagabundo nunca lo hizo en una película, ni siquiera en Tiempos Modernos donde el resto del elenco sí lo hace. Es así que empezó a rodar Luces de la ciudad (City Lights), y la presentó como película muda, pero con música grabada dentro del film, compuesta por él mismo.
Tiempos modernos (Modern Times, 1936), es la última película en la que aparece Charlot como personaje. Aunque es una película sonora, en realidad su personaje no habla demasiado, y sigue manteniendo la mímica de las películas mudas. Los sectores más reaccionarios y puritanos de Estados Unidos se enfurecieron con esta película, que es considerada una de las obras maestras de la historia del cine.

Las críticas contra Chaplin aumentaron cuando realizó esta película, El gran dictador (The Great Dictator, 1940), protagonizada junto a Paulette Goddard, su tercera mujer

Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, se desató en EEUU lo que se conocería como «caza de brujas». Este fenómeno consistía en una política estatal que perseguía a los «comunistas» estadounidenses en un intento supuestamente de proteger la seguridad nacional (aunque en ningún momento se ilegalizó el Partido Comunista de los Estados Unidos, lo que hubiera supuesto un atentado en contra de los derechos civiles de los ciudadanos sí se investigó y en muchos casos se arruinó la vida de quien fuese o pareciese ser comunista).

Chaplin ya había tenido muchos problemas con el Comité de Actividades Antiamericanas, y en general con los tribunales norteamericanos. Por un lado, debido a sus ideas progresistas, exhibidas públicamente en todos sus cortometrajes y en muchas de sus películas, como Tiempos modernos o El gran dictador, hizo que se buscara cualquier excusa para meterlo en la cárcel. Le acusaron de incumplir la Ley Mann, según la cual era delito trasladarse a otro estado para fines sexuales, cuando llevó a Joan Barry, novia por aquel entonces a la que superaba en 30 años su edad, desde Los Ángeles hasta Nueva York. Debido a la neurosis provocada por el odio a los comunistas, le acusaron de ser comunista basándose en una serie de «pruebas»: en un mitin, había dicho que debería de abrirse un nuevo frente contra los nazis en la Segunda Guerra Mundial, por lo que le acusaron de comunista;
participó en un acto de solidaridad con Rusia en San Francisco, e intervino en un acto sobre arte ruso en Nueva York.

Su película Monsieur Verdoux, del año 1947, fue otra de las excusas para justificar esta persecución, ya que en ella establecía un paralelismo entre los crímenes del protagonista, y los de las grandes potencias en período de entreguerras.

En el año 1947, el Comité de Actividades Antiamericanas empezó a presionar a la fiscalía para que deportaran a Chaplin, «cuya vida en Hollywood contribuye a destruir la fibra moral de América». Fue llamado a testificar en el Comité en varias ocasiones, pero no se presentó a ninguna. Al mismo tiempo, le estaban acosando los Veteranos de Guerra Católicos, una asociación reaccionaria, que le acusaba de haber escrito una carta a Pablo Picasso, peligroso comunista para ellos, y un senador llegó a decir que «el comportamiento de Chaplin se aproximaba peligrosamente a la traición».

El 17 de septiembre de 1952, el fiscal general de Estados Unidos dio instrucciones a inmigración para retener a Chaplin, su esposa y varios de sus hijos, cuando viajaban en el Queen Elizabeth para asistir al estreno de Candilejas en Europa, hasta que las leyes norteamericanas decidiesen si debía ser expulsado. Le acusaron formalmente de «pertenecer al Partido Comunista, así como de graves delitos contra la moralidad y de formular declaraciones que demuestran una actitud hostil y de menosprecio hacia el país gracias a cuya hospitalidad se ha enriquecido».

En abril de 1953, el actor se estableció en Suiza. En 1957, rodó una película en la que parodiaba a EEUU y a la paranoia que le llevó al exilio, Un rey en Nueva York. En 1966 rodó su última película La condesa de Hong Kong, protagonizada por Marlon Brando y Sophia Loren. La película fue un fracaso comercial y los críticos no la respaldaron, pero tanto Brando como Loren dijeron que no podían decirle que no a un genio tan grande como Chaplin.

Dos décadas después, ya convertido en un anciano, le fue concedido el permiso de réingresar a Estados Unidos para recibir un Oscar Honorífico (1972) "
por el incalculable efecto que ha producido en el arte del siglo XX, el cine"
, y que muchos interpretaron como un intento de reparación de todos los daños que le habían causado (si bien Chaplin ya había obtenido un Oscar Especial por su película El circo). La entrega del premio se preparó especialmente, de hecho, fue la única vez en que el premio a la "
Mejor Película"
no se entregó al final, el momento se reservó para Charlie Chaplin. Todos los ganadores de la noche fueron invitados a subir al escenario para que el mismo presidente de la academia Daniel Taradash presentará el galardón luego de veinte minutos en que exhibieron los mejores momentos de su filmografía. Finalmente Chaplin aparecio y el público le aplaudió por siete minutos (la ovación más larga en la historia de los Oscar). Al fín, Chaplin tuvo su oportunidad de hablar diciendo estas palabras:

<
<
Las palabras parecen tan insignificantes, tan inútiles. Solo puedo decir que... gracias por el honor de ser
invitado aquí, y... oh son gente maravillosa y dulce, gracias.>
>

En reconocimiento de sus destacados méritos fue nombrado caballero por la Corte Real británica y se convirtió en Sir Charles Chaplin (1975). Finalmente, este humilde hombre que había cambiado el cine para siempre, había recibido una pizca del reconocimiento que se merecía.

A comienzos de los años 70, Chaplin comenzó a escribir la música y partituras originales para sus películas mudas, para estrenarlas como versiones definitivas. En total compuso la música de todas sus películas cortas de la First National (1918-1923), y también de sus largometrajes El chico y El circo. Su último trabajo completado fue la musicalización de su película de 1923 Una mujer de París, en 1976.

Charlie Chaplin era cómico dentro y fuera del cine. Gustaba al público y el público le gustaba a él. Se recuerdan escenas públicas como aquella en un restaurante en que, al pedir su plato preferido de pescado, pescado a la plancha entero y muy grande, se ponía a dramatizar mientras todo el restaurante le miraba llorando de la risa mientras se lo comía lamentando su pérdida. U otras como probar el vino que le daba el camarero en su primera copa, escupirla con enorme asco ante el asombro de todos, incluido el camarero, y cuando se hacía el silencio mirar al camarero y decirle: «¡Excelente!» son anécdotas de cómo la vida con él era una caja de sorpresas. (Comentado por su hija Geraldine en entrevistas).

En los últimos años de su vida se mantuvo alejado del mundo en su mansión de Corsier-sur-Vevey (Suiza), donde falleció el 25 de diciembre de 1977, mientras dormía, a la edad de 88 años. Alguna vez su hija Geraldine comentó curiosamente que a Charlie Chaplin nunca le gustó la navidad ni disfrutar de ella, muriendo el mismo día para así recordarles todos los años el día de su muerte[cita requerida]. Su cuerpo fue exhumado, siendo recuperado y enterrado de nuevo tres meses después, cerca de su mansión suiza.

Datos de interes sobre Chaplin:



1ºCharles Chaplin fue la persona más conocida del mundo desde 1917 hasta mediados de los años treinta. Este dicho está avalado por dos hechos: la rápida difusión del cinematógrafo en las décadas de los años veinte y treinta y también en el viaje que realizó por países de todo el mundo, donde era recibido por grandes multitudes.

2ºEn español, ha quedado la palabra «charlotada» para reflejar una acción grotesca o ridícula y una corrida de toros de tono cómico. Su nombre proviene del torero cómico Carmelo Tusquellas, apodado Charlot porque su traje y estilo evocaban el de Chaplin.

3ºSe dice que el humor que muestra Charlot en sus películas es «universal». Para comprobar esto, a finales de los años 90 se realizó un experimento, consistente en proyectar varios de los cortos de Charlot a distinto público, de distintas culturas, que nunca antes habían visto a Charlot y, en muchos casos, ni siquiera habían tenido la oportunidad de ver televisión y cine. El experimento dio resultados concluyentes: aunque había culturas donde no entendían lo que veían (no eran capaces de entender las construcciones, vehículos, ropa, protocolos sociales, etc, de la Norteamérica de principios del siglo XX), sí que se divertían y reían con las persecuciones, caídas, tartazos, trucos, timos, etc. protagonizados por Charlot.

4ºComo curiosidad cabe destacar que una vez participó en un concurso de imitadores de Charles Chaplin pero no alcanzó ni las finales, aunque leyendas urbanas dicen que quedó tercero o segundo.

5ºEl prestigioso director italiano Pier Paolo Pasolini era fan de Chaplin y de sus películas. En su película Los cuentos de Canterbury, el personaje de Ninetto Davoli es una especie de recreación del personaje de Charlot. Una de las hijas de Chaplin, Josephine Chaplin también trabajó en la película, felicitando a Davoli por su excelente homenaje a su padre.

Buster Keaton



Joseph Francis "
Buster"
Keaton (n. Piqua, Kansas, 4 de octubre de 1895 - m. Woodland Hills, California, 1 de febrero de 1966) fue un famoso actor y director estadounidense de cine mudo cómico. Se caracterizó principalmente por su humor físico mientras mantenía un rostro inexpresivo en todo momento, lo cual le ganó su apodo, "
Cara de palo"
. Al igual que sus contemporáneos, Keaton provino del vaudeville. Su padrino fue Harry Houdini, quien lo bautizó "
Buster"
(el destructor) tras verlo caer de una escalera sin una sola herida a la edad de tres años.

Nació el mismo año en que fue inventado el cine. Keaton fue criado en el mundo del vaudeville, actuando junto a sus padres (presentados como "
Los Tres Keatons"
) desde la edad de tres años. Sus padres pertenecían a la Mohawk Medicine Company, igual que Houdini, y casualmente se encontraban en Kansas cuando Buster nació. Su padre había sido periodista en el Oeste, y junto a Myra, su mujer, realizaba un número acrobático. El espectáculo debía de ser bastante impresionante, ya que Keaton hijo era lanzado desde un lado a otro del escenario y pisoteado. El sketch se llamaba El estropajo humano y sus padres fueron interrogados por las autoridades en varias ocasiones para comprobar que Buster no salía dañado.

Al momento que su carrera en el teatro comenzaba a florecer, Keaton comenzó a interesarse por la, entonces naciente, industria del cine. Decidió probar su suerte en el mundo de las películas y se unió a la unidad de cineastas de Fatty Arbuckle. El talento natural de Keaton para la comedia física llamó la atención de Arbuckle, quien pronto lo puso a coprotagonizar sus películas. Buster rechazó una oferta del Winter Garden Theatre, que le ofrecía 250 dólares a la semana, por trabajar en películas por 40 dólares cada una. Keaton y Arbuckle se hicieron entonces amigos inseparables. Su primera película fue Fatty asesino (The Butcher Boy, 1917), y a partir de ahí, Keaton se empezaría a interesar cada vez más por los aspectos técnicos del cine. Según él mismo, para averiguar cómo funcionaba una cámara de cine, la destrozó en mil pedazos, y comenzó a interesarse por tipos de película, objetivos, proyección y otros aspectos de la cinematografía.

Tras cinco películas más con Fatty, se trasladaron con todo el equipo a California, y fue allí donde conoció a una de las famosas hermanas Talmadge, Natalia, con quien se casaría poco tiempo después. Volvió a casarse otras dos veces, con Mae Scribbens en el año 1933 y con Eleanor Harris en 1940.

En el año 1918, fue llamado a filas para la Primera Guerra Mundial, y estuvo siete meses en Francia haciendo espectáculos para las tropas. Allí, fue cuando, debido a una infección en los oídos, se quedó prácticamente sordo para el resto de su vida. Cuando volvió a Estados Unidos, Fatty estaba preparando su primer largometraje y Joseph Schenck le ofreció su productora para realizar sus propias películas como protagonista. Paradójicamente, en aquella época fue cuando Fatty dejó prácticamente de hacer cine entre otras cosas por el escándalo que se produjo, en el año 1921, cuando fue acusado de la violación y muerte de la actriz Virginia Rappe

Entre los años 1921 y 1923, Keaton rodó un largometraje, Pasión y boda de Pamplinas (The Saphead), y 19 cortos. Cuando cambió de productor, rodó, entre los años 1923 y 1928 otros 10 largometrajes. Durante esta época, tuvo absoluto control de todas sus películas, aunque pidiera las cosas más extrañas para rodarlas, como una antigua locomotora o un transatlántico, aunque él personalmente no tuvo ni una acción de la productora que permitía hacer todas estas películas. Después, no volvería a controlar el aspecto creativo de sus propias películas.

Buster Keaton comenzó a protagonizar una serie de comedias que lo catapultaron a la fama, incluyendo Una semana, La mudanza, La casa eléctrica y El gran espectáculo. Alcanzó la cima de su creatividad durante los años 1920. Su éxito inicial lo hizo uno de los comediantes más famosos del mundo. Su popularidad fue opacada solamente por el arrollador éxito de Harold Lloyd y Charlie Chaplin, aunque mantuvo una relación cordial con ambos al igual que con algunos de los actores más famosos de la época, como Douglas Fairbanks o Rodolfo Valentino.

Fue en esta época cuando modeló su personaje, un joven tragicómico, que se enfrenta a las desgracias con una absoluta inexpresividad, que hizo que le bautizaran como "
cara de palo"
. Para darle expresión a su personaje, utilizaba las acrobacias, para las que no usaba ningún doble ni especialista. Todas las proezas que realizó en El maquinista de la general, o en El héroe de río, son suyas. En El rostro pálido, llegó a saltar desde una altura de 24 metros, y en la película El moderno Sherlock Holmes, se rompió el cuello en una escena de riesgo.

Sus películas más famosas y populares de esta primera época, son las consideradas como las mejores de toda su carrera, e incluyen Las tres edades (1923), La ley de la hospitalidad (1923), El navegante (1924), El héroe del río (1928), El maquinista de la General (1927), El moderno Sherlock Holmes (1924) o Las siete ocasiones (1925)
En una ocasión, le dijeron a Keaton que ésta película reflejaba mejor la Guerra de Secesión norteamericana que Lo que el viento se llevó, a lo que él respondió que "
mientras unos recurren a las novelas para encontrar argumentos, otros recurren a la Historia"
. Estaba basada en un hecho "
real"
autobiográfico del novelista William Pittenger, que trataba sobre el secuestro de un tren Confederado por parte de soldados de la Unión. Lo que hizo Keaton fue cambiar el punto de vista, ya que el protagonista es un soldado sureño, es decir, los "
malos"
para el gran público de Hollywood. A lo largo de toda la película, no da la sensación de ser un vehículo para los gags, como pasa en muchos películas de la época, sino que todo está perfectamente ensamblado. Fue rodada en los bosques de Oregón, y al poner en marcha las locomotoras con leña, provocaron un incendio forestal durante el rodaje. Fue todo un hito en efectos especiales la escena en que la locomotora cae desde un puente por un barranco. La película resulta una reivindicación de lo que es capaz de hacer un hombre solo, pequeño, y en apariencia débil, por recuperar las dos cosas que más desea en este mundo, su locomotora, y la mujer a la que ama. El maquinista de la General considerada hoy día como una obra maestra, pero en el momento de su estreno fue un fracaso comercial.

La unidad de producción de Keaton fue adquirida por MGM en 1928, una decisión de negocios que Keaton lamentaría por siempre. Le obligaron a realizar una serie de películas junto a Jimmy Durante, que tuvieron éxito, pero que él despreciaba por considerarlas de muy baja calidad. Tras ser forzado a entrar en el sistema de estudio, al cual nunca se adaptó, Keaton cayó en el alcoholismo. Su carrera se derrumbó en unos pocos años y pasó gran parte de la década de 1930 oculto, trabajando como escritor de gags para varias películas de MGM, particularmente aquellas de los Hermanos Marx -incluyendo Una noche en la ópera (1935) y Una tarde en el circo (1939)- y varias películas de Red Skelton.

Las películas El crepúsculo de los Dioses (1950), de Billy Wilder, con un pequeñísimo papel en el que hacía de antigua gloria del cine, y Candilejas, (1952), de Chaplin, hicieron que el gran público volviera a fijarse otra vez en él. Posteriormente, se dedicó a hacer anuncios de televisión, espectáculos en directo, que hizo que la gente se interesara en las antiguas películas, en su mayoría obras maestras, que fueron prácticamente ignoradas cuando se estrenaron. Su última aparición en público, fue, en el año 1965, en el Festival de Venecia, cuando presentó la que sería su última película, Film, de Alan Schneider. En esta ocasión, por primera vez en su vida, protagonizó un drama. Fue ovacionado por el público. Cinco meses después, a los 70 años, fallecía en su casa de Los Ángeles. Otra presentación memorable en una película es cuando comparte roles con Cantinflas en la película "
La vuelta al mundo en 80 días"
, en donde hace el papel del jefe del tren (en claro homenaje a su recordada película)

Rodolfo Valentino



Rodolfo Valentino (Castellaneta, Italia, 6 de mayo de 1895 - Nueva York, 23 de agosto de 1926) fue un actor estadounidense de origen italiano. Su nombre verdadero era Rodolfo Pietro Filiberto Raffaelo Guglielmi di Valentina. Conocido en inglés como 'Rudolph Valentino', fue el 'sex-symbol' latino por excelencia.

Hijo de madre francesa y padre italiano, nació en Castellaneta, Tarento, Italia. Tenía un hermano menor, Alberto, una hermana menor, María, y una hermana mayor que murió en la infancia, Beatrice.

De pequeño, Valentino era un niño mimado y problemático. Mal estudiante, solía saltarse las clases siempre que podía, hasta que su madre le llevó a una escuela de agricultura donde consiguió un título.

En 1912, viajó a París donde tardó menos de un año en perder todo su dinero y llamar a su madre para ayudarlo a volver a Italia. De nuevo en Italia, era incapaz de encontrar un trabajo y sus tíos decidieron enviarlo a Estados Unidos para buscar suerte allí.

Después de dilapidar su dinero como de costumbre, pasó un tiempo viviendo en las calles y trabajando como jardinero, camarero, bailarín y gigoló. Poco a poco hizo amistades entre la alta sociedad, y atrajo la atención de la heredera chilena Blanca de Saulles. No es seguro que tuvieran una relación, pero poco después de Saulles se divorció de su marido alegando la infidelidad de éste y respaldada por Valentino. Al final, el propio Valentino se vio envuelto en el escandaloso divorcio que acabó con Blanca asesinando a su marido de un disparo.

En 1913, Valentino se trasladó a Nueva York a buscar fortuna. Después de dilapidar su dinero como de costumbre, pasó un tiempo viviendo en las calles y trabajando como jardinero, camarero, bailarín y gigoló. Poco a poco hizo amistades entre la alta sociedad, y atrajo la atención de la heredera chilena Blanca de Saulles. No es seguro que tuvieran una relación, pero poco después de Saulles se divorció de su marido alegando la infidelidad de éste y respaldada por Valentino. Al final, el propio Valentino se vio envuelto en el escandaloso divorcio que acabó con Blanca asesinando a su marido de un disparo.

Después de esto, Valentino decidió mudarse a Hollywood y se cambió el nombre de Rodolfo Gugliemi a Rodolfo Valentino, en parte para dejar atrás lo sucedido con la heredera chilena y en parte porque los americanos no sabían pronunciar 'Gugliemi'.


Ya en Hollywood, Valentino se unió a una compañía de opereta que viajaba a Utah, donde se desbandó. Entonces viajó a San Francisco, donde conoció al actor Norman Kerry, que le convenció de probar suerte en el cine mudo. Hasta entonces, Valentino sólo había hecho de extra en algunas películas mudas en Nueva York.

Empezó a trabajar en varias películas donde solía dársele el papel de villano o gángster. Valentino era todo lo contrario que el actor 'de moda' por entonces, Douglas Fairbanks;
pálido, de ojos azules y 'el típico hombre americano'. Esto le permitió jugar la baza de 'latin lover', un galán exótico completamente alejado del modelo de Fairbanks.

Valentino se casó con la actriz Jean Acker en 1919. Acker era una supuesta amante de la también actriz Alla Nazinoma, que la había amenazado con destruir su carrera si la abandonaba, antes de que ésta se casara con Valentino. Años más tarde, la pareja se divorció y Valentino se casó con Natacha Rambova, con la que también acabaría divorciándose. Poco antes de morir, Valentino tenía una relación con la actriz Pola Negri.

Finalmente, llamó la atención de la guionista June Mathis, que decidió que era perfecto para su próxima película, Los Cuatro Jinetes Del Apocalipsis, dirigida por Rex Ingram. La película fue un éxito y le valió a Valentino el apodo de 'piernas de tango'. Después vendrían El Caíd, su personaje más icónico, y años más tarde El Hijo Del Caíd. Con la película Sangre Y Arena, junto a Lila Lee y Nita Naldi, Valentino se convirtió en la mayor estrella masculina de su tiempo. A pesar de todo, Valentino no estaba muy contento con su salario, y se embarcó en un tour de danza por los Estados Unidos junto a la bailarina Natacha Rambova. El tour fue un éxito y Valentino ganaba con él unos 7.000 dólares semanales. En ese mismo periodo, publicó un libro de poesía, From Day Dreams, y su biografía apareció en forma de serial en revistas de cine. También grabó un disco, llamado 'Valentino's Renditions', y retó a un periodista a un combate de boxeo por insinuar que era homosexual

El 15 de agosto de 1926, Valentino fue hospitalizado en Nueva York y operado a causa de una úlcera perforada. Justo cuando empezaba a recuperarse la peritonitis empezó a extenderse por su cuerpo. Murió ocho días después, a la edad de 31 años. Su repentina muerte causó los suicidios de algunos admiradores. Está enterrado en el Hollywood Forever Cemetery (antes Hollywood Memorial Park Cemetery), en Hollywood, California.

Rodolfo Valentino y su segunda esposa Natacha Rambova:

Rex Harrison



Reginald Carey Harrison (n. 5 de marzo de 1908 - m. 2 de junio de 1990), conocido como Rex Harrison, fue un actor de teatro y cine británico.

Nació en Huyton, Knowsley que entonces formaba parte de Lancashire, y se educó en el Liverpool College. Su primera aparición en un escenario se produjo en 1924, con 16 años de edad, en Liverpool. Su carrera se vio interrumpida por la Segunda Guerra Mundial, durante la cual sirvió en la Royal Air Force con el grado de teniente primero.

Apareció en diversos escenarios de Inglaterra, y en Broadway.

Su mayor éxito interpretativo en el cine fue como profesor Henry Higgins en la película musical My Fair Lady, junto con la deliciosa Audrey Hepburn. Ambos lograron personajes cargados de fuerza y expresividad, y la labor de Mr. Harrison se vio premiada con un Oscar de la Academia. Ya había ganado dos premios Tony: el primero en 1949 por Ana de los cien días, y el segundo en 1957 por ésta misma obra.

Otras de sus interpretaciones memorables para la gran pantalla fueron en El fantasma y la Sra. Muir, Doctor Dolittle, The Agony and the Ecstasy (donde encarnaba al papa Julio II, mecenas de Miguel Ángel) y Cleopatra donde componía un magnífico Julio César.

Estuvo casado 6 veces, según la siguiente cronología:

1ºCollette Thomas -actriz francesa de teatro- (1934-1942), (un hijo, el actor/cantante Noel Harrison)
2ºLilli Palmer -actriz- (1943-1957), (un hijo, el novelista/guionista Carey Harrison)
3ºKay Kendall -actriz- (1957-1959)
4ºRachel Roberts -actriz- (1962-1971)
5ºElizabeth Harris (1971-1975), (tres hijastros: Damian Harris, Jared Harris and Jamie Harris)
6ºMercia Tinker (1978-1990)

Murió de cáncer de páncreas tan sólo 3 semanas después de haber representado "
El círculo"
de W. Somerset Maugham.

Richard Burton

Richard Burton y Julie Andrews

Richard Burton, (n. 10 de noviembre de 1925 - m. 5 de agosto de 1984) fue un actor británico.

Richard Walter Jenkins nació en la aldea de Pontrhydyfen cerca del puerto de Talbot y creció en pobreza con muchos hermanos y hermanas. Criado como presbiteriano, con la ayuda de su profesor vocacional, Philip H. Burton (quién lo adoptó legalmente), él sobresalió desde muy temprano en producciones de la escuela. Fue en este tiempo en el cual comenzó a desarrollar la distintiva voz de discurso que se convertiría en su sello, siendo animado por Philip (quién se desempeñaba también como productor de radio de la BBC) a perder su acento Galés. Hasta el día de hoy, muchos estudiantes de actuación tratan de imitar el estilo de Burton para la locución que ha sido alabado por los críticos de todo el mundo.

Hay un mito extenso (quizás animado o aún auspiciado por algunos de los miembros de su familia de clase media) el cual dice que Richard Burton "
ganó una beca a Oxford a la edad de dieciséis"
pero que rechazo después de seis meses. Los hechos, según lo registrado por el mismo Burton en su autobiografía y en el Richard y Philip, que él 'co-escribió', son los siguientes: A la edad de dieciséis, lo forzaron salir de la escuela y encontrar el trabajo como vendedor. Su profesor anterior, Philip Burton, reconociendo su talento, lo adoptó y le permitió volver a la escuela. En 1943, a la edad de dieciocho, se le permitió a Richard Burton (quién ahora había tomado el apellido de su profesor), entrar a La Universidad de Exeter por solo seis meses. Luego de los cuales se alistó en el ejército para participar en la Segunda Guerra Mundial.

En los años 1940 y los comienzos de los años 1950 Burton trabajó en el teatro y en el cine del Reino Unido. Antes de servir en la guerra con la Royal Air Force, él había hecho su debut profesional en Liverpool, apareciendo en una obra llamada a Resto de Druid, pero su carrera fue interrumpida por su reclutamiento en 1944. Mientras realizaba su primera película, The Last Days of Dolwyn, en 1947, él conoció a su futura esposa, la joven actriz Sybil Williams, se casaron en febrero de 1949. Tuvieron dos hijas, pero se divorciaron en 1963. En el año de su unión con Sybil, Burton apareció en una producción altamente acertada llamada The Lady's Not For Burning, junto a sir Juan Gielgud. Estuvo casado dos veces con la misma persona y amor de su vida: Elizabeth Taylor

En 1952, Burton paso con éxito la transición a estrella de Hollywood, apareciendo en My Cousin Rachel junto a Olivia de Havilland. En 1954, interpretó su papel de radio más famoso, como el narrador de la producción original de Dylan Thomas "
Under Milk Wood"
, un papel que representaría veinte años después en su adaptación al cine. Fue nominado siete veces para los Premios de la Academia, pero nunca ganó ninguno.

Debbie Reynolds



Debbie Reynolds (1 de abril de 1932) es una actriz y cantante estadounidense.

Debbie Reynolds nació con el nombre de Mary Frances Reynolds en El Paso, Texas, siendo la segunda hija de Raymond Francis Reynolds (1903 - 1986) y Maxine N. Harman (1913 - 1999).

Su familia se trasladó a Burbank, California en 1939. A los 16 años, Reynolds ganó el concurso de belleza de Miss Burbank, un contrato cinematográfico y adquirió el nombre con el que se la conoce.

Reynolds apareció en pequeños papeles en dos películas de la Warner y, posteriormente, firmó un contrato con la Metro-Goldwyn-Mayer, donde participó en las películas "
Three Little Words"
, protagonizada por Fred Astaire y Red Skelton, "
Two Weeks with Love"
, donde recibió muy buenas críticas, y "
Mr. Imperium"
, con Lana Turner.

En contra de la oposición inicial de Gene Kelly y de su falta de habilidad para el claqué, Reynolds protagonizó "
Cantando bajo la lluvia"
, junto a Kelly y Donald O'Connor.

Reynolds ha protagonizado muchas películas y ha grabado discos, con algunas canciones que han sido un éxito (la más conocida es "
Tammy"
, que se incluye en su película de 1957 "
Tammy, la muchacha salvaje"
). Su papel protagonista en "
Molly Brown siempre a flote"
(1964) le proporcionó una candidatura al Oscar, que perdió ante Julie Andrews y su papel en "
Mary Poppins"
.

Hasta 2005 ha seguido apareciendo en películas y series de televisión, uno de los pocos actores de la "
Edad de Oro"
de la MGM (incluyendo a Anita Page, Mickey Rooney, Lauren Bacall, Cyd Charisse, Margaret O'Brien, Jane Powell, Rita Moreno, Leslie Caron, Dean Stockwell, Van Johnson, Angela Lansbury, Russ Tamblyn o June Lockhart) que todavía sigue en activo. Desde 1999 hasta la actualidad, ha interpretado el papel de la madre de Grace, Bobbi Adler, en la serie de la NBC "
Will &
Grace"
.

Reynolds ha estado casada tres veces. Con Eddie Fisher se casó en 1955 y se divorció en 1959;
de este matrimonio nacieron sus dos hijos, la actriz y guionista Carrie Fisher (conocida por su papel de Princesa Leia en la saga de La guerra de las galaxias) nacida en 1956, y Todd Fisher (1958). Posteriormente, se casó con Harry Karl en 1960, aunque se separaron en 1973. Finalmente, se casó con Richard Hamlett en 1984. Este matrimonio también terminó en divorcio en 1994.

La separación de su primer marido fue un enorme escándalo de la época, ya que Fisher abandonó a la intérprete para casarse con la actriz Elizabeth Taylor. Y el matrimonio de Reynolds con el magnate de los zapatos Harry Karl también resultó ser desastroso, debido a los problemas con el juego de Karl.

Durante su carrera, Reynolds ha sido candidata una vez al Oscar a la mejor actriz (por su papel en "
Molly Brown siempre a flote"
), cinco veces a los Globos de Oro y una vez a los Emmy.

Las huellas de Reynolds están impresas en el Grauman's Chinese Theatre de Hollywood. Además tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 6654 de Hollywood Boulevard.

Laurence Olivier



Laurence Kerr Olivier, nombrado Baron Olivier, conocido artísticamente como Laurence Olivier, OM (Dorking, Surrey, 22 de mayo de 1907 – Steyning, Sussex;
11 de julio de 1989), actor y director británico.
Hijo de un pastor protestante, a los 10 años llama la atención al interpretar a Bruto en la representación teatral de Julio Cesar de William Shakespeare. Siete años más tarde interrumpe sus estudios en Oxford, para estudiar Arte Dramático en Londres. A finales de los años 20, debuta como actor de teatro y no tarda en convertirse en un gran especialista en Shakespeare. Durante la década de los treinta llega a ser una de las principales figuras de la compañía del famoso Old Vic Theatre, mientras desarrolla una carrera como actor de cine en varias películas británicas. Llega a Hollywood y se convierte en un actor de películas románticas debido a su Heathcliff de Cumbres Borrascosas dirigido por William Wyler y a su Max de Winter en Rebeca de Alfred Hitchcock.

La II Guerra Mundial interrumpe esta ascendente trayectoria y le lleva a intervenir en diferentes películas de propaganda bélica, el documental Los conquistadores del aire de los hermanos Korda, la obra de ficción Lady Hamilton o Los invasores de Michael Powell. En 1946 dirige Enrique IV, personal visión de la tragedia de Shakespeare y por la que consigue varios Oscars. Su éxito le ayuda a dirigir y protagonizar Hamlet un nuevo éxito que le hace ganar el León de Oro en el Festival de Venecia, el Oscar a la mejor película y al mejor actor. En los años 50 dirige el "
Old Vic Theatre"
y dedica su tiempo al teatro, aunque vuelve a Hollywood para protagonizar Carrie de William Wyler y para terminar su trilogía shakesperiana con Ricardo III que no logra el éxito de las anteriores.

En los sesenta dirige la England's National Theatre Company y cierra su carrera como director con El príncipe y la corista una comedia con él de protagonista y Marilyn Monroe como partenaire y Tres hermanas una adaptación al clásico de Antón Chéjov. Además interviene como actor en películas entre las que destacan Espartaco, donde da vida al cónsul Craso y es dirigido por Stanley Kubrick, El animador de Tony Richardson, Las sandalias del pescador con Anthony Quinn o El rapto de Bunny Lake de Otto Preminger. Tras conseguir todo tipo de honores y ser un mito del teatro británico, en los años setenta y ochenta se limita a hacer secundarios en películas de renombre como La huella en la que tiene un duelo interpretativo enorme con Michael Caine, Marathon Man de John Schlesinger o Los niños del Brasil, inquietante película sobre el doctor nazi Joseph Mengele (Gregory Peck) y éste como el cazanazis retirado.

En los años setenta protagoniza una serie de películas para televisón entre las que sobresale Amor entre ruinas con Katharine Hepburn y por la que gana un premio Emmy.

Casado en segundas nupcias con Vivien Leigh, se divorcia para casarse con la actríz británica Joan Plowright

Oscars
Año Categoría Película
1939 Oscar al mejor actor Cumbres Borrascosas Nominado
1940 Oscar al mejor actor Rebeca Nominado
1946 Oscar al mejor actor Enrique V Nominado
1946 Oscar Honorífico Por su gran trabajo en Enrique V Ganador
1948 Oscar a la mejor película Hamlet Ganador
1948 Oscar a la mejor dirección Hamlet Nominado
1948 Oscar al mejor actor Hamlet Ganador
1955 Oscar al mejor actor Ricardo III Nominado
1960 Oscar al mejor actor El animador Nominado
1972 Oscar al mejor actor La Huella Nominado
1976 Oscar al mejor actor de reparto Marathon Man Nominado
1978 Oscar al mejor actor de reparto Los niños del Brasil Nominado
1978 Oscar Honorífico Ganador

Joan Plowright


Joan y Laurence Olivier

Joan Plowright, actriz inglesa nacida el 28 de octubre de 1929 .

Joan Plowright nació el 28 de octubre de 1929 en Brigg, North Lincolnshire, Reino Unido. Desde joven manifestó cierto interés hacia el teatro, interviniendo hacia finales de los años cuarenta en obras como Si las paredes hablasen y Mayor Barbara.

Finalizadas estras representaciones Joan ingresó en The Bristold Old Vic, donde permaneció entre 1950 y 1952. Concluida su formación profesional, contrajo matrimonio con Roger Gage. En 1954 debutó en Londres con The Duenna, a la que seguirían piezas como The Chairs y El crisol, basada en la pieza de Arthur Miller, en la que se abordaba de forma metafórica una denuncia hacia la caza de brujas emprendida por el senador McCarthy durante finales de los cuarenta, a la vez que proponía un discurso sobre la importancia de decir la verdad.

Mientras tanto inició sus primeros pasos en el cine con una breve y no acredita actuación en Moby Dick (John Huston, 1956), y en un thriller dirigido por Joseph Lossey. Por esas fechas se sumó a la Compañía de Teatro Nacional.

En 1958 Joan obtuvo su primera candidatura a los Premios Tony por El animador, obra teatral que ella misma protagonizaría en el cine junto a Laurence Olivier en 1960, año en el que ambos representarían -junto a la mujer de éste último (Vivien Leigh)- Rhinocero, dirigida por Orson Welles.

Ese año de intensa actividad profesional coincidió con su divorcio. Olivier al año siguiente se separó de Vivian y se casó con Joan, quien se llevaría ese año el Tony por The Taste of Honey.

En 1962 nació el primer hijo del matrimonio, Richard Olivier. Tras el parto, Joan obtuvo dos ocasiones de lucimiento en Saint Joan, en la que interpretó a Juana de Arco, y en Tío Vanya de Anton Chéjov, en la que incorporó a Sonya, una mujer enamorada cuyo anciano marido dificultaba la consecución de su felicidad.

En 1966, tras el nacimiento de su hija (Juliet Kate Olivier), protagonizó la versión teatral de Mucho ruido y pocas nueces, en el mismo papel que un año antes Maggie Smith había representado: Beatrice, mujer de ingenio y carácter, que al final aceptaba casarse con su amigo-rival Benedicto. Frank Finlay, Derek Jacobi y Robert Stephens fueron sus compañeros de plantel. Sin proponérselo, Joan empeza a configurarse como una actriz destinada a interpretar a mujeres activas, con capacidad para dirigir la vida de los demás, pero que en el fondo escondían un corazón de oro. Así mismo como Judi Dench empezaba a destacarse como un rostro asociado a la alta cultura inglesa, dada su adscripción a piezas que por entonces gozaban de prestigio.

Al año siguiente se atrevió con la obra de Moliere Tartufo.

En 1969, convertida ya en una actriz respetada por la crítica, dirigió tres obras de teatro: Evasion of Women, Rites y The Travails of Sancho Panza.

En 1970 fue dirigida por su marido en la película Tres hermanas, tras cuyo rodaje se subió de nuevo a los tabloides con El mercader de Venecia.

En 1975 obtuvo su mayor éxito con La gaviota, en la que compartió escenario con Alan Bates y Helen Mirren.

En 1977 Joan consiguió una candidatura al Premio BAFTA a la mejor actriz de reparto por la película Equs, en la que encarnó a la paciente ayudante de Richard Burton. En teatro, estrenó Filemuna, una de sus intervenciones más recordadas.

En 1984 compartió protagonismo con Maggie Smith de la obra The Way of The World.

En 1986 se puso en la piel de La Poncia en La casa de Bernarda Alba, la criada testigo de la tragedia ideada por Federico García Lorca.

En 1989 Joan enviudó de Olivier. Ese mismo año su carrera cinematográfica, siempre a segundo plano hasta entonces, empezó a despegar. En efecto, Lawrence Kasdan solicitó sus servicios para Te amaré hasta que te mate, donde la actriz se puso en la piel de una suegra dispuesta a envenenar a su yerno (Kevin Kline) a la menor ocasión.

Barry Levinson la contrató en 1990 para Avalon, donde interpretó a Eva Krinchinsky, una mujer polaca afincada en Baltimore, que años después de la II Guerra Mundial recibe noticias de un hermano al que no conocía. Ese perfil que había cultivado en el teatro empezaba a corresponderse con el que se labraba en el la gran pantalla. Eva Krinchisky constituía la pieza angular de su hogar y al final de su vida sufrió el abandono de la mitad de su familia, la cual ni siquiera asistió a su entierro.

1992 fue su gran año. Primero incorporó a la mujer de Stalin en un telefilme que llevaba el nombre del dirigente ruso. Después se unió al elenco de Un abril encantado, donde encarnó a Miss Fisher, una mujer mayor aferrada al pasado y que tras pasar una temporada en la Toscana comprendía que debía volver a aprovechar el tiempo del que disponía, abriéndose a nueva gente y experiencia. Ambas interpretaciones fueron recompensadas con sendos Globos de Oro y una candidatura al Oscar a la mejor actriz de reparto, y que fue a para sorpresa de todos los periodistas a Marisa Tomei.

A raíz de su renovada popularidad, Joan se convirtió en una actriz de reparto frecuente en películas comerciales como Daniel el travieso -en la que se puso en la piel de la amable señora Wilsonn-, El último gran héroe -donde tenía una aparición como la afable propietaria de un cine-, La letra escarlata -donde era acusada de bruja-, 101 dálmatas -donde daba vida a la fiel Nanny- o Sobrevivir a Picasso, donde interpretó a la abuela de Françoise Gilot, una mujer preocupada por el romance de su nieta con Pablo Picasso.

Sus papeles más destacados de esta época fueron los llevados a cabo en El pico de las vidas -donde encarnó a Mrs. Doggy, una mujer que dominaba la vida del pueblo y sin complejos para difamar sin pernsárselo-, Hotel Sorrento, y Jane Eyre, en la que inició una larga colaboración con Franco Zeffirelli, quien satisfecho de su perfomance como la Mrs. Fairfax -una ama de llaves que sufre al ver la atormentada vida del Señor Rochester-, la contrató para protagonizar Té con Mussolini. En aquella película Joan defendió el papel de Mary Wallace, una secretaria que se hacía cargo de la educación de un niño bastardo llamado Lucca.

En 2001 escribió sus memorias And That´s Not All y preparó su regreso a las tablas con Absolutly (2003). En el cine ejecutó pequeños cometidos en Se montó la gorda y Callas Forever, en la que incorporó a la periodista Sarah Keller, una amiga de Maria Callas preocupada por el estado anímico de ésta.

En 2003 recibió el título de Dama del Imperio Británico.

En 2005 consiguió un papel protagonista en Mrs. Palfrey At Claremont, en la que Joan interpretó a una mujer mayor que entablaba una amistad con un joven solitario. A finales de año, la actriz recibió una candidatura a los Golden Satelittes

Orson Welles



George Orson Welles (n. Kenosha, Wisconsin, Estados Unidos, 6 de mayo de 1915 – m. Los Ángeles, 10 de octubre de 1985) fue un actor, director, guionista y productor estadounidense. Realizó algunas de las películas más recordadas del siglo XX, entre las que destacan Ciudadano Kane, por la que recibió el Oscar al mejor guión original, El cuarto mandamiento y Sed de mal, entre otras.
Su familia se componía de su padre Richard Head Welles empresario e inventor, su madre Beatrice Ives quien se dedicaba a dar conciertos de piano y su hermano mayor Dickie quien fue recluido en una institución psiquiátrica por múltiples problemas mentales. Beatrice y Richard se divorciaron en 1921. Maurice Bernstain (medico de Chicago interesado sentimentalmente en la madre de Orson) descubrió su genialidad y Beatrice comenzó a instruir a su hijo en todo tipo de expresiones artísticas, tales como la música, literatura, pintura, dibujo.

Beatrice Ives fallecería de Ictericia en un hospital de Chicago el 10 de mayo de 1924, tras la muerte de su madre Orson de 9 años de edad, perdería su interés en la música, y paso a custodia de su padre que se volvió alcohólico, M. Bernstein seguiría siendo el impulsor de la educación de Wells, quien estudiaría en la Tool School de Illinois. En 1930, con tan solo 15 años, sufre la pérdida de su padre a causa de su adicción a la bebida.
En 1931, a los 16 años, Welles comenzó a trabajar en el teatro en Dublín, Irlanda. Pronto se trasladó a Nueva York, donde debutó al año siguiente en Broadway con la representación de Romeo y Julieta.

Fundó posteriormente la compañía de teatro Mercury Theatre, con la que obtuvo gran éxito. En 1938, junto con varios colegas de su compañía, representó por radio, en la cadena CBS, una adaptación de la obra de H. G. Wells La guerra de los mundos. El realismo fue tal que la emisión causó auténtico pánico en Nueva Jersey, donde, según la obra, estaba teniendo lugar la invasión de los extraterrestres. Este episodio le dio fama mundial, lo que llevó a la RKO Pictures a contratarle en 1939 con plena libertad para escribir, producir y dirigir dos peliculas.

El contexto internacional del año 1939 - inestabilidad en Europa, inicio de la Segunda Guerra Mundial - también contribuyeron a potenciar el efecto que la representación de Welles tuvo en una audiencia muy sensibilizada por esos acontencimientos.

Posteriormente, Welles convenció al guionista Herman J. Mankiewicz para escribir una historia basada en la vida de William Randolph Hearst, magnate de la prensa, propietario de dos importantes periódicos. Tras unos retoques que él mismo realizó en el guión, Welles dirigió la película bajo el título de Ciudadano Kane, considerada la mejor película de la historia de Hollywood. Hearst intentó prohibir la proyección, pero se estrenó en 1941 con gran éxito de crítica, aunque no de taquilla, debido a las trabas que tuvo en la distribución, promovidas por Hearst.

Hasta ese momento la experiencia de Welles como realizador cinematrográfico era casi nula, por lo que comenzó a interiorizarse de la técnica y del lenguaje del cine, contribuyendo además con un estilo visual propio, inédito para la época, como el uso del "
documental"
dentro de la propia historia. Tenía 24 años cuando hizo la película más importante de la historia del cine.

Para el guión de su segunda película, El cuarto mandamiento (1942), Welles se basó en la novela The magnificent Ambersons de Booth Tarkington (Premio Pulitzer en 1919). La película reflejaba la vida de una familia norteamericana a principios del siglo XX. El montaje final de Welles fue alterado por la RKO hasta tal punto que el cineasta diría que habían arruinado su obra. No obstante la película conserva el vigor creativo de Ciudadano Kane.

Con El extraño (1946) Welles se puso al frente de un proyecto en el que, como él mismo reconoció, su implicación personal fue mínima. A pesar de todo demostró que también sabía ser un eficaz artesano.

La dama de Shanghai (1948), con su apariencia de thriller al uso, y similar en varios aspectos al filme Vertigo de Hitchcock (1958) —la ciudad de San Francisco, California, el teñido del cabello de Rita Hayworth, el traje sastre gris— trascendió los límites del género y de un enrevesado argumento, para convertirse en una tela de araña que atrapa al espectador con una rara fascinación. Se recuerda especialmente la escena en la galería de los espejos.

Mr. Arkadin (1954) se resintió de un argumento que parecía querer aprovechar muchas de las premisas de Ciudadano Kane, así como de un reparto poco adecuado si exceptuamos la interpretación del propio Welles en su papel protagonista.

Sed de Mal (1958) es su segunda obra maestra después de Ciudadano Kane. En este subyugante thriller Welles se reserva el papel de un obeso inspector de policía que utiliza métodos de una ética más que dudosa. La película recorre un mundo onírico y de ambientes enfermizos que tiene ecos de drama shakespeariano.

En El proceso (1962) Welles intentó adaptar la novela de Franz Kafka sirviéndose de su particular estilo cinematográfico. El resultado global fue desigual, aunque notable en muchas escenas.

Welles ofreció una personalísima y muy intensa visión del mundo de Shakespeare en tres películas: Macbeth (1948), Othello (1952) y Campanadas a medianoche (1966). Ésta última, inspirada en diversas obras del dramaturgo inglés, es un monumento de inventiva visual y maestría interpretativa. La película tiene como hilo conductor a Sir John Falstaff, interpretado por el propio Welles.

En 1973, Welles estrena Fraude, una película de corte experimental planteada como un falso documental que se anticipa a algunas propuestas del cine postmoderno y que fue reconocida como influyente por realizadores como Jean-Luc Godard.

Actor prolífico, Welles a menudo usaba su trabajo de actor para financiar sus proyectos como director. Fue uno de los directores de mayor talento de la historia del cine, Ciudadano Kane, en su momento y ahora, representó (y representa) un prodigio de la técnica y narrativa cinematográfica. El plano secuencia inicial de Sed de mal (una toma ininterrumpida de varios minutos)demuestra un dominio de la puesta en escena y organización de los movimientos como sólo un cineasta de su categoría podía conseguir. Incluso obras menores como El extraño presentan rastros de su gran talento.

En ocasiones es difícil establecer la cronología exacta de su filmografía debido a las películas que inició y no pudo finalizar por falta de financiación.

Welles estuvo casado con la actriz Rita Hayworth. Trabajador infatigable mantuvo un elevado ritmo de trabajo y muchos pleitos financieros, lo que a la larga le acarrearía la muerte. Welles murió de un ataque cardíaco en Los Ángeles en 1985. Al año siguiente, sus cenizas fueron enterradas en una hacienda del torero Antonio Ordóñez, en Ronda (provincia de Málaga), al haber expresado Welles en vida este deseo.

Glenn Ford


Gwyllyn Samuel Newton "
Glenn"
Ford (n. 1 de mayo de 1916 - m. 30 de agosto de 2006), fue un mítico actor de cine clásico estadounidense ganador del Globo de Oro.

Hijo de un ejecutivo ferroviario canadiense, su familia se trasladó cuando contaba sólo ocho años a California. Con 19 años debuta como actor de teatro. Rueda su primera película con la 20th Century Fox, pero luego firma contrato con la Columbia, en donde rodará unas cincuenta películas en 18 años. Sus primeros papeles fueron en westerns de bajo presupuesto.

Alcanzó la celebridad por su intervención en "
Gilda"
de Charles Vidor, en particular por la famosa escena en que abofetea a Rita Hayworth. Sin embargo los intentos sucesivos de repetir el éxito con esta pareja de actores fueron sonados fracasos comerciales. Sus mejores papeles fueron bajo las órdenes del director de origen austríaco Fritz Lang en "
Los sobornados"
y "
Deseos humanos"
.

En 1959 pasa a formar parte de la plantilla de la Metro, en donde conseguirá buenos papeles a las órdenes de Vincente Minnelli en "
Los cuatro jinetes del Apocalipsis"
y "
El noviazgo del padre de Eddie"
.

Glenn Ford se caracterizó por hacer personajes honestos que sufrían bajo el abuso y que resurgían bajo la determinación y voluntad extrema. También hizo papeles discretos de galán.

Ford nunca llegó a obtener un premio de La Academia, obtuvo un Globo de Oro y en la década de los sesenta, su estrella declinó lentamente. Siempre se le consideró un actor infravalorado por el medio, pero la gran gama de personajes que interpretó lo encasilló como uno de los mitos de Hollywood, con un fiel grupo de fans y una fiel teleaudiencia.

En 1978 formó parte del elenco de la película "
Superman"
, haciendo el papel de Jonathan Kent, padre adoptivo de Clark.
Glenn Ford tuvo dos aspectos marcados de su personalidad: era para sus amigos personales un verdadero y gran amigo, y mantuvo un largo círculo de amistades a través de su vida. Algunos de ellos fueron: El matrimonio del presidente Ronald Reagan y señora, Frank Sinatra, Dale Evans, Roy Rogers y Gene Autry, Martin Landau, Angie Dickinson, Ernest Borgnine y Paul Mazursky. Aficionado a la cría de caballos, se dedicó en los últimos años a esta actividad en un rancho en California. Además siempre demostró un elevado patriotismo que se deja ver a través de sus films.

Por otro lado, Glenn Ford demostró en el curso de su vida íntima que era un tanto distinto a los personajes que interpretaba. En alguna época óscura de su vida marcó la diferencia con el común demostrando a quien quisiese que tenía un elevado status personal y se hizo poco accesible a la prensa. Su carácter varió a medida que la fama le llegaba desde un cordial y amable actor a un Ford enviciado con el alcohol, irrascible, maníaco y poseido de un gran espíritu de egoísmo. Ford demostró ser muy difícil de convivir para sus parejas y sus relaciones terminaron en malos términos. Sus matrimonios fueron:

1º Con la bailarina Eleanor Powell desde el 24 de octubre de 1943 -hasta el 23 Noviembre de 1959: 16 años, 1 hijo llamado Peter Ford.
2º Con Kathryn Hays desde el 27 de marzo de 1966 -hasta junio de 1969): divorcio sin hijos.
3º Con Cynthia Hayward desde el 10 de septiembre 1977 - hasta 1984: divorcio sin hijos.
4º Con Jeanne Baus desde el 5 de marzo de 1993 - hasta 1994: divorcio sin hijos.

Tuvo además un largos y mediáticos romances con: Zsa Zsa Gabor, Hope Lange, Rita Hayworth, Connie Stevens, Joan Crawford, Dinah Shore, Brigitte Bardot, Debbie Reynolds, Maria Schell, Linda Christian, y Judy Garland, pero no concluyeron en el altar.

Ford padecío de problemas cardíacos en sus 80 años y aun así logró llegar a los 90. En 1987 fue homenajeado con el Premio Donostia en el Festival de Cine de San Sebastián. Falleció en el curso de la noche del 30 de agosto de 2006 en su residencia de Beverly Hills (California) a los 90 años de edad.

Carmen Miranda



Carmen Miranda (9 de febrero de 1909 – 5 de agosto de 1955);
nació bajo el nombre Maria do Carmo Miranda da Cunha) fue una cantante de samba y actriz portuguesa/brasileña famosa durante los años 40.

Miranda nació en la pequeña ciudad Marco de Canaveses al norte de Portugal. Su familia se trasladó a Brasil cuando tenía un año de edad. Estudió en el Convento de Santa Teresinha. Sus padres no aprobaron sus deseos de trabajar en el espectáculo, por lo que guardó el deseo durante años. En su tiempo libre cantaba en algunas fiestas de la ciudad. Para ayudar a financiar el tratamiento médico de su hermana, Olinda, quien tenía tuberculosis, Carmen trabajó en una tienda de corbatas y luego en una boutique, La Femme Chic, donde aprendió a confeccionar sombreros. Al poco tiempo, comenzó su propio negocio de sombreros.

Finalmente fue descubierta y le dieron la oportunidad de cantar en una estación de radio local. Una cosa llevó a la otra, y comenzó una carrera como cantante de samba durante diez años antes de ser invitada a Nueva York para presentar su show en Broadway. En Brasil, fue vista como una innovadora en la música, y fue una de las primeras estrellas del samba antes de ir a Estados Unidos. Hizo además seis películas durante su carrera en Brasil.

Miranda llegó a Estados Unidos en 1939 con su banda, Bando da Lua, y alcanzaron el estrellato durante los años 40. Fue animada por el Gobierno de Estados Unidos en su carrera artística, como parte de la Política de buena vecindad del presidente Roosevelt, diseñada para fomentar los lazos entre Latinoamérica y Europa;
se creía que entregando apoyo a artistas como ella, la política sería mejor recibida por el pueblo. Fue la artista mejor pagada durante los años 40, y en 1945 fue la mujer mejor pagada en Estados Unidos, ganando más de $200.000 dólares ese año, según el IRS.

Miranda hizo un total de 14 películas en Hollywood entre 1940 y 1953. Como cantante, vendió más de 10 millones de copias a lo largo del mundo. Recibió el apodo "
The Brazilian Bombshell"
.

La mirada que tenía Hollywood sobre Miranda era la de una mujer latina genérica que dejaba de lado las distinciones entre Brasil, Argentina y México al igual que entre la samba, tango y habanera. Su aspecto era extravagante, generalmente usaba sandalias de plataforma y sombreros hechos de fruta. Debido a su baja estatura (1,52 m.) este atuendo la hacía ver más alta en la pantalla.

Durante una visita a Brasil en 1940 fue fuertemente criticada por formar parte de la cultura estadounidense y entregar una falsa imagen de Brasil. Respondió con la canción en portugués "
Disseram Que Eu Voltei Americanizada"
, o "
Dicen que me he vuelto americanizada"
. Otra canción, "
Bananas Is My Business"
, estuvo basada en la línea de una de sus películas y ayudó a formar su imagen. Se sintió molesta por las críticas y no regresó a Brasil después de 14 años.

Miranda no fumó ni bebió hasta los 30 años de edad. Debido a su adicción al alcohol y tabaco, utilizaba regularmente anfetaminas y barbitúricos, los cuales debilitaron su corazón.

Murió de un infarto cardíaco tras una aparición en The Jimmy Durante Show. Tras completar un número artístico, Miranda sufrió un pequeño infarto. Durante estuvo a su lado, y la ayudó a mantenerse en pie. Miranda sonrió, saludó al público, y salió del escenario por última vez. Miranda murió a la mañana siguiente;
a la edad de 46 años.

La causa oficial de su muerte que fue dada en su certificado de defunción fue toxemia (luego conocida como preeclampsia). Su cuerpo fue llevado a Brasil y el gobierno del país declaró un periodo de luto. Fue enterrada en el Cemitério São João Batista en Río de Janeiro.

Por su trabajo en el cine estadounidense, Carmen Miranda recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en 6262 Hollywood Boulevard.

Helena Solberg hizo un documental de su vida, Carmen Miranda: Bananas Is My Business en 1995.

El famoso sombrero de frutas de Carmen es conocido a lo largo del mundo. Su imagen fue satirizada, y su estilo es popular entre drag queens. Su imagen además fue utilizada en dibujos animados. El estudio de animación de Warner Brothers parecía estar bastante centrado en la imagen de la actriz;
el animador Virgil Ross la usó en el cortometraje Slick Hare, protagonizado por Bugs Bunny, quien escapa de Elmer Gruñón escondiéndose en el sombrero.

Tributos musicales y referencias serias son poco frecuentes. El disco Batuque del cantante brasileño Ney Matogrosso presenta varias canciones de Carmen en su propio estilo. Caetano Veloso hizo un tributo a Carmen cuando grabó Disseram que eu voltei americanizada en el disco en vivo Circuladô Vivo de 1992. Además analizó su legado en un artículo del New York Times.

El autor brasileño Ruy Castro escribió una biografía de Carmen Miranda titulada "
Carmen after four years of interviews"
, publicada el 2005 en Brasil.

Los visitantes de Río de Janeiro pueden encontrar un museo dedicado a Carmen Miranda en el barrio Flamengo de la Avenida Rui Barbosa. El museo incluye varios trajes originales, y escenas de películas. Hay otro museo dedicado a ella en Marco de Canaveses, Portugal llamado "
Museu Municipal Carmen Miranda"
, con varias fotografías y uno de sus famosos sombreros. Fuera del museo hay una estatua de Carmen Miranda.

El 25 de septiembre de 1998, una plaza en Hollywood fue nombrada Carmen Miranda Square en una ceremonia dirigida por Johnny Grant, quien además fue uno de los amigos de la cantante durante el periodo de la Segunda Guerra Mundial. El acto fue apoyado por Jean Chakanaka y la sobrina de Carmen Miranda, Cheryl Cunha, escritora, cantante y artista que adoptó el nombre "
Miranda"
con el cual interpreta varias canciones en honor a su tía. El cónsul de Brasil Jorió Gama estuvo presente, al igual que miembros de Bando da Lua, la primera banda de Carmen Miranda.

Carmen Miranda Square es una de las doce plazas en Los Ángeles que tienen el nombre de algún artista famoso. La plaza está ubicada en la intersección de Hollywood Boulevard y Orange Drive a través del Grauman's Chinese Theatre. La ubicación fue elegida no solo porque las huellas de Miranda estén en la colección del teatro, sino que en recuerdo de una presentación cerca de la intersección del Hollywood Boulevard en el V-J Day.

Joan Blondell

Joan y James Gagney


Rose Joan Blondell, conocida como Joan Blondell, (30 de agosto de 1906 – 25 de diciembre de 1979) fue una actriz estadounidense nominada al Premio Oscar. Considerada una rubia sexy y ocurrente, fue una actriz fundamental para la Warner Bros en la época anterior al Código Hays, e intervino en más de 100 películas para el cine y la televisión.
Nació en una familia dedicada al vodevil en Nueva York. Su padre, conocido como Eddie Joan Blondell, Jr. (nacido Blustein), fue un cómico de vodevil y uno de los originales Katzenjammer Kids. Su hermana menor, Gloria, también actriz y con un gran parecido físico con ella, se casó con el productor cinematográfico Albert R. Broccoli. También tuvo un hermano, del mismo nombre que su padre y su abuelo.

Joan había ya viajado mucho cuando su familia se asentó en Dallas, Texas, siendo ella adolescente. Con el nombre de Rosebud Blondell ganó el certamen de Miss Dallas en 1926 y llegó a la cuarta plaza en el de Miss América en Septiembre de ese mismo año en Atlantic City (Nueva Jersey). Ella estudió en la Universidad de North Texas, y después en un centro de Denton (Texas), donde su madre era una actriz teatral local. Joan hizo algunos trabajos como modelo y fue descubierta por un agente de Hollywood en 1930 mientras trabajaba en Broadway tras volver a Nueva York para intentar ser actriz.

Le pidieron cambiar su nombre por Inez "
Algo"
, pero más tarde se descartó el "
Rosebud"
por el cual había sido conocida en su infancia y se consolidó el nombre de "
Joan Blondell"
, que llevaría a lo largo de una carrera de 49 años.

Con el recién llegado James Cagney apareció en la obra de Broadway Penny Arcade, y fue una de las WAMPAS Baby Stars en 1931.

Con contrato con los estudios Warner Bros debutó en el cine en 1930, mudándose por ello a Hollywood. Durante los años treinta encarnaría a la cazafortunas de la era de la Depresión, y con sus grandes ojos azules, pelo rubio y carácter ocurrente, se convirtió en una de las favoritas del público. Apareció en más películas de la Warner que cualquier otra actriz, por lo que ella misma se llamaba la bestia de carga de la Warner. La popularidad de sus películas fue de gran rentabilidad para el estudio.

Blondell fue emparejada con James Cagney en películas tales como El enemigo público (1931), y fue, junto a Glenda Farrell, una de las dos cazafortunas protagonistas de nueve películas. Durante la Gran Depresión, Blondell fue una de las personas mejor pagadas de los Estados Unidos. Su conmovedora interpretación de "
Remember My Forgotten Man"
en la película de Busby Berkeley Gold Diggers of 1933 (1933), la cual co-protagonizaba junto a Dick Powell y Ginger Rogers, se convirtió en el himno por las frustraciones debidas al paro y a las fallidas medidas económicas del Presidente Herbert Hoover. En 1937, protagonizó junto a Errol Flynn The Perfect Specimen, basada en una obra del entonces famoso dramaturgo Lawrence Riley.

Al final de la década había hecho casi 50 películas, a pesar de haber dejado la Warner en 1939. Siguió trabajando regularmente durante el resto de su vida, siendo bien acogida en sus últimas películas. Fue nominada al Oscar a la mejor actriz de reparto por su papel en The Blue Veil (No estoy sola) (1951). También apareció en A Tree Grows in Brooklyn (Lazos humanos) (1945), Desk Set (Su otra esposa) (1957), y Will Success Spoil Rock Hunter? (Una mujer de cuidado) (1957). Poco antes de su muerte trabajó en dos películas de gran éxito, Grease (1978) y The Champ (Campeón) (1979), junto a Jon Voight y Rick Schroder. Además, John Cassavetes la eligió para el papel de una vieja y cínica actriz de teatro en su película Opening Night (Noche de estreno) (1977). También participó en la serie de la ABC TV Here Come the Brides, acerca de la vida en el Noroeste del Pacífico en el siglo XIX.

Blondell tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por su contribución al cine, en el 6309 de Hollywood Boulevard.


Blondell se casó por primera vez en 1932 con el director de fotografía George Barnes (1892 –1953). Tuvieron un niño, Norman S. Powell (que llegó a ser un experto productor, director, y ejecutivo televisivo), y se divorciaron en 1936. Su segundo marido, con quien se casó el 19 de septiembre de 1936, fue el actor, director y cantante Dick Powell;
tuvieron una hija, Ellen Powell, que fue peluquera de un estudio. Blondell y Powell se divorciaron el 14 de julio de 1944. Se casó con su tercer marido, el productor Mike Todd, en 1947, divorciándose en 1950. Su matrimonio con Todd fue un desastre emocional y financiero.

Falleció de leucemia en Santa Monica, California, a los 73 años de edad. Fue enterrada en el cementerio Forest Lawn Memorial Park en Glendale, California.

Escribió una novela titulada 'Center Door Fancy' (publicada en 1972), basada en datos de su vida.

James Dean



James Dean (n. 8 de febrero de 1931 – m. 30 de septiembre de 1955) fue un actor estadounidense.

Nació como James Byron Dean en Marion, en el estado de Indiana.
Sus padres fueron Mildred Winslow y Winton Dean. Su madre murió cuando Dean tenía 9 años y su padre lo envió a la granja de sus tíos en Fairmount para que se hiciesen cargo de él. En esta granja pasó toda su infancia.

A Dean siempre le gustó practicar deportes. A pesar de su miopía destacó en varios de ellos, como el baloncesto y el béisbol. También amaba el teatro, y comenzó a estudiarlo y a practicarlo desde muy joven. Antes de salir de su pueblo ya había representado varias obras. Cursó sus estudios en la Universidad de California, Los Ángeles (UCLA), donde interpretó varios papeles de teatro, como el de Malcom en Macbeth. Pronto se trasladó a Nueva York para estudiar interpretación en el famoso Actor's Studio.

Después de solicitar a numerosas agencias de actores trabajo en una obra de teatro, le ofrecieron en 1952 intervenir en See the Jaguar, en la que interpretó a un adolescente que había estado encerrado en una jaula la mayor parte de su vida. También hizo varias apariciones en televisión, que sin embargo no trascendieron. En 1953 le dieron otro papel en Broadway, The Immoralist, que tuvo una acogida muy positiva por la critica.Finalmente, Jimmy, como se le conocería, consiguió convertirse en actor de cine, cuando en 1954 el director Elia Kazan, que había rodado Un tranvía llamado deseo con Marlon Brando, le ofreció el papel principal de Cal Trask en Al este del Edén. El director eligió a Dean por su similitud con el personaje, introvertido, tosco, melancólico y apasionado. Durante su estancia en Hollywood, Dean salió con muchas mujeres, pero el amor de su vida fue la actriz Pier Angeli, a quien conoció durante el rodaje de Al este del Edén. A pesar de que la madre de Angeli se opuso a ese romance, estuvieron juntos un tiempo hasta que Angeli le comunicó que iba a casarse con el cantante Vic Damone. Dean no aceptó esa decisión y, según algunos biógrafos, la golpeó. Durante la ceremonia de la boda de Angeli, se situó con su moto delante de la puerta de la iglesia y mantuvo acelerado el motor para hacer ruido. El matrimonio de Angeli duró poco tiempo. Ella murió en 1971.

Dean no acudió al estreno de Al este del Edén. Nada menos que Marilyn Monroe y Marlene Dietrich trabajaron en esa ocasión como acomodadoras. Días después Dean vio su película pasando desapercibido en las filas del cine, como un espectador más.

Al poco tiempo, Nicholas Ray le contrató para el papel de Jim Stark en Rebelde sin causa, coprotagonizada por Natalie Wood. En el contrato que Dean tuvo que firmar se le prohibía competir en carreras de automóviles mientras durase el rodaje. La película se terminó a los dos meses y la post-producción unos meses más tarde.

Durante este tiempo Dean rodó Gigante, de George Stevens, junto a Rock Hudson y a Elizabeth Taylor. Su personaje, Jett Rink, tenía también rasgos de Dean, ya que ambos eran personas solitarias. También en esta película se le prohibió participar en carreras de coches mientras duraba la filmación. La película se rodó cerca de la frontera con México.


Mientras trabajaba en Gigante, Dean se compró un Porsche 550 Spyder, al que bautizó The little bastard («El pequeño bastardo»). Días antes de su muerte hizo un anuncio publicitario en la que advertía a los jóvenes de conducir con prudencia. Tan pronto como terminó el rodaje de la película, Dean fue a competir en una carrera de automóviles en Salinas, cerca de San Francisco. La noche anterior dejó su gato a Elizabeth Taylor para que lo cuidase, ya que temía que algo le sucediese.

Mientras Dean conducía su Porsche a una velocidad moderada por la carretera, acompañado por su mecánico, se le acercó en un cruce en la localidad de Cholame, California, un Ford a gran velocidad, conducido por un estudiante. Dean trató de esquivarlo, pero no pudo. Se incrustó contra un poste de la luz y se rompió el cuello, perdiendo la vida instantáneamente el 30 de septiembre de 1955, a la edad de 24 años. El conductor del otro automóvil y el mecánico de Dean se salvaron.

Anécdotas :

1º La gente le comparaba con Brando, incluso antes de que Dean supiese quien era Brando.
2º Cuando vivía en la granja con sus tíos, se acercaba a escondidas por las noches, al cementerio donde estaba enterrada su madre, para llorarle y preguntarle el porque le había dejado, que el la necesitaba.
3º Fumaba marihuana en el rodaje de Gigante, y el director de la película tuvo que quitar algunos primeros planos del actor, porque se le notaba en la mirada esos aires de "
ausente"
.
4º Llegó a escupir retratos de las warner bros.
5º Su marca favorita de tabaco era Chesterfield. El café era otra de sus adicciones.
6º En una entrevista le preguntaron que si era gay, su respuesta fue: "
Bueno, no voy andando todo el día con una mano pegada al trasero"

7º Declaró que la actriz Pier Angelí, con quien tuvo un romance, era la chica perfecta para el.
8º El médico forense que examinó a Dean tras su muerte, declaró que había muerto por lo siguiente: Fracturas múltiples en ambos antebrazos, una pierna fracturada, el cuello roto, y numerosos cortes en la cara y el torso. La muerte se produjo en el momento del accidente o momentos después.
9º El estudiante que conducía el Ford con el que colisionó Dean, volvía de un cine local de ver "
Gigante"
.
10º Era un gran fanático de los toros.
11º Una productora de cine le rechazó por ser bajo, a lo que el le contestó al director: "
¿Acaso la interpretación se mide en centímetros?"
.James Dean medía 1,71 cm
12º En el cortometraje que filmó antes de su muerte cambió cambio la palabra "
suya"
por "
mía"
quedando algo así "
Conduzca con cuidado, puede que la vida que salve sea la mía"
;
Irónicamente murió en un accidente de carretera por llevar las luces apagadas

Elizabeth Taylor




Elizabeth Rosemond Taylor (n. 27 de febrero de 1932) es una famosa actriz inglesa/estadounidense ganadora del premio Oscar. Reconocida por su espectacular y singular belleza y actuación en películas como "
Cleopatra"
o "
¿Quién teme a Virginia Woolf?"
por su tormentosa vida privada y por poseer los ojos de color violeta, algo único en Hollywood y extremadamente raro de ver en el mundo.

Elizabeth Taylor, cuyo nombre completo es Elizabeth Rosemond Taylor, ha sido durante varias décadas una de las actrices más prestigiosas de Hollywood. Es hija de emigrados estadounidenses en el Reino Unido, con los que regresó poco antes de la Segunda Guerra Mundial. Su padre era marchante de arte y su madre una actriz en retiro.

Tras participar en varias comedias de escasa calidad, se hizo estrella a la edad de 12 años con el film "
National Velvet"
· (1944). Su siguiente gran éxito serìa "
El Padre de la Novia"
(1950). Durante las décadas de 1950 y 1960 se convirtió en una de las mayores estrellas del firmamento de Hollywood gracias a su presencia en títulos tan significativos como "
Gigante"
(1956), junto a Rock Hudson, de quien se hizo muy amiga;
"
La gata sobre el tejado de zinc"
(1958), junto a Paul Newman;
"
De Repente el ùltimo Verano"
(1959), (junto a Montgomery Clift y Katharine Hepburn);
"
Una Mujer Marcada"
(1960);
y la película más cara de la historia, "
Cleopatra"
(1963). Por esta película llegó a cobrar la para entonces astronómica suma inicial de un millón de dólares, convirtiéndose así en la primera actriz en cobrar semejante cifra;
sin embargo, aunque con ese monto Elizabeth Taylor se convirtió en la estrella mejor pagada de la historia, debido a multitud de retrasos, contratiempos y un aparte de la taquilla, terminaría cobrando la exagerada e increíble suma de siete millones de dólares, superando así, por siete veces su propio récord. En su rodaje conoció a Richard Burton.

Liz Taylor supo explotar con maestría su turbador e innegable atractivo sexual y dio que hablar a través de sus romances polémicos(incluso el mismo Vaticano la acuso de vagancia erotica, frase que inundo los titulares de todo el mundo), aunque algunas fuentes la describen como bastante convencional en el amor: dicen que se casó ocho veces, porque no era proclive a aventuras fugaces y quería formalizar cada nueva relación con una boda.

Tan famosa por su carrera cinematográfica como por su vida sentimental, Liz Taylor ha sido objeto de la prensa rosa por sus constantes divorcios y matrimonios y por sus problemas de salud, con el alcohol y por una lesión de columna que ha requerido diversas operaciones, además de un tumor cerebral. Desde hace años, acude a actos públicos en silla de ruedas.

Ha recibido dos premios Oscar por sus papeles en "
Una mujer marcada"
(1960) y "
¿Quién teme a Virginia Woolf?"
(1966), además de tres nominaciones más,todas ellas en la categoría de mejor actriz principal. Célebre también por sus labores humanitarias en la lucha contra el SIDA desde la muerte de su amigo Rock Hudson, colabora desde hace años con una sociedad dedicada a la lucha y la investigación de esta grave enfermedad. Fue por este motivo galardonada con el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia en 1992. Ademas ese mismo año tuvo una incursion en el concierto en tributo a Freddie Mercury Hablando sobre la prevencion del SIDA
A los 18 años, contrajo matrimonio con Conrad Nicholas Hilton, con quién estaría casada sólo un año.

Su segundo matrimonio fue a los 20 años, con el actor británico Michael Wilding, con quién tuvo dos hijos, pero a los 24 años ya estaba separada nuevamente.

En su tercer matrimonio se casó con el productor de cine Mike Todd, quien un año después muere en un accidente aéreo en 1958.

Con Mike tuvo otra hija. Después de estar sólo 6 meses viuda, conoce en 1959 al mejor amigo de Mike Todd, el cantante Eddie Fisher casado con su mejor amiga Debbie Reynolds, con quien contrae matrimonio en medio de uno de los escándalos más sonados de la época. Fue la roba-maridos más famosa de aquellos tiempos.

En 1962, en la filmación de Cleopatra, conoce y se enamora del actor Richard Burton, quien sería su gran amor y con quien se casa y se divorcia en dos ocasiones. Sus constantes discusiones, caracter borrascoso y sus polémicas relaciones fueron la causa de grandes escándalos, los más grandes de los que se tenga conocimiento y rios de tinta corrieron desde el inicio de la publicitada Cleopatra, hasta su divorcio en 1974, su reconciliación en 1975 y su nuevo divorcio en 1976. Burton le agasajó con fastuosas joyas, como la perla La Peregrina, que antaño perteneció a Felipe II y fue reproducida por Velázquez. Cuando esta joya salió a la venta y la compró Richard Burton, desde España se intentó entorpecer la operación afirmando que era falsa. Pero la más famosa de toda es sin duda el diamante Taylor-Burton de 69 quilates, comprado en 1969 por 1.2 millones de dòlares.

Su sexto matrimonio fue con el senador John W. Warner, con quién tuvo un matrimonio infeliz que la llevó al alcoholismo. Elizabeth estuvo a punto de casarse con un abogado mexicano, Víctor Luna, quien desapareció días antes de ir al registro civil.

Finalmente se casaría con Larry Fortensky, un obrero de la construcción del que se divorció en 1996. Es además muy amiga del polémico cantante y bailarín, Michael Jackson

Oscars:

-1994 Premio Humanitario Jean Hersholt Ganadora
-1966 Oscar a la mejor actriz ¿Quién teme a Virginia Woolf? Ganadora
-1960 Oscar a la mejor actriz Una mujer marcada Ganadora
-1959 Oscar a la mejor actriz De repente, el último verano Nominada
-1958 Oscar a la mejor actriz La gata sobre el tejado de zinc Nominada
-1957 Oscar a la mejor actriz El árbol de la vida Nominada

Montgomery Clift



Edward Montgomery Clift (n. 17 de octubre de 1920 - m. 23 de julio de 1966) fue un actor estadounidense nominado a los premios Oscar, Globo de Oro y BAFTA.
Clift nació en Omaha, Nebraska, hijo de Ethel Anderson Fogg Blair y William Brooks Clift, un banquero proveniente del Sur. Tenía una hermana gemela, llamada primero Roberta pero a la que después le cambiaron en nombre para llamarse Ethel, y un hermano mayor, Brooks, ex marido de Eleanor Clift, la columnista y comentarista política.
Con su aparición en Broadway a los trece años, Clift obtuvo éxito en los escenarios y actuó allí durante diez años antes de viajar a Hollywood, debutando en Río rojo (1948), con John Wayne. Tanto John Wayne como Walter Brennan se sintieron indignados por la homosexualidad de Clift, y se mantuvieron alejados de él durante la grabación de la película. Por su parte, Clift se sentía ofendido por la inclinaciones ultraconservadoras de los dos actores. En 1958, rechazó un papel en Rio Bravo, que lo hubiera reunido de nuevo con Wayne y Brennan, papel que interpretaría Dean Martin.

También en 1948, Clift fue nominado a un Premio Oscar al mejor actor por su interpretación en La Búsqueda. Desde entonces, asentaría un nuevo modelo de actor protagonista: sensible, emocional y con una belleza melancólica, “el tipo de hombre que una mujer querría cuidar”. Su carrera estuvo repleta de éxitos, interpretando muchos papeles nominados al Oscar y convirtiéndose en un ídolo por su presencia y atractivo. Sus escenas de amor con Elizabeth Taylor en “Un lugar en el sol” (1951) estableció un nuevo estándar para el romance en el cine. Sus papeles en De aquí a la eternidad” (1953), donde interpreta al soldado de infantería Robert E. Lee Prewitt, y en “El baile de los malditos” (1958) son considerados los más característicos de su carrera. Según parece, Clift rechazó los papeles protagonistas en El crepúsculo de los dioses (1950) y “Al este del Edén” (1955).

Clift y su rival en la pantalla, Marlon Brando, que casualmente nació en la misma ciudad –Omaha, Nebraska-, fueron conocidos popularmente en Hollywood como “Los gemelos de oro”, por su rápido ascenso al estrellato.

El 12 de mayo de 1956, mientras filmaba El árbol de la vida, su coche se incrustó contra un poste de teléfono tras salir de una fiesta en casa de Elizabeth Taylor, co-protagonista de la película. Avisada por su amigo Kevin McCarthy, que había presenciado el accidente, Taylor corrió hasta el lugar y salvó a Clift de morir ahogado extrayéndole dos dientes que se le habían clavado en la garganta. Clift fue sometido a cirugía plástica y reconstructora y volvió tras unas semanas para terminar la película. Ambas caras de Clift, antes y después, aparecen claramente en la película. Hacia esta fecha, Clift empezó a abusar del alcohol y los calmantes, y su salud se deterioró. El y Taylor fueron grandes amigos hasta su muerte.

Su carrera tras el accidente de coche ha sido denominada frecuentemente “el suicidio más largo de Hollywood”, debido al abuso de sustancias ilegales. En su primera película desde el accidente, Clift protagonizó Río salvaje (1960), junto con Lee Remick, un film incluído en el Registro Nacional de los Estados Unidos. También coprotagonizaría Vidas rebeldes en 1961, que resultaría ser la última película de Marilyn Monroe y Clark Gable. Monroe, quien también estaba teniendo problemas emocionales, describió a Clift como “la única persona que conozco que está aún peor que yo”. Su estilo de vida autodestructivo estaba arruinando su salud. Universal lo demandó en 1962, durante la grabación de Freud por sus frecuentes ausencias. El caso se resolvió fuera de los juzgados;
el éxito de taquilla de la película resultó beneficioso para ambas partes.

Clift recibiría una última nominación a los Oscar como mejor actor de reparto en ¿Vencedores o vencidos? (1961), en un papel de siete minutos. También participaron Spencer Tracy, Marlene Dietrich, Maximilian Schell, Burt Lancaster y Judy Garland. El director, Stanley Kramer, escribiría en sus memorias cómo Clift no conseguía recordar sus lineas, a pesar de que sólo salía en una escena: “Al final le dije ‘Mira, Monty, olvídate de las lineas. Tú estás en el estrado. El fiscal te dice algo, y luego el abogado de la defensa te ataca con dureza, y tú echas un vistazo al guión y sueltas una palabra. Eso estará bien. Di lo que sea, en realidad no importa. Simplemente vuélvete hacia Tracy cuando quieras e improvisa algo. Estará bien porque eso mostrará la confusión de tu personaje.’ Él pareció calmarse. Nunca seguía el guión al pie de la letra, lo que dijera siempre encajaba perfectamente, y finalmente lo hizo tan bien como yo esperaba.”

Según algunos autores, Montgomery Clift era homosexual. Otros arguyen que era bisexual. Su biógrafo Michelangelo Capua afirma que “Monty durmió tanto con hombres como con mujeres, esperando descubrir sus propias preferencias sexuales.” Añade que su madre “habla sin problemas sobre la homosexualidad de su hijo: ‘Monty se dio cuenta de que era homosexual muy pronto. Creo que tendría doce o trece años.’” (“Montgomery Clift: a Biography”, p.22)

Patricia Bosworth, que pudo hablar con su familia y con muchas personas que conocían al actor y habían trabajado con él, escribe en su libro “Montgomery Clift”: “Antes del accidente, Monty tenía incontables romances con hombres y mujeres. Encajaba con su personalidad el tener relaciones de esta manera… tras el accidente y su adicción, pasó a ser un hombre más serio y el sexo se volvió menos importante para él. De todos modos, siempre dio más importancia a los viejos amigos como Bill Le Massena, Maureen Stapleton, Elizabeth Taylor, Libby Holman o Ann Lincoln

Montgomery Clift murió el 23 de julio de 1966 a los 45 años por complicaciones de salud debidas a su adicción al alcohol y a las drogas. Se encontraba en su apartamento de la calle 61, situado en el Upper east side neoyorkino (conocido como el brownstone). Supuestamente, su asistente le oyó decir sus últimas palabras cuando lo llamó para que saliese de su habitación, preguntándole si quizás le gustaría ver Vidas rebeldes en la televisión, a lo que Clift contestó con rotundidad: "
No, en absoluto"
. Fue enterrado en el Cementerio Quaker, Prospect Park, Brooklyn.

En el Paseo de la Fama de Hollywood, Clift tiene una estrella en el 6104 de Hollywood Blvd.

Judy Garland



Judy Garland (n. 10 de junio de 1922 - m. 22 de junio de 1969), nombre artístico de Frances Ethel Gumm, fue una actriz y cantante estadounidense, una de las más populares de la Época Dorada de los musicales de Hollywood. Estuvo casada con el director de cine Vincente Minnelli, con el que tuvo una hija, la también actriz y cantante Liza Minnelli.
Creció en una familia consagrada al espectáculo ya que sus padres, Frank Gumm y Ethel Milne, y sus hermanos se dedicaban al teatro musical, en particular al mundo del vodevil. La actriz comenzó a andar encima de un escenario a los tres años ya que aparecía en las funciones de sus familiares. Poco después y cuando todavía era una niña, su madre la impulsó a crear junto con sus hermanas el conjunto femenino llamado The Gumm Sisters Kiddie Act. Fue en esta etapa cuando la pequeña Frances cambió su nombre por el de Judy Garland, bajo sugerencia del productor y actor George Jessel. A mediados de los años 30, y con el trío ya disuelto, Judy se dirigió con su madre a Hollywood para participar en varias pruebas cinematográficas que demostraron el elevado talento vocal de la gran intérprete. Y, a los 13 años, consiguió firmar un contrato con los estudios Metro Goldwyn Mayer (MGM), lugar en donde brillaría en imprescindibles títulos como Pigskin Parade (1936) y Andrés Harvey de enamora (1938).

Después de varios roles secundarios, a los 16 años consiguió el papel de Dorothy en la hoy mundialmente famosa película El Mago de Oz (1939), y desde ese entonces, es asociada con la canción Over the Rainbow. Esta actuación le valió un Oscar especial a la mejor actriz juvenil. Luego del éxito de “El Mago de Oz”, Garland se convirtió en una de las actrices más cotizadas de MGM.

Para continuar con el ritmo frenético de filmar una película después de la otra, Garland y un grupo de sus amigos actores, entre ellos Mickey Rooney, comenzaron a tomar anfetaminas y barbitúricos antes de dormir. Para Garland, esta constante dosis de drogas la llevaría a la drogadicción y a una lucha de por vida.

La apariencia física de Garland era juzgada como inaceptable por MGM, y en muchas ocasiones se sentía poco atractiva. No poseía la clase de belleza que poseían sus compañeras, y esto le causaba gran ansiedad. Por lo tanto, Judy se sometió a grandes transformaciones durante su carrera. En 1944, MGM le dio a Garland una nueva maquilladora, Dorothy Ponedel. Ella cambió la apariencia de muchas formas, desde cambiar la forma de sus cejas hasta modificar la línea del pelo y la forma de sus labios. A Judy le agradaron tanto los resultados que siguió trabajando con Dorothy a través de todo su contrato con MGM.

Una de las películas más aclamadas de Judy fue Meet me in St. Louis, filmada en 1944, en la que cantó varios temas. En 1945 filmó The Clock, su primer filme dramático. Aunque obtuvo muy buenas críticas, los admiradores esperaban que siguiera cantando, por lo que la mayoría de sus roles eran en musicales. En Septiembre de 1945 se casó con el director de películas Vincente Minnelli, y en 1946 dio a luz a su hija Liza. Poco tiempo después, el frustrante horario de trabajo empezó a afectar a Garland, lo que causó que faltara a varios días en los rodajes sus películas. En 1947, mientras filmaba El Pirata, Garland tuvo una crisis nerviosa. Luego, se hizo muy notorios los problemas emocionales que sufría Garland, lo que llevaron a que perdiera su contrato con MGM. Dos meses después, intentó suicidarse. Su inestabilidad emocional se reflejaba también en otros aspectos de su existencia, en especial en su adicción a las drogas.

En 1951, Judy y Vincente se divorciaron, y ella se casó con Sif Luft, su jefe. En 1952 dio a luz a su hija Lorna. Luego, empezó a dar conciertos en Inglaterra, Escocia e Irlanda, y en 1951, recibió un premio Tony. En 1954, filmó Ha nacido una estrella, la que le proporcionaría su primera nominación al Oscar. En 1955, ganó el Globo de Oro como Mejor actriz en una comedia o musical.

Tras el divorcio de Luft, comenzó una lucha por la custodia de sus hijos y cometió varios fallidos intentos de suicidarse. En 1964 se volvió a casar con el actor Mark Herron, de quien se divorció en 1968.

A principios de los años 60, CBS hizo un trato de 24 millones de dólares para filmar una serie semanal de televisión, la cual, aunque parecía ser muy prometedora, obteniendo 4 nominaciones al Emmy, no duró más de 26 episodios y resultó ser tanto personalmente como emocionalmente devastador para Garland. El último concierto de Judy Garland fue en 1969 en Copenhague.

Los problemas de su infancia se hicieron más notorios mientras luchaba por sobreponerse a varios problemas personales, incluyendo las drogas. En marzo de 1969 contrajo matrimonio con el empresario Mickey Deans, quien la encontró muerta el 22 de junio en el baño debido a una sobredosis de barbitúricos. Murió a los 47 años en Londres. Es frecuente la conexión entre su muerte y posterior funeral y los disturbios de Stonewall del 28 de junio de 1969, origen del movimiento de liberación homosexual moderno. Garland era un icono gay cuya muerte fue especialmente sentida por el colectivo gay y cuya celebración del funeral en el bar Stone Wall Inn fue interrumpida por la policia el 28 de junio de 1969 generandose la consiguiente revuelta que ha dado origen al Día del Orgullo Gay.

La voz de Garland poseía un vibrato natural, el cual era capaz de mantener en un bajo tono de voz. Los efectos que proyectaba le permitían transmitir gran emoción al interpretar una canción. El Instituto Cinematográfico Americano la nombró la octava Mejor Estrella Femenina de todos los tiempos.

Ginger Rogers



Ginger Rogers (Independence, (Missouri), 16 de julio de 1911 - 25 de abril de 1995), actriz, bailarina y cantante estadounidense y ganadora de un Óscar. En sus 35 años de carrera, hizo un total de 73 películas, aunque sus papeles más recordados fueron los que hizo junto a Fred Astaire en una serie de diez películas musicales, que revolucionaron el concepto del musical moderno.

Virginia Katherine McMath era hija de Eddins McMath, de ascendencia escocesa y Lela Owens McMath, de antepasados galeses. Su madre se separó de su padre poco después de su nacimiento. Así madre e hija se fueron a vivir cerca de Kansas City. A partir de ahí, la pequeña Virginia vivió una constante lucha entre sus padres por su custodia hasta que se quedó definitivamente viviendo con sus abuelos Walter and Saphrona Owens. Muchos de sus primos empezaron a cortar el nombre de Virginia por el de "
Ginga"
, dando origen a su nombre artístico.

Cuando contaba con nueve años, su madre se volvió a casar con John Logan Rogers. Ginger comenzó a usar el nombre de Rogers, aunque nunca fue legalmente adoptada. Vivieron en Fort Worth, Texas, y su madre empezó a trabajar como crítica de teatro para un diario local, el Fort Worth Record. Así fue como Ginger empezó a interesarse por el mundo del espectáculo. Esperando a su madre mientras terminaban las entrevistas, Ginger empezaba a cantar y bailar encima de los escenarios.

Cinco años después, Ginger Rogers hizo su debut en el mundo del espectáculo. El espectáculo de vaudeville de Eddie Foy organizó un concurso para encontrar jóvenes talentos. Ginger entró y ganó el concurso con un baile de charleston. Comenzó así una gira con el teatro de variedades por todo el país durante los siguientes tres años. Rogers tenía 14 años.

A los 17 años, Ginger se casó con Jack Culpepper, también bailarin, pero su matrimonio no duró demasiado. Más tarde, viajaría a Nueva York con su madre. Allí empezó a hacer diferentes trabajos en la radio y en Broadway, donde debutaría con un musical llamado Top Speed, que se estrenó el 25 de diciembre de 1929.

Sus primeras apariciones en el cine fueron en 1929, en un grupo de cortometrajes que llevaban por título Night in the Dormitory, A Day of a Man of Affairs y Campus Sweethearts.

Poco después, Rogers fue elegida para protagonizar en Broadway el musical Girl Crazy de George Gershwin e Ira Gershwin. Allí también estaba Fred Astaire, que fue contratado para ayudar a los bailarines con su coreografía. Así fue como Astaire conoció a Rogers, en lo que sería el principio de una historia irrepetible. El éxito de Girl Crazy fue inapelable y en 1930, con 19 años, Rogers firmaría con la Paramount Pictures un contrato por siete años.

A pesar del contrato, Rogers pronto se desvinculó del mismo y empezó a buscarse la vida en Hollywood por si misma. Su debut empezó en 1930 con tres películas olvidables con Pathé. Una serie que continuó durante los siguientes años hasta que en 1933 le llegó su auténtica oportunidad con un musical que hizo historia: La calle 42 (42nd Street), dirigida por Lloyd Bacon y Bubsy Berkeley, y producida por Warner Brothers. En ella compartió cartel con algunos de las jóvenes promesas del cine norteamericano del momento, los luego consagradísimos -y hoy olvidados-: Dick Powell, Warner Baxter, Ruby Keeler o Una Merkel.

A partir de ahí, la cotización de Rogers subió y trabajó al año siguiente con RKO para rodar Volando hacia Río (Flying Down to Rio) de Thornton Freeland (1933), un musical concebido como vehículo para la famosa y exótica actriz mexicana Dolores del Río("
El precio de la gloria"
1925, "
Evangeline"
1929), afincada en Hollywood desde los años finales del cine mudo, donde llamó mas la atención el número que compartían Rogers y Fred Astaire que la propia película en sí.....

Ginger Rogers se convirtió de la noche a la mañana en la mejor pareja de baile de Astaire. Juntos, desde 1933 hasta 1939 hicieron nueve musicales para RKO y dieron un nuevo sentido al musical cinematográfico, introduciendo rutinas de baile envueltos en una excelente elegancia y virtuosismo, componiendo canciones que se convirtieron en éxitos como "
Cheek to cheek"
, "
They Can´t Take That Away From Me"
o "
They All Laughed"
, Aún hoy en día, la expresión "
Fred y Ginger"
todavía es referencia de una de las parejas más grandes de la historia del cine.

Croce y John Mueller consideraron en 1933 hacer de Ginger Rogers la pareja perfecta de Astaire, principalmente por su habilidad de combinar sus dotes de baile, su belleza natural y su excepcionales dotes dramáticas y cómicas. El resultado lo describió a la perfección Katharine Hepburn: "
Ella da la sensualidad, él, la clase"
.

Aunque los números los realizaba Astaire con su ayudante Hermes Pan, ambos reconocieron el mérito de Rogers y pronto dejaron que entrara en el proceso de creación, dando su punto de vista y toque personal a los números. Paradójicamente el público siempre consideró a Rogers mejor bailarina de lo que fue, y a Astaire peor actor de lo que en realidad demostró ser.

De esa prolífica carrera juntos, hay que destacar los grandes números cómicos de "
I'll Be Hard To Handle"
de Roberta, de (1935), "
I'm Putting All My Eggs In One Basket"
de Sigamos la flota (Follow the Fleet), de Mark Sandrich (1936) o "
Pick Yourself Up"
de Swing Time ("
En alas de la danza"
) (1936), de George Stevens. U otros de gran romaticismo como "
They Can´t Take That Away From Me"
(canción que Fred en la película Ritmo loco (1937) de Mark Sandrich, donde canta a Ginger durante una travesía en ferry).

Tampoco hemos de olvidar sus grandes bailes como "
Smoke Gets In Your Eyes"
de Roberta (1935) de William A. Seiter, "
Cheek To Cheek"
de Sombrero de copa (Top Hat) (1935), dirigida por Mark Sandrich o "
Let's Face the Music and Dance"
de Sigamos la flota (Follow the Fleet) (1936) o "
Let´s Call the Whole Thing Off"
de "
Ritmo loco"
en un maravilloso baile en una pista de patinaje neoyorquina. La serie se cerraría con Amanda (Carefree) (1938), de Mark Sandrich y La historia de Irene Castle ( "
The story of Vernon and Irene Castle"
), de H.C. Potter (1939). Esta separación se debe principalmente a la intención de ambos artistas de seguir creciendo en sus carreras así como un cierto recelo de Rogers hacia el director Mark Sandrich. Al parecer estaba un tanto descontenta porque Sandrich dedicaba toda su atención y sus elogios hacia Astaire, dejándola a ella un tanto de lado.

Aún así, hubo una décima película en la que volvieron a unir sus grandes talentos. Tras una larga etapa sin colaborar, el reencuentro se produjo en Vuelve a mí (1949) ("
The barkleys of broadway"
, de Charles Walters, donde Ginger fue la elegida para sustituir a la malograda Judy Garland, quien había conseguido un gran triunfo junto a Astaire en Desfile de Pascua (1948).
A pesar de su éxito junto a Astaire, la actriz siempre intentó potenciar su carrera en solitario. Logró varios triunfos personales en la comedia de intriga "
Estrella de medianoche"
(1935) junto a William Powell, "
En persona"
(1935), "
Damas del teatro"
(1937) junto a Katharine Hepburn en una de sus mejores interpretaciones no musicales, "
Un ardid femenino"
(1938) junto a James Stewart o "
La muchacha de la quinta avenida"
(1939) acompañando a Walter Connolly.

Después de su separación de Astaire, Rogers comentó que no pensaba hacer musicales durante una temporada. Y su primer papel no musical llegó en 1939 donde hizo pareja con David Niven y Charles Coburn en Mamá a la fuerza (Bachelor Mother) de Garson Kanin. Con Espejismo de amor (Kitty Foyle), de Sam Wood, logró el Oscar a la mejor actriz por un papel que, como suele ocurrir, no está entre sus mejores interpretaciones. A partir de ahí, sus ofertas de papeles se multiplicaron y protagonizó películas como "
Unidos por la fortuna"
(1940) junto a Ronald Colman, "
El mayor y la menor"
("
The major and the minor"
), debut en Hollywood como director de Billy Wilder (1942) junto a Ray Milland, "
Once upon a honeymoon"
(1942) junto a Cary Grant, "
Compañero de mi vida"
(1943) con Robert Ryan, "
Te volveré a ver"
(1944) con Joseph Cotten y Shirley Temple en un estimable melodrama producido por Selznick, "
Fin de semana"
(1945) o el remake del clásico "
Gran hotel"
(1932, Edmund Goulding) con Van Johnson, o la ya citada "
Vuelve a mi"
en la que el gran productor Arthur Freed los volvió a reunir diez años después.


A partir de la década de 1950, la carrera de Rogers entró en un suave pero firme declive, confirmado en la década siguiente:la frenética y corrosiva "
Me siento rejuvenecer"
(1952), junto a Cary Grant, Charles Coburn y Marilyn Monroe fue su único gran éxito en esta época, aunque tanto "
No estamos casados"
(1952) como "
Forever Female"
(1953)-junto a William Holden- contienen estupendas interpretaciones de la Rogers.

Eternamente relacionada con la figura de Astaire presentó los Premios Oscar en 1950 y en 1967. En 1992, Rogers recibió un Oscar honorífico por su carrera.


En 1940 Rogers compró un rancho de 1000 acres en Oregon, al que bautizó como 4-R's (por Rogers's Rogue River Ranch). Allí vivió durante 50 años, periodo en el cual falleció su madre, en 1977. Allá abastecería de leche durante la Segunda Guerra Mundial. rogers iba a pescar cada día al río Rogue cada verano.

Políticamente, Rogers era del Partido Republicano. De hecho, madre e hija lucharon intensamente a favor del Comité de actividades antiamericanas.

Rogers se casó cinco veces. El primer matrimonio fue con Jack Pepper, el 29 de marzo de 1929, y duró unos pocos meses. En 1934 se casó con su segundo marido Lew Ayres (1908 – 1996), del que se divorció en 1941. Dos años después, contrajo matrimonio con el tercero, Jack Briggs, del que se divorció en 1949.

En 1953 Rogers conoció a su cuarto marido, el abogado Jacques Bergerac, 16 años más joven que ella, y que más tarde se conviritió en actor y ejecutivo de una empresa de cosmética. De él se divorció en 1957. Y en 1961, se casó su quinto esposo, el director y productor William Marshall del que se separó en 1971.

Rogers pasaría sus últimos veranos en el rancho de Rancho Mirage en California, y los inviernos en Medford (Oregon) hasta su muerte por una angina de pecho, el 25 de abril de 1995. Fue enterrada en el Cementerio Oakwood Memorial Park in Chatsworth (California).

El Craterian Ginger Rogers Theater en Medford, Oregon, fue bautizado en su homenaje

Rita Hayworth



Margarita Carmen Cansino, mejor conocida como Rita Hayworth, (Nueva York, 17 de octubre de 1918 — id., 14 de mayo de 1987) fue una de las actrices más emblemáticas de la época dorada del cine americano, además de la sex symbol indiscutible de la década de los años 40.
Hija del bailarín Eduardo Cansino, natural de Castilleja de la Cuesta (Sevilla, España), y de Volga Hayworth, de origen irlandés. Rita empezó su carrera como bailarina junto a su padre, Eduardo, y con su nombre real, a la temprana edad de 13 años.

Llegó a Hollywood en 1933, y, desde 1935, comenzó a actuar como actriz en papeles secundarios, realizando muchas películas de serie B en las que sobre todo destacó por sus dotes para la danza, o por su elegante aspecto. De esta etapa destaca la película Charlie Chan en Egipto (1937, de Louis King), película perteneciente a la saga dedicada al célebre detective oriental, en la que trabajó junto a Warner Oland, que encarnaba a Chan.

Fue su marido por aquel entonces, Edward Judson, quien la lanzó al estrellato convirtiéndola en su mejor inversión personal. Judson le consiguió un contrato con Columbia Pictures, productora que necesitaba de estrellas importantes y a quien la actriz acabaría colocando entre las primeras compañías cinematográficas ("
Rita Hayworth es la Columbia"
, dijo Frank Sinatra), reportándole millonarios ingresos sólo con su presencia. En dicha tesitura, Harry Cohn, magnate de la productora, se enamoró de ella. La presión y las disputas por este motivo entre la actriz y el productor, darían mucho que hablar entre los profesionales de la industria, y él estuvo toda la vida obsesionado con ella, que no respondió a sus deseos.

Su primer papel importante fue como secundaria en una inolvidable película: Sólo los ángeles tienen alas (1939), de Howard Hawks, lo que hizo que la crítica también se empezara a fijar en ella. Rita Hayworth poseía una personalidad tímida y bondadosa, que contrastaba con su fuerza y enorme impacto en la pantalla. En este film, compartía cartel con Cary Grant, Jean Arthur y Thomas Mitchell, y entre tanto talento, supo destacar. Luego rodó una deliciosa comedia junto a Brian Aherne: Una dama en cuestión (1940, Charles Vidor).

Rita ingresó triunfante en la Twenty Century Fox (compañía que años atrás la rechazara) reclamada por Rouben Mamoulian para interpretar a Doña Sol en la superproducción basada en la novela de Vicente Blasco Ibáñez Sangre y arena (1941, Rouben Mamoulian), junto a Tyrone Power y Linda Darnell. Esta película significó su lanzamiento como sex symbol indiscutible durante toda una década. Su carrera ya era imparable y se convirtió en una de las más grandes estrellas de su época y en la actriz mejor pagada del cine.

Luego intervino en dos comedias musicales de amplio eco popular, junto a Fred Astaire (quién la consideró su mejor pareja de baile), y a quién empequeñeció en la pantalla: Desde aquel beso (1941), de Sidney Lamfield, y Bailando nace el amor (1942), de William A. Seiter. Estos éxitos y sus dotes para el género, la llevaron a protagonizar un musical ya clásico: Las modelos (1944, Charles Vidor), junto al mítico Gene Kelly y Phil Silvers, film innovador en su día por trasladar los números de baile de salón a ambientaciones callejeras. En esa época rodó, con James Cagney y Olivia de Havilland, un melodrama de primer orden (Pelirroja) dirigido por Raoul Walsh;
una cinta biográfica junto a Victor Mature y Carole Landis titulada Mi chica favorita (1942, Irving Cummings), y un musical que fluctúa entre la comedia y el drama de tono menor, pero bastante satisfactorio: Esta noche y todas las noches (1945, Victor Saville), junto a Lee Bowman y Janet Blair.

No obstante, su fama como mito erótico se consolidó con Gilda (1946), de Charles Vidor, una de las grandes películas del cine negro, en la que tan sólo con un brevísimo pero sugerente strip-tease y la recepción de una bofetada consiguió récords de taquilla en todo el mundo. Dicha bofetada se convertiría en la más famosa de la historia del cine;
fue propinada por su pareja en el film, Glenn Ford, en respuesta a la que Hayworth le había propinado momentos antes.

La película fue un escándalo, y en países como España fue considerada como "
Gravemente peligrosa"
por la Iglesia Católica, debido a su strip-tease insinuante, en la famosa escena donde se quita un guante. Esta película la hizo inmensamente famosa, hasta el punto de que se colocó su imagen en la bomba atómica de pruebas arrojada por Estados Unidos sobre las Islas Bikini. Dado el carácter pacifista de la actriz, este hecho la indignó profundamente. También ocasionó una histérica expedición a los Andes para enterrar una copia de la película, para que se conservase en caso de un desastre nuclear.

Este momento de fama internacional también coincide con una de sus crisis en lo personal: su matrimonio con Ali Khan empieza a hacer aguas, y declara a la prensa (frase que se haría célebre): «Todos los hombres que conozco se acuestan con Gilda, pero se levantan conmigo».

La suerte profesional parece ir en racha, y en 1948 rueda junto a su nuevo marido, el director Orson Welles, un film en su día maldito pero de enorme trascendencia: La dama de Shangai.

La película no tuvo mucho éxito comercial, porque Welles le cortó el pelo, la tiñó de rubio platino, le dio un papel de arpía y la mató al final de la película, cosa que no gustó mucho a su público. Sin embargo forma parte de la mitología del cine por su narrativa, estilística y ritmo, y Rita Hayworth declaró años después que «sabía que estabamos haciendo un clásico mientras la rodábamos».

Gilda, el papel más importante de su carrera, fue también el que marcó el inicio de su declive como estrella de Hollywood, ya que nunca consiguió el mismo éxito como sex symbol en ninguna de sus películas posteriores. Sin embargo, fue y es la película que ha convertido a la actriz en inolvidable: "
Nunca hubo una mujer como Gilda"
, se dijo.

Otros títulos destacados de su filmografía son Los amores de Carmen (1948) y La dama de trinidad (1952), que no lograron reeditar el éxito de Gilda, pese a repetir pareja protagonista (para el escritor y cinéfilo Terenci Moix, Rita fue la mejor 'Carmen' del cine);
Salomé (1953), de William Dieterle, recreando la historia bíblica, junto a Stewart Granger y Charles Laughton;
La bella del Pacífico (1953), de Curtis Bernhardt, reversionando un clásico de William Somerset Maugham ya adaptado para el cine con mejor fortuna en los años 20;
Pal Joey (1957, George Sidney), junto a Frank Sinatra y Kim Novak, su último musical, rotundo triunfo de la actriz en su madurez física e interpretativa, rodando un número que ha pasado a la historia del género;
Fuego escondido (1957, Robert Parrish), junto a Robert Mitchum y Jack Lemmon;
y Mesas separadas (1958), junto a Burt Lancaster, Deborah Kerr, Wendy Hiller y David Niven.

Durante los años 60 y principios de los 70 trabajó en producciones modestas, de serie B y en algunas coproduciones europeas de aventuras o westerns mostrando su declive físico e intelectual (la enfermedad le impedía memorizar bien los guiones). De esta última etapa destacan tres títulos: Último chantaje (1962) junto a Rex Harrison, El aventurero (1967, Terence Young), junto a Anthony Quinn, y La ira de Dios (1972, Ralph Nelson), que fue su última interpretación en la gran pantalla.

Se llegó a casar 5 veces: las dos ya mencionadas, con Edward Judson y Orson Welles, pero también se casó con el príncipe Ali Khan, con el que tuvo una hija, la princesa Yasmina Khan;
con el actor Dick Haymes, y con el director de cine James Hill (Nacida libre).

Rita fue víctima de la enfermedad de Alzheimer en una época en que este mal no estaba diagnosticado. Como muchas personas que la padecen, se dio a la bebida ante la desesperación y el desconcierto que le provocaban los síntomas. Murió en el año 1987, a los 68 años, víctima de dicha enfermedad, que padecía desde los años 60, pero que no le fue diagnosticada hasta 1980.

Rita Hayworth es considerada uno de los mitos indiscutibles del cine, una mujer de increíble belleza e instinto para la interpretación, con una personalidad y una profundidad que trascendió su trabajo en el cine y que, como afirmó el director George Cukor, consiguió que sus fans se interesasen por la persona más que por sus personajes

Lana Turner



Lana Turner, (Wallace, Idaho;
8 de febrero de 1921 - Los Angeles;
29 de junio de 1995), actriz estadounidense y símbolo sexual de los años 40.

Su verdadero nombre era Julia Jean Mildred Frances Turner, nació el 8 de febrero de 1921 en Wallace, Idaho (Estados Unidos), pero pronto se trasladó con su familia a las costas de California. Lana no era buena estudiante y muy pronto fue descubierta para el mundo del espectáculo gracias a su exuberante belleza. Su primera aparición en la pantalla grande consistió en un breve papel en la película Ha nacido una estrella (1937) de William A. Wellman. Ese mismo año consiguió mejores papeles en dos clásicos imprescindibles como The Great Garrick de James Whale y They won´t forget de Mervyn LeRoy. Otras películas como Andy Hardy se enamora (1938) o la encantadora comedia fantástica "
La pareja invisible"
("
Topper"
, 1937) de Norman Z. MacLeod, junto a Cary Grant y Constance Bennett, hicieron que Lana Turner fuera más conocida debido a su imponente físico. Pero cuando verdaderamente saltó al estrellato fue en la década de los 40. Su primer matrimonio de los siete que contrajo, fue en 1940 con el músico Artie Shaw, al que conoció en el rodaje de Dancing Co-Ed (1939). Siete meses después de la boda se separaron. En 1942 se casó de nuevo con el actor Steve Crane del que se divorciaría un año después para volver a contraer matrimonio con el mismo Crane el mismo año de la separación.

Durante estos años alcanzó la fama en títulos importantes como El extraño caso del Dr. Jeckyll (1940) de Victor Fleming. Trabajo junto a destacados actores como Spencer Tracy (en la anterior), Lionel Barrymore en "
Calling dr. Kildare"
, James Stewart en un esplendoroso musical ("
Las chicas de Ziegfield"
de 1940 dirigido por Robert Z. Leonard), Clark Gable en Quiero a este hombre (1941), con Robert Taylor y Van Heflin en Senda prohibida, con John Garfield en El cartero siempre llama dos veces (1946) o con Gene Kelly en Los tres mosqueteros (1948). Su vida sentimental era muy inestable, tras su nuevo divorcio en 1944 de Crane se casó con el millonario Bob Topping. Su actuación en El cartero siempre llama dos veces la lanzó al superestrellato, confirmando su popularidad en Cautivos del mal (1952) de Vincente Minnelli, Vidas borrascosas (1957) de Robson o Imitación a la vida (1959) de Douglas Sirk. Fue por su papel en Vidas borrascosas cuando obtuvo su única nominación a los Oscar. A sus devaneos amorosos se le añadieron problemas con la bebida. En 1953 se casó con el actor Lex Barker del que se divorció en 1957. En 1958 llegó el escandalo con el asesinato de su amante Johnny Stompanato por parte de su hija Cheryl Crane. Empezó los años 60 con un nuevo matrimonio con Fred May, del que se divorciaría dos años más tarde. Después de este escándalo su carrera cinematográfica comenzó a declinar, sus apariciones en la cartelera se fueron haciendo menos profusas, y quizás tanto crítica como público infravaloraron su talento al limitarse a encarar el encasillamiento en melodramas tópicos de la actriz. Se retiró definitivamente a finales de los 80, si bien participó en algunos capítulos de la teleserie Falcon Crest.

Además de sus siete matrimonios, mantuvo relaciones con Howard Hughes, Clark Gable, Frank Sinatra, Errol Flynn, Fernando Lamas o Tyrone Power. Fue galardonada con el Premio Donostia del Festival de cine de San Sebastián. Murió el 29 de junio de 1995 en California víctima de un cáncer a la edad de 75 años.

Fay Wray



Vina Fay Wray (15 de septiembre de 1907 – 8 de agosto de 2004) fue una actriz nacida en Canadá y posteriormente nacionalizada estadounidense.

Wray nació en un rancho cerca de Cardston, Alberta (Canadá). Sus padres eran Elvina Marguerite Jones, natural de Salt Lake City, Utah, y Joseph Heber Wray, natural de Kingston upon Hull, Reino Unido. Su familia se trasladó a Estados Unidos cuando ella tenía tres años de edad. En su autobiografía se discute sobre su ascendencia familiar mormona, pero parece ser que nunca fue bautizada como miembro de la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días. La familia de Wray vivió en comunidades predominantemente mormonas en Alberta, Arizona y Salt Lake City, antes de mudarse a Los Angeles, California, donde obtuvo su primer trabajo en el cine en unos cortos cómicos de Hal Roach y en películas del oeste de bajo presupuesto fechadas a inicios de los años veinte.Wray consiguió la atención de los medios cunado fue seleccionada como una de las WAMPAS Baby Stars en 1926, tras lo cual fue contratada por Paramount Pictures.

En 1928, el director Erich von Stroheim eligió a Wray para el papel principal femenino de su producción The Wedding March (La marcha nupcial), la cual fue controvertida en Hollywood debido a su alto presupuesto y calidad de la producción. Fue un fracaso económico, pero dio a Wray su primer papel estelar.

Es sobre todo recordada por el papel de Ann Darrow, la rubia seductora de un gorila gigantesco en la película clásica de terror y aventuras King Kong (1933). Para el papel usó una peluca rubia que ocultaba su cabello oscuro.

Siguió haciendo cine, pero a inicios de los años cuarenta sus apariciones se hicieron esporádicas. Sin embargo intervino con frecuencia en la televisión, con una última aparición en 1980.

Su autobiografía, On the Other Hand (ISBN 0-312-02265-4), fue publicada en 1988.

En sus últimos años, Wray siguió apareciendo en público, y fue invitada a la gala de los Oscar de 1997, donde el presentador de la misma, Billy Crystal, la homenajeó por su contribución al cine.

A Wray se le propuso hacer un pequeño cameo en la película King Kong (2005), y llegó a conocer a Naomi Watts, la cual iba a hacer el papel de Darrow. Sin embargo, antes de iniciar el rodaje, Wray falleció mientras dormía en su casa de Maniatan. Fue enterrada en el cementerio Hollywood Forever en Hollywood, California. Tras su muerte se anunció que las luces del Edificio Empire State se apagarían 15 minutos en su memoria.

Por su contribución a la industria cinematográfica, Fay Wray tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 6349 de Hollywood Blvd. Recibió una estrella póstuma en el Paseo de la Fama de Canadá en Toronto el 5 de junio de 2005. En su honor se dio su nombre a un pequeño parque en Cardston, Alberta, en Main Street. En mayo de 2006, el servicio postal de Canadá emitió un sello con su figura.

Wray estuvo casada tres veces, con John Monk Saunders, Robert Riskin y el Dr. Sanford Rothenberg.

Tuvo tres hijos, Susan Saunders, Victoria Riskin y Robert Riskin Jr.

Se nacionalizó estadounidense en 1935.

Cyd Charisse



Tula Ellice Finklea (n. 8 de marzo de 1921), conocida como Cyd Charisse, es una bailarina y actriz estadounidense, famosa por su participación como bailarina en algunos de los musicales más exitosos y populares de Hollywood, como Cantando bajo la lluvia o Melodías de Broadway.

Nacida en Amarillo, Texas, el 8 de marzo de 1921, como Tula Ellice Finklea, pronto se vio que estaba muy dotada para el baile, por lo que recibió clases de ballet y llegó a formar parte del Ballet Ruso de Sergey Diaghilev, con seudónimos como Felia Sidorova o María Istomina. Posteriormente decidió intentar trabajar como actriz en la industria cinematográfica, y para ello eligió cambiar su nombre a Cyd, a partir del apelativo con el que la llamaba su hermano: Syd (del inglés sister). Cuando en 1939 (con 18 años) se casó con su profesor de baile Nico Charisse, decidió adoptar su apellido también en el nombre profesional.

En 1948 volvió a casarse con el actor e cantante Tony Martin, con el que lleva casi sesenta años de matrimonio (un récord en parejas de Hollywood). Tiene dos hijos, Nick Charisse, de su primer matrimonio, y Tony Martin Jr. del segundo. Su sobrina es la actriz Nana Visitor, y Liv Lindeland, Playmate de la revista Penthouse en 1971, es su nuera.

Ha escrito una autobiografía conjunta con su marido, titulada The two of us ("
Nosotros dos"
), y en 2001 entró a formar parte del Libro Guinness de los Récords en la categoría de "
Piernas más valiosas"
, dado que en 1952 firmó un seguro por valor de 5 millones de dólares para protegerlas, superando así el récord de su antecesora, Betty Grable.
Charisse actuó en varios dúos con famosos bailarines como Fred Astaire o Gene Kelly. Su obra incluye dos de las secuencias más aclamadas de la historia de los musicales: el ballet de "
Broadway Melody"
en Cantando bajo la lluvia y el "
Girl Hunt Ballet"
en Melodías de Broadway (The Band Wagon). La voz de Charisse era normalmente doblada en las canciones de sus películas, generalmente por la cantante India Adams.

Su debut en Hollywood fue en Something to shout about ("
Algo por lo que gritar"
), de 1943, tras lo cual pasó un tiempo haciendo pequeños papeles secundarios en películas como 'Misión To Moscow (1943), The Harvey Girls (1946), Ziegfeld Follies (1946), o En una isla contigo (1948).

En los años 50 su carrera dio un importante giro cuando firmó un contraro con la Metro Goldwyn Mayer y comenzó a tener papeles más importantes en películas de diversos géneros, aunque principalmente musicales. En esa época participó en Cantando bajo la lluvia, Melodías de Broadway, Brigadoon, Siempre hace buen tiempo o La bella de Moscú. Pasada la época dorada de los musicales, las apariciones de Cyd Charisse en pantalla disminuyeron. En los años 60 grabó varias películas, entre las que destaca Dos semanas en otra ciudad, y en 1967 se retiró del cine, salvo por esporádicas apariciones en películas como Los Conquistadores de Atlantis, de ciencia ficción.

Más recientemente ha aparecido en vídeos musicales, por ejemplo I Want To Be Your Property de Blue Mercedes o Alright de Janet Jackson. En 1990 grabó un vídeo de fitness para personas de avanzada edad (ella tenía 69 años en ese momento), titulado Easy Energy Shape Up ("
Puesta a punto de baja energía"
, aproximadamente). Además, suele aparecer en documentales que retratan la "
época dorada"
de los estudios de Hollywood.

Edward G. Robinson



Edward Goldenberg Robinson (12 de diciembre de 1893 - 26 de enero de 1973), conocido como Edward G. Robinson, fue un actor de teatro y cine estadounidense de origen rumano.

Emanuel Goldenberg nació en una familia judía en Bucarest y durante su infancia vivió en una comunidad Yiddish. En 1903, emigró con su familia a Nueva York situándose en el East End. No pudo obtener sus estudios y estaba decidido a convertirse en rabino o abogado. Pero consiguió una beca para entrar en la Academia Americana de Artes Dramáticas, donde transformaría su nombre por el de Edward G. Robinson.

Comenzó su carrera como suplente en 1913 e hizo su debut en Broadway en 1915. Su primer papel en el cine fue un papel secundario en 1916. En 1923 debutaba como E. G. Robinson en The Bright Shawl. Pero la interpretación que le lanzaría a la fama sería la de Rico Bandello en Hampa dorada (Little Ceasar) de Mervyn LeRoy lo que le llevaría a ser el hombre duro de la década de los 30. Así, Robinson pasó de hacer tres películas al año a hacer más de 14 en los dos años siguientes. Durante esa época se casa con la actriz Gladys Lloyd en 1927 con la que tiene un hijo, Manny Robinson (1933-1974).

Durante los años 40 y después de una buena actuación en Dr. Ehrlich's Magic Bullet (1940), su perfil encajaría con el de dramas psicológicos como el de Perdición (Double Indemnity) (1944) de Billy Wilder o La mujer del cuadro (The Woman in the Window) (1945) y Perversidad (Scarlet Street) (1945) de Fritz Lang. Pero continuó aceptando papeles de gangsters como el de Johnny Rocco en el clásico Cayo Largo (Key Largo) de John Huston (1948), la última de las cinco películas que haría con Humphrey Bogart.

No comenzaron muy bien las cosas para Robinson en la década de los 50. Primero, sería acusado de comunista, teniendo que testificar ante el comité de la famosa Caza de Brujas y posteriormente el actor tuvo que vender parte de su inmensa colección de arte para sufragar los gastos del divorcio con Gladys Lloyd. En 1956 volvió a Broadway para interpretar Middle of the Night. Pero ese fue el momento en el que Cecil B. DeMille decide trabajar con él en Los diez mandamientos (The Ten Commandments). A partir de aquí llegarían sus papeles más notables: Millonario de ilusiones (A Hole in the Head) (1959) de Frank Capra al lado de Frank Sinatra y El rey del juego (The Cincinnati Kid) (1965), de Norman Jewison con Steve McQueen.

Robinson llegó a ser enormemente popular en los años 30 y 40 con una carrera de más de 90 películas en 50 años de profesión. Su última escena seria un suicidio en el clásico de culto de la ciència ficción Cuando el destino nos alcance (Soylent Green) (1973), de Richard Fleischer. Moriría dos meses después de haber rodado esta película y dos meses antes de que se le concediera un Oscar honorífico a su carrera. Robinson nunca llegó a ser nominado por su intervenciones. Tiene su nombre en una estrella del Paseo de la Fama de Hollywood situada en el 6233 de Hollywood Boulevard.

Fay Wray

esta es la unica que nunca habia oido nombrar...

George Peppard




George Peppard (n. Detroit, Estados Unidos, 1 de octubre de 1928 - m. Los Ángeles, Estados Unidos, 8 de mayo de 1994), fue un actor de cine y televisión estadounidense.

Nació en Detroit con ese mismo nombre. Su madre fue cantante de ópera y su padre constructor. Después de terminar el colegio Peppard absolvió el servicio militar en la artillería naval. Inicialmente estudió ingeniería civil, probablemente pensando en trabajar más adelante en la empresa de su padre. Al mismo tiempo realizó todo tipo de trabajos, desde taxista, disc-jockey y empleado de banca hasta mecánico de motocicletas. A continuación se matriculó en la universidad de Carnegie Mellon, donde estudió Bellas Artes. En esos años murió su padre, dejando un proyecto de construcción inacabado. El joven Peppard se puso al frente y lo terminó.

Después de sus estudios universitarios Peppard decidió ser actor y quiso prepararse para ello, no confiando en su atractivo físico para tener éxito. Estudió en la prestigiosa escuela de interpretación Actor's Studio de Nueva York. Terminada su formación comenzó a trabajar en películas de televisión y en el teatro, también en Broadway. Su primera película para el cine la hizo en 1957, en la que repetía un papel que ya había interpretado en Broadway. Su popularidad fue en aumento en las siguientes películas, sobre todo cuando intervino en Desayuno con diamantes junto con Audrey Hepburn. Las siguientes películas también tuvieron éxito, especialmente The Carpetbaggers, coprotagonizada por Alan Ladd.

Comenzó a estar menos solicitado por los productores y los estudios, de forma que tuvo que intervenir en películas de menor interés. La serie de televisión Banacek, que se realizó en 1972 y 1973, le convirtió por un tiempo nuevamente en un actor admirado, pero su carrera cinematográfica continuó siendo decadente. En 1978 debutó en la dirección con Five Days From Home, película que tuvo una buena acogida. No obstante, Peppard no se mostró interesado en repetir la experiencia y se dedicó principalmente a las películas y series de televisión. Entre 1983 y 1987 consiguió una vez más un considerable éxito con la serie de televisión El equipo A, producción que le hizo popular entre la juventud de todos los países que la emitieron.

Peppard estuvo casado en cinco ocasiones. Su segunda esposa fue la actriz Elizabeth Ashley, con la que había protagonizado la película The Carpetbaggers. Se casó por última vez dos años antes de su fallecimiento. Peppard tuvo tres hijos, dos de su primer y uno de su segundo matrimonio. En los últimos años de su vida Peppard enfermó de cáncer(era empedernido fumador), lo que le obligó a retirarse del mundo del cine y de la televisión. Murió en Los Ángeles de las complicaciones surgidas en el tratamiento de su enfermedad.

Steve McQueen



Steve McQueen (24 de marzo de 1930 – 7 de noviembre de 1980) fue un actor estadounidense, apopado "
The King of Cool"
. Fue nominado a los premios de la Academia por su papel en The Sand Pebbles, película de 1966. Algunas de sus películas mas conocidas son: "
El coloso en llamas"
realizada en 1974 junto a otros grandes actores como Paul Newman o William Holden, "
Papillon"
en 1973, "
Le Mans"
en 1971, o "
El caso de Thomas Crown"
en 1968.

Nació en Beech Grove, en el estado de Indiana, el 24 de marzo de 1930 con el nombre Terence Steven McQueen. Nunca llegó a conocer a su padre, quien abandonó a su esposa e hijo poco después de nacer. Esto lo afectaría en su desarrollo emocional toda la vida.

McQueen creció en el estado de Misuri, en la casa de su tío, a donde su madre le había llevado. A los 12 años, era un joven muy rebelde y su tío le encomendó volver a vivir con su madre, que se había instalado en Los Ángeles.

Dos años después su madre le envió a un reformatorio, al verse incapaz de educarlo. Pronto McQueen abandonó ese lugar y vagabundeó por diversos sitios, hasta que en 1947 se alistó en los Marines. Cuando abandonó el servicio cinco años más tarde decidió ser actor y comenzó a estudiar en la famosa escuela de interpretación Actor's Studio en Nueva York, aprovechando la ayuda económica que el estado prestaba a los militares que se reincorporaban a la vida civil.

Finalizados sus estudios, en 1955 McQueen consiguió su primer papel en Broadway. Un año más tarde ya comenzó a actuar en el cine, inicialmente en papeles secundarios. En 1958 actuó como actor principal en The Blob, y durante los dos años siguientes apareció en una serie de televisión, lo que le valió el reconocimiento por parte de la crítica.

La película con la que se convirtió en una estrella fue, no obstante, La gran evasión, rodada en 1963, si bien ya había ganado popularidad con películas como Los siete magníficos. Fue nominado al Oscar como mejor actor principal por The Sand Pebbles, de 1966, con un papel hecho a su medida en una actuación memorable. Volvió a tener un éxito sobresaliente con Bullitt.

A partir de entonces, McQueen fue combinando papeles de acción, como en la película de carreras de automóviles Le Mans, con papeles de carácter, como en Papillon, demostrando que además de estrella era un buen actor. Después de El coloso en llamas, una de las mejores películas de catástrofe realizada en 1974, y en la que McQueen compartió el cartel con actores de la talla de Paul Newman o William Holden, se retiró por unos años del cine.

Regresó en 1978 para actuar en An Enemy of the People.

McQueen fue un gran aficionado de la adrenalina, de las motocicletas y de los automóviles de carreras. Amaba las máquinas veloces y aprovechaba cada ocasión que se le presentaba para conducir él mismo los vehículos en las escenas de sus películas en las que había persecuciones de motocicletas o automóviles. En el transcurso de su carrera de actor llegó a considerar seriamente coonvertirse en piloto de carreras. Fue uno de los amigos personales del maestro de artes marciales Bruce Lee y se entrenó en Jeet Kune Do.

Después de 1978 McQueen apareció sólo en dos películas
Murió el 7 de noviembre de 1980, a la temprana edad de 50 años, en Juárez, México. La causa fue un ataque de corazón como consecuencia del intensivo tratamiento contra el cáncer de pulmón al que estaba siendo sometido.

Su vida sentimental fue siempre inestable, se había casado con su tercera esposa en enero de ese mismo año. Anteriormente había estado casado otras dos veces, una de ellas con la actriz Ali McGraw. Ambos matrimonios habían terminado en divorcio. Con su primera esposa tuvo un hijo y una hija.

Joel McCrea




Nació en South Pasadena, California Se interesó en la interpretación tras graduarse en el Pomona College. Trabajó en el cine como extra desde 1927, antes de ser escogido para hacer un papel importante en The Jazz Age (1929). Tras esta película consiguió un contrato con la Metro-Goldwyn-Mayer, y después otro con RKO Pictures. Se asentó como un atractivo protagonista masculino, lo bastante versátil como para trabajar tanto en dramas como en comedias.

En los años treinta, McCrea protagonizó dos westerns de Cecil B. DeMille, Wells Fargo (1937), con su futura mujer Frances Dee, y Unión Pacífico (1939), junto a Barbara Stanwyck. Alcanzó el pico de esta inicial carrera a principios de los años cuarenta, con películas como Foreign Correspondent (Enviado especial) (1940), de Alfred Hitchcock, Sullivan's Travels (Los viajes de Sullivan) (1941), de Preston Sturges, y The Palm Beach Story (Un marido rico) (1942).

McCrea también protagonizó dos westerns de William A. Wellman, The Great Man's Lady (Una gran señora) (1942), otra vez con Stanwyck, y Buffalo Bill (Aventuras de Buffalo Hill) (1944), junto al actor de carácter Edgar Buchanan (1944). Tras el éxito de The Virginian (1946), McCrea rodó exclusivamente westerns durante el resto de su carrera—con la excepción de la película británica Rough Shoot (Un disparo en la mañana) (1953). En 1959, Joel McCrea y su hijo Jody McCrea protagonizaron la serie de la NBC Wichita Town, la cual duró una temporada y fue producida por Mirisch Corp. En 1962 se reunió con su veterano compañero de westerns Randolph Scott en Ride the High Country (Duelo en la Alta Sierra) (1962), bajo la dirección de Sam Peckinpah.

McCrea prefirió dedicarse el resto de su vida al trabajo de ranchero. En 1969, fue incluido en el Western Performers Hall of Fame en el National Cowboy &
Western Heritage Museum de Oklahoma City, Oklahoma. Por su contribución a la industria cinematográfica, Joel McCrea tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en el 6901 de Hollywood Blvd., y otra en el 6241 de la misma calle por su contribución a la radio.

McCrea se casó con la actriz Frances Dee en 1933. Tuvieron tres hijos, David, Peter, y Jody McCrea, quien también sería actor. Joel y Frances permanecieron casados hasta la muerte del primero en Woodland Hills (Los Ángeles), California, a causa de una neumonía a los 84 años en 1990.

A lo largo de su vida, McCrea y Frances vivieron, criaron a sus hijos, y cabalgaron sus caballos en su rancho en lo que entonces era un área no desarrollada del este del condado de Ventura, en California. Los McCrea donaron varios cientos de acres de su propiedad a la YMCA para la ciudad de Thousand Oaks (California). Hoy en día, la tierra en la que se encuentra la Conejo Valley YMCA es llamada "
Joel McCrea Park"
.