ACTORES Y ACTRICES DE TODOS LOS TIEMPOS

Anna Karina



Hanne Karen Blarke Bayer, más comocida como Anna Karina, es una actriz y cantante nacida el 22 de septiembre de 1940 en Dinamarca. Su carrera profesional la desarrolló en Francia, donde se convertiría en una de las musas de la Nouvelle vague.

Su padre, capitán de barco, abandonó a su madre al poco tiempo de nacer Anna. Vivió hasta los cuatro años junto a sus abuelos, edad en la que comenzó a vivir en varias casas de acogida. A los ocho años se trasladó a casa de su madre, de la que intentaría fugarse varias veces durante su infancia.

Comenzó su carrera en su país natal, donde actuó como cantante en cabarets, trabajó como modelo en publicidad y como actriz en algunos cortometrajes. También estudió danza y pintura, y durante algún tiempo vivió de la venta de sus cuadros.

A los 17 años se trasladó a París, donde su belleza le llevó a trabajar como modelo para Pierre Cardin y Coco Chanel, quien le aconsejaría cambiar su nombre por el de Anna Karina.

Su primera aparición en una película, aunque no autorizada, fue en On the Passage of a Few Persons Through a Rather Brief Unity of Time, drigida por el situacionista Guy Debord, en la que aparece un anuncio que Anna realizó para una marca de jabón. La imagen estaba acompañada de la voz de Debord diciendo: Los anuncios durante las interrupciones (de una película) son el verdadero reflejo de una interrupción de la vida.

En 1959 conocería a Jean-Luc Godard, quien después de ver su imagen en el mencionado anuncio, le ofreció interpretar un personaje importante en su primera película Al final de la escapada, papel que rechazaría por incluir escenas de desnudo. Ante su negativa, Godard decidió prescindir de este personaje en su película.

Esto no impidió que Anna aceptara el papel protagonista en el siguiente filme del director, El soldadito. En 1961 contraerían matrimonio durante el rodaje de su segunda película conjunta, titulada Una mujer es una mujer. Su interpretación en esta película le valió el premio a la mejor actriz en el Festival de Berlín.

A partir de ese momento Anna sería la musa de muchos de los siguientes proyectos del realizador, que se convertirían en los más recordados en la carrera de ambos, incluyendo títulos como Vivir su vida -donde da vida a una prostituta-, Banda aparte, Pierrot el loco y Lemmy contra Alphaville. Sus colaboraciones con Godard terminaron poco antes que su matrimonio, cuyo fin tuvo lugar en 1967.

Sin embargo, su carrera no se limitó solamente a las películas de Godard, prueba de ello fue su actuación en Suzanne Simonin de Jacques Rivette, que es considerada por muchos como la mejor de su carrera. También trabajó con Luchino Visconti en El Extranjero durante el mismo año, 1967.

Otros filmes destacados en los que actuó fueron Justine de George Cukor, Laughter in the Dark de Tony Richardson, Apres Le Repitition de Ingmar Bergman o Chinese Roulette de Rainer Werner Fassbinder.

En 1973 fundó su propia productora cinematográfica llamada Raska, en la que editaría su debut como directora, Vivre ensemble, película en la que también trabajaría como actriz.

Aunque su carrera musical no fue prolífica, Anna Karina también ha destacado como cantante. En 1967 obtuvo un notable éxito con las canciones Sous le soleil exactament y Roller Girl, ambas incluídas en su primer LP titulado simplemente Anna. Este disco fue compuesto y producido por Serge Gainsbourg, con el que interpretó a dúo varias canciones como suele ser habitual en las producciones del músico francés.

Más recientemente, en el año 2000 el también cantante y compositor Philippe Katerine produjo y compuso para Anna el disco Une histoire d'amour, que fue acompañado de una gira de conciertos. En 2005 grabó Chansons de films, una colección de canciones de películas.

A lo largo de su vida, Anna también ha esctito tres novelas y ha hecho frecuentes apariciones en televisión.

Emma Thompson

Emma Thomson y Kate Winslet.


Emma Thompson (n. Londres, 15 de abril de 1959), es una actriz, comediante y guionista inglesa ganadora de los premios Emmy, Globo de Oro, Oscar y BAFTA.

Hija de la actriz Phyllida Law y el director Eric Thompson, Emma Thompson nació el 15 de abril de 1959. Aunque estudió en la Universidad de Cambridge, graduándose en la especialidad de filología inglesa en 1980, la BBC la contrató para el espectáculo televisivo Alfresco, programa de humor en el que coincidió con Stephen Fry y Hugh Laurie, del que fue novia cuando estaban en la universidad.

En 1980 estrenó en un papel principal la obra Me and My Girl en el West End de Londres. Su actuación llamó la atención a los ejecutivos de la BBC, quienes le ofrecieron un papel importante en la serie Fortune of War, durante cuyo rodaje se convirtió en la novia de uno de sus intérpretes, Kenneth Branagh.

La pareja al año siguiente se puso a las órdenes de Judi Dench en un montaje teatral de Mucho ruido y pocas nueces. En televisión, Emma encontró un vehículo para su lucimiento personal, su hermana Sophie y su madre en el show Thompson.

En 1989 Kenneth se declaró a ella en Central Park, donde varios paseantes le oyeron gritar Casémonos, casémonos... Ella aceptó. Su marido por aquellas fechas obtuvo dos candidaturas a los Oscar como Mejor Director y Mejor Actor por su película Enrique V, en la que Emma tenía un papel como Reina de Francia.

Por aquel entonces Emma Thompson empezaría a expresar sus opiniones políticas como su rechazo a la Guerra del Golfo, a la vez que su carrera cinematográfica tomaba impulsos. Los cónyuges prosiguieron su colaboración en Morir todavía, cinta que pretendía parodiar los thrillers psicológicos de los años cuarenta y que supusieron a la pareja un auténtico varapalo de la crítica del que se recobraron con Los amigos de Peter. En ella Emma interpretó a Maggie, una solterona especialista en fracasos sentimentales que recuperaba su auto-estima, tirándose a un menor...cuya madre en la ficción era Phyllida Law.

Empero, James Ivory fue el encargado de consagrarla y no Kenneth. Primero en Regreso a Howards End, donde quedó emparejada a Anthony Hopkins. Phyllida temerosa por que su hija no fuese eclipsada, envió una nota al actor, en la que ponía "
por favor: no te la comas"
. Sin embargo su trabajo como Margaret Wilcox, mujer decidida, capaz de arbitrar en los conflictos familiares, aportando senerinadad a cada situación al mismo tiempo que escalaba posiciones sociales con unos exquisitos modales, fascinó al Jurado del Festival de Cannes, entre cuyos miembros figuraba un Pedro Almodóvar indispuesto a premiarla. Emma se preguntó "
¿Qué he hecho yo para merecer esto?"
. En cambio planos como en el que se mira en un espejo horrorizada por entrar a formar parte de una sociedad hipócrita y clasista entusiasmaron a todas las asociaciones de críticos de Estados Unidos. Poco después vendría el Globo de Oro, el BAFTA y un Oscar a la mejor actriz, aplaudido a rabiar por su compañera de reparto Vanessa Redgrave, y cuya lectura corrió a cargo del coprotagonista de la cinta.

La colaboración con Ivory y Hopkins continuó en Lo que queda del día, en la que encarnó a Miss Kenton, una ama de llaves de una gran mansión, enamorada del mayordomo (Mister Stevens), con ideas propias sobre el señor de la casa (un millonario afín al partido nazi), y que frustrada por la indecisión e impasibilidad de Stevens termina por embarcarse en un matrimonio abocado al fracaso.

Emma completó el año con el rodaje de En el nombre del Padre, en la que se puso en la piel de la abogada que logró la absolución de Los 4 de Gildford, acusados injustamente de pertenecer al IRA. Concluido su cometido en el filme repitió el papel de Beatrice en la adaptación cinematográfica de Mucho ruido y pocas nueces en la que confirmó su imagen de mujer con voluntad propia, dada a la exaltación, pero también capaz de la meditación, que defiende sus propios criterios en la situaciones adversas. Durante el rodaje en La Toscana escribió un borrador del guión de Sentido y sensibilidad que había emprendido estimulada por el consejo de su compañera de facultad, la productora Lindsay Doran.

A finales de enero de 1994 descubrió que ella y Holly Hunter optaban por partida doble a los Oscar de ese año... Aprovechó su viaje para filmar Junior, una comedia en la que compartía estrellato con Arnold Schwarzenegger.

Al año siguiente estrenó en el Festival de Cine de San Sebastián el filme Carrington, donde encarnó a la pintora Dora Carrington, enamorada de Lytton Stracey. A la semana de su regreso a casa estallaba en la prensa rosa la noticia de su separación con Kenneth Branagh, emparejado con Helena Bonham Carter. Emma, por su parte, se había enamorado del actor Greg Wise durante el rodaje de Sentido y sensibilidad, en la que ella interpretó a Elinor, una mujer pobre y sensata que termina casándose con el amor de su vida...

La Academia de Hollywood la recompensó con dos candidaturas a los Oscar: al mejor guión adaptado y a la mejor actriz. Cuando Anhony Hopkins anunció que Emma había vencido en el primer apartado, confesó a los asistentes al acto que horas antes había visitado la tumba de Jane Austen para comunicarle que la adaptación de la novela funcionaba muy bien... El segundo premio lo perdió frente a Susan Sarandon, a quien ovacionó de pie nada más pronunciar su nombre Tom Hanks.

Durante su descanso se reorganizó su vida personal y animó a Kate Winslet a aceptar la oferta de protagonizar Titanic.

Tras un año alejada de las pantallas, Emma protagonizó junto a su madre la película El invitado de invierno dirigida por su amigo Alan Rickman, en la que Phyllida y ella escenificaron los enfrentamientos generacionales.

En un rol mucho más desenfadado, Emma Thompson se puso en la piel de Susan Stanton, un personaje inspirado en la figura de Hillary Clinton, en Primary Colors, comedia dramática en la que se denuncia la traición a los ideales de juventud por culpa del pragamtismo que caracteriza la vida política activa. John Travolta, Kathy Bates, Adrian Lester, Billy Bob Thornton, Larry Hagman, Maury Tierney, Diane Ladd y Caroline Aaron la secundaron. Se había desprendido de las películas de época que habían asociado su imagen a la "
alta cultura"
para reincidir en ese perfil de mujer inteligente y pragmática. Así mismo aceptó el papel de agente de FBI que compartía observaciones irónicas con su compañero -encarnado no casualmente por Rickman- en el thriller El beso de Judas.

Al año siguiente nació su hija Gia (1999), obligándola al reposo. Durante ese tiempo además de cuidar de la pequeña, Emma escribió diversos borradores de guión sobre la vida de Víctor Jara con el fin de protagonizar el filme junto a Antonio Banderas y de ponerse a las órdenes de Pedro Almodóvar.

En 2002 y 2003 retoma su carrera. Protagonizó el telefilme Wit sobre una profesora de literatura que se enfrenta a un cáncer, recibiendo elogios de la crítica a la vez que se embarcaba en un proyecto sobre la Dictadura Argentina que combinaba la denuncia con el realismo mágico. El proyecto Imagining Argentina la reunió de nuevo con Christopher Hampton, el realizador de Carrington, a la vez que con él lograba sacarse la espina de no haber podido interpretar junto a Banderas un filme sobre Argentina. Durante el rodaje Emma aprendió castellano a marchas forzadas. A pesar de la ilusión puesta en proyecto, la crítica masacró al filme.

Mejor fortuna corrió Love Actually, en la que Emma encarnó a Karen, la hermana del Primer ministro de Reino Unido, así mismo amiga de un viudo que no sabía como encarar su relación con su hijastro. En el filme su personaje descubría accidentalmente la aventura que mantenía su marido (otra vez Rickman) con una joven. El papel le supuso una candidatura a los BAFTA. En el mismo año estrenó Harry Potter y el prisionero de Azkaban, en la que aceptó el papel de una profesora despistada que enseñaba artes adivinatorias.

En plano político el cambio de década la había devuelto al activismo política, manifestando públicamente su desencanto hacia Tony Blair por su participación en la Guerra de Irak.

Así mismo retomó su labor de escritora cinematográfica con el filme Nanny McPhee, basado en cuento infantil, que contaba con la colaboración de Angela Lansbury.

Sharon Tate




Sharon Marie Tate (Dallas, 24 de enero de 1943 – Los Angeles, 9 de agosto de 1969) fue una actriz estadounidense.

Hija de una familia militar, Sharon heredó la belleza su madre, Doris Tate y desde muy pequeña se destacó por su hermosura.

Estuvo en Italia junto a su familia y actuó en varios spots publicitarios. Antes de convertirse en actriz de cine, actuó en los 60's en pequeños papeles para la televisión.

Su primera presencia en televisión llegó de la mano de la serie "
The Beverly Hillbillies"
(1962) que estuvo en pantalla desde 1963 a 1965 haciendo de secretaria de un banco. Apareció después en varios filmes que destacaban su belleza, y luego de ser considerada una buena y divertida actriz de comedias livianas, llegó a ser anunciada como una de las promesas de Hollywood.

Su fama como celebridad y su rol como icono de moda de los sesenta aumentó cuando las revistas de moda comenzaron a destacarla como modelo y chica de portada, en especial de un conocido protector solar.

En el verano de 1966 acude a hacer las pruebas para el papel de Sara en la película "
El Baile de los Vampiros"
(1967) muy a pesar del director, Roman Polanski, que no la quería para ese papel, aunque los dotes de la actriz a la hora de hacer la prueba hicieron cambiar a Polanski de idea. Fue ahí donde se empezaron a conocer más íntimamente a pesar de que la actriz estaba saliendo por aquel entonces con un conocido peluquero de Hollywood, Jay Sebring. Varias películas siguieron a la de su futuro marido, entre ellas, "
No Hagan Olas"
(1967) con Tony Curtis, donde era evidente que los productores solo la querían por su increíble belleza antes que por sus dotes de actriz, "
El Valle de las Muñecas"
(1967), donde a pesar de la escasa calidad de la película vemos a Sharon en su mejor papel y "
La Mansión de los Siete Placeres"
(1969) con Dean Martin.

El 20 de enero de 1968 Polanski y Tate contraen matrimonio en Londres. Eran buenos y malos tiempos para la pareja, ya que se sucedió una época a base de fiestas, drogas y alcohol, con los continuos viajes de Polanski a Europa para hacer sus negocios (y sus aventuras con otras mujeres). La pareja se mudó a una elegante mansión en el 10050 de Cielo Drive en Los Ángeles, California donde esperaban a su primer hijo, un varón que iba a ser llamado Paul Richard Polanski. Desgraciadamente, la madrugada del 9 de agosto de 1969, durante una noche en la que la actriz se encontraba en su mansión de California junto con otros amigos (Polanski estaba en Londres) miembros de "
la familia"
Charles Manson irrumpen en su casa asesinandolos a todos de la forma más macabra posible. A Tate la asesinó Susan Atkins de nada sirvieron los ruegos de Sharon por la vida de su hijo. Fue la limpiadora la que a la mañana siguiente encontró los cuerpos y llamó a la policia. Polanski se enteró de la noticia y viajó a Los Angeles en estado de shock y estuvo sedado de la cabeza hasta los pies durante cuatro días. Durante su funeral se reunieron todas las grandes estrellas de Hollywood del momento, la única ausencia fue Steve McQueen, uno de los más antiguos amigos de Sharon. Polanski jamás se lo perdonaría.

Una década después de los asesinatos, su madre, Doris Tate, horrorizada por el creciente culto a los asesinos y ante la posibilidad de que cualquiera de ellos saliese bajo libertad condicional, se unió a una campaña para asegurarse de que siguiesen en prisión. Su perseverancia en poner en alerta al público sobre los defectos de las correccionales y su crítica ante ellas, fue catalizadora en parte de que se enmendaran las leyes criminales de California en 1982.

Al Pacino



Alfredo James Pacino (nacido el 25 de abril de 1940) es un actor y director estadounidense de cine y teatro, ganador de los premios Oscar, Emmy, Globo de Oro, SAG, BAFTA, AFI y Tony, considerado ampliamente como uno de los mejores actores más grandes e influyentes de todos los tiempos.

Nació en East Harlem, Manhattan, Nueva York, el 25 de abril de 1940. Hijo de Salvatore Pacino (nacido en Italia) y Rose Gerard (hija de padre italiano y madre neoyorquina cuya familia procedía de Italia). Su padre se fue de casa cuando Pacino aún era un niño, más precisamente cuando tenía dos años y posteriormente se casó cinco veces. Subsecuentemente, su madre se mudó a al Bronx del Sur con sus padres, James Gerardi y Kate Gerardi, quienes eran oriundos de Corleone, Sicilia, Italia. Su padre se mudó a Covina, California, donde trabajó como vendedor de seguros y dueño de su propio restaurante llamado Pacino's Lounge, que cerró en 1992. Este ingresó al Fiorello H. LaGuardia High School of Performing Arts.

Pacino estudió a las órdenes del legendario profesor de interpretación Lee Strasberg, encontrando en la interpretación una forma de escape a los problemas de su juventud (depresión y dificultades de llegar a fin de mes). Se matriculó en la escuela de interpretación neoyorquina High School for Performing Arts, aunque pronto abandonó las clases para aparecer en diversas producciones teatrales y trabajar como acomodador en un cine. Poco después cursaría estudios en el famoso Actors Studio. Su talento comenzó a despuntar en el teatro al final de la década, ganando un Obie por su papel en The Indian Wants the Bronx y un Tony por Does the Tiger Wear a Necktie?. Su debut en la pantalla grande fue con Yo, Natalia (1969), pero no sería hasta 1971 con Pánico en Needle Park, en la que interpretaba a un heroinómano, donde realmente demostró su talento y llamó la atención del director Francis Ford Coppola.

Su ascenso al estrellato vino de la mano de Michael Corleone, personaje que interpretó en la saga de El Padrino (1972, 1974 y 1990). A pesar de que numerosos actores ya consagrados como Robert Redford, Warren Beatty, y un entonces desconocido Robert De Niro, fueron barajados para este personaje, Coppola eligió al relativamente desconocido Pacino. Esta actuación le reportó una nominación a los premios de la Academia al Mejor actor de reparto.

A finales de los años 1970 ya habría obtenido cuatro nominaciones más al Oscar al mejor actor. A pesar de estas y otras nominaciones más, no sería hasta 1992 que Pacino lograría el Oscar por su trabajo en Scent of a Woman, en el que da vida a un irascible ciego jubilado, el Teniente Coronel Frank Slade. Ese año, fue también nominado en la categoría de Mejor actor de reparto por su papel en Glengarry Glen Ross, haciendo de Pacino el primer actor masculino en recibir dos nominaciones por dos películas diferentes en el mismo año, y el primer actor (masculino o femenino) en lograr esa hazaña ganando el Oscar al Mejor Actor. Pacino no volvió a recibir más nominaciones después de aquellas, pero ganaría dos Globos de Oro antes de terminar el siglo: el primero fue el Premio Cecil B. DeMille, otorgado por toda su carrera cinematográfica, y el segundo por su papel interpretando a Roy Cohn en la miniserie de HBO Angels in America.

La carrera de Pacino dio un pequeño bajón a principios de los años 1980, y sus trabajos en A la caza y Autor, autor fueron duramente criticados. Sin embargo, con Scarface (1983), dirigida por Brian De Palma, la carrera de Pacino repuntó. En su lanzamiento inicial, la película fue muy criticada, pero le fue bien en la taquilla, obteniendo $45 millones.Pacino consiguió una nominación a los Globos de Oro por su papel de señor de la droga cubano en Scarface. Años más tarde, revelaría a la entrevistadora Barbara Walters que Tony Montana representó el mejor trabajo de su carrera

Pacino trabajó en sus proyectales más personales, como The Local Stigmatic, una obra Off Broadway de 1969 del escritor inglés Heathcote Williams, la cual protagonizó, y remontó junto al director David Wheeler y a la Theater Company of Boston en una versión de película que fue filmada en Nueva York en marzo de 1990. Luego fue lanzada como parte del box set Pacino: An Actor's Vision en 2007.

Sin embargo, Revolución (1985) fue muy criticada y un desastre en taquilla. Tras esto Pacino regresó a los escenarios teatrales durante cuatro años. Montó obras como Crystal Clear y National Anthems;
apareció en el New York Shakespeare Festival con Julio César en 1988, producida por Joseph Papp. Pacino remarcó en su hiato de la película: "
Recuerdo cuando todo pasaba, '74, '75, haciendo The Resistible Rise of Arturo Ui en el teatro y leyendo que la razón por la que volví a los escenarios fue que mi carrera en el cine estaba decayendo! Ese ha sido el origen, la forma en que el teatro percibió, desafortunadamente."
Pacino regresó al cine en 1989 con Melodía de seducción.

Su mayor suceso teatral de la década fue American Buffalo, de David Mamet, por la cual Pacino fue nominado a un Drama Desk.

Los siguientes trabajos de Pacino siguen siendo sobresalientes, interpretando unos variados papeles entre los que destacan los de "
Esencia de mujer"
, "
Carlito's Way"
, "
Heat"
, "
Donnie Brasco"
y "
El Dilema"
.

Pacino ha rechazado numerosos papeles importantes durante su carrera: Han Solo en Star Wars, el Capitán Willard en "
Apocalypse Now"
. En 1996 Pacino fue elegido para interpretar al General Manuel Noriega en una película biográfica cuando el director, Oliver Stone, cambió sus planes dirigiendo sus esfuerzos a la película "
Nixon"
.

La calidad de las interpretaciones de Pacino han hecho de él uno de los más grandes actores de cine de la historia. Pacino todavía actúa en obras teatrales y sigue interesado en el tema de la dirección: su primera película, "
The Local Stigmatic"
, sigue sin ver la luz (aunque podría salir en DVD dentro de unos meses);
sus otros dos trabajos como director, "
Looking for Richard"
y "
Chinese Coffee"
han sido muy bien recibidos.

Aunque nunca se ha casado, Pacino tiene tres hijas. La mayor, Julie Marie, fue fruto de su relación con la profesora de interpretación Jan Tarrant. Tuvo después gemelas, Anton y Olivia, con su ahora ex-novia Beverly D'Angelo.

Recientemente Pacino rechazó una oferta para repetir su rol de Michael Corleone en The Godfather: The Game, ostensiblemente debido a que su voz cambió dramáticamente desde su actuación como Michael en las dos primeras partes de El Padrino. Como resultado, a Electronic Arts no se le permitió usar la voz de Pacino en el juego, aunque su personaje sí aparece. Se rumorea que Pacino actualmente declinó el rol debido al conflicto con el rival de Electronic Arts, Vivendi Universal, que lanzó un juego adaptación del remake de Scarface, titulado Scarface: The World is Yours. Sin embargo, Pacino no le puso la voz a su personaje en este juego por la misma razón anterior. Pacino permitió su representación física en el juego, pero no su voz.[12]

Pacino interpretó al abogado Roy Cohn en la miniserie de HBO de 2003, Angels in America de Tony Kushner. Pacino continúa actuando en teatros y está interesado en la dirección de películas. Mientras que The Local Stigmatic permanece fuera del público, su película Chinese Coffee obtuvo buenas noticias. En los AFI's 100 Years... 100 Heroes and Villains, es uno de los únicos dos actores que aparece en ambas listas: en la "
lista de héroes"
como Frank Serpico y en la "
lista de villanos"
como Michael Corleone.

Pacino interpretó a Shylock en la película de El mercader de Venecia, de Michael Radford, de 2004.

El 20 de octubre de 2006, el American Film Institute entregó a Pacino el 35° Premio AFI Life Achievement. El 22 de noviembre de 2006, la Sociedad Filosófica Universitaria del Trinity College de Dublín condecoró a Pacino con el Patrocinio Honorario de la Sociedad.

Con sus ganancias de taquilla relativamente menores que las anteriores, Pacino parece estar preparándose para nuevos proyectos. Protagonizó Ocean's Thirteen de Steven Soderbergh junto con George Clooney, Brad Pitt, Matt Damon y Andy Garcia, como el villano Willy Bank, un magnate de los casinos que está en la mira de Danny Ocean y sus compañeros, quienes buscan vengarse.

El 19 de junio de 2007 fue lanzado un box set titulado Pacino: An Actor's Vision, que contiene 3 extrañas filmaciones de Al Pacino: The Local Stigmatic (Disco 1), Looking for Richard (Disco 2) y Chinese Coffee (Disco 3), y también un documental sobre toda la carrera de Pacino, Babbleonia (Disco 4).

Aunque la última película de Al Pacino, 88 Minutos, ya fue lanzada en varios países en 2007, se espera sea lanzada en los Estados Unidos en 2008. En su próximo lanzamiento previsto, Righteous Kill, Pacino y Robert De Niro son dos detectives de Nueva York que buscan a un asesino serial. En Rififi, un remake de la película francesa original de 1955 basada en la novela de Auguste Le Breton, Pacino interpreta a un ladrón de profesión que acaba de salir de la cárcel, y que encuentra que su esposa lo abandonó;
en su enojo, comienza a planear un robo. También Pacino interpretará al surrealista Salvador Dalí en la película Dali &
I: The Surreal Story.


El 7 de enero de 1961, Pacino y otras dos personas fueron vistas por la policía dando vueltas en su vehículo de una manera sospechosa y llevaban mascaras y guantes negros. Cuando la policía los paró, se le encontró un arma escondida a Pacino y fue arrestado. Pacino, quien tenía 21 años de edad y vivía en la Ciudad de Nueva York, estuvo en la cárcel por tres días antes de ser liberado debido a que se descubrió que el arma que llevaba era un aparato de utilería del set de filmación.

Si bien Pacino nunca ha estado casado tiene tres hijos. La primera es Julie Marie, (n. 1989) hija que tuvo con su profesora de actuación Jan Tarrant. Tiene mellizos llamados Anton James y Olivia Rose (n. 25 de enero de 2001), con su ex-novia Beverly D'Angelo, con quien estuvo desde 1997 hasta 2001.

Candice Bergen




Candice Bergen (n. 9 de mayo de 1946), actriz estadounidense. Hija de Edgar Bergen, popular ventrílocuo americano y de la modelo Frances Westerman.

Durante sus estudios de Historia del Arte en la Universidad de Pennsylvania, participó activamente en las representaciones teatrales, siendo nombrada en 1963 mejor actriz del campus. Abandonó sus estudios en 1964 para trabajar como modelo fotográfica.

Inició su carrera cinematográfica en 1966 con "
El grupo"
, película dirigida por Sydney Lumet, en la que interpretaba a una lesbiana. También en 1966 protagonizó a una hija de un altruista misionero en China en el film El cañonero del Yang-Tsé junto a Steve McQueen y bajo la dirección de Robert Wise donde destacó por su belleza y la química entre McQueen y ella.

En los años 70 destacó por actuaciones en "
Soldado Azul"
de Ralph Nelson, "
Camino recto"
de Richard Rush, "
Conocimiento carnal"
de Mike Nichols, "
Muerde la bala"
de Richard Brooks, "
El viento y el león"
de John Milius o "
Comenzar de nuevo"
de Alan J. Pakula. Por esta última película fue candidata al Oscar a la mejor actriz de reparto.

A partir de entonces la carrera cinematográfica de Candice no fue muy prolífica, siendo en la televisión donde alcanzó mayor popularidad gracias a la serie "
Murphy Brown"
.

En 1981 contrajo matrimonio con el director de cine francés Louis Malle, con el que vivió hasta la muerte de éste en 1995. Este matrimonio, su éxito televisivo y su trabajo como fotógrafa la alejaron de la pantalla grande, retirándose en los años 80 después de aparecer en películas como "
Ricas y famosas"
de George Cukor o "
Gandhi"
de Richard Attenborough.

El año 2000 regresó al cine para intervenir en la exitosa "
Miss Agente Especial"
con Sandra Bullock. También intervino en la comedia-romántica Sweet home alabama, con Reese Witherspoon. y ese mismo año se casó con el millonario Marshall Rose.

Julie Harris




Julie Harris (2 de diciembre de 1925) es una actriz estadounidense considerada como una de las grandas damas del teatro. Ganadora de seis premios Tony, dos premios Emmy y nominada al Oscar, es una de las actrices mas premiadas del siglo XX.

Julie Ann Harris nació el 2 de diciembre de 1925 en Grosse Pointe Park, Michigan. Estudió arte dramático en Yale y, sin haber cumplido los veinte años, debuta en Broadway con la obra It’s a gitf. Trabaja sin descanso en numerosas obras antes de unirse al Actor's Studio, y dos producciones consecutivas (The member of the wedding y I am a camera) la consagran, en primer lugar, sobre los escenarios, reconduciéndola además hacia el cine: protagonizará las versiones cinematográficas de ambas, realizadas en Hollywood y Londres por Fred Zinnemann y Henry Cornelius, respectivamente. Es más, por la primera es candidata al Oscar a la mejor actriz en 1952.

Será el papel de la delicada y vulnerable futura cuñada de James Dean en Al este del Edén el que le dé realmente el pistoletazo de salida a su carrera. En su autobiografñia Kazan recuerda agradecido la “influencia tranquilizadora” que Harris, a quien alaba tanto como actriz como mujer, ejerció en el rodaje sobre Dean. Sus interpretaciones en Réquiem for a heavyweight, The Taunting, Harper, investigador privado, Ya eres un gran chico, Reflejos en un ojo dorado, El viaje de los malditos, Ola de crímenes, ola de risas y Gorilas en la niebla dan la mdida de una carrera tan variada como notable.

La trayectoria en television es igualmente impresionante, tanto en premios, tiene dos Emmy por Little moon of Alban y Victoria Regina y otras nueve candidaturas, como en volumen y calidad. Ha trabajado en numerosas adaptaciones televisivas de clásicos literarios (Casa de muñecas, La heredera, El poder y la gloria, Pigmalión…) y en multitud de programas y series (Actor’s Studio, Goodyear Televisión playhouse, Play of the week, Rawhide, Tarzán, Bonanza, The name of the game o Colombo).


Aun en activo, su último trabajo hasta la fecha ha sido The way back home, dirigida en 2005 por el director Reza Badiyi.

Pedro Armendáriz

Pedro Armendáriz y María Felix.

Pedro Gregorio Armendáriz Hastings (n. 9 de mayo de 1912 - m. 18 de junio de 1963) fue un actor del cine mexicano y de Hollywood.

Hijo del mexicano Pedro Armendáriz García-Conde y la estadounidense Adela Hastings. Fue además primo de la actriz Gloria Marín y padre del actor Pedro Armendáriz Jr.. Pedro vivió con sus padres en Texas y estudió en California donde terminó su carrera de ingeniería en la Escuela Politécnica de California.

Al terminar sus estudios se trasladó a México donde se empleó como ferrocarilero, guía de turistas y periodista de la revista bilingüe México Real. Fue descubierto por el director de cine Miguel Zacarías cuando Pedro recitaba el monólogo de Hamlet a una turista estadounidense. Filmó su primera película a los 22 años y desde entonces actuó en decenas de películas alternando el cine mexicano con el estadounidense. Además participó en producciones de Francia, España, Italia e Inglaterra.

En 1956 participó en la película The Conqueror producida por Howard Hughes. Esta cinta fue filmada en el estado norteamericano de Utah durante el tiempo en que el gobierno norteamericano realizó pruebas nucleares en el vecino estado de Nevada. 91 de las 220 personas involucradas en la producción de la película enfermaron de cáncer y 46 de éstas murieron a consecuencia de esta enfermedad, entre ellas los actores John Wayne (cáncer del estómago y pulmón), Susan Hayward (cáncer del cerebro), Agnes Moorehead (cáncer del pulmón), John Hoyt (cáncer del pulmón). Además de éstos, el director de la película, Dick Powell (cáncer de la glándulas linfáticas) y el doble Chuck Roberson. Pedro Armendáriz empezó a sufrir dolores en la cadera y años después se le descubrió cáncer en esas regiones. Al saber de su mortal enfermedad, Pedro se mató de un tiro durante su estancia en el hospital de la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA).

George Reeves

George Reeves (5 de enero de 1914 - 16 de junio de 1959) fue un actor norteamericano de cine, teatro y televisión que apareció en importantes películas de finales de la década de 1930 a la década de 1950 y en una larga lista de películas tipo B, es mejor conocido por su papel de Superman en la exitosa serie de televisión Aventuras de Superman de la década de 1950 y por las especulaciones referentes a las circunstancias de su muerte. Fue una de las primeras figuras importantes de la entonces naciente industria de la televisión en los Estados Unidos.

Nacido como George Keefer Brewer en Iowa, hijo de Don Brewer y Helen Lescher, Reeves no conoció a su padre quién se separó de su madre pocos meses después del nacimiento del actor. Nuevamente casada con Frank Bessolo, la madre de Reeves se mudó con su familia a California, Bessolo adoptó a Reeves poco después y el nombre del niño pasó a ser George Bessolo. El matrimonio de Helen Lescher y Bessolo duró quince años, se separaron durante una ausencia del Reeves, a quién su madre dijo que Bessolo se había suicidado. Según dijera una prima del actor, Catherine Chase, Reeves ignoró por mucho tiempo que su padrastro estuviese aún vivo y que no fuese su padre natural.

Reeves comenzó a actuar y cantar en Pasadena durante la secundaria, practicando también boxeo amateur hasta que su madre se lo prohibiese.

Comenzó su carrera como actor al ser admitido en el Pasadena Playhouse, un teatro de larga trayectoria donde Reeves alcanzó papeles prominentes y sus primeras oportunidades de protagonizar. Su carrera cinematográfica comenzó con muy buen pie en 1939, cuando apareció como Stuart Tarleton -aunque incorrectamente listado como Brent Tarleton-,uno de los pretendientes de Vivien Leigh en Lo que el viento se llevó, uno de los filmes más exitosos de todos los tiempos. Era un papel menor, pero él y Fred Crane aparecían en la película con el cabello teñido de color rojo brillante como los "
Gemelos Tarleton"
, en las escenas iniciales de la película. De inmediato fue contratado por la Warner Bros cambiando su nombre profesional a George Reeves, como constaba en su carnet del sindicato de actores. En 1940 contrajo matrimonio con la actriz Ellanora Needles, con quién permaneció por nueve años.

A pesar del prometedor inicio en Lo que el viento se llevó, tuvo poca suerte en la Warner y durante años se mantuvo con papeles en películas tipo B en las que compartió en dos oportunidades con Ronald Reagan y otras tres con James Cagney, Torrid Zone, The Fighting 69th, y The Strawberry Blonde fueron algunas de las películas que estelarizó en esa época.

Posteriormente protagonizó Lydia junto a Merle Oberon, la cual a pesar de ser un proyecto ambicioso fue un fracaso de taquilla por lo que fue liberado de su contrato en la Warner y pasó a la Twentieth Century Fox donde participó en varias películas de poco presupuesto. Apareció en este período en cinco western de Hopalong Cassidy, un exitoso serial fílmico de la década de 1940. Finalmente en 1942, el director Mark Sandrich lo contrató para interpretar al Teniente John Summers, el rol protagónico del drama de guerra So Proudly We Hail!, junto a Claudette Colbert, el filme, de la Paramount Pictures fue un éxito tanto en taquilla como para la crítica, ganando reconocimiento por el papel y obteniendo una considerable difusión.

En 1943, 17 meses después del ataque a Pearl Harbor, Reeves, quién no tenía hijos en su matrimonio, fue enrolado en la aviación, permaneciendo en la misma hasta el final de la II Guerra Mundial. Durante este tiempo pudo participar en obras organizadas por la milicia con fines propagandísticos, presentándose en Broadway en la obra Winged Victory. En esta época mantuvo conversaciones con el director Mark Sandrich para protagonizar otros proyectos, sin embargo el director falleció cuando Reeves aún estaba en servicio. Años después Reeves aún se lamentaba del impacto de la muerte de Sandrich en su carrera.

Al finalizar la guerra, Reeves solo encontró papeles en películas y seriales de bajo presupuesto, como Las Aventuras de Sir Galahad y como villano en Jim de la selva como un cazador de oro, contraparte de Johnny Weissmuller. En 1949, mientras se encontraba en New York interpretando varios papeles menores en radio y televisión, logró una parte en la película Rancho Notorious del director Fritz Lang.

En 1951, le fue ofrecido el papel de Superman para una serie de televisión. Inicialmente el actor no se mostró entusiasmado por este papel debido a que pensaba, como muchos actores durante el inicio de la industria de la televisión, que el medio era poco importante y que no garantizaba demasiada exposición. Finalmente aceptó el trabajó por un bajo salario incluso siendo la estrella, y se le pagaba sólo durante las semanas de producción. Los seriales, de media hora de duración, eran filmados en horarios apretados: al menos dos capítulos cada seis días. De acuerdo con diversos comentarios incluidos en los DVD sobre las Aventuras de Superman, múltiples guiones de varios episodios se filmaban al mismo tiempo para aprovechar los sets de filmación, por lo que todas las escenas en la oficina de Perry White de tres o cuatro episodios se rodaban el mismo día, todas las escenas en diversos "
apartamentos"
se hacían consecutivamente, y así sucesivamente.

La carrera de George Reeves como Superman comenzó con una producción que había sido diseñada para ser tanto una película tipo B como un piloto para la serie de televisión, el largometraje Superman y los hombres topo. Inmediatamente después de terminar esta breve producción, Reeves y el equipo comenzaron el rodaje de los primeros episodios de la temporada de la serie, las grabaciones duraron 13 semanas durante el verano de 1951.

La serie no se transmitió en 1951 por falta de patrocinante publicitario, sin embargo al encontrar el patrocinio de Kellog's, y al iniciarse la transmisión de la primera temporada en 1952, Reeves se llevó una sorpresa cuando se convirtió en una celebridad nacional. En 1957, la naciente cadena ABC eligió el show para difusión nacional, lo que le dió a Reeves y al resto del elenco aún mayor exposición y notoriedad.

Los miembros del reparto de Superman tenían contratos restrictivos que les impedían actuar en otros empleos que pudiesen interferir con la serie. El calendario de filmación de Superman fue breve (13 episodios filmados a razón de dos por semana, un total de siete semanas en un año), pero todos estaban atados a una "
cláusula de 30 días"
, lo que significaba que los productores podían exigir sus servicios exclusivos para una nueva temporada con cuatro semanas de aviso. Esto impidió que obtuviesen empleos a largo plazo en largometrajes de extenso cronograma de filmación, obras teatrales a largo plazo, u otras series de televisión.

A Reeves no le molestaba hacer apariciones personales como Superman, ya que estas pagaban dinero más allá de su exiguo salario, y su afecto por los jóvenes aficionados era auténtico. Sin embargo, los niños pequeños a menudo pinchaban, golpeaban y pateaban al "
Hombre de Acero"
para ver si realmente era invulnerable. Reeves, sin embargo, tomo su papel de modelo a seguir con seriedad, evitando que los niños pudiesen verlo fumando cigarrillos, finalmente dejando de fumar por completo, y tratando de mantener su vida privada discreta. No obstante, en 1951, había comenzado una relación sentimental con Toni Mannix, quién estaba casada con Eddie Mannix, gerente general de la Metro-Goldwyn-Mayer (el matrimonio de Reeves con Ellanora Needles había terminado en divorcio el año anterior.)

En el documental Look, Up in the Sky: The Amazing Story of Superman, Jack Larson, quién interpretaba a Jimmy Olsen en la serie de televisión, comentó acerca de la forma en que cuando se reunió por primera vez con Reeves, le comentó sobre cuanto había disfrutado de su interpretación en So Proudly We Hail! y según Larson, Reeves dijo que si Mark Sandrich, el director de la película, no hubiese muerto mientras Reeves estaba en el ejercito durante la Segunda Guerra Mundial, entonces él nunca se hubiese encontrado atrapado "
en este traje de mono"
. Larson dijo que fue la única vez que le escuchó a Reeves decir algo negativo acerca de ser Superman.

Con Toni Mannix, Reeves trabajó para recaudar dinero para luchar contra el miastenia gravis. Se desempeñó como presidente nacional de la Myasthenia Gravis Foundation en 1955. Durante la segunda temporada, Reeves apareció en un vídeo para el Departamento del Tesoro de los EE.UU., Stamp Day for Superman en la que capturaba a unos ladrones y decía a los niños por qué se debía invertir en sellos de ahorro del gobierno.

En el transcurso de los 104 episodios, a menudo Reeves demostró caballerosidad en el comportamiento con sus compañeros actores. Jack Larson recuerda que disfrutaba jugar bromas al elenco, como se muestra en una escena en el biopic Hollywoodland. Insistió en que la Lois Lane original, Phyllis Coates, disfrutase de igualdad de aparición en los créditos de la primera temporada. También apoyó abiertamente a Robert Shayne, quién interpretaba al Inspector de Policía William "
Bill"
Henderson, cuando Shayne fue citado por agentes del FBI en el set de Superman. El activismo político de Shayne en el Screen Actors Guild en la década de 1940 había sido utilizado por su ex esposa como una excusa para etiquetarlo de comunista, aunque Shayne nunca había sido miembro del Partido Comunista. Cuando Coates fue sustituida por Noel Neill;
quien se había desempeñado como Lois Lane en el serial de Superman de Kirk Alyn);
Reeves discretamente defendió su nerviosismo el primer día de grabaciones cuando sintió que el director iba a ser demasiado duro con ella. Por otra parte, jugaba alegremente con el elenco cuando se encontraba fuera de cámaras, bromeando para ver si podía hacerlos romper la seriedad y el hilo dramático. Según Jack Larson, tomaba fotos con su Minox y entregaba copias. En todos los sentidos, existía una fuerte camaradería entre los principales actores.

Después de dos temporadas, Reeves expresó su descontento con la unidimensionalidad de su papel y los bajos sueldos. Para entonces, a los 40 años de edad, deseaba dejar el programa y proseguir con su carrera. Los productores del programa buscaron otro protagonista, supuestamente contactando a Kirk Alyn, el actor que había interpretado a Superman en las dos series de películas originales e inicialmente se había negado a desempeñar el papel en la televisión. Alyn supuestamente habría rechazado de nuevo el papel.

Reeves estableció su propia compañía de producción y concibió una serie de televisión de aventuras, Port of Entry, que sería filmada en Hawaii y México, escribiendo él mismo el guión del programa piloto. Sin embargo, los productores de Superman le ofrecieron un aumento de sueldo y regresó al programa. Le fue ofrecida lo que para la época era una importante suma, US$ 5000 por semana, pero sólo mientras que el show estuviese en producción (alrededor de ocho semanas al año). En cuanto a Port of Entry, Reeves nunca fue capaz de interesar a un productor para que financiara el proyecto y el rodaje nunca se efectuó.

En 1957, un largometraje con los personajes de la serie de televisión fue considerado por los productores para las salas de cine, el proyecto fue llamado Superman y el Planeta Secreto, se encargó el guión a David Chantler, que había escrito muchos de los guiones del programa de televisión. En lugar de ello, en 1959, comenzaron las negociaciones para la renovación de la serie, 26 episodios programados para entrar en producción en el otoño. John Hamilton, quién había interpretado a Perry White desde el inicio de la serie, murió en 1958 por lo que sería sustituido por Pierre Watkin, quién había interpretado el papel en el serial para cine de Kirk Alyn.

A mediados de 1959, se firmaron los contratos, los trajes fueron re-equipados, y los nuevos escritores de teleplays asignados. Noel Neill fue citado diciendo que el elenco de Superman estaba dispuesto a hacer una nueva serie del aún popular show. Presuntamente los productores habían prometido a Reeves que el nuevo programa sería tan serio y lleno de acción como la temporada de 1957. En el documental Look, Up in the Sky: The Amazing Story of Superman, Neill recuerda que Reeves se veía entusiasmado de volver a trabajar. Jack Larson, sin embargo, le dijo Beaver -biógrafo de Reeves- que "
el que piense que otra temporada de Superman, haría felíz a George no conocía a George"
.

Entre la primera y segunda temporadas de Superman, Reeves recibió la asignación esporádica de papeles actuando en una antología de programas de televisión y en dos películas, Forever Female (1953) y The Blue Gardenia (1953) de Fritz Lang. Pero para el momento que la serie fue transmitida a nivel nacional, Reeves se encontró de tal forma asociado con Superman y Clark Kent que le era difícil encontrar otros papeles.

El éxito de la serie le dio renombre al actor y fue llamado al elenco del ahora clásico film De aquí a la eternidad, se ha comentado que algunas escenas de Reeves fueron removidas de la película, sin embargo Fred Zinnemann declaró que todas las escenas escritas para el personaje de Reeves, Maylon Stark, fueron de hecho las que aparecen en la película. A pesar de haber tenido mayor tiempo de exposición que Ernest Borgnine, su personaje no apareció en los créditos de la película (en esta época los créditos aparecían generalmente al comienzo y no era aún obligatorio que todos los actores aparecieran en los créditos).

En un intento de mostrar su versatilidad, Reeves cantó en el programa de Tony Bennett en agosto de 1956. Además tuvo una actuación memorable en I Love Lucy (Episodio # 165, "
Lucy Meets Superman"
, en 1956), como Superman. El actor de carácter Ben Welden, que actuó con Reeves en los días de la Warner Bros y quien era frecuentemente estrella invitada en Superman comentó: "
Después del show I Love Lucy, Superman ya no era un reto para él... Sé que disfrutaba del programa, pero solía decir, 'Aquí estoy, perdiendo mi vida'"
. Su buen amigo Bill Walsh, productor en Disney Studios, dio a Reeves un papel prominente en Westward Ho the Wagons (1956), en la que Reeves llevaba barba y bigote. Fue su última aparición en un largometraje.

Reeves, Noel Neill, Natividad Vacio, Gene LeBell, y un trío de músicos salieron de gira con apariciones públicas desde 1957. El escenario fue un show gigantesco con mucho éxito entre los emocionados niños que iban a ver a su héroe en persona, aunque aparentemente no fue de mucho provecho económico para Reeves. La primera mitad del show era un sketch de Superman en el que Reeves y Neill actuaban con LeBell quien interpretaba a un villano llamado "
Mr. Kryptonite"
, capturaba a Lois. Kent entonces se apresuraba a salir de escena y regresar como Superman, venía al rescate y luchaba con el villano. La segunda mitad del espectáculo era Reeves fuera de vestuario y, como él mismo, cantando y acompañándose con la guitarra. Vacio y Neill lo acompañaban en duetos.

Reeves rompió con Toni Mannix en 1958, y anunció su compromiso con Leonore Lemmon. Se quejaba con sus amigos, columnistas, y su madre de sus problemas financieros. Recibía regalías de la sindicación del show de Superman, pero estos eran poco consistentes, especialmente por su estilo de vida. En estas circunstancias, el proyecto de reactivación de Superman era aparentemente un pequeño salvavidas. Reeves también esperaba dirigir una película de ciencia-ficción de bajo presupuesto, con un guión escrito por un amigo de época en Pasadena, y había discutido el proyecto con su primera Lois Lane, Phyllis Coates, el año anterior. Sin embargo, Reeves y su socio no encontraron la financiación y la película nunca se realizó. Había otra presentación en escena del show de Superman prevista para julio, y otra gira de presentaciones planificada para Australia. Reeves tenía opciones para ganarse la vida, pero al parecer todas involucraban interpretar a Superman de nuevo.

El éxito de Superman le aseguró ser una de las primeras series grabadas a color en la historia de la televisión a partir de la tercera temporada (si bien en su época no llegó a transmitirse en ese formato). En la última temporada de las Aventuras de Superman, Reeves ya ganaba el respetable salario de 2.500 dólares por capítulo. En 1959 Reeves aceptó el papel para una nueva temporada que nunca llegó a rodarse.

Jack Larson y Noel Neill recordaban a Reeves como un noble caballero sureño, tenía un anuncio en la puerta de su camerino que decía El honesto George, el amigo del pueblo. Después de haber sido nombrado "
Coronel honorario"
durante un viaje publicitario al sur e Estados Unidos, sustituyó el letrero en la puerta de su camerino por uno nuevo que decía: El honesto George, también conocido como "
Coronel Reeves, creado por el departamento de utilería del programa. Una foto de un sonriente Reeves con el cartel de fondo aparecía en el libro de Gary Grossman acerca del show.

Según el informe del Departamento de Policía de Los Angeles, aproximadamente entre 1:30 y 2:00 am del 16 de junio de 1959, George Reeves murió de una herida de bala en la cabeza en el dormitorio del piso de arriba de su casa en Benedict Canyon. Tenía 45 años de edad.

La policía llegó en menos de una hora, estando presentes en la casa en el momento de la muerte de Reeves, su novia Leonore Lemmon, William Bliss, el escritor Robert Condon, y Carol Van Ronkel, que vivía a pocas cuadras con su marido, el guionista Rip Van Ronkel.

Según todos los testigos interrogados y presentes en la casa de Reeves, Lemmon y el actor habían estado comiendo y bebiendo temprano en la noche en compañía de Condon, quién estaba escribiendo una autobiografía por encargo para el boxeador Archie Moore. Reeves y Lemmon discutieron en el restaurante y el trío regresó a casa. Sin embargo, Lemmon dijo en una entrevista con el biógrafo de Reeves, Jim Beaver, que ella y Reeves no habían comido y bebido con amigos, sino que habían ido a ver encuentros de lucha libre. Noticias de la época indican que el amigo de Reeves, Gene LeBell participaba en las luchas esa noche -sin embargo LeBell no recuerda haber visto a Reeves después de la sesión de ejercicios temprano ese día-. En cualquier caso, Reeves se fue a la cama, pero en algún momento cerca de la medianoche, una fiesta improvisada comenzó cuando llegaron Bliss y Carol Van Ronkel. Reeves bajó y se quejó airadamente del ruido. Después de unos momentos de tensión se quedó con los invitados durante un tiempo, tomó un trago y luego se retiró otra vez a su dormitorio de mal humor. Los huéspedes de la casa más tarde escucharon un único disparo. Bliss corrió al dormitorio y encontró a George Reeves muerto, tendido sobre la cama, desnudo y boca arriba, los pies en el suelo. Esta posición se ha atribuido a que Reeves estaba sentado en el borde de la cama cuando se disparó a sí mismo, después su cuerpo cayó sobre la cama y la pistola Luger 9mm cayó a sus pies.

Las declaraciones hechas a la policía y la prensa, esencialmente coinciden. Ni Lemmon ni los demás testigos se disculparon por su tardanza en llamar a la policía después de haber escuchado el disparo, según la policía el shock por la muerte de Reeves, lo avanzado de la hora, y su estado de intoxicación se dieron como motivo de la demora. La policía registró que todos los testigos estaban sumamente ebrios y que había sido muy dificil obtener declaraciones coherentes de los mismos.

En artículos de noticias contemporáneos, Lemmon atribuyó el aparente suicidio de Reeves a la depresión causada por su "
fallida carrera"
y la imposibilidad de encontrar otros trabajos. Los periódicos y los informes del servicio de cable con frecuencia citaron fuera de contexto y tergiversaron al sargento Peterson de la policía de Los Angeles, como citando a Lemmon: "
Miss Lemmon dijo sin pensar: Es él, probablemente se va a disparar a sí mismo. Entonces se escuchó un ruido arriba y continuó diciendo, está abriendo un cajón para buscar el arma. Un disparo se escuchó y entonces dijo ¿Ven?, se los dije"
. Sin embargo, esta declaración puede haber sido arreglada por los periodistas. Lemmon y sus amigos estaban abajo en el momento del disparo escuchando música por lo que les hubiese sido casi imposible escuchar un cajón abriéndose en un dormitorio del piso de arriba. Lemmon más tarde afirmó que ella nunca había dicho nada de manera tan específica, sino que había comentado de manera casual "
Oh, probablemente ahora va a ir y se va a pegar un tiro"
.

Las declaraciones de los testigos y el examen de la escena del crimen llevaron a la conclusión de que la muerte había sido auto inflingida. Una investigación oficial más amplia llegó a la conclusión de que la muerte fue realmente suicidio. El testamento de Reeves, hecho en 1956, legaba todo su patrimonio a Toni Mannix, para sorpresa y devastación de Lemmon, quien declaró a la prensa: "
Toni obtiene una casa para caridad, y yo un corazón roto"
, refiriéndose a la Fundación Miastenia Gravis.

Sin embargo, investigaciones no oficiales llevadas a cabo por solicitud de la madre de Reeves, demostraron inconsistencias en las circunstancias de la muerte del actor:

1ª El arma supuestamente utilizada por Reeves no tenía huellas digitales (ni siquiera la suyas)

2ª El casquillo de la bala fue encontrado bajo el cuerpo del actor

3ª A pesar de supuestamente haberse disparado sentado en su cama, el cuerpo fue encontrado yaciendo sobre su espalda y el arma a sus pies

4ª Se encontraron dos agujeros de bala en el piso de la habitación del actor, que la novia del mismo, Leonore Lemmon, atribuyó a un disparo accidentalmente ocasionado por ella ese mismo día.
De cualquier forma la policía nunca cambió el informe oficial.

Muchas personas al momento de la muerte de Reeves, y muchos más en años posteriores, se han negado a creer la idea de que George Reeves se matase a sí mismo. Estudiosos de la causa han comentado sobre el hecho de que no se encontrasen residuos de pólvora de la pistola en la piel del actor, llevándolos a creer que el arma, por lo tanto tendría que haber estado a varios centímetros de la cabeza cuando se disparo. Según profesionales forenses los rastros de pólvora solo quedan en la piel cuando el arma se dispara a varias pulgadas de la misma, mientras que en una herida de contacto la pólvora es propulsada en el interior de la trayectoria de la herida. Los seguidores de la causa apuntan también a la ausencia de huellas dactilares en el arma de fuego y la falta de los análisis de rastros de pólvora del disparo en las manos del actor como prueba en apoyo de una u otra teoría. Sin embargo, según la policía, el arma estaba demasiado cubierta de aceite como para retener las huellas dactilares, y el análisis de residuos de disparo en la piel no era comúnmente realizado por el Departamento de Policía de Los Ángeles en 1959, por lo que no se pueden sacar inferencias en apoyo de cualquier teoría a partir de estos elementos por separado.

Incrédula de la versión de suicidio Helen Bessolo, madre de Reeves, empleó al abogado Jerry Geisler, así como la Agencia de detectives Nick Harris. Entre sus operarios se incluyó a un joven detective llamado Milo Speriglio, que más tarde falsamente afimaría haber sido el principal investigador, por la investigación fue pospuesta la cremación del cuerpo del actor. Ninguna nueva prueba fue nunca descubierta, pero la madre de Reeves nunca aceptó la conclusión de que su hijo podría haber cometido suicidio. Cabe destacar que también negó públicamente que su hijo tuviese previsto casarse con Leonore Lemmon, ya que él no se lo había dicho.

La tesis central de la biografía ficcionada de Reeves, Hollywood Kryptonite, dice que Reeves fue asesinado por orden de Toni Mannix como venganza por su ruptura. Esto se ilustra como un posible escenario en la película Hollywoodland inculpando, en última instancia, más a Eddie Mannix, que a Toni, aunque la película sugiere también que la muerte pudo haber sido suicidio.

Tanto Noel Neill como Jack Larson -amigos ambos del actor- sostienen que la muerte de Reeves fue misteriosa. Noel Neill declaró;
"
Jack y yo nunca tratamos de hacer que se re abriese el caso de George"
, "
No tengo conocimiento de que alguien quisiese ver a George muerto. Nunca he dicho que haya pensado que George fue asesinado. Solo que no sé que fue lo que pasó. Todo lo que sé es que George siempre me parecía feliz, y lo vi dos días antes de su muerte y entonces también se veía feliz"
.

El film Hollywoodland dramatiza la investigación de la muerte de Reeves con las estrellas de cine Ben Affleck como Reeves y Adrien Brody como el personaje ficticio Louis Simo, basado en el detective Milo Speriglio. La película muestra tres versiones de su muerte: muerto semi-accidentalmente por Lemmon, asesinado por un sicario sin nombre por orden de Eddie Mannix y, finalmente, el suicidio.

Toni Mannix sufrió de la Enfermedad de Alzheimer durante años y murió en 1983. En 1999, después de la resurrección del caso en los programas de televisión Unsolved Mysteries y Mysteries and Scandals, el publicista Edward Lozzi afirmó que Toni Mannix había confesado a un sacerdote católico, en presencia de Lozzi, que había sido responsable de la muerte de George Reeves. Lozzi hizo pública su versión en programas de noticias sensacionalistas como Extra, Inside Edition, y Court TV. Sin embargo el actor Jack Larson expresó que para el momento que Lozzi supuestamente había escuchado estas declaraciones ya la salud mental de Mannix estaba deteriorada.

Ali McGraw


James Caan y Ali McGraw


Alice MacGraw (1 de abril de 1938, Pound Ridge, Condado de Westchester, Nueva York) es una actriz y modelo estadounidense.

De padre con ascendencia irlandesa y madre judía, tiene un hermano.

Comenzó a trabajar en 1960 como asistente de fotografía en la revista de moda Harper's Bazaar, fue asistente de la experta en moda Diana Vreeland en la revista Vogue, y como modelo y estilista. También ha trabajado como decoradora de interiores.

Su popularidad comenzó con la película "
Complicidad sexual"
(1969), pero alcanzó el estrellato con la película de 1970 "
Love Story"
, por la que fue candidata al Oscar a la mejor actriz. MacGraw fue portada de la revista Time.

El 24 de octubre de 1969, se casó con el productor de cine Robert Evans;
de este matrimonio nació su hijo, Josh Evans, quien también es actor. La pareja se divorció en 1972, después de que ella iniciara una relación con Steve McQueen durante el rodaje de "
La huida"
(1972). Se casaron el 31 de agosto de 1973, pero se divorciaron en 1978.

MacGraw ha aparecido en otras películas como "
Convoy"
(1978), "
Pasiones en juego"
(1979), "
Dime lo que quieres"
(1980), y en las miniseries de televisión "
China Rose"
y "
The Winds of War"
.

MacGraw escribió su autobiografía, Moving Pictures, donde describe sus problemas con el alcohol y la dependencia de los hombres.

En 1991, la revista People la eligió como una de las 50 personas más bellas del mundo.

Ryan O'Neal

Ryan y su hija Tatum.

Ryan O'Neal es una actor estadounidense nominado a un premio Oscar al mejor actor.

O'Neal nació en Los Angeles, hijo del guionista de orgine irlandés Charles O'Neal y la actriz Patricia Callaghan. Cuando era joven, tuvo una prometedera carrera como boxeador, llegando a conseguir los guantes de oro al recopilar una estadística de 18-4 en victorias y 13 KO's. De todas maneras, su carrera estaba destinada a la interpretación. Una de las primeras apariciones de O'Neal sería en la serie Peyton Place, que llegó a obtener una gran audiencia en los Estados Unidos, con más de 500 episodios.

El éxito de la serie ayuradía al actor a dar el salto a la gran pantalla. Su primera actuación fue en The rudgged Land (1962), de William Witney. Su primer éxito se produjo en 1968, cuando actuó en La perversa (1968), de Alex March.

Pero el papel que realmente le daría el estrellato sería el papel de Oliver Barrett en el film de 1970 Love Story, de Arthur Hiller. Esta interpretación le valdría una nominación a los Oscar en la categoría de mejor actor.

A raíz de este papel, O'Neal saltó a la primera plana del estrellato, convirtiéndose en el actor de moda en Hollywood. Así, lo podemos ver en películas como ¿Qué me pasa, doctor? (1971), de Peter Bogdanovich, o El ladrón que vino a cenar (1972), de Bud Yorkin, donde intentó experimentar en el mundo de la comedia. O'Neal se convertiría en el segundo actor más renatable de la industria cinematográfica en 1972.

En 1973, interpretaría con su hija Tatum O'Neal, Luna de papel en otra película dirigida por Bogdanovich. Esta película haría que su hija ganara el Oscar a la mejor actriz de reparto, convirtiéndose en la actriz más joven que recibía este galardón, con tan solo nueve años. Otro momento brillante para O'Neal sería cuando Stanley Kubrick le dio el papel principal en Barry Lyndon (1975), el director de prestigio de la época. Incluso, O'Neal sonó para hacer el papel de Michael Corleone en El padrino (1972) o el de Rocky Balboa en Rocky (1976).

Sin embargo, el actor no pudo continuar su carrera de estrellato. Con un pequeño respiro con el éxito en Combate de fondo, una comedia romántica ambientada en el boxeo junto a Barbra Streisand, la áurea de O'Neal se fue diluyendo poco a poco. Incluos llegó a hacer una secuela de la película que le lanzó a la fama Love Story: La historia de Oliver.

En la década de los 80, conitnuó el dicleve de O'Neal. Cabe citar no obstante su intervención en la película Los hombres duros no bailan (1987), inspirada a partir de éxito literario que significó la novela de igual título que escribió Norman Mailer, el cual fue también el director del filme. Aparte de esto, O'Neal se dedicó a alternar pequeños papeles en el cine con series de televisión. Entre ellas, su intervención en "
Bones"
en el 2007.

Su vida sentimental ha sido un tanto ajetreada. Ha estado casado tres veces con mujeres del ámbito del cine: Joanna Moore y Leigh Taylor Young fueron parejas del actor. Con Farrah Fawcett mantuvo la unión más popular, dado que ella era bastante famosa por sus apariciones en series televisivas que marcaron una época en Estados Unidos y en Europa. Ryan es padre cuatro hijos: Tatum O'Neal y Griffin O'Neal (con Moore), Patrick O'Neal (con Taylor-Young) y Redmond O'Neal (con Fawcett).

En 2001 se le diganosticó leucemia, que combatió hasta que la enfermedad remitió en el 2006. Desde entonces, ha sido visto múltiples veces junto a su comnpañera sentimental Farrah Fawcett, en campañas de la lucha contra el cáncer.

El 4 de febrero de 2007, O’Neal sería detenido por la policía de Los Ángeles acusado de agredir con un arma a su hijo mayor Griffin, durante una pelea familiar en el domicilio de actor. yan O’Neal fue acusado de agresión con arma y uso negligente de la misma, ya que llegó a disparar la pistola. El artista tuvo que pagar una fianza de unos 50.000 dólares para recuperar la libertad.

Según la versión del propio actor (y comentada por su agente Neil Hassman), él llego a casa junto a Fawcett y un nutrido grupo de amigos. Iban a celebrar el 60 cumpleaños de ella y su victoria sobre el cáncer tras meses de duro tratamiento médico. Según el propio O'Neal, su hijo Griffin acudió por sorpresa a la cita y, al poco de llegar, agarró el atizador de la chimenea del salón y comenzó a agitarlo en el aire amenazando con agredirle. El artista se puso nervioso.”Entonces me puso un poco nervioso y fui al dormitorio a por la pistola. Al volver, su hijo continuaba con el atizador en la mano, por lo que disparó contra la barandilla, lo que le asustó y motivó la huida precipitada del hijo.

Otras fuentes afirman que la causa dle altercado fue que Griffin fue sorprendido por su hermanastro Redmond comprando drogas y que Ryan, descubriendo esto, entró en cólera y agredió a su hijo.

Esta no ha sido la primera vez que padre e hijo protagonizan enfrentamientos con repercusión en los medios. En 1983, la policía irrumpió en su domicilio después de que el más mayor de la saga Ryan dejara a su hijo con dos dientes menos tras propinarle un fuerte puñetazo. Nadie entonces interpuso denuncia.

Marlee Matlin



Marlee Beth Matlin (24 de agosto de 1965), actriz estadounidense sorda ganadora de un Premio de la Academia.

Nacida en Morton Grove, Illinois, hija de una pareja judía, Matlin perdió gran parte de su capacidad auditiva a la edad de 18 meses, a causa de un ataque de Roséola infantil. Perdío toda capacidad auditiva en el oído derecho y el 80% en el izquierdo.

Hizo su debut a la edad de 7 años, en el papel de Dorothy en la versión de "
El mago de Oz"
que realizó en un grupo infantil de teatro, y continuó apareciendo en otras obras a lo largo de su niñez.

Su debut cinematográfico fue con la película Hijos de un dios menor (1986), que le proporcionó el Globo de Oro a la mejor actriz dramática y el Oscar a la mejor actriz. Es, hasta el momento, la actriz más joven en recibir este premio a la edad de 21 años y 218 días.

Interpretó el papel principal en la serie de televisión "
Reasonable Doubts"
(1991 - 1993), y ganó un Emmy por su participación en la serie "
Picket Fences"
.

También ha tenido papeles en las series El ala oeste de la Casa Blanca, Seinfeld y Ley y orden: Unidad de víctimas especiales. Por este último, ganó otro premio Emmy en 2004.

Está implicada con varias organizaciones de carácter caritativo, incluyendo Children Affected by AIDS Foundation, Elizabeth Glaser Pediatric AIDS Foundation, Starlight Children's Foundation o Red Cross Celebrity Cabinet, entre otras.

Matlin se casó con Kevin Grandalski, agente de la ley católico, el 29 de agosto de 1993. Tienen dos hijas (Sarah Rose, nacida en 1996;
Isabella Jane, nacida en 2003) y dos hijos (Brandon, nacido en 2000;
Tyler, nacido en 2002).

En 1996 aparece en la película Fiesta de despedida.

En 2002 publicó su primera novela, Deaf Child Crossing, que está vagamente basada en su niñez.

En 2004, participó como actriz protagónista de la controvertida película ¿¡Y tú qué sabes!? (What the Bleep Do We Know) en el papel de Amanda.

En 2007 aparece en la cuarta temporada de la serie "
The L word"
.

Tatum O'Neal



Tatum Beatrice O'Neal (Los Ángeles, California, 5 de noviembre de 1963), actriz estadounidense conocida por sus películas juveniles en los años 70.

Tatum O'Neal es hija de los actores Ryan O'Neal (de ascendencia irlandesa) y Joanna Moore (de ascendencia inglesa). Su hermano Griffin nació en 1964. En 1967 sus padres se divorciaron y su padre se volvió a casar con la actriz Leigh Taylor-Young (madre de su hermanastro, Patrick, quien está casado con la actriz Rebecca De Mornay), de la que también se divorció en 1973. La madre de Tatum murió en 1997 afectada de un cáncer de pulmón a la edad de 63 años.

Su padre, Ryan, quien está recuperándose de una leucemia, tuvo una relación de casí 20 años con la actriz Farrah Fawcett, de la que nació su hijo, Redmond O'Neal.

Fue la primera novia de Michael Jackson, en 1979.

En 1986, O'Neal se casó con la estrella del tenis John McEnroe, con quien tiene tres hijos: Kevin, Sean, and Emily.

Después de su divorcio en 1992, se instaló en Nueva York. McEnroe, quien se casó en 1997 con la cantante Patti Smith, tiene la custodia de sus tres hijos con Tatum debido a los problemas con las drogas de ésta.


En 1974, Tatum O'Neal se convirtió en la persona más joven en ganar el Oscar a la mejor actriz de reparto por su interpretación en la película "
Luna de papel"
. Esta película, en la que también interviene su padre Ryan, presenta a la joven Tatum como a una niña en compañía de un granuja que se dedican a ir de pueblo en pueblo estafando a la gente.

Años más tarde, en su autobiografía titulada "
A Paper Life"
, Tatum O'Neal sostiene que en su niñez sufrió abusos sexuales por parte de un amigo de su padre. Tatum también sostiene que sufrió abusos físicos y emocionales por parte de su padre, que ella atribuye al uso de drogas.

Otras películas en la filmografía de Tatum O'Neal son "
Los picarones"
(1976), "
Nickelodeon"
(1976), Doble triunfo (1978), y Faldas revoltosas (1980). se le vinculó sentimentalmente con el cantante Michael jackson en 1979 .Su carrera como actriz sufrió un parón debido a problemas personales durante varios años, pero en 2005 volvió a actuar consiguiendo un papel en la serie "
Rescue Me"
.

Liza Minnelli


Vicente Minelli, Liza y Judy Garland.

Liza May Minnelli (Los Ángeles, California;
12 de marzo de 1946);
cantante y actriz estadounidense. Hija del segundo matrimonio de la actriz Judy Garland con el director de cine Vincente Minnelli.

Con tres años, Liza Minnelli hizo su primera aparición en el cine, concretamente en la escena final del musical de 1949 "
In the Good Old Summertime"
, protagonizada por su madre y Van Johnson.

En 1963, con 16 años, Liza comenzó a actuar en Broadway, en el musical "
Best Foot Forward"
. Al año siguiente, acompañó a su madre en sus actuaciones en el London Paladium.

Regresó a Broadway a los 19, y en 1965 ganó un premio Tony por "
Flora the Red Menace"
. También recibió otro premios Tony por "
The Act"
en 1978 y un Tony especial en 1974. Fue nominada en 1984 por "
The Rink"
pero perdió ante su compañera de reparto Chita Rivera.


En 1969, su interpretación en la película "
El cuco estéril"
("
The Sterile Cuckoo"
) le dio su primera nominación a un Premio Oscar de Hollywood. Pero fue en 1972, cuando ganó el Oscar a la mejor actriz por su papel como "
Sally Bowles"
en "
Cabaret"
.

Minnelli es la única ganadora del Oscar cuyos padres también consiguieron algún Premio de la Academia.

También ha ganado un Premio Emmy por el especial de televisión de 1972 "
Liza with a Z"
.

Minnelli recibió en 1990 un Premio Grammy en reconocimiento por toda su carrera. Además, ha ganado dos Globos de Oro por "
Cabaret"
y por la película para televisión "
A Time to Live"
.

A Minnelli, como a su madre, se le conoce por su potente estilo vocal, como lo demuestran sus canciones "
Cabaret"
y el famoso tema "
New York, New York"
(canción de la película New York, New York que en la versión original estaba interpretada por Minnelli, pero que se hizo famosa en la voz de Frank Sinatra).

Ya en los años 80, volvió a cobrar auge como cantante pop con el atrevido álbum Results, producido por el dúo británico Pet Shop Boys. Posteriormente grabó un dueto con Frank Sinatra para su exitoso álbum "
Duets"
.

Más recientemente ha aparecido como estrella invitada en la aclamada serie de televisión "
Arrested Development"
, representando a la sexual y socialmente retrasada amante de Buster Bluth.

Tras una operación de rodilla, problemas con ciertas adicciones y múltiples altibajos, Minnelli sigue en activo y presentó en 2007 una gira que pasó por España, dividida en dos partes: éxitos de toda su carrera, y otra dedicada a su madrina, que repetía un especial emitido por TV.

Como su madre, Minnelli ha tenido varios matrimonios, y ha estado ligada sentimentalmente a otras personalidades del mundo artístico como son el director Martin Scorsese, el pianista Billy Stritch, el bailarin Mikhail Baryshnikov o los actores Peter Sellers y Desi Arnaz Jr.

Sus esposos han sido:

1º Peter Allen (3 de marzo de 1967-1972). Nacido en Australia, Allen, quien murió de complicaciones por el SIDA en 1992, fue el protegido de Judy Garland a mediados de los 60.

2º Jack Haley Jr. (5 de septiembre de 1974-1979), productor y director. Su padre, Jack Haley fue coprotagonista de la película de Judy Garland "
El Mago de Oz"
.

3º Mark Gero (4 de diciembre de 1979 - 1992), escultor.

4º David Gest (16 de marzo de 2002 - 25 de julio de 2003), promotor de conciertos. La pareja anunció a la prensa a finales de 2002 que adoptarían a una niña de tres años, que se llamaría Serena Gest. Anunciaron su divorcio en 2003.

Judy Garland




Judy Garland (n. 10 de junio de 1922 - m. 22 de junio de 1969), nombre artístico de Frances Ethel Gumm, fue una actriz y cantante estadounidense, una de las más populares de la Época Dorada de los musicales de Hollywood. Estuvo casada con el director de cine Vincente Minnelli, con el que tuvo una hija, la también actriz y cantante Liza Minnelli.

Creció en una familia consagrada al espectáculo ya que sus padres, Frank Gumm y Ethel Milne, y sus hermanos se dedicaban al teatro musical, en particular al mundo del vodevil. La actriz comenzó a andar encima de un escenario a los tres años ya que aparecía en las funciones de sus familiares. Poco después y cuando todavía era una niña, su madre la impulsó a crear junto con sus hermanas el conjunto femenino llamado The Gumm Sisters Kiddie Act. Fue en esta etapa cuando la pequeña Frances cambió su nombre por el de Judy Garland, bajo sugerencia del productor y actor George Jessel. A mediados de los años 30, y con el trío ya disuelto, Judy se dirigió con su madre a Hollywood para participar en varias pruebas cinematográficas que demostraron el elevado talento vocal de la gran intérprete. Y, a los 13 años, consiguió firmar un contrato con los estudios Metro Goldwyn Mayer (MGM), lugar en donde brillaría en imprescindibles títulos como Pigskin Parade (1936) y Andrés Harvey de enamora (1938).

Después de varios roles secundarios, a los 16 años consiguió el papel de Dorothy en la hoy mundialmente famosa película El Mago de Oz (1939), y desde ese entonces, es asociada con la canción Over the Rainbow. Esta actuación le valió un Oscar especial a la mejor actriz juvenil. Luego del éxito de “El Mago de Oz”, Garland se convirtió en una de las actrices más cotizadas de MGM.

Para continuar con el ritmo frenético de filmar una película después de la otra, Garland y un grupo de sus amigos actores, entre ellos Mickey Rooney, comenzaron a tomar anfetaminas y barbitúricos antes de dormir. Para Garland, esta constante dosis de drogas la llevaría a la drogadicción y a una lucha de por vida.

La apariencia física de Garland era juzgada como inaceptable por MGM, y en muchas ocasiones se sentía poco atractiva. No poseía la clase de belleza que poseían sus compañeras, y esto le causaba gran ansiedad. Por lo tanto, Judy se sometió a grandes transformaciones durante su carrera. En 1944, MGM le dio a Garland una nueva maquilladora, Dorothy Ponedel. Ella cambió la apariencia de muchas formas, desde cambiar la forma de sus cejas hasta modificar la línea del pelo y la forma de sus labios. A Judy le agradaron tanto los resultados que siguió trabajando con Dorothy a través de todo su contrato con MGM.

Una de las películas más aclamadas de Judy fue Meet me in St. Louis, filmada en 1944, en la que cantó varios temas. En 1945 filmó The Clock, su primer filme dramático. Aunque obtuvo muy buenas críticas, los admiradores esperaban que siguiera cantando, por lo que la mayoría de sus roles eran en musicales. En Septiembre de 1945 se casó con el director de películas Vincente Minnelli, y en 1946 dio a luz a su hija Liza. Poco tiempo después, el frustrante horario de trabajo empezó a afectar a Garland, lo que causó que faltara a varios días en los rodajes sus películas. En 1947, mientras filmaba El Pirata, Garland tuvo una crisis nerviosa. Luego, se hizo muy notorios los problemas emocionales que sufría Garland, lo que llevaron a que perdiera su contrato con MGM. Dos meses después, intentó suicidarse. Su inestabilidad emocional se reflejaba también en otros aspectos de su existencia, en especial en su adicción a las drogas.

En 1951, Judy y Vincente se divorciaron, y ella se casó con Sif Luft, su jefe. En 1952 dio a luz a su hija Lorna. Luego, empezó a dar conciertos en Inglaterra, Escocia e Irlanda, y en 1951, recibió un premio Tony. En 1954, filmó Ha nacido una estrella, la que le proporcionaría su primera nominación al Oscar. En 1955, ganó el Globo de Oro como Mejor actriz en una comedia o musical.

Tras el divorcio de Luft, comenzó una lucha por la custodia de sus hijos y cometió varios fallidos intentos de suicidarse. En 1964 se volvió a casar con el actor Mark Herron, de quien se divorció en 1968.

A principios de los años 60, CBS hizo un trato de 24 millones de dólares para filmar una serie semanal de televisión, la cual, aunque parecía ser muy prometedora, obteniendo 4 nominaciones al Emmy, no duró más de 26 episodios y resultó ser tanto personalmente como emocionalmente devastador para Garland. El último concierto de Judy Garland fue en 1969 en Copenhague.

Los problemas de su infancia se hicieron más notorios mientras luchaba por sobreponerse a varios problemas personales, incluyendo las drogas. En marzo de 1969 contrajo matrimonio con el empresario Mickey Deans, quien la encontró muerta el 22 de junio en el baño debido a una sobredosis de barbitúricos. Murió a los 47 años en Londres. Es frecuente la conexión entre su muerte y posterior funeral y los disturbios de Stonewall del 28 de junio de 1969, origen del movimiento de liberación homosexual moderno. Garland era un icono gay cuya muerte fue especialmente sentida por el colectivo gay y cuya celebración del funeral en el bar Stone Wall Inn fue interrumpida por la policia el 28 de junio de 1969 generandose la consiguiente revuelta que ha dado origen al Día del Orgullo Gay.

La voz de Garland poseía un vibrato natural, el cual era capaz de mantener en un bajo tono de voz. Los efectos que proyectaba le permitían transmitir gran emoción al interpretar una canción. El Instituto Cinematográfico Americano la nombró la octava Mejor Estrella Femenina de todos los tiempos.

Gene Kelly

Donald O'Connor,Gene Kelly y Fred Astaire

Eugene Joseph Curran (n. 23 de agosto de 1912 - m. 2 de febrero de 1996), mejor conocido como Gene Kelly, fue un actor, cantante, bailarín, director y coreógrafo estadounidense.

Gene Kelly nació en uno de los barrios de trabajadores de Pittsburgh (Pennsylvania), en el seno de una familia obrera. Su padre era vendedor de fonógrafos y su madre, Harriet, fue la encargada de hacer que Gene y su hermano se interesaran por el mundo de la danza. Fue ella quien propulsó la formación del grupo "
The Five Kellys"
, compuesto por los cinco hermanos. Tras deshacerse el grupo, él y su hermano Fred continuaron bailando y preparando enérgicas coreografías bajo el nombre de "
The Kelly brothers"
.

Cuando la depresión económica sacudió Estados Unidos, Kelly comenzó a trabajar en diversos oficios, entre ellos dar clases de baile, para ayudar a sacar adelante a su familia.

Su nombre está escrito con letras de oro junto a los de Frank Sinatra, Judy Garland, Stanley Donen o Vincente Minnelli, dentro de los anales de la historia del cine musical. Su enorme personalidad, la inteligencia de sus coreografías, la agilidad y entusiasmo con que dotó a sus personajes o el endiablado ritmo de algunos de sus bailes le catapultaron a la fama dentro del período más dorado del género. Así, en sus comienzos y con la firme decisión de convertirse en una figura del baile, Gene viajó a Nueva York y, en poco tiempo, consiguió un gran éxito. En 1938 consiguió debutar en Broadway, alcanzando una gran fama con el musical "
Pal Joey"
(1940), obra con la que llamó la atención del famoso productor David O. Selznick. Más tarde, junto a su mujer Betsey Blair y Stanley Donen, que pronto se convertiría en su amigo, se marchó a Hollywood a probar suerte. Finalmente, Kelly firmó un contrato con Selznick pero, desafortunadamente, éste no estaba interesado en producir musicales y pensó que Kelly podría convertirse en un gran actor dramático, dejando de lado su carrera de bailarín. Sin embargo, Gene no estaba muy entusiasmado con la idea, por lo que recibió con agrado la oferta de la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) para protagonizar junto a Judy Garland "
Por mí y por mi chica"
, dirigidos por el coreógrafo y director Bubsy Berkeley ("
La calle 42"
). La película recibió muy buenas críticas, e hizo que Gene se convirtiera en el centro de la atención de Hollywood.

Tras "
Por mí y por mi chica"
, realizó una serie de películas con la MGM, pero no fue hasta 1944, tras protagonizar "
Las modelos"
(Cover Girl, de Charles Vidor) (producida por la Columbia y protagonizada también por Rita Hayworth), cuando compraron el contrato de Kelly a Selznick. Esta película resultó ser un gran éxito y el actor se convirtió en una gran fuente de ingresos para la empresa.

Las cosas le iban bien hasta que Pearl Harbor fue bombardeada y Gene decidió alistarse y luchar por su país. Aunque en un principio no se lo permitieron, entre 1944 y 1946 combatió en la Segunda Guerra Mundial.

A su vuelta del frente revitalizó su popularidad en películas como "
Levando anclas"
(1945, George Sidney) en su primer film mítico junto a Frank Sinatra;
"
Ziegfield follies"
de Vincente Minnelli, de nuevo con Judy Garland y coincidiendo también con Fred Astaire y Lucille Ball;
"
El pirata"
(The Pirate 1948, de Vincente Minnelli, clásico del cine musical no estrenado en España hasta 1974, en el que compartía cartel con Judy Garland de nuevo) y "
Los tres mosqueteros"
(The three Musketeers, 1948 de la mano de George Sidney). En esta última, todo un éxito en su momento, estuvo acompañado por June Allyson, Lana Turner y Van Heflin. Sólo cuando se estrenó "
Un día en Nueva York"
(On the town) alcanzó una fama que nunca antes había conocido. Éste fue su debut como director junto a Donen y la protagonizó con Frank Sinatra y Vera Ellen. Fue tal el éxito alcanzado, que la película ha marcado historia en el cine musical. El estudio vio que era un gran profesional y decidió darle mayor libertad a la hora de poner en práctica sus ideas. Esa libertad fue la que hizo posible que se realizaran los dos musicales más recordados de todos los tiempos.

"
Un americano en París"
(An american in Paris, 1951 de Vincente Minnelli) fue la película que elevó a Kelly al rango de superestrella. Fue uno de los mayores éxitos del año, llegando a conseguir seis Premios Oscar de la Academia, entre los que destacan el de "
Mejor película"
, y uno honorífico por la versatilidad de Gene como actor, cantante, bailarín, director, coreógrafo y, más concretamente, por su aportación al género del musical.

Al año siguiente, en 1952, Kelly volvió a hacer historia con "
Cantando bajo la lluvia"
(Singin' in the rain), al lado de Donald O´Connor y Debbie Reynolds. Aunque en la actualidad está considerada como una de las mejores películas de la historia, en aquellos años se vio eclipsada por el éxito de su predecesora. En 1954 continuó su fructífera colaboración con Vincente Minnelli en un film no muy apreciado en su día pero que se ha ido revalorizando: "
Brigadoon"
. "
It's always fair weather"
(1955), especie de continuación en un tono de melodrama nostálgico y amargo de la citada Un día en Nueva York, también resultó ser muy alabada por la prensa y por el público. En 1956 rodó uno de sus proyectos más ambiciosos: "
Invitación a la danza"
, en la que se incluye un célebre número musical junto al personaje de animación Tom (de "
Tom y Jerry"
).

Tras esta gran oleada de éxitos, la carrera de Kelly empezó a declinar y a perder el esplendor que había conseguido. Apartado ya del musical, en 1960 realizó una de sus mejores interpretaciones en medio de un impresionante duelo interpretativo entre los legendarios Spencer Tracy y Fredric March en el film "
La herencia del viento"
de Stanley Kramer. Tanto su vida profesional como la personal se encontraban en un momento muy difícil. Su matrimonio de quince años con Betsy Blair ("
Calle mayor"
) terminó debido a la relación que estaba manteniendo Kelly con la mujer de su amigo Stanley Donen. Esta relación se formalizó en 1960 cuando el actor y la ex mujer de Donen se casaron. De esta relación nacieron dos hijos.

Después de unos años de aparente olvido, recuperó la fama al dirigir a Barbra Streisand y Louis Armstrong en "
Hello, Dolly!"
(1969), así como a James Stewart y Henry Fonda en "
El club social de Cheyenne"
(The Cheyenne Social Club, 1970). Sin embargo, cuando Gene estaba empezando a conseguir mejores películas y mejores papeles, a su mujer le diagnosticaron cáncer, enfermedad por la que falleció en 1973. Viudo y con dos hijos, decidió dedicarse a ellos y, a partir de ese momento, rechazó todos aquellos proyectos que podrían tenerle lejos de Los Ángeles durante un largo periodo de tiempo. "
Hollywood, Hollywood"
(1976) o la secuela de una exitosísima película antológica sobre el cine musical y la comedia de los años dorados del cine norteamericano ("
Érase una vez Hollywood"
) fue seguramente su último film reseñable.

Durante la siguiente década, Gene realizó algunas intervenciones en televisión y, ocasionalmente, aceptaba algún trabajo como director. En 1980, realizó su última aparición en un musical pero, desafortunadamente "
Xanadu"
resultó todo un fracaso. En 1985, recibió el premio del "
American Film Institute"
en homenaje a toda su carrera profesional, entre otros muchos premios.

Gene Kelly murió el 2 de febrero de 1996 por complicaciones de dos apoplejías sufridas en julio de 1994 y febrero de 1995. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Angeles, California.

Spencer Tracy

Spencer Tracy y Mickey Rooney.

Spencer Bonaventure Tracy (n. 5 de abril de 1900 - m. 10 de junio de 1967) fue un actor estadounidense ganador de los premios Oscar y Globo de Oro.

Nació el 5 de abril de 1900 en Milwaukee, Wisconsin, segundo hijo de un vendedor de camiones y una ama de casa de orígenes irlandeses. Su nombre completo es Spencer Bonaventure Tracy. En la Marquette Academy conoce al actor Pat O'Brien y juntos abandonan los estudios para alistarse en La Marina, Tracy tiene 17 años. Sueña con entrar en combate, pero cuando la Primera Guerra Mundial acaba, Tracy sigue en una base de la marina estadounidense en Virginia. Decide retomar sus estudios y en el Ripon College participa por primera vez en una representación teatral, la experiencia le fascina. Decide ser actor y en compañía de O'brien viaja a Nueva York para estudiar arte dramático. Los dos debutan en la obra R.U.R, en 1923, interpretando a un robot mudo;
en este mismo año contrajo matrimonio con Luise Treadwell.

El tiempo pasa y Tracy se abre camino en Broadway, es descubierto por John Ford mientras interpreta "
The last mile"
, su mayor éxito en el teatro. Debuta con él en "
Up the river"
en 1930, y en sus tres primeros años en Hollywood protagoniza 16 películas. En 1935 firma con la Metro-Goldwyn-Mayer un contrato en exclusiva, y allí hará la mayor parte de su carrera.

Gana dos Premios de la Academia consecutivos al mejor actor en 1937 y 1938 por "
Capitanes intrépidos"
y "
Forja de hombres"
, pero es seleccionado en 7 ocasiones más para el premio.

Tracy realizó a lo largo de su carrera impresionantes interpretaciones como las de "
El poder y la gloria"
, "
Furia"
, "
El extraño caso del doctor Jeckyll"
, "
La costilla de Adán"
, "
La mujer del año"
, "
El último Hurra"
.

Tracy tuvo siempre una compleja personalidad, duro, seco, apasionado, alcohólico, parco en palabras, prefirió la infidelidad al divorcio debido a su educación católica. Tuvo dos romances públicos, uno fugaz con la actriz Loretta Young y 25 años de convivencia con la actriz Katharine Hepburn, con quien realizó 9 películas y de quien solo le separó la muerte.

Falleció el 10 de junio de 1967, a la edad de 67 años, por un ataque al corazón;
trece días después de acabar el rodaje el último film con Hepburn "
Adivina quién viene esta noche"
, durante el cual sufrió una grave infección pulmonar. Tracy se levantó a beber en la madrugada, cayó y murió en brazos de Katharine Hepburn.

Mickey Rooney

Mickey y Judy.

Mickey Rooney (Nueva York, 1920), es un actor estadounidense de películas, muchas de ellas en las décadas de 1930 y 1940.

Nació en Brooklyn (Nueva York), el 23 de septiembre de 1920. Su padre era escocés y su madre, estadounidense. Ha trabajado en más de 100 películas a lo largo de casi 80 años. También ha hecho series de televisión y algunos trabajos relacionados con este mundo. Es un actor reconocidísimo. Sus papeles son de personajes de mucha espontaneidad, simpleza y con personajes que captan la simpatía de los espectadores.

En España, se lo conoce sobre todo por su interpretación de abuelo en la película de 1977: Pedro y el dragón Elliot[cita requerida]. Esa película tuvo mucho éxito en todo el mundo.

A pesar de su baja estatura y apariencia poco agraciada, es dueño de una personalidad desbordante en simpatía y mucha elocuencia. se ha casado 8 veces, (entre sus esposas figura nada menos que Ava Gardner) y ha tenido 9 hijos en total:

- Betty Jane Rase (1944-1949), dos hijos

- Martha Vickers(1949-1951), un hijo

- Elaine Devry (1952-1958)

- Carolyn Mitchell (1958-1966), cuatro hijos

- Marge Lane (1966-1967)

- Carolyn Hockert (1969-1974), dos hijos

- Jan Chamberlin (1978-presente)

Thelma Ritter

Debbie Reynolds, Gregory Peck y Thelma Ritter.

Thelma Ritter (14 de febrero de 1905 – 5 de febrero de 1969), actriz de cine estadounidense de los años 40, 50 y 60.

Ritter nació en Brooklyn, Nueva York. Después de aparecer en obras de teatro juveniles, recibió clases de interpretación en la American Academy of Dramatic Arts. Estuvo trabajando sobre los escenarios hasta que decidió formar una familia, aunque años más tarde volvió a interpretar, ya a comienzos de los años 40.

La primera película de Ritter fue "
De ilusión también se vive"
(1947). A lo largo de su carrera, Ritter fue nominada seis veces a los Premios de la Academia, aunque nunca recibió ninguno. Por este hecho, junto con Deborah Kerr, es la actriz que más veces ha sido nominada a un Premio Oscar de interpretación y nunca lo ha ganado. En 1954 co-presentó la ceremonia junto al actor Bob Hope.

Quizás los papeles más recordados de Ritter sean el de enfermera de James Stewart en la película "
La ventana indiscreta"
(1954) y el de la devota criada de Bette Davis en "
Eva al desnudo"
(1950).

Poco después de aparecer en The Jerry Lewis Show en 1968, Thelma Ritter sufrió un ataque cardiaco que acabó con su vida.

Anne Baxter

Anne Baxter, Bette Davis, Marilyn Monroe y George Sanders

Anne Baxter (7 de mayo de 1923 - 12 de diciembre de 1985) fue una actriz estadounidense ganadora del premio Oscar.

Baxter nació en Michigan City, Indiana. Sus padres eran Kenneth Stuart Baxter y Catherine Wright. Su abuelo materno era el arquitecto Frank Lloyd Wright. Su padre fue un prominente ejecutivo de la Seagrams Distillery y ella se crió en medio de la sofisticación y el lujo en Nueva York. A la edad de 10 años asistió a una obra de Broadway protagonizada por Helen Hayes y quedó tan impresionada que le dijo a su familia que se quería convertir en una actríz. A la edad de 13 años había actuado en Broadway. Durante este período Baxter aprendió el arte de la actuación como estudiante de la afamada profesora Maria Ouspenskaya.

Para el papel de Mrs. DeWinter en Rebecca, Baxter realizó una prueba de cámara, pero perdió contra Joan Fontaine, porque el director Alfred Hitchcock la consideraba "
demasiado joven"
para interpretar el personaje. La fuerza de ese primer acercamiento al mundo del cine provocó que Baxter, con sólo 16 años, firmara su primer contrato por 7 años con la 20th Century Fox. Su primera aparición cinematográfica fue en la película Twenty Mule Team, de 1940. Fue elegida por Orson Welles para que actuara en El cuarto mandamiento, basada en la novela de Booth Tarkington. Al poco tiempo Baxter tuvo un papel protagonista en El filo de la navaja, de 1946, por la cual ella ganó el Oscar por Mejor Actriz de Reparto.

En 1950 co-protagonizó Eva al desnudo, debido a su gran parecido con Claudette Colbert, la cual fue, originalmente, la elegida para que co-protagonizara la película. Baxter fue nominada a Mejor Actriz por su papel protagonista de Eve Harrington, papel por el cual Anne Baxter se ganó un lugar en la historia del cine. Al avanzar la década, Baxter también continuó actuando en el teatro profesional. Baxter participó en la obra de teatro John Brow's Body, basada en el libro de Stephen Vincent Benet, dirigida por Charles Laughton, la cual se estrenó en Broadway en 1953.

Hoy, Baxter es probablemente mejor recordada por su papel de la princesa egipcia Nefertiri, junto al personaje de Moisés, interpretado por Charlton Heston, en la premiada película Los diez mandamientos (1956), de Cecil B. DeMille.

Baxter apareció regularmente en la televisión en los años 60. Por ejemplo, participó en el popular programa de la emisora CBS What's My Line? como una "
Invitada de Misterio"
. También protagonizó, como invitada especial, dos episodios del show de televisión del superhéroe de los 60, Batman, como la villana "
Zelda la Grande"
.

Baxter volvió a Broadway durante los años 70, en Aplauso, la versión musical de Eva al desnudo, pero esta vez como “Margo Channing”, rol actuado en la película por Bette Davis (ella substituía a Lauren Bacall, la cual ganó un premio Tony por su papel).

En los 70, Baxter fue frecuentemente invitada y sustituyento al huésped en el popular programa diurno The Mike Douglas Show, ya que Baxter y el huésped Mike Douglas eran muy buenos amigos. En 1983, protagonizó la serie de televisión Hotel después de reemplazar a Bette Davis en el casting al caer Davis enferma. Baxter tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en 6741 Hollywood Bulevard.

En los 50, Baxter se casó y divorció del actor John Hodiak. De esta unión nació la hija mayor de Baxter, Katrina. En 1961, Baxter y su segundo marido, Randolph Galt, dejaron los EE. UU. para vivir y para que sus hijos crecieran en una granja de cavas en el Outback australiano. Ella contó la historia en sus memorias Descanso: Una historia real. En el libro, Baxter se culpa a sí misma como la causante del fracaso de su matrimonio con Hodiak.

Aunque su segundo matrimonio con Galt no duró mucho más, Baxter y Galt tuvieron dos hijas juntos: Melissa y Maginel. En privado durante este periordo, Baxter se refería a sí misma como Ann Galt entre sus vecinos en Brentwood, California, probablemente como un camino para minimizar su estatus de estrella y para que sus hijas crecieran lo más natural posible. Baxter estuvo brevemente casada otra vez en 1977 con David Klee, un destacado corredor de bolsa, pero enviudó cuando inesperadamente murió por enfermedad. Ellos habían comprado una casa de extensión en Easton, Coneccicut que habían remodelado extensamente, sin embargo Klee no viviría para ver la renovación completa. La casa tenía una arquitectura que recordaba a las estructuras de techo plano de Frank Lloyd Wright. Baxter tenía la chimenea del dormitorio reconstruida a partir de la pieza maestra de su abuelo. Baxter nunca se volvió a casar.

Baxter murió de un aneurisma cerebral el 12 de diciembre de 1985, mientras caminaba por Madison Avenue en Nueva York. Está enterrada en la finca de Frank Lloyd Wright en Spring Green (Wisconsin)

Baxter fue sobrevivida por sus tres hijas adultas. Baxter fue amiga de toda la vida de la diseñadora de vestuario Edith Head hasta su muerte en 1981. A la hija de Baxter, Melissa le fue legado una extraordinaria colección de joyas de Head. Melissa Galt trabajó como diseñadora de interiores en Atlanta. Katrina Hodiak se casó y tuvo hijos. Maginel Galt se hizo monja católica viviendo y trabajando en Roma.

George Sanders

Tom Conway, George Sanders y
Jane Randolph


George Sanders (3 de julio de 1906 – 25 de abril de 1972) fue un actor británico ganador del Premio Oscar.

Sanders nació en San Petersburgo, Rusia, siendo sus padres de nacionalidad británica. En 1917, cuando tenía once años, la familia volvió al Reino Unido al iniciarse la Revolución rusa de 1917 y, al igual que su hermano, acudió al Brighton College, en Brighton. Tras su graduación trabajó en una agencia de publicidad. La secretaria de la compañía, una aspirante a actriz llamada Greer Garson, le sugirió dedicarse a la actuación. Su hermano mayor, Tom Conway, también fue actor, y Sanders posteriormente le cedió el papel de "
The Falcon"
, personaje literario central de una saga de películas.

Su debut cinematográfico británico tuvo lugar en 1934, y en 1936 hizo su primer papel en Estados Unidos, en la película Lloyd's of London. Su acento y delicadeza británicos, combinados con su aire amable, snob y en cierto modo amenazante fueron utilizados en el cine americano a lo largo de la siguiente década. Representó papeles secundarios en producciones de prestigio tales como Rebeca, en la cual aguijoneaba a la siniestra Judith Anderson (Mrs Danvers), en su persecución a Joan Fontaine. También tuvo papeles protagonistas, aunque en filmes menores tales como Rage in Heaven (Alma en la sombra). En estos años también protagonizó películas de las series basadas en los personajes The Falcon y Simon Templar (El Santo) . Así mismo, fue Lord Henry Wotton en la versión filmada de The Picture of Dorian Gray (El retrato de Dorian Gray). En 1947 coprotagonizó junto a Gene Tierney y Rex Harrison el film The Ghost and Mrs. Muir (El fantasma y la Sra. Muir).

En 1950 tuvo su actuación más conocida y conseguida en el papel del frío crítico teatral Addison DeWitt en Eva al desnudo, ganando el Oscar al mejor actor de reparto por su interpretación.
Entró en el mundo de la televisión y fue responsable de la serie de éxito George Sanders Mystery Theatre. Sanders interpretó a un villano inglés de la alta sociedad en un episodio de 1965 de la serie The Man From U.N.C.L.E.. También fue Mr. Freeze en dos episodios de la serie de los años sesenta Batman.

Sanders lanzó un disco titulado The George Sanders Touch: Songs for the Lovely Lady. Llegó a intervenir en el musical South Pacific, pero dejó el papel al poco tiempo, ante la responsabilidad de su interpretación. Puede oírse cantar a Sanders en Call Me Madam (Llámeme señora) y en El libro de la jungla.

En 1940 se casó con Susan Larson, pero se divorciaron en 1949. De 1949 a 1954 estuvo casado con la actriz húngara Zsa Zsa Gabor, de la cual se divorció. En 1959 se casó con la actriz Benita Hume, y permanecieron juntos hasta la muerte de ella en 1967. Finalmente, se casó con Magda Gabor, hermana de su segunda mujer, en un matrimonio que duró un año.

Durante este período completó su autobiografía, Memoirs of a Professional Cad (Memorias de un Sinvergüenza Profesional).

Sanders se suicidó en Castelldefels, una localidad costera cercana a Barcelona, en Cataluña (España), con una sobredosis de barbitúricos, dejando una nota en la que atribuía su acción al hastío. Su amigo David Niven recuerda en su autobiografía que Sanders había predicho su suicidio mucho tiempo antes. La nota decía: "
Querido Mundo, me voy porque estoy aburrido. Siento que he vivido bastante. Te dejo con tus preocupaciones en esta dulce cisterna. Buena suerte."
Uno de los últimos papales de Sanders para el cine fue en la versión de 1972 de la popular serie de televisión Doomwatch.

Sanders se suicidó en Castelldefels, una localidad costera cercana a Barcelona, en Cataluña (España), con una sobredosis de barbitúricos, dejando una nota en la que atribuía su acción al hastío. Su amigo David Niven recuerda en su autobiografía que Sanders había predicho su suicidio mucho tiempo antes. La nota decía: "
Querido Mundo, me voy porque estoy aburrido. Siento que he vivido bastante. Te dejo con tus preocupaciones en esta dulce cisterna. Buena suerte."
Uno de los últimos papales de Sanders para el cine fue en la versión de 1972 de la popular serie de televisión Doomwatch.

Curiosidades:


1º La suave voz de Sanders, así como sus educados modales, y acento de la clase alta británica fueron la inspiración para el personaje de Peter Sellers "
Hercules Grytpype-Thynne"
en la famosa serie cómica de la BBC The Goon Show. Sellers y Sanders coincidieron en la secuela de La Pantera Rosa |A Shot in the Dark (El nuevo caso del inspector Clouseau, Un disparo en las sombras - Uruguay).

2º Sanders fue recompensado con dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood, una por su dedicación al cine en el 1636 de Vine St, y otra por su trabajo televisivo en el 7007 de Hollywood Blvd.

3º Es mencionado en la canción de The Kinks "
Celluloid Heroes"
.

4º El fantasma de Sanders aparece en la novela de Clive Barker del año 2001 Coldheart Canyon.

Ricardo Cortez

Greta Garbo y Ricardo Cortez

Ricardo Cortez (18 de septiembre de 1899 - 20 de abril de 1977) fue un actor de cine que comenzó su carrera durante la era del cine mudo.

Nació con el nombre de Jacob Krantz in Viena (en esa época, capital de Austria-Hungría) en una familia judía. Trabajó en Wall Street hasta que su belleza le llevó hasta el negocio del espectáculo. Algún ejecutivo de Hollywood le cambió el nombre a Cortez para atraer a los espectadores como un latin lover (amante latino) para competir con actores muy populares como Rudolph Valentino, Ramón Novarro y Antonio Moreno.

Cuando comenzó a circular el rumor de que Cortez no era realmente latino, los estudios trataron de hacerlo pasar por francés, hasta que finalmente admitieron su origen vienés.

Cortez apareció en más de 100 películas.

En 1930 fue coprotagonista con Joan Crawford de Montana Moon. En 1931 representó a Sam Spade en la película El halcón maltés. En 1934 coprotagonizó (con Charles Farrell y Bette Davis) en The Big Shakedown in 1934. En 1936 también representó a Perry Mason en El caso del gato negro. Aunque comenzó su carrera en papeles románticos con actrices como Greta Garbo, cuando apareció el cine sonoro, su presencia y su acento neoyorquino lo volvieron ideal para los papeles de villano, y pasó de símbolo sexual a actor de carácter.

Cortez se casó con la actriz de cine mudo Alma Rubens hasta que ella falleció de neumonía en 1931.

Cuando se retiró del cine, fue a trabajar como corredor de bolsa en Wall Street. Falleció en Nueva York en 1977 y fue enterrado en el cementerio Woodlawn, en el Bronx.

Era hermano mayor del notable cineasta Stanley Cortez (Stanislaus Krantz).

Herbert Marshall

Herbet Marshall y Bette Davis.

Herbert Marshall, cuyo verdadero nombre fue Herbert Brough Falcon Marshall, nacido en Londres (23 de mayo de 1890 – 22 de enero de 1966), fue un popular actor cinematográfico y teatral británico que superó la pérdida de una pierna durante la Primera Guerra Mundial, en la cual participó sirviendo en el London Scottish Regiment con otros actores como Basil Rathbone, Ronald Colman y Claude Rains. Disfrutó de una larga carrera, inicialmente en papeles románticos y posteriormente en papeles de carácter. El afable actor pasó años haciendo papeles románticos junto a estrellas como Greta Garbo, Marlene Dietrich y Bette Davis, y protagonizando clásicos como La loba y Trouble in Paradise (Un ladrón en la alcoba). Se casó cinco veces, una de ellas con la actriz Edna Best, con la cual protagonizó The Calendar, Michael and Mary y The Faithful Heart, y otra con Boots Mallory, con la cual estuvo casado desde 1947 hasta la muerte de ella en 1958.

Boots Mallory




Patricia "
Boots"
Mallory (22 de octubre de 1913 – 1 de diciembre de 1958) fue una bailarina, modelo y actriz cinematográfica estadounidense.

Nació en Nueva Orleáns, Louisiana. A los 12 años formó parte de un conjunto musical femenino, en el cual tocaba el banjo, y a los dieciséis fue bailarina de vodevil. Eventualmente viajó a Nueva York, dando una buena impresión en las "
Ziegfeld Follies"
of 1931, una producción teatral de Broadway.

Trasladada a Hollywood, California, encontró empleo en la productora Fox Film Corporation y fue escogida para actuar en la versión filmada de la obra de Dawn Powell Walking Down Broadway. Éste fue el primer film sonoro de Erich von Stroheim. Reconoció a Mallory como su descubrimiento. La obra contaba la historia de una joven soltera enredada en un triángulo amoroso, y que quedaba embarazada. La versión filmada, sin embargo, sugería una relación lésbica entre el personaje de Mallory y el del personaje interpretado por ZaSu Pitts. Otros aspectos de carácter sexual en el personaje interpretado por James Dunn fueron considerados demasiado atrevidos. Los ejecutivos de la Fox hicieron que el director Alfred L. Werker cortara drásticamente la versión de Von Stroheim, y que se rodaran escenas adicionales. La película fue lanzada finalmente con un nuevo título Hello, Sister! (¡Hola, hermanita!) (1933) con poca promoción, y no fue un éxito. La versión original de Von Stroheim nunca fue exhibida, y se considera perdida.

En 1932 filmó su segunda película, Handle With Care, también junto a James Dunn. Fue bien recibida, y Mallory fue elegida como una de las WAMPAS Baby Stars de 1932, pero la fuerte campaña publicitaria que ello supuso fue contrarrestada por el escaso éxito de Hello, Sister!.

Alta y rubia, Mallory era conocida por su belleza, y fue fotografiada por fotógrafos como George Hurrell. Sin embargo, también posó en atrevidas sesiones de fotografías de lencería, y fue pintada desnuda por el artista Rolf Armstrong.

En los años siguientes, Mallory interpretó papeles principales en varias películas de serie "
B"
, incluyendo el film de Rin Tin Tin The Wolf Dog (1933), y Carnival Lady (1934) y The Big Race (1934). Trabajó con James Cagney en una producción radiofónica para el Lux Radio Theatre, pero tuvo dificultades para trabajar en producciones de mayor prestigio. Su última aparición fue en una película de Laurel y Hardy, Swiss Miss (1938).

Mallory se casó por primera vez a los dieciséis años, y en 1932 contrajo segundas nupcias con el productor William Cagney, hermano del actor James Cagney. En 1947 se casó con Herbert Marshall, matrimonio que duró hasta la muerte de Mallory en 1958 en Santa Monica, California, a causa de una enfermedad de garganta.

Leyla tu foro es lindo.
gracias por tenerlo

Paul Scofield

Katharine Hepburn y Paul Scofield

David Paul Scofield, CBE (Hurstpierpoint, Sussex, 21 de enero de 1922 - Sussex, Reino Unido, 19 de marzo de 2008) fue un actor de teatro y de cine, ganador de un Premio de la Academia. Rechazó el nombramiento de Sir en tres ocasiones, pero fue Par de la Compañía de Honor desde 2001 hasta su muerte.

De pequeño estudió en la Varndean School para niños en Brighton. Durante su estancia en la preparatoria, Scofield hizo varios papeles en obras de teatro escolares, pero empezó su carrera en 1940, y fue pronto comparado con Laurence Olivier. En 1947, actuó en "
Pericles, Prince of Tyre"
de Walter Nugent Monck en el Royal Shakespeare Theatre en Stratford-upon-Avon. En 1966 participó en "
Staircase"
de la Royal Shakespeare Company. Durante su carrera ganó varios premios por sus papeles en el teatro, incluyendo un Tony por "
Un hombre para la eternidad"
en 1960. En 1979 apareció en el montaje original de la obra "
Amadeus"
, donde interpretaba el papel de Salieri. Scofield fue especialmente conocido como intérprete teatral en muchas obras de William Shakespeare.

Scofield ganó el Oscar al mejor actor por su papel de Sir Thomas More en "
Un hombre para la eternidad"
(1966). En 1994 recibió una segunda nominación al Oscar, como mejor actor de reparto por su papel en "
Quiz Show: El dilema"
, película de Robert Redford que trata del escándalo que provocó el programa a los Estados Unidos en los años 50, y donde interpreta a Mark Van Dordel, padre del protagonista del escándalo, Charles Van Doren.

Cliff Robertson

Cliff Robertson a la derecha.

Cliff Robertson (*9 de septiembre de 1925) es un actor estadounidense. Nació en La Jolla, población cercana a Los Ángeles, como Clifford Parker Robertson III. Sus padres tenían un rancho y eran acomodados. Durante los años escolares, Robertson se apuntó a clases de teatro porque era la forma de evitar tener que asistir a varias de las clases normales. No obstante, esta actividad le sirvió para desarrollar un interés por la interpretación.

Durante la Segunda Guerra Mundial fue llamado a filas y a su regreso del servicio militar ingresó en la universidad Antioch del estado de Ohio. Su primer trabajo fue como locutor de radio, pero pronto se orientó hacia el teatro, lo cual hizo viajando durante dos años con una compañía ambulante. Desde allí consiguió un papel en Broadway, donde debutó en 1952 en una obra dirigida por Joshua Logan. Al cabo de tres años, Logan le ofreció un papel secundario en Picnic, película protagonizada por William Holden y Kim Novak, que significó el comienzo de su carrera cinematográfica.

El mismo año ya obtuvo un papel principal en la película Autumn Leaves, estrenada en 1956, en la que actuó junto a Joan Crawford. Las críticas de su actuación fueron positivas, lo que le permitió tener peso en la elección de sus siguientes películas. En 1963 se realizó una película bélica cuyo personaje principal era el futuro presidente John F. Kennedy, quien eligió personalmente a Robertson para interpretar su personaje. Durante los años que siguieron Robertson siguió realizando películas que en general fueron taquilleras. Se puso de manifiesto que este actor de cara seria no sería una estrella del cine, pero sí un actor fiable, capaz de interpretar personajes muy dispares.

En 1968, Robertson actuó en una película en la que interpretó de forma magistral a un disminuido mental que es sometido a un experimento científico, como consecuencia del cual su inteligencia se desarrolla hasta niveles de genio. Por esta actuación obtuvo un Óscar al mejor actor principal. Desde entonces ha intervenido en numerosas películas, en papeles que a medida que se ha hecho mayor han sido frecuentemente de carácter secundario, sin que ello mermase el reconocimiento de la crítica y del público. También ha ido participando en producciones para la televisión, medio en el que ha llegado a sentirse cómodo.

Robertson se casó dos veces. Su primer matrimonio duró sólo dos años, mientras que la segunda vez estuvo casado durante 20 años. Ambos matrimonios terminaron en divorcio. De cada uno de ellos Robertson tiene una hija.

George C. Scott



George Campbell Scott( 18 de octubre de 1927- 22 de septiembre de 1999), fue un actor estadounidense ganador de un Oscar, el cual rechazó.

Nació en Wise, en el estado de Virginia con el nombre de George Campbell Scott. Su madre murió cuando tenía ocho años y su padre, que era un ejecutivo de la empresa Buick, se ocupó de él. En 1945 Scott se alistó en los marines y estuvo durante cuatro años en activo. Cuando se licenció decidió estudiar periodismo en la universidad de Misuri. Allí actuó en alguna ocasión en el teatro universitario, y descubrió su pasión por la interpretación. Se preparó para esta actividad y marchó luego a Nueva York a probar suerte en el teatro.

Hacia finales de los años 50 consiguió un papel en Ricardo III que resultó un gran éxito, a raíz del cual los críticos se fijaron en ese joven actor desconocido. Pronto recibió ofertas para la televisión, que generalmente eran papeles de obras teatrales que se grababan en directo, y que constituían una buena escuela para todos los actores.

En 1959 Scott consiguió su primer papel importante en el cine, en la película Anatomía de un asesinato, en la que interpretó al fiscal inflexible. Este papel le valió una nominación al Oscar como mejor actor de reparto. Scott era del todo contrario a los Oscar, ya que consideraba que era una forma de promocionar a los actores y de hacer negocio. Cuando en 1962 fue nominado nuevamente, en esa ocasión por The Hustler, con Paul Newman, envío una nota que decía "
No, gracias."
, rechazando la nominación. No obstante, la Academia no pareció tomarse a mal su actitud, ya que en 1963 fue nominado por tercera vez por la película de suspenso The List of Adrian Messenger.

Al año siguiente Scott intervino en el papel de general en la comedia anti-belicista de Stanley Kubrick Dr. Strangelove. Declaró en repetidas ocasiones que ésa fue su película favorita entre las que había hecho, y que se sentía culpable por haber cobrado honorarios teniendo en cuenta lo bien que lo había pasado en el rodaje. En 1970 hizo su mejor película, Patton, en la que encarna al famoso general en jefe de la Segunda Guerra Mundial. En esta ocasión, ganó el Oscar al mejor actor principal, pero Scott, fiel a sus ideas, permaneció en su hogar viendo un partido de hockey en la televisión, y rechazó el premio. Esa fue la primera vez que ocurrió en Hollywood. La segunda la protagonizó Marlon Brando.

Convertido definitivamente en uno de los grandes actores de carácter, Scott alternó a partir de entonces sus apariciones en el cine con intervenciones en películas y mini-series de televisión, que cada vez fueron más frecuentes en comparación con el cine, hasta el extremo de que intervino en una o dos producciones para la televisión cada año. También se dedicó al teatro, en el que apareció regularmente.

Scott estuvo casado cinco veces, dos de ellas con la misma esposa, con la que se volvió a casar después de haberse divorciado. De ese matrimonio tuvo dos hijos. Su último matrimonio duró 27 años, hasta su muerte. Falleció en Westlake Villane, California, a los 71 años de edad, como consecuencia de un problema vascular abdominal. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California.

Robert Duvall




Robert Duvall (n. 5 de enero de 1931) es un actor y director estadounidense, considerado uno de los cinco mejores actores vivos de Hollywood ("
The Pantheon"
, junto a Robert De Niro, Dustin Hoffman, Al Pacino y Anthony Hopkins)

Duvall nació en San Diego, California. Su padre, William Howard Duvall, fue almirante en la Armada de los EE. UU. y tenía raíces francesas;
su madre fue una actriz aficionada descendiente del General Robert E. Lee. Su padre era metodista y su madre fue miembro de la Ciencia Cristiana;
creciendo bajo la influencia de ésta última, practicándola hasta hoy en día.

Creció en un entorno familiar marcadamente militar, viviendo durante un tiempo en Annapolis, Maryland, cerca de la Academia Naval de los EEUU. Sirvió en el Ejército de los EE. UU. desde el 19 de agosto de 1953 hasta el 20 de agosto de 1954, alcanzando el rango de soldado de primera y reconocido con la Medalla al Servicio de la Defensa Nacional.

Posteriormente, estudió interpretación en la Neighborhood Playhouse School of Theatre de Nueva York bajo la tutela de Sanford Meisner. En ese tiempo estuvo trabajando en una oficina de correos de Manhattan como oficinista, puesto que abandonó a los seis meses. Duvall aseguró que el no quería trabajar en el mismo sitio durante veinte años.

Es amigo de los actores Dustin Hoffman y Gene Hackman, a los que conoce desde sus comienzos en el mundo de la interpretación.

Duvall se ha casado cuatro veces:

1º Barbara Benjamin (1964 - 1975)

2º Gail Youngs (1982 - 1986)

3º Sharon Brophy (1991 - 1996)

En 2004, se casó con la actriz y empresaria argentina Luciana Pedraza, con quien convivía desde 1996. Luciana Pedraza es nieta de los célebres aviadores Andrés Pedraza y Susana Ferrari Billinghurst.

Duvall habla español con fluidez y tiene su hogar en el estado de West Virginia. Como curiosidad, nació el mismo día que su compañera de reparto en El padrino Diane Keaton. Su ciudad favorita es Buenos Aires en Argentina. Es un experimentado bailarín de Tango.

Su debut en el mundo de cine fue en el papel de Boo Radley en la película Matar a un ruiseñor (1962) pero su verdadero salto a la fama fue una década después, cuando interpretó a Tom Hagen en El padrino (1972) y El padrino II (1974). Fue candidato al Oscar al mejor actor de reparto por la película Acción civil y por su papel de Coronel Kilgore en Apocalypse Now (1979). También fue candidato al Oscar, pero en la categoría de mejor actor por El don del coraje (1980) y El apóstol (1997) y lo ganó en 1983 por su papel en Gracias y favores.

En 1997, dirigió El apóstol, película que narra la historia de un predicador que huye de la ley, y en 2002 Assassination Tango, un thriller sobre una de sus aficiones favoritas, el tango. Fue premiado con la Medalla Nacional de las Artes en 2005 y recibió la estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood el 18 de septiembre de 2003.

F. Murray Abraham



Fahrid Murray Abraham (n. 24 de octubre de 1939) es un actor estadounidense ganador de los premios Oscar y Globo de Oro.

Estudió en la Universidad de Texas de 1959 hasta 1961;
tomó clases con Uta Hagen en la Herbert Berghof School, y en 1965 debutó en el teatro con la obra The Wonderful Ice Cream Suit.

Los inicios de Abraham en el cine lo situaron dentro de la corriente de títulos fundamentados en el concepto de liberalismo americano aun vigente en la primera mitad de la década de los 70. Al margen de El detective y la doctora -segunda colaboración entre el guionista James Goldman y el director Anthony Harvey- concebida inicialmente para la pequeña pantalla, el resto de sus apariciones en aquel periodo (Serpico, Todos los hombres del presidente, El prisionero de la segunda avenida y La pareja chiflada), partían de este modelo ideológico.

Pero Abraham no tuvo un refrendo popular hasta Amadeus, película por la que fue galardonado con el Oscar al mejor actor protagonista en 1984. Aunque la película a priori remita a la figura del genial compositor Mozart (interpretado por Tom Hulce), el protagonismo esta compartido con Antonio Salieri, músico que plagió parte de la obra del autor.

F. Murray Abraham ofrece una mirada turbia y siniestra sobre el frustrado músico italiano, una imagen que no difiere en demasía de otra personalidad del siglo XVIII, el abad Bernardo Gui o del doctor Scalinger que da vida en Nostradamus. Un encasillamiento motivado por un físico muy concreto (raíces Sirioitalianas), del que, sin embargo, ha sabido desprenderse en su vertiente teatral y televisiva, como prueban sus composiciones de Abraham Lincoln y de Cyrano de Bergerac.

Abraham también es profesor de arte dramático en el Brooklyn College y en la Universidad de Nueva York.

Sam Shepard



Samuel Shepard Rogers (Fort Sheridan, Illinois, Estados Unidos de América, 5 de noviembre de 1943), conocido como Sam Shepard, es considerado uno de los dramaturgos contemporáneos más importantes de Norteamerica. Es un destacado personaje de la escena norteamericana desde la aparición de sus primeras obras en los años 1960 y considerado por la crítica como heredero de los grandes autores norteamericanos. Shepard también es escritor, guionista, actor y músico. Ha alcanzado fama entre el gran público por su faceta como guionista y actor cinematográfico con películas tan conocidas como Paris, Texas, Magnolias de acero, El Informe Pelícano y Black Hawk derribado.


Samuel Shepard Rogers IV nació en 1943 en Fort Sheridan, Illinois, donde tenía fuertes lazos familiares y era el mayor de tres hermanos. Su padre fue miembro de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos y posteriormente se dedicó a la enseñanza del español. Su madre había nacido en Chicago.

La familia se trasladó a California donde se dedícó a la cría de ovejas y el cultivo de aguacates en su granja de Duarte, cerca de Pasadena. Durante su infancia en dicha granja Shepard vivió muchas de las experiencias que luego marcaron su obra. La juventud de Shepard estuvo marcada por la caída de su padre en el alcoholismo y el consiguiente deterioro familiar. Durante su paso por la high school empezó a escribir poesía y a actuar, a la vez que trabajaba como mozo de cuadra en un rancho de caballos. En esta misma época leyó la obra de Samuel Beckett Esperando a Godot que le causó una gran impresión. Shepard también trabajó ocasionalmente como recolector de naranjas y esquilador.

Pensando en hacerse veterinario Shepard empezó a estudiar agricultura en el Mount Antonio Junior College, pero un año después se unió a un grupo de teatro ambulante llamado Bishop's Company Repertory Players. Estuvo de gira con el grupo durante los años 1962 y 1963.

Con 19 años se instaló en Nueva York donde empezó a utilizar el nombre de Sam Shepard. Mientras proseguía su carrera teatral trabajó como camarero. El debut de Shepard como autor se produjo el 16 de octubre de 1964 con el estreno conjunto de Cowboys y Rock Garden en el Genesis Theatre. El estreno recibió buenas críticas y a partir de ahí se fue formado una reputación con una serie de obras producidas por teatros del Off-Off-Broadway. En 1966 recibió una beca de la Universidad de Minnesota y ese mismo año de 1966 ganó tres premios Obie por sus obras Chicago, Icarus's Mother y Red Cross, lo que constituía un hecho sin precedentes. Estos premios impulsaron notablemente la carrera de Shepard cuando la corriente principal de la crítica permanecía cautelosa ante su obra. Tras recibir una beca de la Fundación Rockefeller y una beca Guggenheim, Shepard se convirtió en escritor a tiempo completo.

El 9 de noviembre de 1969 Shepard se casó con la actriz O-Lan Jones de la que se divorció en 1984 y con la que tuvo a su hijo Jesse Mojo Shepard. En 1971 Shepard tuvo una relación con la estrella de rock y poetisa Patti Smith y juntos escribieron la obra Cowboy Mouth.

En 1971 Shepard se trasladó con su familia a Inglaterra, donde residió hasta 1974. Cuando cumplió 30 años Shepard ya había escrito 30 obras estrenadas.

Al regresar a los Estados Unidos Shepard se instaló en San Francisco y trabajó como autor residente (inglés: playwright-in-residence) del Magic Theatre de dicha ciudad durante diez años. Fue durante esta época en San Francisco cuando Shepard escribió las obras que aseguraron su reputación: Curse of the Starving Class (1976), Buried Child (1979), una historia de incesto y asesinato con la que ganó un Premio Pulitzer);
y El auténtico Oeste (1980).

En 1978 Shepard empezó su carrera como actor de cine y ese mismo año comienza su colaboración con Joseph Chaikin que tendrá como fruto varias obras teatrales.

En 1982 conoció a la actriz Jessica Lange durante el rodaje de la película Frances en el que ambos participaban y en 1983 comenzaron a vivir juntos.

En los años 1980 Shepard continuó su carrera teatral con numerosos premios. Su carrera en el cine como actor y guionista comenzó a despegar. Su película más popular y aclamada, Paris, Texas ganó la Palma de Oro del Festival Internacional de Cine de Cannes de 1984. El guión era un encargo del director Wim Wenders, y estaba inspirado en el libro de Shepard Crónicas de Motel.

En los años 1990 Shepard siguió escribiendo teatro, pero a un ritmo más lento que en las décadas precedentes. Mientras su carrera como actor de cine seguía floreciendo.

Actualmente Sam Shepard vive junto a Jessica Lange y sus dos hijos, Hannah Jane Shepard y Samuel Walker Shepard, en un rancho en las afueras de Stillwater, Minnesota.

La faceta más relevante de Sam Shepard es la de autor teatral. También ha sido director y ha aparecido esporádicamente como actor. Es uno de los dramaturgos norteamericanos contemporáneos más influyentes y sus obras se representan con frecuencia en Broadway, el Off-Broadway y en todos los grandes teatros norteamericanos. También es profusamente estudiado y representado en Europa, particularmente en Francia, Alemania y Gran Bretaña.

Producto de la contracultura de los años 1960, Shepard combina un humor salvaje, sátira, mito y un lenguaje característico para crear una visión subversiva y pop de los Estados Unidos.

Las obras de Shepard son difíciles de categorizar. Se caracterizan por su franqueza, sus argumentos oblicuos, la aparición frecuente del absurdo y por captar perfectamente el estilo y la sensibilidad del oeste de los Estados Unidos. En general sus obras son una mezcla de imágenes del mencionado Oeste americano, el arte pop, la ciencia ficción, el rock and roll y otros elementos de la cultura popular. También es habitual la aparición de complejos problemas familiares. Shepard aborda los problemas de la sociedad moderna, la alienación individual y los destructivos efectos de las relaciones familiares.

Los personajes de Shepard suelen ser perdedores. Han perdido sus sueños y sus vidas no tienen sentido de la continuidad, por lo que van dando tumbos de un lado a otro, atrapados entre un pasado mitificado y un presente mecánico. Sus obras expresan un sentido de pérdida, de nostalgia por el mundo rural y los mitos populares, destruidos por el pragmatismo, el dinero y el poder. En el mundo moderno la conexión entre mito, tierra, comunidad y el sentido de tener una meta en la vida se ha roto. Todo lo que nos queda, en palabras del propio Shepard son «ideas que no dicen nada en absoluto a nuestro yo interior».

Al estrenar sus primeras obras, la falta de una estructura convencional y el lenguaje de sus largos monólogos ofendió a los críticos más tradicionales. Algunos señalaron en sus obras grandes influencias de Samuel Beckett y otros dramaturgos europeos. Otros lo aclamaron como «claramente americano» y «genuinamente original».

Hacia 1980 Shepard era el autor más representado en los Estados Unidos tras Tennessee Williams.

El impacto y la importancia de la obra de Shepard puede comprobarse por los numerosos libros y artículos dedicados a su obra, así como los cientos de producciones de sus obras, tanto en los Estados Unidos como en el resto del mundo.


Shepard inició su carrera cinematográfica como guionista en los años 1960 con la película Me and My Brother. Junto a Michelangelo Antonioni, Franco Rossetti, Tonino Guerra y Clare Peploe escribió el guión de Zabriskie Point. Sin embargo pronto se cansó de los excesos de Antonioni.

En 1978 empezó su carrera como actor de cine actuando en la película Renaldo and Clara de Bob Dylan. Ese mismo año partició en Dias del Cielo de Terence Malick y en 1983 fue nominado a un Oscar al mejor actor de reparto por su actuación como el piloto Chuck Yeager en Elegidos para la gloria de Philip Kaufman. Estos éxitos, unidos al tirón popular del cine hicieron que a partir de los años 1980 Shepard fuera más conocido entre el gran público como actor de cine que como autor teatral. En 1988 Shepard debutó como director de cine con Norte lejano.


Shepard siempre ha tenido un gran interés por la música. Algunas de sus obras teatrales son musicales o contienen importantes porciones de música. A modo de ejemplo Cowboy Mouth es una ópera rock y The tooth of crime es descrita como un musical-fantasy.

Cuando era un adolescente Shepard ya tocaba la batería en grupos de su high school. A finales de los años 1960 Shepard fue el batería del grupo Lothar and the Hand People y a partir de 1967 de The Holy Modal Rounders.

Shepard escribió junto a Bob Dylan (con quien ya había trabajado en la película Renaldo and Clara) la canción Brownsville Girl que apareció en el álbum de Dylan Knocked Out Loaded y en otras compilaciones posteriores. La canción, que dura once minutos, es considerada por muchos como una de las cimas de la carrera de Dylan.

Su canción God's In The Kitchen forma parte de la banda sonora de la película Llamando a las puertas del cielo de Wim Wenders.


Sam y su compañera Jessica Lange.

:-) te felicito leyla.

Ted Danson



Ted Danson (nombre real Edward Bridge Danson III) nacido el 29 de diciembre de 1947 es un actor de nacionalidad estadounidense mundialmente conocido por sus papeles en series de televisión y en especial por ser el actor que encarnó a Sam Malone en la serie Cheers.

Nacido en San Diego, California, Danson es el hijo de Jessica MacMaster and Edward B. Danson, ella arqueóloga y el antropólogo y su infancia y adolescencia se desarrollaron en la ciudad de Flagstaff, Arizona.

Destacado jugador de baloncesto en su instituto, comenzó a interesarse en la interpretación mientras estudiaba en la Universidad de Stanford. Posteriormente se trasladó a Pennsylvania donde finalizó sus estudios universitarios.

Danson comenzó su carrera de televisión como tantos otros actores con un papel en una soap opera o culebrón llamado Somerset, en la cual interpretaba el papel de Tom Conway (1975-76). Así mismo durante esta etapa realizó batantes comerciales para la pequeña pantalla.

Apareció como actor invitado en varios episodios de diferentes series de finales de los 70 y principios de los 80 tales como B.J. and the Bear, Benson o Magnum

En 1982 Danson consigue el papel que le lanzaría a la fama y sin ninguna duda por el que es más reconocido a día de hoy, al interpretar a un camarero ex jugador de beisbol, los red sox, en la comedia de situación Cheers. El show estuvo en las pantallas de EE. UU. durante doce temporadas consecutivas (desde 1982 a 1993). Durante esta época además participo en otra serie de televisión: Something About Amelia que narraba la historia de una familia devastada por las repercusiones del incesto.

En 1996 Danson participó en otra comedia de situación que a la postre tuvo escaso éxito: Ink en la que a su vez intervenía su esposa en la vida real Mary Steenburgen. El mismo año participó en la mucho más exitosa Los viajes de Gulliver en el papel del propio Gulliver.

El actor volvió a conseguir un éxito rotundo con la serie de la CBS Becker, que stuvo en antena desde 1998 a 2004, en la que interpretaba a un médico constantemente malhumorado. Además, durante este tiempo hizo el papel de sí mismo en la serie Curb Your Enthusiasm.

Recuperó el papel de Sam Malone para participar como actor invitado en un capítulo de la serie Frasier y a su vez puso su voz para interpretarse a sí mismo en un capítulo de Los Simpsons.

Danson volvió a las pantallas de televisión en el otoño de 2006 para interpretar a un psiquiatra en la comedia de situación Help Me Help You.

Ted Danson también ha actuado en numerosas películas. Su papel más notable hasta la fecha ha sido en la película "
Tres solteros y un biberon"
junto a Tom Selleck y Steve Guttenberg, así como en la secuela de esta: "
Tres solteros y una pequeña dama"
. Así mismo ha tenido papeles destacados en películas como "
Made in America"
o "
Salvar al soldado Ryan"
entre otras.

Mary Steenburgen



Mary Steenburgen (n. Arkansas, 8 de febrero de 1953),una actriz estadounidense.

Mary Steenburgen nació el 8 de febrero de 1953 en Arkansas, ciudad que abandonó para trasladarse a Nueva York donde tomó clases de interpretación en 1972.

En 1978 Jack Nicholson le ofreció un papel en Camino al sur, su debut como realizador y que le supuso a Mary una candidatura a los Globos de Oro a raíz de la cual se disparó su carrera. Sólo dos años después su interpretación de Linda Duman en Melvin y Howard, fue recompensada con el Oscar a la mejor actriz de reparto. Mary transmitía una imagen de cierta accesibilidad tanto afectiva como sexual cara al público, dando el tipo de treintañera con ganas de asentar su vida, pero a su vez con cierta capacidad para cuestionar su propio status quo y tomar decisiones al respecto. En su vida primera ella se acababa de casar con el actor Malcolm McDowell, de quien esperaba su primera hija: Lily, quien nació en 1981.

Ese año Mary rodó Ragtime, bajo las órdenes de Milos Forman, en la que interpretó a una mujer plácidamente acomodada que acogía en su casa a una mujer negra embarazada y cuya muerte a cargo de la policía le causaría tal convulsión que acabaría abandonando a su marido por un realizador de cine.

Al año siguiente Mary Steenburgen se sumó al elenco de La comedia sexual de una noche de verano (1982), en la que Woody Allen le ofreció el papel de Adrian, una mujer que padece una creciente friguidez a causa de haber ocultado a su marido una infidelidad que le causaba fuertes remordimientos.

En 1983 nació su segundo hijo Charles. De esta manera en pleno éxito, Mary se alejó de la gran pantalla para cuidar de sus retoños y a la que no volvería hasta 1990, año en el que se divorció de Malcolm. Para entonces empezaba a dar la imagen de mujer madura ya ligeramente desencantada de la vida, más o menos independiente. En pleno proceso de separación, estrenó Dulce hogar...a veces, donde encarnó a una mujer que para revitalizar su matrimonio estaba dispuesta a cualquier cosa...incluso a tener más hijos y por qué no dedicarle una felación a su marido en un coche con consecuencias un poco funestas...

Muy poco tiempo después se la empezó a ver con relativa mayor frecuencia en películas como Regreso al futuro III o Philadelphia (película), en la que interpretó a una implacable abogada que defendía a un bufete homófobo que había despedido a uno de sus letrados por contraer SIDA. La película suponía su reencuentro con Jonathan Demme, el mismo realizador que la había catapultado hacia la fama con Melvin y Howard.

En 1993 Lasse Hallström le ofreció una de sus mejores oportunidades en ¿A quién ama Gilbert Grape?, en la que puso en la piel de Betty Carver, una cuarentona hastiada de su mediocre vida y de su matrimonio y que mantenía una relación sexual con un joven de un pueblo llamado Endora, al cual había atrapado al asegurárse que nunca abandonaría tal triste lugar al tener las manos atadas por una madre cuyo sobrepeso la hacía permanecer anclada en un sofá y un hermano menor deficiente (Arnie:Leonardo DiCaprio).

En 1995 rodó tres películas. En la primera Powder defendía a un muchacho con poderes de una comunidad cruel. En la segunda, El arpa de hierba, se encargaba de dar vida a la Hermana Ida, una predicadora que vivía con sus hijos y que defendía la tolerancia y la libertad en una comunidad opulenta. En Nixon, Mary se puso en la piel de Hannah Nixon, una mujer enferma cuyo recuerdo traumatizaría a su hijo Richard.

Ese año Mary se casó con Ted Danson, al que conoció en la filmación de la película para televisión Los viajes de Gulliver, en la que ella interpreto a la sufrida mujer del susodicho Gulliver, condenada a cuidar de los hijos mientras su marido realizaba fantásticos viajes.

Con ese papel se abría de alguna manera una nueva etapa en la carrera de la actriz que alternó personajes similares a la Betty Carver de la cinta de Lasse Hallström con la de madres comprensivas y cariñosas. Entre las primeras destaca la Collen de La casa de mi vida, en la que repetía el rol de divorciada cuya vida sexual dependía de un adolescente.

Entre las segunda figuran tres trabajos con derecho propios, dos de ellos bajo las órdenes de John Sayles, quien la dirigió en La tierra prometida -en la que dio algo de dignidad a una mujer que falseaba la historia local en pro de una masificación cultural y la aprobación de un plan urbanístico-, y Casa de los Baby, donde encarnó a una ex-alcohólica dispuesta a adoptar un niño en Latinoamérica, a pesar de un sistema plenamente corrupto interesado en explotar a los extranjeros que venían al lugar con esas intenciones y extraerle todo el dinero posible en hoteles de lujo y restaurantes. Rita Moreno, Marcia Gay Harden, Maggie Gyllenhaal y Daryl Hannah fueron sus compañeras de reparto.

El tercero de dichos trabajos lo llevó a cabo en la serie Joan de Arcadia, en la que interpretó a Helen Grimaldi, la mujer del jefe de policía del pueblo, profesora de arte y preocupada por sacar adelante a un hijo paralítico (Jason Ritter). La serie ofreció una imagen serena de una actriz que había alcanzado la madurez, mostrandóse comprensiva, luchadora, paciente, dispuesta a darlo todo por la familia.

En 2007 interpretó a la directora de una emisora de radio neoyorki en La extraña que hay en mi ;
y que se convertía en testigo de la transformación de Erica (Jodie Foster) después de haber recibido una paliza.

Malcolm McDowell



Malcolm McDowell (* 13 de junio 1943) es un actor británico. Nacido como Malcolm John Taylor en Leeds, West Yorkshire.

Posiblemente mejor conocido por su papel de Alex DeLarge en La naranja mecánica (1971), comenzó su vida profesional sirviendo bebidas en el pub de sus padres y después como vendedor de café (éste último trabajo sirvió de inspiración para la película O Lucky Man!). Las clases de actuación constituían un refugio para su humilde condición, hasta que finalmente consiguió trabajo estable como extra en la Royal Shakespeare Company.

McDowell hizo su debut en la pantalla con Poor Cow (1967) seguido por The Raging Moon (1970), Figures in a Landscape (1970) y If... (1968) del director británico Lindsay Anderson. Sus actuaciones llamaron la atención de Stanley Kubrick, que selecciona a McDowell como el protagonista de La naranja mecánica. Lamentablemente, a pesar de ganarse la aclamación (fue nominado como Mejor Actor por el Círculo de Críticos de cine de Nueva York) por su papel como el líder de una cuadrilla de vándalos futurista, el papel creó una caracterización tan inolvidable que el público tardó un largo tiempo en separar el actor del personaje.

Volvió a trabajar con Lindsay Anderson en O Lucky Man! (1973) y Britannia Hospital (1982), y protagonizó Royal Flash (1975). McDowell figuró con regularidad en producciones de la televisión británica a principios de los 70 en adaptaciones de clásicos teatrales. Co-protagonizó Voyage of the Damned (1976), y debutó bien en Hollywood como H. G. Wells en Time after Time (1979). En esta popular película conoció a Mary Steenburgen con quien se casó en 1980, pero se divorciaron diez años después en 1990.

McDowell hizo papeles de villano a finales de los setenta y durante los ochenta, aunque ninguno de ellos tan notorio como el personaje principal en la controvertida Calígula (1979). También apareció en la película de acción Blue Thunder (1983) como F.E. Cochrane, y en el remake de 1982 de Cat People.

También es conocido en el mundo de Star Trek como "
el hombre que mató al Capitán James T. Kirk"
en la película Star Trek VII: La próxima generación, en la que hizo el papel del científico loco Dr. Tolian Soran. McDowell también es el tío de Alexander Siddig, miembro del reparto de Star Trek: Espacio Profundo Nueve.

En 1991 McDowell se casó con Kelley Kuhr. Tiene tres hijos, dos con Steenburgen: Lily Amanda, nacida el 21 de enero de 1981 y Charles Malcolm, nacido el 10 de julio de 1983. Su tercer hijo, y único con Kuhr, es Beckett Taylor y nació el 29 de enero de 2004.

McDowell hizo de sí mismo en la película de Robert Altman The Player, haciendo un cameo en el que regaña al protagonista Griffin Mill (Tim Robbins) por hablar mal de él a sus espaldas.

McDowell también tuvo un papel en los juegos de ordenador Wing Commander III y Wing Commander IV como Admiral Geoffrey Tolwyn, co-protagonizando con Mark Hamill.

McDowell apareció en la efímera comedia Pearl, con Rhea Perlman, y apareció en 1995 en la película Tank Girl. También hizo el papel de Mr. Roarke (anteriormente hecho por Ricardo Montalbán) en el remake efímero de Fantasy Island.

En 2005, McDowell prestó su voz al álbum Back Against the Wall, grabado por varios artistas como tributo al álbum The Wall, del grupo británico Pink Floyd.

En 2006 fue un invitado especial en Law &
Order: Criminal Intent como el magnate de radio Jonas Slaughter, que admite haber matado a uno de sus hijos y manipula al otro para confesar mientras muere, y así salvar su vida. También apareció en Monk como un fotógrafo de moda arrogante que asesinó a sangre fría.

En 2007 interpreta al mafioso y filántropo Linderman en la serie de televisión Heroes.

Mira Sorvino



Mira Katherine Sorvino (n. 28 de septiembre de 1967) es una actriz estadounidense ganadora de los premios Oscar y Globo de Oro.

Nació en Tenafly, en el estado de Nueva Jersey, como hija del también conocido actor Paul Sorvino. Creció en Nueva Jersey y dedicó su infancia y adolescencia a los estudios académicos y no, en cambio, a prepararse para una carrera de actriz, ya que su padre no quería que sus hijas se convirtiesen en estrellas de cine siendo aún muy jóvenes.

Aun así, durante los últimos cursos Sorvino intervino en producciones teatrales del colegio, donde adquirió sus primeras experiencias de interpretación. Más tarde continuó actuando en los montajes teatrales de su universidad. Estudió en la Universidad de Harvard, donde se licenció "
magna cum laude"
en estudios de Asia Oriental. Vivió un año en China, durante el cual aprendió a hablar con fluidez el chino mandarín. También habla el francés.

Después de terminar sus estudios universitarios, Sorvino pasó tres años en Nueva York intentando hacerse un nombre como actriz sin ayuda de nadie. Como tantos otros jóvenes actores y actrices, también ella hizo diversos trabajos mientras esperaba su oportunidad. Uno de sus trabajos fue el de ayudante de producción en una compañía cinematográfica. Cuando en 1993 se inició la pre-producción de la película Amongst friends, Sorvino fue contratada como tercera ayudante de dirección. Sin embargo, pronto fue promocionada a los puestos de directora de casting y de productora asistente, y finalmente se le ofreció el papel principal femenino de la película. Las críticas de su actuación fueron positivas, lo que le abrió las puertas para actuar en otras películas.

Una interpretación que en 1995 la convirtió en una actriz de reconocido prestigio, fue la de prostituta parlanchina y de voz aguda en Poderosa Afrodita, de Woody Allen, por la que Sorvino obtuvo el Oscar a la mejor actriz de reparto. Desde entonces ha trabajado de forma continuada en papeles principales y secundarios, en películas de las que algunas tuvieron un considerable éxito comercial, como Romy y Michelle, coprotagonizada por Lisa Kudrow, y A primera vista, con Val Kilmer.

Sorvino mantuvo durante varios años una relación con Quentin Tarantino, y más recientemente con el actor francés Olivier Martínez. Actualmente está casada con el actor Christopher Backus.